LA CAJA DE MUSICA LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO ============================================================================ LCDM: #969 octubre 2011 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM ---------------------------------------------------------------------------- * Entrevista a GLAZZ * SYMPHONY X - "Iconoclast" (2011) * Hola Cajeros espero llegue este correo sin acentos. * DESIGN de INTERVIEW de GENTLE GIANT * Nota_aclaratoria_sobre_la_cronica_de_PANZERBALLETT_en_el_festival_RIO * breve cronica de una revista encontrada * POSEIDÓTICA + VIOLENTANGO + KLAUSS - 21 de octubre * NICKLAS BARKER - "El Último Fin De Semana" (2011) * DREAM THEATER - "A Dramatic Turn Of Events" (2011) * Vuelven... Arcabuz * DEEP PURPLE en la prensa limeña (inc. cancelación del concierto) * Alejandro Matos - 15 de octubre * Steven Wilson - Grace for Drowning (2011) ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Progjuan Progjuan Asunto: Entrevista a GLAZZ Hola El trío portuense Glazz ha edita su segundo trabajo "Cirquelectric", tuve ocasión de verlos en directo en la SALA FAKTORIA D'ARTS en Terrassa el pasado 9 de Septiembre 2011 y aproveche la brillantez para realizarles la siguiente entrevista. "Lo que hacemos tiene que ver con el Rock Progresivo pero no nos sentamos a componer pensando en que somos una banda de ese estilo. Hacemos lo que nos va pidiendo el disco y si encaja va a mezcla". Glazz ENTREVISTA A GLAZZ (SEPTIEMBRE 2011) JM: ?Nos puedes hacer una breve presentación de Glazz ? GLAZZ: Somos trío instrumental que hace Jazz y Rock Progresivo a partes iguales pero que bebe de otros estilos como el Funk, las músicas del mundo la fusión... JM: ?Creo haber leído que en vuestros directos incluís además de la música un elemento escénico coreográfico? GLAZZ: Cuando podemos contamos con la presencia de Lucía Ruibal. Interpreta algunos de los personajes y hace que el espectáculo sea redondo. JM ?De que manera evoluciona el grupo desde vuestros inicios y como os adentráis en el mundo progresivo?. GLAZZ: La propia música nos ha llevado a ello. De todas formas no nos gusta encasillarnos en un estilo. Lo que hacemos tiene que ver con el Rock Progresivo pero no nos sentamos a componer pensando en que somos una banda de ese estilo. Hacemos lo que nos va pidiendo el disco y si encaja va a mezcla. JM: ?A que bandas o solistas podrías decir que hacéis referencia / influencia? Son esas referencias, además, influencias reales de los todos músicos de Glazz? GLAZZ: Cada uno aporta lo que más a escuchado o trabajado. Desde los doble LP de Rock Sinfónico de los "70 a lo último de Avishai Cohen , un blues pantanoso tipo Toma Waits...Cada uno tiene su lista de reproducción personal y es algo que se nota en el estudio. JM: JAZZ FUSION o FUNK ? Hacia donde se mueve el grupo musicalmente? GLAZZ: Con respecto al primer disco nos hemos movido un poco más hacia el Jazz/ Rock aunque en directo pasamos bastante por el funk. La única forma de saberlo es escuchando el futuro tercer disco... JM: Al componente flamenco como le dais rienda? ?Es importante para la búsqueda de vuestra originalidad y estilo? GLAZZ: Nos sentimos cómodos tocando sobre palos flamencos, además es una música que casa muy bien con el Rock por la pasión que desprenden ambos estilos. JM: Hablarnos un poco del proceso de creación de Cirquelectric, ?De donde salen las ideas? ?Quién es el principal compositor? ?Cómo trabaja la banda en general?. GLAZZ: En cada tema se graba lo que pide el tema, en alguna que otra ocasión hemos tenido la sensación de que los temas estaban ya dentro del estudio y que tan solo había que darles forma. Por lo general solemos traer ideas más o menos maduras y las ponemos en común hasta que suenan como tenemos en la cabeza. El principal compositor y arreglista es Jose. JM: ?Habéis dejado material grabado o por grabar? GLAZZ: Sí, pero muy poca cosa. JM: Vertigo, El domador y especialmente La adivina pastora son los temas mas progresivos del disco, aún asi noto que el grupo se mueve no se si intencionadamente por senderos jazzeros y fusión ?Es premeditado? GLAZZ: En lo que hacemos no hay nada premeditado. Afortunadamente es lo que nos sale. JM: A partir del tema cantado de Miguel Rios noto los temas mas enlazados, mejor cohesionados a nivel compositivo, es una sensacion de que haya como una primera parte adsequible para todos los publicos y otro segunda parte mas compleja para oídos mas selectos. ?Que pensáis de esta opinión? GLAZZ: Puede ser, hicimos tres órdenes provisionales y este fue el que nos convenció. La Adivina Pastora es un tema con un desarrollo un poco más lento y dos solos amplios que nos pareció bien dejar para cuando el oído estuviera acomodado. JM: ?Del resto de invitados que nos podéis comentar? Javier Ruibal, Carmelo, Pepa Niebla, etc..? GLAZZ: Les debemos a todos una cena, su trabajo ha sido extraordinario y para nosotros ha sido todo un placer poder trabajar con ellos. JM: Habéis utilizado tanto José como Javi la guitarra portuguesa. ?Alguna razón especial? GLAZZ: José le cambió las cuerdas a una perteneciente a Javier Ruibal y empezó a probarla, el resto salió solo. JM: ?Como ves la escena progresiva aquí en España? GLAZZ: No la seguimos muy de cerca en realidad, es complicado dar con las bandas y sobre todo verlas en directo. Las que más nos han llamado la atención son Senogul, WhyGo y Ocnos. Hace cosas muy curiosas y de una calidad notable. Lo mejor de este mundillo es que estamos pendientes los unos de los otros y nos seguimos mutuamente. JM: ?y fuera de aquí? ?Que grupo(s) te gustan mas de los actuales? GLAZZ: Quien más sigue el Rock Progresivo actual es Daniel. Artistas como David Gilmour, Transatlantic, Porcupine Tree , Spock"s Beard y por supuesto Dream Theater se encuentran entre sus favoritos. JM: ?Como fue la experiencia de tocar en el Jazz Plaza de La Habana, en Japon, en Manchester y en el festival de Bornos junto a la PFM?. GLAZZ: Fueron todas muy buenas, nos sorprende siempre el recibimiento que solemos tener fuera de nuestras fronteras, en Manchester fuimos la actuación con más público del Festival de Jazz y en Japón hemos hecho negocio con una de las cadenas de tiendas más importantes del país por citar algunos ejemplos. JM ?Cuáles son vuestros planes de futuro? ?Estáis componiendo nuevo material? ?Cómo van vuestras actuaciones en directo? GLAZZ: Ahora estamos inmersos en la promoción de Cirquelectric pero no paramos de pensar en el tercer álbum. Antes de todas formas tenemos pensado publicar el segundo disco en una mezcla 5.1 edición disco libro. Gracias y mucha suerte Juan ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: SYMPHONY X - "Iconoclast" (2011) SYMPHONY X: "Iconoclast" (2011) Temas DISCO UNO 1. Iconoclast (10:51) 2. The End Of Innocence (5:27) 3. Dehumanized (6:48) 4. Bastards Of The Machine (4:56) 5. Heretic (6:25) 6. Children Of A Faceless God (6:21) 7. When All Is Lost (9:10) DISCO DOS 8. Electric Messiah (6:14) 9. Prometheus (I Am Alive) (6:47) 10. Light Up The Night (5:04) 11. The Lords Of Chaos (6:10) 12. Reign In Madness (8:38) Integrantes: - Russell Allen: voz - Michael Romeo: guitarras eléctricas y acústicas, teclados orquestales, programación - Jason Rullo: batería - Michael Pinnella: teclados, piano - Michael Lepond: bajo "Iconoclast" es la nueva entrega de Symphony X, banda original de Nueva Jersey que desde la primera mitad de los 90s ha estado desarrollando, consolidando y afirmando un paradigma muy estilizado de la onda prog-metalera en base al estándar del metal neo-clásico y con abundantes florituras y ornamentos de carácter sinfónico. Este disco viene en formato simple y doble, siendo este último el que contiene más fielmente la totalidad del concepto gestado por Romeo y Allen, una responsabilidad creativa dual que ya había rendido buenos frutos en la ambiciosa idealización poética miltoniana expuesta en el disco anterior, "Paradise Lost" (2007). Casi 11 minutos dura el primer tema del volumen 1, justamente el tema que da título al disco. Con un pasaje introductorio que incluye arreglos corales, la pieza instala su cuerpo central, focalizado en una exhibición de poder metalero sofisticado poco antes de llegar a la barrera del segundo minuto y medio. Todas las piezas habituales del puzle musical históricamente delineado por esta banda están allí: riffs poderosos, una sección rítmica sólida que se mueve con milimétrica precisión por todas las variantes de compás, momentos para el brillo d la guitarra y el teclado en sus respectivos solos, el magistral canto de Russell Allen. Se ahonda también en el rol especialmente protagónico de la guitarra de Romeo que se venía dando desde los días de "The Odyssey": la presencia de los teclados en ornamentos, armonías y orquestaciones no es tan relevante como en los días de "The Divine Wings Of Tragedy" o "Twilight In Olympus", pero a despecho de la relativa minimización de este recurso predilecto del estándar del prog-metal neoclásico (el reino de Symphony X), la estructura musical de esta pieza es fluidamente explorada a través de su ambiciosa proyección temporal. "The End Of Innocence" sigue a continuación, con muchos de los ingredientes sonoros intactos, aunque su dinámica compositiva se me hace más cercana a la de un par de temas del épico concept-disc "V". "Dehumanized" está más a tono con el filo agresivo inapelable de "Paradise Lost": hallamos en la sección intermedia el que quizá sea uno de los mejores solos de guitarra de todo el doble álbum. "Bastards Of The Machine" y "Heretic" prosiguen con este despliegue de contundencia oscura y arrolladora: el primero se desarrolla de una forma trepidante tanto en su esquema rítmico como en la articulación de los riffs básicos, y adicionalmente, en el canto de Allen, simultáneamente airado y autoafirmativo; el segundo capitaliza el frenesí para concentrarse un poco más en lo muscular y bajar en cierta dosis el acento dramático que en "Bastards" era más patente. "Children Of A Faceless God" convierte la fuerza rockera vigente a una dimensión un poco más contenida, logrando así crear un esquema melódico donde lo majestuosos se resalta debidamente. Durando 9 minutos y pico, "When All Is Lost", cierra el primer volumen del disco con un esplendor magnífico y atrapante, alternando secciones lentas donde reina una atmósfera emocionalmente vulnerable de power-ballad con otras en las que el grupo da rienda suelta a su estilizada extroversión que ya es "marca de la casa" desde hace tiempo. La coda dirigida por la guitarra acústica, a pesar de su brevedad, tiene un poder evocativo inmenso. Pasamos ahora al segundo volumen y es el tema "Electric Messiah" el que está a cargo de inaugurar la ocasión, y lo hace con una polenta muy semejante a la exhibida y articulada en"Bastards Of The Machine" y "Heretic", posiblemente más cercana a este último. "Prometheus (I Am Alive)" establece una estilización más a tono con el legado de "The Odyssey", logrando así plasmar otro momento de majestuosidad antes de la erupción de una nueva oleada flameante de frenesí directo por vía de "Light Up The Night". En este punto quedan poco menos de 15 minutos para la conclusión de la experiencia de "Iconoclast". Así, "The Lord Of Chaos" desarrolla un lirismo claramente definido en medio del imponente vigor de la instrumentación (que incluye, claro está, otro solo incendiario a cargo del "Gran Jefe" Romeo), y es tan fuerte el impacto de ese lirismo que se perpetúa a su manera en la más aguerrida "Reign In Madness", pieza que tiene mucho parentesco con "Heretic" y "Electric Messiah" en cuanto a la contundencia rítmica, la garra vocal en la mayor parte de las intervenciones de Allen y el despliegue de poder por parte de los riffs, pero las bases de teclado aportan un aura mayestática al bloque sonoro global, un aspecto que se resalta de manera poderosa en el aguerrido interludio instrumental. Por enésima vez, los fantasmas de "The Odyssey" inundan los ambientes de este palacio prog-metalero iconoclasta. Así termina esta nueva obra de Symphony X, banda que ya tiene desde hace cierto tiempo delineados los confines de su tradición y los rituales de nueva frescura que han venido alimentando de forma consistente desde los tiempos de "The Odyssey" - nos quedamos con el aprecio por este disco en tanto condensador de las propuestas de "The Odyssey" y "Paradise Lost", manteniendo la expectativa en torno a las metas musicales que el grupo deberá proyectarse en adelante. Por lo pronto, !nota aprobatoria para "Iconoclast"! César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: alberto benitez Asunto: Hola Cajeros espero llegue este correo sin acentos. A todos los cajeros del mundo. No me he olvidado de "mis deberes cajeriles" jejeje. Les envío mi mensaje. En YOUTUBE me encontre con el video Edge of Twilight: Adam Wheeler and Brady Arnold do a Gentle Giant Cover. Si les interesa la musica de GG se maravillaran. Que bonito cuando cada quien hace lo que le corresponde. Gracias Gigante. Gracias Gigantes. Solo intento ser un GIGANTE POR UN DIA. Saludos desde Mexico D.F. Alberto Benitez Baena ---------------------------------------------------------------------------- Autor: alberto benitez Asunto: DESIGN de INTERVIEW de GENTLE GIANT He compartido con ustedes, un poco en desorden, reseñas detalladas de Gentle Giant: Acquiring The Taste (LCDM#303), Gentle Giant (LCDM#315), Octopus (LCDM#349), Three Friends (LCDM#376), In a Glass House (LCDM#397), The Power and the Glory (LCDM#470) y Free Hand (LCDM#516). Reseñas detalladas de los albumes completos, rola por rola. Tambien les he compartido tablaturas para bajo, flautas dulces, teclados y guitarra acustica de mi favorito grupo de rock progresivo: Gentle Giant. Digo esto a los cajeros que se asoman por primera vez a LCDM, y a los que se interesen, por supuesto. :Espero que llegue sin acentos.: :Pero antes saludo a todos los cajeros del mundo.: :En esta ocasion los deleitare con la reseña detallada de la pieza musical DESIGN contenida en el album INTERVIEW. Aplausos por favor a Gary Green, Kerry Minnear, Derek Shulman, Ray Shulman, John Weathers. :De 0:00 a :0:16 se oye que entrevistan a los gigantes: :ENTREVISTADOR:LA BANDA RESPONDE A CONTRAPUNTO. Woooooow: Well/Well, I guess...combination of...background...very arranged...basically it's all different sorts... :Wooooow. Permitanme reponerme. Hasta en la respuesta se nota el oficio de los Gigantes: Parece que hablan en completo caos, pero no se confundan cajeros. Los Gigantes responden al entrevistador EN CONTRAPUNTO. No es caos. Es un perfecto orden. Es una respuesta en perfecto orden CONTRAPUNTISTICO.: :De 0:17 a 0:35 es una armonia a cuatro voces.: :De 0:36 a 1:51 se sigue oyendo la armonia a cuatro voces y se agregan cuatro voces mas QUE ENTRAN A CONTRAPUNTO. Sin yo detallar cuando es fuga o cuando es canon u otro elemento estructural para no complicar aun mas esta reseña. Favor de tener cuidado con no confundir armonia con contrapunto. O sea que ya tenemos 8 voces en total. En las dos veces que se solfea la palabra TIME se agrega una novena voz.: :De 1:50 a 2:46 continua con una seccion de percusiones.: :De 2:47 a 3:38 esta seccion es aderezada a 5 (cinco) voces que me recuerdan a JOHANN SEBASTIAN BACH. Echenle un vistazo a sus fugas y canones. Inicia con la letra "I thought everything may come to me, made my way only as I'm able", despues el canon es a 2 voces, despues es un canon a 3 voces, despues el canon es a 4 voces y despues el canon es a 5 voces. Johann Sebastian Bach nunca sabra que en el rock progresivo en esta pieza de DESIGN el Gentle Giant se ocupo de recordarlo. En especial lo recordo Kerry Minnear.: :Orale por por que tanta seriedad mia, jejeje. Hasta parezco experto hablando sobre Gentle Giant, jejeje. Chale, ora si me vi re seriesote, nooo. Es un pequenyo break. Relax. Continuo.: :De 3:39 a 3:45 la seccion de percusiones continua y va esfumandose en los bordes de la via lactea.: :A partir de 3:46 regresamos al DOBLE SOSTENIDO con las armonias vocales y hasta terminar la pieza. Favor de tener cuidado con no confundir entre CODA con regreso al DOBLE SOSTENIDO.: :Es una pieza ejecutada con impecabilidad y en perfecto orden BACHIANO.: :No quiero aburrirlos con las referencias del siglo XVIII. Pero la musica de Gentle Giant está llena de ella y ES ROCK. Wooow.: :A Design le doy calificacion de diez. Con solo esta pieza DESIGN, el Album completo INTERVIEW queda con calificacion de 8 como minimo, en mi humilde opinion.: :Gracias Kerry Minnear y gigantes gentiles que lo acompanyan.: :Como siempre, esto es sin afan de lucro, solo intento ser un GIGANTE POR UN DIA.: :Los saluda desde Mexico, D.F.:Alberto Benitez Baena:Septiembre 3, 2011 Gentle Giant, how would you describe your music? ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Javi Herrera" Asunto: Nota_aclaratoria_sobre_la_cronica_de_PANZERBALLETT_en_el_festival_RIO Hola a todos, solo quería puntualizar(me) un detallito técnico sobre lo que comenté del concierto de Panzerballett en Carmaux. Quizás alguno se haya dado cuenta de que cuando dije "con la banda tocando el 5/8 del tema y el batería superponiendo una inverosímil superdivisión en 15 partes", lo de que fuera inverosímil o no depende del número de compases en 5/8 sobre los que se repartiera la superdivisión de 15 partes. Por ejemplo, sobre 3 compases sería trivial (la subdivisión coincide con al corchea del 5/8, en efecto, 3*5 : 15), la miga del caso es que la coincidencia se da cada 4 compases en 5/8 (o sea, polirritmia de 15 sobre 20, que simplificando queda 3 sobre 4... pero el "4" se refiere a cuatro corcheas sobre el 5/8, o sea que tenemos una polirritmia sobre un desplazamiento rítmico. Algo realmente bizarro: http://www.youtube.com/watch?v:5uapNJD94Bc como corrobora el "What the fuck" de un miembro del público, que no da crédito ;-) ---------------------------------------------------------------------------- Autor: alberto benitez Asunto: breve cronica de una revista encontrada Saludos a todos los cajeros y no cajeros del mundo.: :Estaba ordenando algunos libros en mi librero y sin querer queriendo encontre una revista que aca en Mexico era famosa a fines de los 60's y en los 70s. La revista se llama Mexico Canta.: :Yo llegué a tener como 100. Cajeros no me pregunten por estas revistas que tuve. Lo hecho hecho esta.: :Me encontre un Mexico Canta. De hecho no tenia escrito el anyo pero lo encontrare leyendo esta revista como lo hacia en el pasado: de INICIO a FIN y sin perder detalle, sin pestanyear.: :Viendo una referencia me percate que la revista es de fines de 1972 o de 1973. Esta revista tiene la seccion ROCKOMENTARIOS escrita por F. R. K. (sic). Es una seccion de preguntas y respuestas. Alguien pregunto ?quien es el organista del fabuloso grupo YES, de que grupo viene?.: :La respuesta en estos tiempos modernos afortunadamente la conocemos muchos rockerosprogresivos del mundo. En los ultimos 15 o 20 anyos no es novedad saber quien es el FABULOSO TECLADISTA de YES.: :A fines de 1972 o en 1973 era una aventura o era un alucine enterarse de estas cosas y por supuesto era un alucine oir las maravillas del rock progresivo sin imaginarnos que seguirian siendo obras maestras en el nuevo milenio. Obviamente, yo ya era un fan rockeroprogresivo.: :Les transcribo parte de la respuesta: "Ademas Rick acaba de sacar, hace poco, un album como solista que se llama The Six Wives of Henry VIII, que esta muy bueno".: :Por supuesto que a su debido momento oi este disco de un tal RICK en esos anyos 70s. En casa de mi amigo de muchos anyos y actual compadre un dia de esos anyos 70s escuche The Six Wives of Henry VIII, puesto que soliamos reunirnos para escuchar ROCK PROGRESIVO y del otro ROCK. En esos anyos no se tenia el concepto de Rock Progresivo, pero YA EXISTIA.: :Ojala alguien que tenga algun numero de esta revista y tenga deseos de compartirlo y tenga tiempo para nosotros nos transcriba algo de esa Revista y nos haga viajar a esos maravillos anyos del rock progresivo. No importa que nos den noticias que ya sepamos. En los 70s el rock progresivo era de otro planeta. Lo sigue siendo.: :No los aburro mas. Leere la revista con calma y seguire informando.: :Por el momento CAMBIO Y FUERA.: :Saludos desde Mexico DF:Alberto Benitez Baena:Octubre 5, 2011 ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: POSEIDÓTICA + VIOLENTANGO + KLAUSS - 21 de octubre HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. El cuarteto argentino POSEIDÓTICA presentará el próximo 21 de cotubre su nuevo disco "Crónicas Del Futuro" en un evento donde compartirá cartel con las bandas VIOLENTANGO y KLAUSS. Lugar: Niceto Club | Niceto Vega 5510 | Palermo | Ciudad de Buenos Aires Hora: 20.00 Venta de entradas.- Anticipadas $30 en la boletería de Niceto (Lun a Vie de 12 a 18 hs), Anthology (Av. Santa Fe 1670 Local s 7. Galeria Bond Street), Oid Mortales (Av.Corrientes 1145 local 17) o por sistema Ticketek http://www.ticketek.com.ar/ 2x1 Club La Nación disponible solo por Ticketek (CUPOS LIMITADOS) Entradas en puerta: $40. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: NICKLAS BARKER - "El Último Fin De Semana" (2011) NICKLAS BARKER: "El Último Fin De Semana" (2011) Temas 1. Leo (1:23) 2. Celestial Ghost (5:28) 3. Night Ambience (2:03) 4. Sisters / Phantasm (3:20) 5. Rendezvous (2:23) 6. Entering The Village (1:40) 7. Confrontation / Doom (4:10) 8. Going Home / Ouija (3:22) 9. By The Shore (2:19) 10. Chase / Purgatory (3:14) 11. Grand Finale (3:27) 12. Home (1:03) 13. Beach Girls (1:50) Nicklas Barker: mellotrón, sintetizadores, bajo, Theremin, gong Colaboradores - Martha Barker (cello), Karolina Bergström (violín), Peter Nordins (batería, percusión) Nicklas Barker, quien no es sino Nicklas Berg, guitarrista/teclista de Anekdoten, Morte Macabre, My Brother The Wind y otros proyectos musicales, aparte de productor e ingeniero de sonido, da rienda suelta sus inquietudes de músico y creador solista cuando se encarga de la banda sonora de la película de horror española "El Último Fin de Semana", dirigida por Norberto Ramos del Val y protagonizada por el poderoso ensamble actoral de Irene Rubio, Alba Messa, Silma López, Nacho Rubio, Marian Aguilera, Jorge Anegón, Ayelén Muzo, Víctor Alcázar. En fin, más información sobre la película se puede leer en su FB https://www.facebook.com/#!/elultimofindesemana?sk:info . Por lo pronto, esta banda sonora es un notable ejercicio de música progresiva atmosféricamente siniestra y densamente etérea, donde los momentos intensos (predominantes) y los más contenidos suenan igualmente envueltos bajo un manto de misterio acechante y peligro latente tanto como inocultable. Si pensamos en un híbrido entre Goblin, el lado más nostálgico de Morte Macabre y las aureolas más evocativas del kraut electrónico, contaremos con un apropiado esquema mental para comprender la experiencia de escucha de esta banda sonora. Vayamos ahora a los detalles del mismo. En un contexto de abuso verbal y físico, "Leo" abre el disco con un aura de pavor e indefensión de forma minimalista. Este breve prólogo prepara el camino para la solemnidad claroscura de "Night Ambience", tema que orgullosamente ostenta su hibridación de Anekdoten temprano y el Goblin clásico: con las gloriosas capas de mellotrón y las intrusiones de los sintetizadores, el órgano y el Theremin se crea un genuino ejemplo de cómo la languidez puede, en el arte del ruido, erigirse como una modalidad especial de energía expresiva. Dándole un aire un poco más olfieldiano al asunto, pero preservando las alusiones a Goblin, "Night Ambience" nos devuelve al pavor de la pieza inicial por un par de minutos antes de que "Sister / Phantasm" nos lleve por los senderos de un relajamiento grisáceo que finalmente se trastoca en un clima de inquietud expectante ante algo que se avecina pero no se logra atisbar, permaneciendo indescriptible: muy kraut esta pieza, al modo del Tangerine Dream de "Sorcerer" con aires añadidos a lo Cluster. ?Y por qué no seguir con lo kraut? Pues Barker sigue adelante con esto para la secuencia de "Rendezvous" y "Entering The Village", extrapolándolo hacia un minimalismo más marcado, semejante al Kraftwerk pre-"Autobahn" a fin de realzar lo terrorífico de una forma sólida en un espacio de menos de dos minutos y medio. Aunque persiste en la línea de predominio minimalista, "Confrontation / Doom" ya no se enmarca tanto en el legado del kraut como en los momentos más misteriosos del parámetro de Goblin, incluso aportando matices electrónicos propios de un Brian Eno durante su etapa pionera de lo que después se dio por llamar "ambient"; algo muy similar sucede en la siguiente pieza, "Going Home / Ouija", la cual tiene un inocultable aire Eno-Vangelisiano en la ilación de los dos motivos que conforman su núcleo compositivo. "By The Shore" sí supone un regreso a los rincones más oscuros del discurso kraut que ya habían dejado su huella en "Rendezvous" y "Entering The Village", y tabién más adelante en "Grand Finale". Cuando la oscuridad se matiza con una espiritualidad vitalista a través de un robótico compás llamativo, es el momento en que "Chase / Purgatory" emerge para aportar una misteriosa luminosidad al ambiente general del álbum. Esta pieza puede describirse como una partitura perdida del Jarre de "Equinox" retomada por el Neu! del tercer álbum bajo la producción de Peter Baumann aún fresco de las sesiones de grabación de "Stratosfear". "Home" es lo tétrico en su máxima expresión, finamente disfrazado de cálido lirismo en sus primeros pasajes pero presto a despojarse prontamente de dicho disfraz, mientras que "Beach Girls" es un ejercicio de suave compás tropical no ajeno a la nocturnidad emocional que ha penetrado todos los poros sónicos del álbum... algo así como una añoranza plácida en medio de la inocultable tensión que aprisiona a la mente. En conclusión: Nicklas Barker luce su habilidad y creatividad para crear texturas y ambientes convincentes y poderosos desde su papel de teclista, una posición que hasta ahora solo era secundaria en otros proyectos musicales progresivos en los que había estado envuelto desde los tiempos del primer álbum de Anekdoten. Teniendo en cuenta el tanta veces mentado revival 90ero del rock progresivo ya tuvo lugar hace dos décadas, Barker ya puede ser considerado como un veterano por méritos propios, y aquí está la banda sonora de "El Último Fin De Semana" para corroborar la innegable justicia artística de esta consideración. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: DREAM THEATER - "A Dramatic Turn Of Events" (2011) DREAM THEATER: "A Dramatic Turn Of Events" (2011) Temas 1. On The Backs Of Angels (8:45) 2. Build Me Up,Break Me Down (6:59) 3. Lost Not Forgotten (10:11) 4. This Is The Life (6:57) 5. Bridges In The Sky (11:01) 6. Outcry (11:24) 7. Far From Heaven (3:56) 8. Breaking All Illusions (12:25) 9. Beneath The Surface (5:26) Integrantes - James LaBrie: voz, coros - John Petrucci: guitarras, coros - John Myung: bajo - Jordan Rudess: teclados, Continuum, MorphWiz - Mike Mangini: batería, percusión Si el nombre de Dream Theater ha sido sinónimo indiscutible de paradigma del prog-metal desde la inolvidable (y para no pocos, todavía insuperable) dupla de álbumes "Images & Words" y "Awake", desde el año pasado también ha sido sinónimo de telenovela desde la tensa situación que se originó con la partida de Mike Portnoy (previo rechazo de su iniciativa de poner a la banda de vacaciones y tras un fallido intento posterior de regreso), sin obviar un litigio sobre los réditos económicos de la utilización del mismo nombre del grupo. En fin, el grupo ha sabido seguir adelante con un nuevo enfoque compositivo que implicó dejar más campo abierto a lo melódico a partir de una interacción más fluida entre Petrucci y Rudess, una mayor iniciativa de este último, y la retoma de aportes importantes de parte de LaBrie y Myung. Por su parte, el nuevo baterista Mike Mangini ha sabido hacer gala de su técnica, fuerza y veteranía para cumplir con su rol de "nuevo Portnoy" que el grupo tenía en mente para sus primeros pasos en esta nueva fase de su carrera. Parece un rol muy encorsetado, y puede serlo en muchos sentidos, pero también es verdad que la leyenda de Portnoy no está construida con aire y quimeras, sino con una realidad de años y años de versatilidad que lo convierten en toda una figura infinitamente influyente para la maduración del prog-metal desde la década de los 90s, un mérito que no le podrán negar aquellos que con razón odian sus tendencias al divismo y al egocentrismo. La simple tarea de anularlo exige pericia y esa intuición que solo da la veteranía, y Mangini era el designado por el Dios Destino para realizar este trabajo. Además, desde la logística creativa diseñada para la composición y los arreglos del nuevo material, tenía sentido que se buscara una permanencia idealista de Portnoy. En efecto, Dream Theater decidió dar un paso decisivo y necesario tras el proceso de aburguesamiento que se hizo notar en "Systematic Chaos" y "Black Clouds & Silver Linings", así como en el legado unilateral de "Train Of Thought": retomar los mejores frutos de su propia herencia sinfónica desde la etapa Moore y los inicios de la etapa Rudess para revitalizar su sensibilidad musical y enfocar con una nueva perspectiva los matices metálicos que se habían afianzado en los dos discos precedentes. Esta estrategia era una de las que más se discutían en los foros de fans donde no faltaban quejas sobre la crisis creativa de los últimos discos y la innecesaria pero constante sobreabundancia de Portnoy dentro de la línea de trabajo de la banda. Pues bien: la respuesta a todas estas inquietudes, hipótesis, expectativas está cabalmente reflejada en "A Dramatic Turn Of Events", disco que parece condenado a ser el más comentado ítem de prog-metal del año. (Algo así como lo eran por varios años los discos de Marillion con Hogarth dentro del gueto del neo-prog, ?no?) Repasemos el disco, tema por tema. "On The Backs Of Angels", el primer tema que se dio a conocer del disco, inaugura esta nueva fase musical de la banda con carácter y fortaleza. El motivo introductorio es un guiño al clásico preludio perpetuo de "Pull Me Under" con ciertos aires añadidos a lo "A Change Of Seasons". El cuerpo central se revela como un matrimonio bien compaginado entre la herencia de la etapa 92-95 y la pesadez más aparatosa propia de los dos últimos trabajos de estudio. Es como recuperar una vieja ilusión mientras se echa un último vistazo a los paisajes que llenaron los últimos cinco años de trayecto a la hora de cerrar la puerta. Pero la puerta no se cierra del todo, tal como revela "Build Me Up, Break Me Down", pieza que no hubiera estado fuera de lugar en "Systematic Chaos" o en medio de "Panic Attack" y "Never Enough" (del "Octavarium")=85 aunque menos mal que no es de la línea de Muse, sino más bien una canción metalera melódica con afinidades industriales sobre un compás de medio-tiempo pomposamente arreglado para dar la impresión de mayor polenta. Engarzado con la conclusión sinfónica de este tema, "Lost Not Forgotten" empieza a brindar los primeros momentos de grandeza mayestática del álbum. Comenzando con una secuencia de piano a lo Gershwin, el tema pronto estalla en una serie de modismos que podemos reconocer desde los tiempos de "Images & Words" y "Scenes", con herramientas y recursos que plasman alusiones a las estructuras de "Under a Glass Moon", "Metropolis Part 1", "Strange Déjá Vu" y "The Dance Of Eternity". !Cómo se nota que los cuatro restantes de DT principalmente querían a un facsímil del turbulento Portnoy! !Y también cómo se nota que el grupo logró entender que necesitaba reciclar lo mejor de su legado con Moore y reorientar la potencialidad creativa de Rudess para recuperar el brillo progresivo que se había manifestado por última vez en "Six Degrees Of Inner Turbulence" y tres cuartos de "Octavarium"! "Bridges In The Sky" tiene una introducción que comienza con una secuencia tribal que incluye el sampleo de un canto ritual, seguida de otro sampleo de una ceremoniosa coral gótica, permitiendo así que el poderosos cuerpo central se instale como emergiendo de una misteriosa niebla. Esta pieza exorciza dinámicamente los fantasmas del "Train Of Thought" y del "Systematic Chaos" con un inteligente manejo del gancho marchoso propio de la pieza; también podemos señalar que ciertos pasajes de teclado en el interludio nos remiten al "Scenes From A Memory", pero es verdad que a pesar de que se hacen presentes de una forma llamativa, son los guitarreos y los aportes de la batería los que guían la dirección compositiva de la pieza. La breve coda reitera el ambiente tribal del inicio. "Outcry", por su parte, refleja un manejo más sofisticado del elementos metalero, jugándosela por un compás más contenido y la inclusión de atmósferas digitales en medio de una fastuosidad refinadamente desarrollada. Esta pieza guarda una fidelidad más grande a los esquemas sonoros de los tres últimos discos, pero su sentimiento nostálgico parcialmente patente nos remite a los terrenos más sofisticados que se explayaron en el primer volumen del "Six Degrees" ("Blind Faith", "Misunderstood"). Rudess se manifiesta a sus anchas en la sección intermedia, la cual se puede describir como un híbrido entre una recapitulación ralentizada de los alucinados aspavientos rococó del legendario "Metropolis Part 1" y los recovecos instrumentales de "Blind Faith" y la sección final de "The Great Debate". En resumen, "Outcry" es otra muestra fabulosa de la aureola de frescura y nuevo esplendor que la banda ha venido proclamando desde los tiempos de post-producción de este álbum. El primer momento de pleno relax emocional llega con "This Is The Life", una power-ballad de pronunciado cariz sinfónico, portando una sensibilidad serena y un refinamiento melódico que la hace afín a varios temas a medio tiempo de Enchant y Vanden Plas. La alternancia de 6/4 y 5/4 en el esquema rítmico de la pieza ayuda bastante a sustentar una calidez reflexiva consistente, la cual no se rompe cuando entran a tallar los riffs de guitarra eléctrica en ciertas ocasiones calculadas. El segundo momento relajante está encarnado en la balada "Far From Heaven", pieza sostenida sobre el piano y en el que LaBrie recapitula los matices introspectivos de su voz con el grisáceo dramatismo de "Vacant" y algunos momentos mayestáticos a lo "Wait For Sleep". Es curioso que tengamos que sacar a colación a esta última canción en esta descripción, pues apenas apagado el eco de la última nota de piano de "Far From Heaven" emerge la canción que muchos han denominado como el segundo "Learning To Live": "Breaking All Illusions". Pues bien, dicha denominación es totalmente justa, pues varias modalidades de ilación entre motivos y bastantes ornamentos de bajo y teclado replican buena parte del espíritu de aquella canción que cerraba "Images & Words" con absoluto esplendor. Eso sí, esta labor de recapitulación se hace eco de varios de los estándares de estilización prog-metalera que el grupo había conquistado imponentemente en los momentos mejor logrados de "Scenes" y "Octavarium": este eco se traduce en mayores dosis de muscularidad en varios de los pasajes más potentes y un swing más pronunciado en la labor general de Mangini, y justamente en este aspecto, se puede decir que esta canción es donde Mangini se suelta más y no suena tan "flagrantemente Portnoyense". Por su parte, Petrucci se luce en un solo Lifeson-Gilmouriano y Rudess hace gala de sus modismos Wakemanianos en más de una ocasión, y en general, el quinteto explota este tema divinamente hasta su magnífico cierre sinfónico, convirtiéndolo así en otro cénit junto con "Lost Not Forgotten" y "Outcry". Los últimos 5 1/2 minutos del álbum están ocupados por "Beneath The Surface", tercer y último momento de relax emocional del disco: puesto que el final de "Breaking All Illusions" es tajante pero no realmente climático, resulta oportuno que esta balada con base de guitarra acústica cierre el álbum, aportando un lirismo tranquilo e intimista en una suerte de mezcla de Styx (a lo Tommy Shaw) con The Moody Blues (etapa del "Long Distance Voyager"). De hecho, el solo de sintetizador que aporta en el intermedio Rudess tiene un aire a lo Moraz bastante efectivo como contraparte de la explícita dulzura cándida que atraviesa a la intención compositiva de Petrucci. Finalmente, nuestro balance general sobre este álbum es positivo en tanto que resulta tremendamente funcional a la instalación de los presentes vientos de renovación dentro de mundo de Dream Theater, así como a la proyección hacia prospectos de reactivada creatividad en próximos trabajos fonográficos. Para decirlo sin rodeos retóricos, "A Dramatic Turn Of Events" cumple solventemente con la doble misión de Dream Theater que hemos mencionado en el primer párrafo de esta reseña: a) recuperar buena parte de la magia progresiva de la mejor cosecha durante la etapa Moore y los primeros discos de la etapa Rudess; b) poner en perspectiva la orientación sonora desarrollada en "Train Of Thought" y los dos discos anteriores. Así pues, Dream Theater rinde su declaración jurada de que ha exorcizado sus más recientes fantasmas y debe estar preparado para nuevos retos creativos si procede el asentamiento del nuevo baterista Mike Mangini, un veterano con derecho propio. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Progjuan Progjuan Asunto: Vuelven... Arcabuz http://www.arcabuz.es/index.html Arcabuz es un grupo de rock que nace en 1978. En aquellos tiempos, cuatro jóvenes de menos de 20 años, forman una banda a imagen y semejanza de los grupos que se escuchaban en aquella época. Las influencias eran claramente del rock sinfónico anglosajón, progresivo y del rock andaluz. Establecieron su base en Santa Coloma de Gramanet, (Barcelona) donde tuvieron su primer local de ensayo. Si algo tuvieron claro desde los inicios, fue que la música tenía que ser propia y original. Aunque no pudieron escapar de las influencias de sus ídolos, lo que tenía que salir era algo que nadie hubiera escuchado antes. Y así fue. Su primer trabajo solo vió la luz en actuaciones en vivo, y en una maqueta grabada en los Estudios Gema 2 de Barcelona, por donde pasaron la mayoría de músicos que hicieron historia en el panorama musical español. Esta grabación constaba de tres temas de larga duración: Confrontaciones dolorosas La Setrilleira Monstruosa Al final de una larga espera. Con ellos, pisaron varios escenarios de Barcelona, destacando la actuación en la Discoteca Georgia, en la callle Pelayo, en Semana Santa de 1979, la primera vez que se abrían locales de ocio en estas fechas desde el establecimiento de la democracia. El tiempo pasó, y cada uno siguió su camino. Es ahora, más de 30 años después del inicio, cuando los componentes originales de Arcabuz deciden juntarse de nuevo para volver a escuchar cómo sonaban. Julio Francisco Álvaro "Paquito" a los teclados, Carlos López a la guitarra, José-Luis López, al bajo y Aurelio Ortega a la batería, vuelven a formar Arcabuz. 30 años después, con la ilusión renovada y con los mismos planteamientos. Con nuevas ideas, recordando lo anterior, pero añadiendo innovaciones fruto del paso del tiempo. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: DEEP PURPLE en la prensa limeña (inc. cancelación del concierto) HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. Tal como se ve en este enlace http://www.deeppurple.com/index.cfm/pk/content/pid/430562 , se canceló la presentación de DEEP PURPLE en Lima dentro de la sección sudamericana de la actual gira mundial de esta leyenda del rock pesado. En fin, la gente del diario limeño "El Comercio" había organizado una breve entrevista telefónica con el bajista Roger Glover antes de la cancelación del evento, por lo que la publicó recientemente (domingo, 9 de octubre). Aquí transcribimos la nota de la entrevista en cuestión.- " El hombre del bajo púrpura Por: Rafael Valdizán Domingo 9 de Octubre del 2011 Cancelaron Deep Purple en Lima. Dicen que como efecto dominó por el Caso Oyarce. El recital debía ser el 27 de este mes en la explanada sur del Monumental. Pero ello, tras lo ocurrido, ya casi equivaldría a tocar en el mismísimo infierno. Quien escribe ya había llamado a Roger Glover a su casa en Zúrich y había conversado con él. Y si bien ya no venía al caso publicar lo que él pensaba del show, por obvias razones, tampoco podía desperdiciar la ocasión de rescatar algo de aquella charla de un lunes por la tarde. En estas líneas, algunas palabras del bajista galés. ?Cuáles son tus discos favoritos de Deep Purple? No suelo escuchar Deep Purple (risas). Pero sí te digo que son cuatro los discos que sobresalen, y son los que comenzaron una nueva era para la banda. "Deep Purple in Rock", "Perfect Strangers" y "Purpendicular". Todos ellos tuvieron algo nuevo. Pero si tuviéramos que elegir un álbum que defina a Deep Purple, ese sería "Made in Japan" porque no somos una banda de estudio, sino una banda en vivo. Y ese disco es fantástico. Representa un gran momento para nosotros. ?Estás de acuerdo con quienes dicen que Deep Purple junto con Led Zeppelin y Black Sabbath sentaron las bases del heavy metal? Sí, aunque es algo difícil establecer una conclusión sobre eso. Pero supongo que algo pasó entre los años 1964 y 74. Fueron diez años de música fantástica; pareciera que todas las bandas salieron de esa época. Moody Blues, Jethro Tull, Led Zeppelin, Black Sabbath=85 las buenas bandas americanas también son de esa época, The Doors, Jefferson Airplane, Grateful Dead. Eran tiempos en los que el negocio no era tan fuerte, pero la música sí. ?Pero tú consideras que la música de Deep Purple es heavy metal? En realidad, es hard rock. Es música que está definida por cierto tipo de sentimiento o actitud. Y, para mí, nunca va a desaparecer, pues expresa todas las emociones, todos los estilos y atmósferas. Y el heavy metal es una de esas atmósferas. Jon Lord [ex tecladista de DP] pelea una batalla contra el cáncer. ?Has hablado con él recientemente? Sí, he hablado con él hace unas semanas. Es consciente de lo que está pasando. Pero él es muy positivo, muy espiritual, y tiene el apoyo de la gente que lo rodea. Tuvimos una larga y amistosa conversación. La verdad que está en muy buen camino. Es un hombre muy fuerte. ?Estás en contacto con Ritchie Blackmore [ex guitarrista de DP]? Mmm=85 no. Pero no por elección mía. En todo caso, diría que él no está en contacto conmigo. Es un tipo muy especial, ?no? Conozco a Ritchie. Hemos tenido nuestros altibajos, pero básicamente es un guitarrista fantástico, el mejor con el que he trabajado jamás. Y por ello le perdono todo lo demás. Yo lo respeto mucho. Ojalá fuéramos amigos, pero todo depende de él. ?Qué significa el bajo para ti? El bajo es la estructura de las canciones. Y me divierto mucho tocándolo. Me gusta ser la ruta, mientras los otros músicos hacen su parte. ?Escuchas modern rock, nuevos artistas? Yo escucho de todo. Soy un fan de la música y me gusta meterme en la mente de las personas, en lo que expresan en las letras de las canciones. Lo que busco es sorpresa. MÚSICO SOLISTA Nuevo álbum en estudio Le comenté a Roger Glover que había escuchado un par de temas de su nuevo CD en solitario y le pedí que contara algo del tema que lleva el nombre del álbum, "If Life Was Easy" ("Si la vida fuera fácil"). El bajista contestó: "Fue la primera canción que escribí para el álbum. Tomé una guitarra española que había en el departamento de mi novia y empecé a tocar una melodía medio estúpida (risas), y cada vez que regresaba al departamento volvía a tocar la misma cosa. Un año después, me di cuenta de que podía salir una canción de ahí. Como sea, el tema describe un momento difícil de mi vida: separación, divorcio, dejar un país, tener bebes, mi madre se moría, fueron diez años muy estresantes. Si la vida fuera fácil, no sabríamos que estamos vivos. Necesitamos confrontaciones. Los conflictos nos definen, de la misma manera que uno aprende más de los fracasos que de los éxitos". " Enlace original en formato PDF: http://elcomercio.pe/impresa/pdf/1318136400/ECMU091011c06/ Aquí me despido hasta una nueva ocasión. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Alejandro Matos - 15 de octubre HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. El músico argentino Alejandro Matos dará próximamente un concierto en Buenos Aires, más exactamente, el 15 de octubre. Datos del evento.- ALEJANDRO MATOS EN VIVO Sábado 15 de octubre 22.00 Remember Jazz Pub Av. Corrrientes, 1983 C.A.B.A. Argentina ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Ferran Lizana i Abat" Asunto: Steven Wilson - Grace for Drowning (2011) STEVEN WILSON : "GRACE FOR DROWNING" (2011) Discográfica: Kscope CD 1: 1. Grace For Drowning (2:06) 2. Sectarian (7:41) 3. Deform To Form A Star (7:51) 4. No Part Of Me (5:45) 5. Postcard (4:29) 6. Raider Prelude (2:23) 7. Remainder The Black Dog (9:27) CD 2: 1. Belle De Jour (2:59) 2. Index (4:49) 3. Track One (4:16) 4. Raider II (23:21) 5. Like Dust I Have Cleared From My Eye (8:01) Músicos: - Steven Wilson: vocals, keyboards, guitars, bass, piano, autoharp, percussion, gong, glockenspiel, programming, harmonium - Jordan Rudess: piano - Theo Travis: saxophones, clarinets, flute - Ben Castle: clarinet - Nick Beggs: stick, bass guitar - Nic France: drums - Tony Levin: bass - Pat Mastelotto: acoustic and electronic drums - Markus Reuter: U8 touch guitar - Trey Gunn: Warr guitarr, bass guitar - London Session Orchestra conducted by Dave Stewart: strings - Synergy vocals arranged by Dave Stewart: choir - Steve Hackett: guitars - Mike Outram: guitar - Sand Snowman: acoustic guitar Steven Wilson, menudo tipo. ?Hasta cuando puede durar el estado de gracia de este hombre? Por lo menos se está alargando desde mediados de los 90 hasta ahora. Cuando piensas que su trayectoria puede empezar a tomar el camino de descenso, va y se saca de la manga uno de los mejores álbumes de su carrera. Esto es "Grace for Drowning", su segundo en solitario. Un doble CD (aunque en total dura sólo 83 minutos), con el que consigue situarse por encima del primero "Insurgentes" y que quedará marcado como uno de los puntos culminantes de su amplia discografía. No digo ninguna tontería si digo que estamos ante el trabajo más ambicioso de cuantos ha grabado este hombre. Una obra construida minuciosamente, cuidando el equilibrio al máximo, llena de detalles y matices, con una calidad de grabación y producción difícilmente mejorables, donde en esta ocasión Steven Wilson ha querido personalizar la obra haciéndose valer de músicos experimentados de jazz. "Grace for Drowning" es un álbum más homogéneo que "Insurgentes". Si en ese primer disco la variedad de estilos y tonos se imponía hasta obtener una colección de piezas geniales, pero ciertamente alejadas, en esta ocasión todo parece fluir con toda naturalidad en una misma corriente, despertando un sentimiento común entre tenebroso, nostálgico y fascinante. Eso no significa que estemos ante un trabajo lineal o poco variado. Todo lo contrario, la variedad de estilos diferentes que se encuentran en este trabajo sigue siendo el habitual, moviéndose tanto entre sonidos etéreos como tormentosos, pero eso sí, siempre remando en un mismo sentido. Wilson se centra especialmente en sus conocidas raíces en el progresivo de los 70, juega con jazz, electrónica, ambiente, pop, dark wave, industrial y tantas otras sonoridades que sabe hacerse suyas e integrar a su personal estilo como si nada. Un trabajo comedido, sin notas de más ni ornamentación gratuita. Me atrevería a decir que es la obra donde confluye todo lo que ha grabado Steven Wilson hasta ahora. La culminación a muchos años de carrera. Aquí hay lugar para un pedazo de cada uno de sus proyectos, sean Porcupine Tree en sus diferentes etapas, IEM, Bass Communion, Blackfield, No-Man o el mismo "Insurgentes". Pero al mismo tiempo va más allá añadiendo nuevas sonoridades y ambientes, creando paisajes que evocan oscuridad y belleza a partes iguales, combinando pasajes de jazz psicodélico con estallidos de violencia. Pero lo que lo hace más grande es que estamos ante un álbum con una solidez compositiva incuestionable y un equilibrio trabajado al detalle. Incorpora cierta ambientación sutilmente lúgubre, fantasmagórica, hasta ahora inédita ("Belle de Jour", "Raider Prelude", "Remainder the Black Dog", "Grace for Drowning", "Track One "...), o en todo caso cierto sabor a soundtrack de película europea de los 70. Nunca antes había compuesto una canción de orientación pop tan bella como "Postcard"; ecos de Radiohead en la enigmática "Index"; composiciones exquisitas como "Deform to Form a Star" o "No Part of me"; una instrumental " Sectarian "perfecta para preparar el terreno por lo que nos viene encima"; una tan brillante como sorprendente "Remainder the Black Dog" con referencias al Canterbury psicodélico de unos Soft Machine. O por otro lado "Track One" que es la perfecta plataforma de lanzamiento para la pieza culminante del álbum "Raider II", al tiempo que "Like Dust I Have cleared from my Eye" es el perfecto colofón a "Rider II" y al álbum entero, en una nueva lección de cómo equilibrar una obra como esta. Y como no, los 23 minutos de "Raider II" memorable magnum opus donde se concentra lo mejor que nos puede ofrecer una pieza de rock progresivo en esencia, donde Wilson evidencia su devoción por los King Crimson de "Lizard" o "Islands" . Majestuoso. En uno de los mejores años de lo que llevamos de siglo para el progresivo, cualquier otro álbum de este año parece quedar empequeñecido ante una obra como esta. Uno de los puntos culminantes de la discografía de Steven Wilson. Casi nada. Valoración: 10/10 Ferran Lizana (rockomic@gmail.com) Octubre 2011 ----------------------------------------------------------------------------