LA CAJA DE MUSICA LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO ============================================================================ LCDM: #963 agosto 2011 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM ---------------------------------------------------------------------------- * Gigantes Gentiles 54 * Ignatius: "Lights From the Deep" (2011) * nominados al Premio Cuna de la Bandera * And You Will Know Us by the Trail of Dead - Tao of the Dead (2011) * LCDM: The Dear Hunter - The Color Spectrum (2011) * RESISTOR - "The Secret Island Band Jams" (2011) * LABIRINTO DI SPECCHI - "Hanblecheya" (2011) * Levin-Torn-White, nuevo súper trío de rock experimental * domingos del 21 de agosto al 25 de setiembre * ABRETE GANDUL -"Enjambre Sísmico" (2011) * GRAN TURISMO VELOCE: "Di Carne, Di Anima" (2011) * Rock In Opposition 2011 * JAIME ROSAS - "Flashback" (2011) * falleció Mac (ex-Threshold) ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Quagliano" Asunto: Gigantes Gentiles 54 Amigos: Este miércoles 31 de agosto, a las 22hs. y por RadioColaborativa.com, presentaremos el programa Nro. 54 de Gigantes Gentiles, la buena música que no se escucha. En este programa: Barbara Rubin y su maravilloso disco Under The Ice; el Festival La Plata Prog 2011 y las bandas participantes: Baalbek, Hexatónica, Jinetes Negros, Uranian, Akenathon, Tanger, Big Machine, Sugar Mice, Dragón de Hierro, La Increíble Fuga de Triángulos y Contraluz. Y un cierre de lujo: presentamos los trabajos de Esteban Cerioni para el disco triple de homenaje a Litto Nebbia producido por Fabián Spampinato, que el propio Esteban envió para nuestros oyentes. Gigantes Gentiles, la buena música que no se escucha, se emite por 10 emisoras: RadioColaborativa.com, FM VOX 100.9 Mhz (Punta Alta, Argentina), RadioXpress, Tu Voz Interactiva (México), SinAudio.com (México), FM Ariadna Solidaria 95.5 (Blanco Encalada, Mendoza), Código DF (México DF), Delta 80 (Caseros, Bs. As.), Culturactiva Radio (Montevideo, Uruguay) y Radio Mucury Cultural, de Teófilo Ottoni, Minas Gerais, Brasil. !Los esperamos! -- Quique Quagliano RadioColaborativa.com, Voluntades en red www.radiocolaborativa.com radiocolaborativa@gmail.com ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Progjuan Progjuan Asunto: Ignatius: "Lights From the Deep" (2011) LCDM: Ignatius: "Lights From the Deep" (2011) Discografica: MUSEA Temas: 1. Bleeding Souls (8:02) 2. Emptiness (6:47) 3. Resurrection (8:41) 4. Lights from the Deep (12:39) 5. BCN (9:30) 6. Morning Moon (11:01) Músicos: - Ricardo Boya: Bass, Keyboards and vocals - Toni Castarlenas: Guitars Invitados / colaboradores: - Marcelo Ortiz: Drums - Daniel Campos: teclados Ignatius es una banda formada hace ya 10 años en Barcelona por Toni Castarlenas y Ricardo Boya los cuales se reparten el trabajo de composición e interpretación. Ha pasado casi un año desde que se comento el lanzamiento de su primer disco, por fin y a través de Musea sale a la luz "Lights From the Deep", un trabajo compuesto de seis temas, donde la banda barcelonesa nos muestran un rock progresivo clásico ecléctico cercano a los parámetros mas actuales del Neo progresivo con ese toque moderno heavie y un sabor especial a los Pink Floyd mas sinfónicos. El grupo gusta de los pasajes instrumentales como se puede apreciar en el tema que cierra el álbum "Morning Moon", muy a lo Pink Floyd especialmente en los pasajes atmosféricos que imprime los teclados, omnipresentes en todo el álbum, amen de la guitarra en plan solista desprendiendo mucho sentimiento. Otro tema del mismo calibre es precisamente el tema mas largo y que da nombre al álbum "Lights from the Deep" con esos interminables y lineales solos instrumentales. Los temas cantados por Ricardo Boya suenan muy NEO progresivo, especialmente "Emptiness", una descarga emocional e intensa con la voz desgarrada de Ricardo, me recuerda y mucho a los trabajos mas actuales de ARENA o PENDRAGON. Otro tema parecido y cantado pero mas enérgico es la inicial "Bleeding Souls". Mas próximo al HARD Rock tenemos "Resurrection" mezclados con pasajes suaves e intensos a Pink Floyd.y algún toque caótico a lo King Crimson en su parte central. El tema BCN, siglas de Barcelona es abierto con un caos instrumental y efectos de sonido para que imaginemos una ciudad cosmopolita, es una tema variado, donde podemos oir Metal prog, Neo progresivo y como no la interacción de guitarra y teclados. En resumen Ignatius no innova ni aporta nada nuevo al mundo sinfoprogresivo,solo sus ganas de hacer buena música, con buenos arreglos, armonías y cuidadas instrumentaciones, en muchos momentos se les podría calificar como Neo progresivos, ellos alegan no haber escuchado nunca a Arena y que el Neo progresivo no es lo que mas le llena, lo cual induce a pensar que lo NEO les sale espontáneamente, en otras ocasiones recuerdan a los mas atmosféricos y lisérgicos Pink Floyd, en definitiva cada oyente sacara su conclusión. Dicen tener ya material para un segundo CD, lo esperaremos con ansia de ver como evoluciona el grupo. La distribución en España se realiza a través de su pagina Myspace.com/ignatiusrock y el facebook. (c) Juan Mellado (2011) progjuan@gmail.com ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Quagliano" Asunto: nominados al Premio Cuna de la Bandera Queridos amigos: La organización del Premio Cuna de la Bandera acaba de informarnos que estamos nominados para la edición 2011 del premio. El año pasado lo ganamos con RadioColaborativa. Para esta edición estamos nominados en el rubro Radio On Line con Colaborativa, y en el rubro Programa de Rock con Gigantes Gentiles. Estas nominaciones, que son un reconocimiento de colegas de gran trayectoria y prestigio de nuestra propia ciudad, nos llenan de orgullo y satisfacción. La entrega de premios se llevará a cabo el próximo 9 de octubre. Gracias a Norma y a todos en la organización del Premio, por distinguirnos con estas nominaciones, que compartimos con nuestros oyentes y amigos. -- Quique Quagliano RadioColaborativa.com, Voluntades en red www.radiocolaborativa.com radiocolaborativa@gmail.com ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Ferran Lizana i Abat" Asunto: And You Will Know Us by the Trail of Dead - Tao of the Dead (2011) ...AND YOU WILL KNOW US BY THE TRAIL OF DEAD: "TAO OF THE DEAD" (2011) Discográfica: Superball Music/Century Media Temas: 1. "Introduction: Let's Experiment" - 2:59 2. "Pure Radio Cosplay" - 6:06 3. "Summer of All Dead Souls" - 4:20 4. "Cover the Days Like a Tidal Wave" - 3:08 5. "Fall of the Empire" - 2:38 6. "The Wasteland" - 2:42 7. "The Spiral Jetty" - 2:04 8. "Weight of the Sun (or the Post-Modern Prometheus)" - 2:30 9. "Pure Radio Cosplay (Reprise)" - 3:38 10. "Ebb Away" - 2:58 11. "The Fairlight Pendant" - 5:49 12. "Tao of the Dead Part II: Strange News From Another Planet" - 16:32 Músicos: - Conrad Keely - vocals, guitar, drums, piano, keyboards - Jason Reece - drums, vocals, guitar - Autry Fulbright II - bass, vocals - Jamie Miller - percussion La evolución de este grupo no ha dejado de ser constante ya desde sus inicios. Nacidos dentro de la escena indie-noise-rock americana esta ha ido derivando disco a disco hacia un estilo más elaborado y grandilocuente, acercándose cada vez más al concepto ópera rock y los sonidos sinfónicos. Con "Tao of the Dead" no hay duda de que esta banda se sitúa ya definitivamente alrededor de la escena progresiva reciente cerca de Porcupine Tree, The Dear Hunter, Muse, Oceansize o Mansun. De hecho ellos mismos reconocen que en este disco han querido rendir homenaje a álbumes que les han influenciado de forma decisiva como "The Dark Side of the Moon" de Pink Floyd, "Close to the Edge" y "Relayer" de Yes, "Hemispheres "de Rush o" Neu! "de Neu!. La cuestión es que los tejanos se encuentran en uno de sus mejores momentos gracias a este épico trabajo que tanto puede recordar aquellas míticas operas rock de The Kinks o The Who, como al rock progresivo de raíces setenteras debidamente actualizado. Estructurado en dos partes diferenciadas, "Tao of the Dead" es una obra conceptual sobre el taoísmo que hay que valorar en conjunto. El tramo comprendido entre "Cover the Days Like a Tidal Wave" y "Weight of the Sun" es absolutamente emotivo, quizás lo mejor del álbum. Sin olvidarnos de la épica "The Fairlight Pendant" o de la segunda parte del álbum ocupada por 16 minutos de "Strange News from Another Planet". En conclusión, un gran y fascinante álbum para este 2011. Valoración: 8/10 Ferran Lizana (rockomic@gmail.com) Agosto 2011 ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Ferran Lizana i Abat" Asunto: LCDM: The Dear Hunter - The Color Spectrum (2011) THE DEAR HUNTER : "THE COLOR SPECTRUM" (2011) Discográfica: Triple Crown Records Black EP: 1. "Never Forgive, Never Forget" - 4:41 2. "Filth and Squalor" - 4:01 3. "Take More Than You Need" - 4:30 4. "This Body" - 4:47 Red EP: 1. "I Couldn't Do It Alone" - 3:29 2. "A Curse of Cynicism" - 3:11 3. "Deny It All" - 3:34 4. "We've Got a Score to Settle" - 3:45 Orange EP: 1. "Echo" - 4:06 2. "Stuck On a Wire Out On a Fence" - 3:08 3. "A Sea of Solid Earth" - 4:41 4. "But There's Wolves?" - 4:06 Yellow EP: 1. "She's Always Singing" - 2:40 2. "The Dead Don't Starve" - 4:57 3. "A Sua Voz" - 3:20 4. "Misplaced Devotion" - 3:46 Green EP: 1. "Things That Hide Away" - 3:24 2. "The Canopy" - 3:52 3. "Crow and Cackle" - 5:42 4. "The Inheritance" - 3:25 Blue EP: 1. "Tripping in Triplets" - 3:52 2. "Trapdoor" - 3:54 3. "What You Said" - 5:04 4. "The Collapse of the Great Tide Cliffs" - 5:33 Indigo EP: 1. "What Time Taught Us" - 4:07 2. "Mandala" - 4:55 3. "Progress" - 3:35 4. "Therma" - 2:41 Violet EP: 1. "Mr. Malum" - 3:57 2. "Lillian" - 4:07 3. "Too Late" - 4:03 4. "Look Away" - 3:41 White EP: 1. "Home" - 3:55 2. "Fall and Flee" - 4:05 3. "No God" - 3:49 4. "Lost But Not All Gone" - 3:58 Músicos: - Casey Crescenzo / Vocals, Piano, Guitar - Nick Crescenzo / Drums, Percussion, Vocals - Maxwell Tousseau / Guitar, Vocals - Erick Serna / Guitar, Vocals - Nate Patterson / Bass, Vocals Pocos grupos existen hoy en día que puedan compararse a The Dear Hunter en cuanto a ambición y grandiosidad a la hora de confeccionar sus obras. Teniendo en cuenta que su obra conceptual en actos, que interrumpen momentáneamente, hay que entenderla como una colección de diferentes álbumes por separado, no hay duda de que "The Color Spectrum" es la obra más mastodóntica que han grabado hasta ahora. Nada menos que una obra conceptual sobre el espectro de color, dividida en 9 EPs (uno por color añadiendo el blanco y el negro) formado cada uno por cuatro temas. En total nada menos que 36 canciones y dos horas y media de música. Cada EP deriva hacia un estilo diferente pero a la vez encajando muy bien dentro del conjunto y del universo sonoro característico de Casey Crescenzo, líder, cerebro y alma máter de The Dear Hunter. Así, por ejemplo, Red se ocupa del pop-rock épico, Orange del hard-prog retro, Green sigue una onda country-folk, Violet deriva hacia el musical teatral o Indigo hacia la electrónica. Pero no estamos ante una obra conceptual al estilo de lo que nos tiene acostumbrados Crescenzo. Aquí no hay interludios, piezas que sirvan de nexo de unión entre los principales temas del álbum, por la sencilla razón de que "The Color Spectrum" siendo una obra conceptual es también un trabajo de canciones. Todas y cada una de las piezas que forman esta obra pueden funcionar por sí solas como singles, podemos extraerlas del conjunto y seguir teniendo validez. Y al mismo tiempo todas juntas forman una obra perfectamente cohesionada, estratégicamente estructurada como álbum concepto. "The Color Spectrum" es un trabajo de una regularidad y una firmeza envidiables. Cada uno tendrá sus temas favoritos, algunos indiscutiblemente brillantes, pero lo que casi se puede asegurar es que todos los temas están a la altura. Para mi gusto entre lo más destacado del año y lo mejor que han grabado Crescenzo y los suyos hasta ahora. Valoración: 8.5/10 Ferran Lizana (rockomic@gmail.com) Agosto 2011 ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: RESISTOR - "The Secret Island Band Jams" (2011) RESISTOR: "The Secret Island Band Jams" (2011) Temas 1. Voyage 7 (4:01) 2. Picadora (5:00) 3. Piezo Fury (5:25) 4. All Systems Go! (3:30) 5. Dream Of The Arctic Tern (6:12) 6. Santa Anna (8:15) 7. Quirk (3:47) 8. Sleepytime (7:10) 9. Double Ascent (15:07) Integrantes - Steve Unruh: guitarras, violín, flauta - Rob Winslow: bajo - Barry Ferrands: batería - Fran Turner: guitarras Parece mentira cómo comenzó Resistor, de la forma más sencilla y casual, lo cual no se condice poéticamente con el tipo de sofisticación vibrante que este cuarteto insufla a sus vuelos instrumentales, sólidos, versátiles, llenos de nervio y sobre todo, de niveles impresionantes de inventiva y afinidad espiritual que hacen que permiten al ensamble articularse en una magia compartida a través de sus casi siempre improvisadas ideas musicales. Todo comenzó en 2005 cuando el talentoso multi-instrumentista estadounidense Steve Unruh decidió que tenía ganas de formar parte de un proyecto musical donde tocara principalmente la guitarra eléctrica, encontrando pronto un aliado en su amigo ingeniero electrónico Rob Winslow. Mientras iban armando sus primeros jams, uno de los electricistas operarios del estudio de ensayo resultaba ser también baterista, de nombre Barry Ferrands: sabido el dato, casi al instante se convirtió en el tercero a bordo. Cuando las primeras composiciones ya se perfilaban en sus formatos definitivos, se sentía la necesidad de un cuarto miembro, un teclista de preferencia=85 pero esta cuarta entidad resultó ser otro guitarrista, Fran Turner. Así las cosas, el terreno estaba preparado para el disco debut homónimo de 2008, seguido por "Rise" dos años más tarde, y ahora en 2011, "The Secret Island Band Jams" constituye la tercera placa de parte de Steve Unruh y sus compinches. La presencia de Turner permite a Unruh dar rienda suelta a su solvencia con otros instrumentos como el violín y la flauta, un factor que repercute notablemente en el realce de coloridos sonoros dentro del encuadre específico de la banda, un encuadre progresivo donde se desarrollan parajes eclécticos de psicodelia, jazz-rock, rock duro clásico, aventuras cuasi-fusionescas y jam. Pasamos a comentar el tercer disco a continuación. En medio del ruido del mar movido por fuentes vientos de la costa, "Voyage 7" abre el disco con un grácil ejercicio de space-rock en 7/4 que suena a algo intermedio entre el Guru Guru jazz-rockero y Phish. "Picadora" y "Piezo Fury" ocupan conjuntamente los siguientes 10 minutos del disco: el primero de estos temas establece un clima lírico bastante cálido sobre un compás de 5/4, especialmente apoyado en el rol principal del violín, un ítem de tendencia sinfónica; el segundo se enfila hacia un jazz-fusión aflamencado que nos recuerda fácilmente a los ensueños hispánicos de un John McLaughlin, pero con una base rítmica encuadrada dentro de un discurso propiamente rockero, lo cual sirve de perfecto sustento para el perfil asumido por la guitarra eléctrica en su dialogante antagonismo frente a la acústica. El momento de "All Systems Go!" es uno de cambiar de rumbo para enfilarse hacia un macizo ejercicio de rock duro con tremendo gancho, al estilo clásico de los 70s (GFR, Jeff Beck), mientras que por contraste, "Dream Of The Arctic Tern" se encarga de crear y sostener una aura de relajada y contemplativa serenidad en clave de jazz-rock lento con sutiles tendencias folk-psicodélicas que nos remiten de alguna manera a East Of Eden o a Kebnekajse. El solo de flauta que emerge en medio tiene un tufillo tulliano imposible de ocultar, aunque con un carácter más atenuado. "Santa Anna" se encarga en su primera parte de recoger y amplificar el espíritu space-rock que ya había insertado la pieza inicial, con la salvedad de que el esquema rítmico es más pausado, algo que el ensamble aprovecha muy bien para darle un realce más notorio a los solos y riffs guitarreros, a la par que el grupo en bloque explora matices envolventes. La adición de inquietantes líneas de violín en algunos pasajes añade una conveniente magnificencia al asunto. La segunda parte está diseñada sobre un incremento notorio del timbre rítmico de la batería y una agresividad más frontal de las guitarras y el bajo: aquí hallamos un intermedio entre el Ash Ra Tempel cañero y el estándar del sonido stoner contemporáneo. Un final arrolladoramente electrizante para los primeros 32 minutos del disco. Pero=85 todavía quedan 26 minutos de experiencia sónica con Resistor, aunque es irrefutablemente legítimo decir ya que la propuesta de esta banda concretiza exitosamente su misión ecléctica. Lo que queda de viaje comienza con los 3 BE minutos de "Quirk", un tiempo dedicado a la serenidad contemplativa en clave de suave y lento rock, elegantemente sazonado con savia lírica a cargo del violín: parece todo un homenaje a Focus con retazos de Ragnarok. A continuación sigue "Sleepytime", con la misión de continuar por la misma senda introspectiva, incluso ahondando en la sensación de languidez emocional inherente a esta actitud: teniendo una bien amalgamada estructura armónica compartida entre las dos guitarras, una precisa dupla rítmica que consistentemente mantiene una cadencia contenida y la inserción de un breve y evocativo, "Sleepytime" recapitula a las mil maravillas los espíritus nucleares de "Quirk" y "Dream Of The Arctic Tern". Finalmente, el último cuarto de hora del álbum está ocupado por "Double Ascent". Se trata de un buen espacio de tiempo para explorar un viaje musical dado, y en este caso, tenemos una aventura psicodélico-progresiva de alto nivel que comienza con un bien encajado matrimonio entre las bases sostenidas por el doble guitarreo y las musculares florituras de flauta: un híbrido entre East Of Eden, Jethro Tull y Focus. Más adelante, poco antes de llegar a la frontera del quinto minuto, las cosas se intensifican momentáneamente hasta el punto de reconectarse con el Guru Guru más disciplinadamente jazz-rockero, el cual, a su vez, es sucedido por un etéreo motivo de corte space-rock. La secuencia de estos dos motivos funciona como una ilación de puentes duales hacia la emergencia del segundo motivo del tema, uno marcado por matices de rock duro y stoner en su recuperación del vigor sónico del primer motivo. Unruh aprovecha la ocasión para desarrollar un intenso solo de violín, mientras que sucesivos solos de guitarra exploran caminos intermedios entre los explorados por los legendarios Dave Gilmour y Jeff Beck durante los románticos años 70s. Con el efecto final de oleaje se retoma el ambiente que precedía al inicio del primer tema del álbum, pero esta vez la marea fluye por sí sola, sin ser atormentada por los dioses del viento. Un señor disco es "The Secret Island Band Jams", sí, señoras y señores, un discazo que a nosotros nos ha servido como vía de entrada al mundo musical de Resistor; para quienes ya estén familiarizados con la obra precedente de este proyecto dirigido por el Maestro Unruh y completado por músicos de auténtico primer nivel, este disco no será para nada una decepción. !!Muy recomendable!! César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: LABIRINTO DI SPECCHI - "Hanblecheya" (2011) LABIRINTO DI SPECCHI: "Hanblecheya" (2011) Temas 1. Eclissi, pt. 1 - L'Occio E La Maschera (8:23) 2. La Maschera Della Visione (5:58) 3. Fantasia (8:58) 4. Nel Nulla Etereo Soggiogato Dall'Ignoto La Mente Si Espande (7:01) 5. Purpurea (10:00) 6. Foll(i)a (19:12) 7. Eclissi, pt. 2 - La Genesi (9:36) Integrantes: - Gabriele Marroni: guitarras - Filippo Menconi: bajo - Andrea Valerio: piano, sintetizadores - Raffaele Crezzini: batería, percusión - Diego Armando Samo: teclados, sintetizadores Colaboradores - Paolo Carelli (voz, narración), Michele Sanchini (cello) Formado en Siena en 2005, el grupo italiano Labirinto Di Specchi ha venido desarrollando una interesante trayectoria en el underground de su país en aras de aportar algo propio al actual estado de la cuestión en el género progresivo. El año 2011 ve la edición de su disco debut "Hanblecheya", siendo así que la única experiencia fonográfica anterior de Labirinto Di Specchi era un demo promocional que eventualmente llamó la atención del sello Lizard Records. ?Qué nos muestra "Hanblecheya"? - un híbrido interesante de space-rock, psicodelia relajada floydiana, elementos de sinfonismo estandarizado, excursiones en vibrantes momentos prog-metaleros, y en menores pero también importantes dosis, matices de post-rock y jazz-fusión. O sea, un viaje musical ricamente ecléctico gestado y armado con vitalidad y convicción. Con el uso de narraciones, algunos pasajes del disco adquieren una cierta solemnidad poética, y con las intervenciones de un cellista invitado se enriquecen algunos ornamentos y orquestaciones de teclado. De hecho, la presencia de dos teclistas en la banda es un indicio de lo importante que es para el grupo sustentar su visión ecléctica para que convivan lo melódico con lo espacial, o lo sutil con lo grandilocuente, algo para lo cual se reparten responsabilidades Andrea Valerio y Diego Armando Samo. "Eclissi, pt. 1 - L'Occio E La Maschera" abre el disco ocupando un espacio de casi 8 BD minutos. Tras una introducción cósmica que dura casi 3 minutos (y que incluye retazos de cello y una narración), el cuerpo central desarrolla un sólido jam bastante estilizado, articulado bajo la lógica del space-rock con una cadencia melódica lo suficientemente relevante como para controlar notablemente el potencial expresivo del motivo, el cual se inspira en exóticos aires orientales. El detalle de la percusión extra es fundamental para realzar el groove de la composición. La coda etérea sirve tanto para cerrar el círculo de esta pieza inicial como para abrir la puerta al arribo de la siguiente, "La Maschera Della Visione", la cual explora más decididamente un enfoque ecléctico donde el sinfonismo, el space-rock y el prog-metal se funden en una expresividad energética cuyo gancho se condice fluidamente con la abierta sofisticación en la que se zambullen los instrumentistas. Hay un fabuloso solo de sintetizador después de la barrera del cuarto minuto y medio que, de haberse hecho un poco más extenso, no hubiese hecho ningún daño: es fabuloso, un atractivo destello de esplendor wakemaniano en medio del esquema psicodélico-sinfónico. "Fantasia" y "Nel Nulla Etereo Soggiogato Dall'Ignoto La Mente Si Espande" están sucesivamente a cargo de preservar y alimentar la fastuosidad musical que ahora se halla en un momento de especial plenitud. El primero de estos temas comienza bajo el liderazgo de la guitarra acústica, comenzando con una solemnidad serena arropada de matices grisáceos, para luego pasar a un interludio jazz-folk que en realidad sirve de puente hacia una sección más fastuosa, siendo esta vez el teclado el que dirige la situación melódica, mientras el bajo aporta ornamentos armónicos que alimentan la expresión de vigor resuelta por el bloque de la dupla rítmica. En la barrera del sexto minuto, se da un viraje total hacia un nuevo interludio marcado por atmósferas de inspiración floydiana, un puente hacia la sección final muy a lo Porcupine Tree de la etapa 93-96. Por su parte, el segundo de estos temas nos transporta hacia un espacio psicodélico enfilado hacia un imponente fragor lisérgico, marcado por la combinación de percusiones acústicas e industriales, inquietantes ornamentos de sintetizador, machacantes líneas de bajo y filudas intervenciones de la guitarra. El bloque compositivo es sumamente sencillo, pero es la armazón de los arreglos lo que le brinda al tema ese aire de neurótica complejidad que, con todo, no resulta chocante ni siniestra. A continuación viene "Purpurea", tema que aprovecha su espacio de 10 minutos para expandirse en una variedad de motivos y ambientes a través de la cual el grupo hace gala de su pulso y nervio a la hora de trabajar, elaborar y arreglar la ilación de diferencias: comenzando con una introducción basada en el flotante engranaje cósmico de sintetizador, florituras de bajo, guitarra acústica y percusión sampleada, el primer cuerpo se orienta hacia un ejercicio de sinfonismo interceptado por una guitarra portadora de poderosos matices metaleros; luego sigue un segundo cuerpo donde se recupera el aura cósmica en parte, aunque esta vez con una dupla rítmica que incorpora cadencias jazzeras al asunto mientras que el guitarreo se divide entre texturas más propias del post-rock y fraseos solistas propios de un Steve Vai romántico; finalmente, este motivo aterriza en una breve coda en la que la guitarra retoma su cadencia pesada y la dupla rítmica recoge su aura rockera. Quedan casi 29 minutos para que concluya el repertorio, lo cual deja a "Foll(i)a" y "Eclissi, pt. 2 - La Genesi" con la misión de completar sucesivamente el concepto artístico del álbum. "Foll(i)a" comienza, al igual que el tema precedente, con una pasaje dominado por la guitarra acústica. El siguiente pasaje tiene una cadencia moderadamente lánguida que suena a post-rock empapado de rocío space-rockero y bañado en aromas reflexivos de inspiración floydiana. Para el asentamiento de la parte narrada, la languidez se acentúa a fin de preparar el impulso hacia el siguiente pasaje, uno más extrovertido donde al compás de 6/4 el ensamble arma un ejercicio de space-rock muscular y contundente, que fluidamente va evolucionando en complejidad de tendencia sinfónica hasta desembocar en otro pasaje nuevo donde lo reflexivo retorna bajo una forma más iluminada. Esta circunstancia sirve para que más adelante el grupo vuelva a explorar sonoridades filudas, a la par que preserva la emotividad meditabunda que ha venido predominando hasta el momento. En algún punto se inserta un motivo musical recurrente de cariz arábigo, el cual termina generando un frenesí desde su propio núcleo central para explayarse en un clímax explosivo dirigido por la lógica de la psicodelia progresiva: la intensificación de la labor percusiva y la arrebatadora expansión de las capas de sintetizadores son los co-líderes de esta impactante conclusión. "Eclissi, pt. 2 - La Genesi" tiene un preludio extrovertido y colorido, pero lo suficientemente breve como para que el oyente no se haga ilusiones de acostumbrarse a lo que está escuchando: el cuerpo central más bien explora lo colorido con un jam centrado en un motivo que, nuevamente, basa su esquema armónico y ambiente general en atmósferas exóticas. La idea se explaya fluidamente, sin sopor ni pesadez, apelando a la limpia interacción entre los músicos en medio de la columna vertebral de la dupla rítmica y la pulsación de las capas de teclado: la pieza concluye con el ceremonioso armado de un reposo final que incluye una última recitación. Así termina "Hanblecheya" y así nos manifiesta Labirinto Di Specchi sus ganas de aportar algo interesante al escenario progresivo actual. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Levin-Torn-White, nuevo súper trío de rock experimental HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. Se viene un nuevo trío de veteranos legendarios de la vanguardia rockera de las últimas 4 décadas: LEVIN-TORN-WHITE, formado por... Tony Levin (bajo y Chapman Stick), David Torn (guitarras y efectos texturiales) y Alan White (batería y percusión). Los pre-orders se pueden hacer aquí: http://papabear.com/store/store.html - los envíos se harán el 13 de setiembre, que es el mismo día de la salida a la venta oficial. Los primeros mil ejemplares serán firmados por Tony, David y Alan. Aquí me despido hasta una nueva ocasión. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: domingos del 21 de agosto al 25 de setiembre HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. Se viene un ciclo de recitales de jazz-fusión peruano en Lima, "Domingos De Jazz con Sazón Peruana", los domingos del 21 de agosto al 25 de setiembre. Tramscribo el mensaje emitido oficialmente por los organizadores del evento.- " Buscando difundir el jazz en nuestra ciudad de Lima y después del éxito de las primeras Sesiones de Jazz en el Teatro Mocha Graña, "Water Babies Jazz" y la Tía Mocha Free Music vienen apostando por crear un nuevo espacio para artistas y público amante de este género. Para esto, se han organizado los "Domingos de Jazz con Sazón Peruana" en el Teatro Mocha Graña (Av. Sáenz Peña 107- Barranco) donde, cada domingo, desde el 21 de agosto al 25 de setiembre, a las 5:00 PM, diversos exponentes del jazz compartirán sus propuestas, siempre con un toque peruano que le añade la sazón a la tarde. Estas sesiones buscan ser una nueva propuesta para las tardes de domingo y, también, acercar a nuevos públicos, sobre todo jóvenes y estudiantes, con entradas asequibles (S/.15 adultos y S/. 10 Estudiantes), y lograr que el jazz sea también una actividad familiar. Este domingo 21 se inaugura con el Carolina Araoz Cuarteto. La experimentada directora de Jazz Jaus nos propone un viaje musical donde el jazz conversa con los boleros y valses criollos. El domingo 28, el trío Manante, una de las bandas de jazz peruano más reconocidas formadas por Gigio Parodi, Pepe Céspedes y Noel Marambio, nos deleitarán con ritmos peruanos diversos fusionados con jazz. El domingo 4 de setiembre, se presenta Kambujo con una propuesta que fusiona el jazz con música afroperuana y funk, en una mezcla sabrosa y llena de ritmo. Gabriel Ríos es uno de los jóvenes talentos que ha incursionado en la escena. Él nos presentará, el domingo 11, latin jazz, standards de jazz revisitados, y música afroperuana para explorar todas las posibilidades musicales que estos presentan. El domingo 18, el blues y el jazz se dan la mano con la música afroperuana con Kaleidoscopio. Finalmente, para cerrar este ciclo, el domingo 25 tenemos al Pierre Huarniz Project. Uno de los más talentosos guitarristas jóvenes compartirá con un trío de lujo un proyecto de fusiones y revisiones de standards de jazz, así como temas propios, todo con el mejor sabor peruano. !!Hay descuentos especiales para los que compren entradas para varios conciertos!! Contactos y venta de entradas: car12_e@hotmail.com, al 997956761 y rolando33@gmail.com , al 998031105 " ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: ABRETE GANDUL -"Enjambre Sísmico" (2011) ÁBRETE GANDUL: "Enjambre Sísmico" (2011) Temas 1. Hacia La Nada (4:27) 2. Necro Sistema (3:02) 3. Marejada (7:29) 4. Consecuencia Natural (10:26) 5. Colapso (11:20) 6. Convergencia Caótica (8:01) 7. Intangible (7:55) 8. ...Y Ahora Qué? (7:20) Integrantes: - Antonio Arceu: batería - Aime Acuña: teclados - Rodrigo Maccioni: guitarras y flauta - Pedro Santander: bajo Colaborador - Leo Arias (saxofón y clarinete en 1, 4 y 8) El grupo chileno Ábrete Gandul vuelve a dignificar y engrandecer magníficamente el sitial bien ganado de la escena latinoamericana dentro del ámbito progresivo mundial con su nuevo disco "Enjambre Sísmico". Se trata de un disco especial en varios sentidos, especialmente porque se trata del testimonio de un grupo que ha sabido sobrevivir, reconstruirse e impulsarse con renovadores bríos creativos tras la crisis que supuso la partida del guitarrista Rodrigo Pinto. En vez de reemplazarlo, el grupo decidió quedarse como cuarteto mientras se disponía a gestar un digno sucesor del fabuloso segundo álbum "Cuentos Para Dormir", el cual data del año 2005. Para esta nueva ocasión, el grupo sigue echando mano de sus afinidades hacia el jazz-rock, la psicodelia, el space-rock, el estándar crimsoniano y la fusión contemporánea, y es verdad que el rol de la guitarra no ha quedado disminuido merced a la decisión de Rodrigo Maccioni de doblar su presencia y redoblar sus esfuerzos mientras conserva su simultáneo rol de flautista. Pero también es verdad que se nota un posicionamiento más notable de parte de los teclados de Aime Acuña dentro del sonido global, algo que resulta muy útil a la hora de crear momentos particularmente coloridos o de explorar matices cósmicos en ciertos momentos proyectados hacia vuelos psicodélicos y atmósferas misteriosas. En general, el grupo sigue siendo capaz de funcionar a las mil maravillas como un bloque orgánico, no como el enjambre del título, sino más bien como una coalición armónica donde las sensibilidades paralelas e intercambios manejan exquisitamente las ideas compositivas y arreglos de cada pieza individual. La ocasional presencia del saxofonista invitado Leo Arias ayuda bastante a la hora de fortalecer el aura de equilibrada diversidad que se explaya a lo largo del repertorio. El disco abre con un tema cuyo título resulta irónico: "Hacia La Nada". La pieza refleja una armazón donde se conjugan cadencias jazz-rockeras, psicodelia y aureolas crimsonianas con una fineza tremendamente exquisita producto de la equilibrada interacción entre los músicos. El lugar predominante del compás en 5/4 dentro del entramado rítmico ayuda a crear y sostener un swing especial tanto en los pasajes líricos como en los agresivos. "Necro Sistema" sigue a continuación, asumiendo la misión de ahondar en la sofisticación musical en curso de acuerdo a parámetros cercanos al sinfonismo de vieja escuela pero con una vibración enérgica que se siente muy vital y moderna: el final es electrizantemente climático, resolviendo un breve momento de tensión con una contundencia decisiva. Todo ha empezado muy bien y va a seguir mejorando durante el transcurso del disco, y si no estamos dispuestos a ponernos tan optimistas cuando solo hemos escuchado por más de siete minutos del disco, "Marejada" irrumpe para invitarnos a cambiar de actitud y disfrutar de su aureola envolvente y brumosa, la cual nos transporta hacia una atmósfera muy diferente a las de los dos primeros temas. Durante el desarrollo del cuerpo central, los oyentes nos hacemos cómplices de una actitud de contemplación basada en un manejo psicodélico de pistas musicales emergidas sobre un compás de 7/8 desde una confluencia entre crimsonismo suave y jazz-fusión relajante. Tras un interludio en el que la serenidad parece ahondarse, la pieza llega a una coda absorbentemente enérgica que, de alguna manera, se hace eco del espíritu esencial del cuerpo central. Los dos siguientes temas, "Consecuencia Natural" y "Colapso", son los más extensos del disco. "Consecuencia Natural" se basa en un jam consistentemente inundado de cadencias jazz-rockeras, pero no se trata de una estrategia monocorde, sino más bien de una nueva exhibición de la soltura y solvencia que siempre muestra Ábrete Gandul en sus excursiones instrumentales. El interludio en clave space-rock y los neuróticos retazos de guitarra que entran a tallar desde los márgenes para colaborar con los recursos de tensión aportados por el saxo permiten a la idea extenderse sólidamente sin agotarse de buenas a primeras. Por su parte, "Colapso" establece una especie de recapitulación bien armonizada de las huellas sónicas de "Necro Sistema" y "Marejada", llegando incluso a superar en vigor al primero en sus pasajes más densos: el compás en 9/8 proporciona una vitalidad bizarra al bloque sonoro. En su ecuador, la pieza baja un poco su nivel de vigor para permitir que la flauta se erija como núcleo focalizador de la instrumentación durante poco menos de dos minutos y medio; de ahí en adelante, el grupo empieza a armar un nuevo momento de intensidad que habrá de redondear el concepto de la pieza con una poderosa iluminación épica donde los pesados guitarreos (entre crimsonianos y presentianos) se hermanan con los teclados cósmicos sobre una base rítmica tan compacta como ágil. "Colapso" es un cénit indiscutible del disco. Todavía quedan 23 minutos y pico hasta que concluya este enjambre progresivo de sonoridades sísmicas, y "Convergencia Caótica" es la pieza a cargo de iniciar el resto de este viaje musical. Lo hace a las mil maravillas, por cierto, pues su manejo tan versátil de los momentos marcados por gráciles vibraciones funk-rockeras junto con otros signados por una sofisticación psicodélica y otros más de tenor reposado la convierte en una especie de contraparte dinámica de "Colapso". Cuando el teclado asume el rol protagónico, el grupo pasa a explorar matices refrescantes de tendencia introspectiva, una actitud que se resalta peculiarmente en el cierre del piano. "Intangible", el tema siguiente, empieza con un prólogo que se hace eco de la introspección con la que se cerró la pieza precedente, pero no tarda en reubicarse sobre un compás más exultante... aunque no precisamente para plasmar un talante optimista, sino más bien portando una tensa espiritualidad, patentemente emparentada con "Hacia La Nada" y "Colapso". La pieza de cierre lleva un título tan cínicamente apropiado como "...Y Ahora Qué?", lo cual nos motiva a preguntarnos: ?qué hay ahora? La respuesta es: un motivo recurrente de base jazz-rockera con un swing alegre pero con su optimismo implícito lo suficientemente contenido a fin de que el lirismo no se vuelva frívolo. Una vez más, el saxo asume un rol crucial en el destaque de los ambientes sobre el esquema central del perpetuo viaje musical en el que se embarca el grupo. Ésta fue la experiencia íntegra y completa con el disco "Enjambre Sísmico", una obra que destila ingenio, solvencia técnica y múltiples formas de energía musical por todos sus poros. Ábrete Gandul se confirma como un referente imprescindible de la vanguardia progresiva chilena del nuevo milenio. En pocas palabras=85 !!un gran disco de un gran grupo!! César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: GRAN TURISMO VELOCE: "Di Carne, Di Anima" (2011) GRAN TURISMO VELOCE: "Di Carne, Di Anima" (2011) Temas 1. Anec Retrorsum (0:22) 2. Sorgente Sonora (4:16) 3. Misera Venere (5:19) 4. Quantocámia (7:36) 5. L'Artista (4:30) 6. L'Estremo Viaggiatore (4:40) 7. La Paura (4:55) 8. Misera Venere (Reprise) (3:34) 9. L'Indice E l'Occhio (8:32) Integrantes: - Claudio Filippeschi: voz, piano, teclados - Flavio Timpanaro: bajo, pedales Moog Taurus, coros - Stefano Magini: batería - Massimo Dolce: guitarras, efectos, programación de loops Colaborador - Matteo Breschi (flauta en 8) Formado en 2008 en la localidad de Grosseto (Toscana), el cuarteto italiano Gran Turismo Veloce brinda una peculiar propuesta progresiva donde se combinan y alternan con fácil fluidez estándares clásicos y recientes del rock artístico: el repertorio de su disco debut "Di Carne, Di Anima" incluye aspectos estilizadamente melódicos propios del sinfonismo italiano, atmósferas envolventes floydianas amalgamadas con recursos musculares a lo Porcupine Tree, ambientes de raíz neo-prog, manejos de electrónica pop-psicodélica a lo Radiohead, también algunos aires de familia con la inflada solemnidad propia de varios referentes retro-sinfónicos de los últimos 15 años. O sea, Gran Turismo Veloce forja su estilo sobre la pretensión de sintetizar pautas del progresivo de vieja escuela, desarrollos más recientes de los 80s y recursos de claras consonancias contemporáneas. "Sorgente Sonora" comienza con una base escalas de piano para que, a partir de ahí, el cuerpo central (alternando compases de 5/4 y 6/4) desarrolle una atractiva recreación de sinfonismo revestido de texturas psicodélicas moderadamente pesadas. El tema final sirve para que el grupo aumente la vibración rockera del momento, una idea muy rara en tanto que el teclado emula momentáneamente al acordeón, pero funciona muy bien. Los siguientes 5 minutos y pico están ocupados por "Misera Venere", tema que porta un aire un poco más introvertido, cercano en algo al Porcupine Tree de la etapa "Stupid Dream" y al Pink Floyd post-Waters, pero con una garra menos llena, centrándose más en la inquietud por elaborar una aureola de magnificencia en torno al tenor contemplativo en curso. A continuación viene "Quantocámia", pieza que cumple con la misión asignada de estrenar la expresividad de la faceta más fastuosa de la banda: con un esquema sónico donde confluyen los estándares de RPWL, Karmacanic, el Camel 90ero y el último Finisterre (el de "La Meccanica Naturale"), Gran Turismo Veloce organiza un excitante viaje instrumental que comienza explayándose sobre un exultante tempo de 3/4, luego vira hacia un ambiente reposado donde inicialmente florece un solitario piano eléctrico y posteriormente emerge el ensamble completo bajo el liderazgo de una guitarra solista muy a lo Latimer, para finalmente completar la idea con una pomposidad solemne que nos es habitual hallar tanto en las ofertas neo-progresivas continentales del nuevo milenio como en el retro-prog, cerrando finalmente con una coda donde se cita brevemente el primer motivo. Este instrumental puede ser percibido instantáneamente como un cénit seguro y decisivo del disco. Con "L"Artista", la banda regresa a su faceta más introspectiva con su peculiar manera de reciclar el sonido de unos Marillion (post-"Marbles") radioheadizados: nada especial en cuanto a lo estrictamente compositivo, pero con unos interesantes efectos de ruidos callejeros en medio que ayudan a darle un cierto aire desquiciado al asunto reflexivo. Las cosas cambian drásticamente con "L'Estremo Viaggiatore", pieza que alterna pasajes marcados por riffs prog-metaleros con otros más cálidos, armados con la sencillez propia de un medio tiempo neo: una vez más, la irrupción momentánea de una atmósfera inesperada en el intermedio logra reformular la experiencia de modo muy efectivo. "La Paura" retoma una vez más el aura del Radiohead cibernético en combinación con una vibración rockera de inspiración space-rockera que aporta una moderada densidad a la bien definida y no muy compleja estructura melódica de la canción. Los siguientes 3 minutos y medio del álbum están ocupados por el reprise de "Misera Venere", pieza absorbida por una cadencia melancólica que toma el último motivo del primer "Misera Venere" y la brinda una aureola envolvente, a veces alimentada de ornamentos psicodélicos calculadamente suavizados. Este tema y el anterior me hacen recordar un poco a Röhmer, uno de esos tantos proyectos italianos de Zuffanti. "L'Indice E l'Occhio", que con sus 8 1/2 minutos de duración es la pieza más larga del álbum, está a cargo de cerrarlo con un aire de estilizada grandilocuencia que recibe ciertas herencias del BMS de "Canto Di Primavera" y el Le Orme de los últimos años, explotando su sencillo motivo básico con soltura y elegancia, sin caer ni en la pesadez ni en la languidez, por el contrario, manteniendo su vibración reflexiva de forma ecuánime. Segundo y final cénit del disco. Todo esto fue la experiencia de "De Anima, De Carne", disco que pone a Gran Turismo Veloce en el gran mapa mundial del rock progresivo: cabe resaltar, como punto final, que este ítem viene siendo ampliamente elogiado en las redes especializadas en la difusión del género progresivo y afines. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Rock In Opposition 2011 HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. Ya está todo listo para el Rock In Opposition Event 2011. El cartel del festival es como sigue.- 16 of seiembre Christian Vander solo (Francia) Aranis / Present / Univers Zero BAB Once upon a time in Belgium. BB (Bélgica/Francia/EE.UU.) 17 de setiembre Yugen (Italia) Gargantua (Polonia) Panzerballett (Alemania) Jack Dupon (Francia) 18 de setiembre Vialka (Francia) Grumpf Quartet (Francia) Alamaailman Vasarat (Finlandia) Arno (Bélgica) Además de conciertos, habrá happenings, estantes de ventas de discos y sesiones de encuentros con fans y/o ruedas de prensa. El cronograma de encuenstros y /o ruedas de prensa es como sigue.- - UNIVERS ZERO / PRESENT / ARANIS / 17 set / 14.15 - YUGEN / 17 set / 16.45 - GARGANTUA / 17 set / 19.30 - PANZERBALLETT / 17 set / 22.15 - JACK DUPON / 17 set / 23.00 - VIALKA / 18 set / 15.15 - GRUMPF QUARTET / 18 set / 17.00 - ALAMAAILMAN VASARAT / 18 set / 19.00 - ARNO / 18 set / 23.00 (por confirmarse) Más información en http://www.rocktime.org/rio Aquí me despido hasta una nueva ocasión. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: JAIME ROSAS - "Flashback" (2011) JAIME ROSAS: "Flashback" (2011) Temas 1.- Primera Luz (20:35) 2.- El Principio Del Ritmo (5:38) 3.- Buenos Momentos (4:26) 4.- Lejos (5:02) 5.- Memoria (6:32) 6.- Flashback (10:36) Jaime Rosas: sintetizadores, piano, órgano Hammond y programaciones Colaboradores - Coke Cruz (batería en 1), Rodrigo Godoy (bajo en 1, voz, guitarras y bajo en 4), Jaime Scalpello (voz en 1), Ricardo Henríquez (bajo en 2, 3), Nico Figueroa (guitarras en 2), Javier Sepúlveda (guitarras en 3), Alejandro de la Cuadra (batería en 3), Pato Martín (batería en 5), Ignacio Ruiz (guitarras y bajo en 5) Tras más de dos años de trabajo retomando y reciclando viejas ideas a la par que iba germinando, forjando y concluyendo otras nuevas, el virtuoso y perfeccionista teclista chileno Jaime Rosas vuelve a dar una nueva muestra cabal de su talento y energía con "Flashback", su cuarto trabajo solista de estudio. Este disco disfruta en buena medida del impulso otorgado por el vitamínico y versátil tercer disco "Creciendo", labrado por el Jaime Rosas Cuarteto. Para "Flashback", en perfecta coherencia con la idea general de repaso del lugar propio dentro del entorno musical desarrollado durante años y años, Jaime Rosas vuelve a operar estrictamente como solista acompañado de invitados de turno. Acabo de señalar hace un rato que "Flashback" tiene una cierta conexión con "Creciendo", pero también es justo matizar que este nuevo disco cuenta con una personalidad propia bien afianzada, e incluso contiene una mayor dosis de colorido en la paleta de sonidos y estrategias estilísticas abarcadas en su repertorio, eso sí, siempre dentro de una coherencia musical bien definida: unidad en la heterogeneidad. Siendo el tema que abre el disco una suite progresiva de más de 20 minutos de duración, queda clara la decisión de Rosas de poner toda la carne progresiva en el asador desde el punto de arranque. Dando rienda suelta a sus influencias emersoniano-wakemanianas con un punche sólido y contundente que tiene mucho que ver con el sinfonismo ultra-barroco de las últimas décadas practicado por nombres como Pär Lindh Project y Gerard, los primeros tres minutos son ocupados por un vendaval fastuoso bien sostenido por la dupla rítmica. La siguiente fase tiene un aura mucho más calmada, siendo así que la fastuosidad en curso se torna introspectiva aunque para nada carente de punche: hablé de calma, no de languidez. Poco antes de llegar a la barrera del séptimo minuto, la calma cede paso a un nuevo momento de fuerza explícita, esta vez al ritmo de blues-rock pero con las lógicas florituras del sintetizador que aseguran el ambiente sinfónico a buen recaudo: este momento es en realidad un puente hacia una serie de pasajes más trepidantes, los cuales sí son muy semejantes en espíritu al motivo inicial=85 y las florituras siguen llenando espacio en su perfecta combinación de solvencia técnica y buen gusto. En el minuto 10 pasamos a una sección reflexiva y solemne, donde el canto de Scalpello pone voz al misticismo patente en las armonías de piano y las etéreas orquestaciones de teclado. La irrupción de un interludio extrovertido sirve principalmente para realzar el misticismo bajo una nueva luz por un momento, no como contraste; el contraste propiamente dicho llega al finalizar la parte cantada, con una retoma de la contundencia electrizante dispuesta para redondear la idea para los últimos 5 minutos. "El Principio Del Ritmo" es un animal de otra fauna: un ejercicio de jazz suave donde se explora una cadencia tranquila con suma elegancia, siendo así que en algunos momentos de producen unos interesantes intercambio de piano y guitarra guiados por un refinadísimo sentido de la sutileza. Y si de seguir cambiando de fauna se trata, entonces el momento es más que propicio para el surgimiento de una pieza como "Buenos Momentos", la cual encaja de lleno con el estándar de Jaime Rosas en su faceta más extrovertida, sinfonismo incendiario en posición "borderline" con el paradigma del prog-metal. Gustosamente comparte protagonismo Rosas con el guitarrista Javier Sepúlveda en los pasajes más fieros, pero la atmósfera predominante es la de una "orquesta wagneriana" traducida al lenguaje del rock: en esto último, podemos hallar ciertas reminiscencias de sus propias composiciones épicas dentro del modus operandi de Entrance. "Lejos" es una vieja composición que Rosas rescata para la ocasión: se trata de une balada que aparentemente tiene el potencial de una típica power-ballad, pero que el autor, en colaboración con su colega Rodrigo Godoy, reelabora como balada envolvente donde el sinfonismo se manifiesta en su expresión más etérea, con algunos matices fusionescos en el intermedio que añaden algunas interesantes variantes en la cadencia general de la canción. Si "Buenos Momentos" se emparentaba con las aventuras más incendiarias del anterior álbum "Creciendo", "Lejos" se conecta con los momentos más intimistas del mismo. "Memoria" es otro tema rescatado de los viejos tiempos, y de hecho data del tiempo en que Rosas debutó en el mundillo del rock con un grupo llamado Iron Will: "Memoria" es una power-ballad instrumental hecha bajo el modelo de las piezas lentas de Joe Satriani y Steve Vai, y de hecho, Rosas se mantiene fiel a la idea original para dejar que el guitarrista de turno (Ignacio Ruiz) ocupe inamoviblemente el lugar central. Los últimos 10 minutos y medio del álbum están ocupados por la pieza homónima, la cual epitomiza grandemente el concepto de tributo al rock progresivo. Con un prólogo cuyo lienzo consiste en una serie de minimalistas capas de teclado y cuyos retazos consisten en extractos breves de clásicos compuestos por ELP, Genesis, Yes, Los Jaivas y otros, el primer motivo se instala dentro de un esquema donde lo vangelisiano y lo floydiano se enlazan para marcar a través de un cogobierno el paisaje de una reflexión cósmica. El segundo motivo se explaya en un aire hard-rockero que nos remite a Deep Purple con algo del UK de la etapa "Danger Money", no por mucho tiempo en verdad, porque no tarda en emerger un tercer motivo donde la pieza vira hacia esa área continuamente explorada por Rosas, la confluencia entre la obsesiva estilización barroca de Wakeman y el nervio aguerrido emersoniano. Esta sección es la última, y su fade-out desemboca en un arreglo cibernético a lo Jean-Michel Jarre, además de una coda donde nuestro héroe despierta enojado por el ruido del despertador=85 !y lo rompe! ?Una alusión satírica al personaje Pink mientras rompía su multitud de televisores en uno de sus tantos momentos de demencia rabiosa en "The Wall"? Posiblemente sí, pues la clave de humor ha sido uno de los elementos esenciales de esta pieza en su concepto integral. Una manera muy ocurrente de concluir este disco: justamente con una pieza que individualmente recapitula la unidad en la heterogeneidad que mencionamos en el primer párrafo. "Flashback" es, como balance general, una obra que confirma el sitial que tiene Jaime Rosas como figura central de los teclados dentro del circuito progresivo sudamericano. !Muy recomendable! César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: falleció Mac (ex-Threshold) HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. Y la Diosa Muerte sigue imponiendo su aleatoria voluntad sobre la humanidad. En el caso específico del rock progresivo, su nuevo invitado eterno ha sido Andrew McDermott, más conocido como Mac, quien tuvo su mayor gloria como cantante de la banda británica THRESHOLD. Él falleció el pasado miércoles 3 de agosto, después de pasar por una larga temporada de dolorosos problemas de salud: solo tenía 45 años de edad. McDermott pasó sus primeros años cantando en clubs y pubs ingleses antes de mudarse a Alemania, donde se unió a la banda SARGANT FURY. Este grupo se separó, después de registrar tres discos, en 1998, tiempo en el que McDermott se unió a THRESHOLD para el álbum "Hypothetical", el cual es considerado por muchos como una obra cumbre de la banda en cuestión. Actualmente, Damian Wilson, el hombre a quien Mac reemplazó, ocupa de nuevo el rol de vocalista, a poco de lanzado al mercado el álbum "Dead Reckoning". La aventura más reciente de Mac estaba teniendo lugar en el proyecto SWAMP FREAKS, el cual asumía la posición de reciclar y fundir el heavy clásico de los 70s, la anarquía emocional del grunge 90ero y algo de punk-rock. El perfil de Facebook del sussodicho proyecto está en http://www.facebook.com/pages/Swamp-Freaks/159346867039?sk:wall Gracias a Mac por todo lo que aportó al mundo del rock, especialmente a quienes valoramos la obra de THRESHOLD. Aquí van tres tubitos con sendos temas del disco "Hypothetical".- Light and space: http://www.youtube.com/watch?v:ys3bcpRToRA Turn on, tune in: http://www.youtube.com/watch?v:kcLDf4R2peg Narcissus: http://www.youtube.com/watch?v:P_pKdXzH4fE !Gracias por la música, Mac! ----------------------------------------------------------------------------