LA CAJA DE MUSICA LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO ============================================================================ LCDM: #941 enero 2011 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM vota los mejores discos de 2010: http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM/CGI/mejor10.html ---------------------------------------------------------------------------- * Los mejores del año * MUDDY WORLD "Finery of The Storm" * OVUM "Microcosmos" * Tim Esau regresa a IQ... !!! * mis discos favoritos de 2010 * ESKATON "4 Visions" * Anathema en la prensa peruana * el disco de HONEYELK * Serpentina Satélite 2010 * LACRYMOSA 1984 * el 1ro. de AKSAK MABOUL * LCDM: Psychotropic Caravan Festival III * Pallas: "XXV" (2011) * Los álbumes_que_más_os_han_marcado ---------------------------------------------------------------------------- Autor: www-data Asunto: Los mejores del año * Dirección de correo: hugo.castro@redsalud.gov.cl * Votación de los mejores del año: El año 2010, no hubo gran cantidad de producciones respecto de otros años, pero si un numero suficiente para generar valiosos discos destacables en esta segunda década de los 2000. Lamentablemente hay muchas producciones que quedan fuera del alcance de nuestro tiempo y dinero y de las cuales vamos descubriendo a medida que pasan los años. Pero de los que he logrado apreciar, estos son los más destacados a mi gusto: HYPNOS 69 – LEGACY. Excelente CD al estilo rock psicodelico con King Crimson. CICCADA – A CHILD INH THE MIRROR. El mejor debut en años. LA MASCHERA DI CERA – PETALI DI FUOCO. El mejor Italiano (y es mucho decir) CONQUEROR – MADAME ZELLE. Excelente italianos con toques retros y modernos. AMPLIFIER – OCTOPUS. Mejor producción de rock progresivo contemporáneo. WOLF PEOPLE – STEEPLE. Mejor disco de stoner progresivo. GROBSCHNITT – LIVE 2010-2008. Excelente regreso en vivo de estas leyendas. GROBSCHNITT – HISTORY 0. No se como estos Alemanes sacan tantos CDs con temas inéditos y de tan alto nivel. SOLSTICE – SPIRIT. Muy buen rock progresivo con toques folck. Estilo Karnataka, pero buenos (me explico ?). CRIPPLED BLACK PHONIX – I VIGILANTE. Excelente producción al estilo Anathema y Floyd. ANATHEMA - WE`RE HERE BECAUSE WE`RE HERE. Uno de sus mejores trabajos. SETI – DISCOVERIES. Mejor CD latinoamericano. RACCOMANDATA RICEVUTA RITORNO – IL PITTORE VOLANTE. Otro regreso Italiano de primer nivel. KEITH EMERSON BAND – MOSCOW. Creo que es el mejor DVD del año, con un sonido e interpretación excelentes, sin mencionar los temas que son mejores aún. QUANTUM FANTAY – BRIDGES OF KUKURIKU. Extraño nombre para esta excelente producción de rock psicodélico al estilo OZRIC. MAGENTA – LIVE AT REAL WORD. Excelente trabajo umpluge CD y DVD. HAKEN – AQUARIUS. El mejor disco de heavy progresivo. IL TEMPLO DELLE C LESSIDRE – SAME. Muy buen debut, aunque podría haber sido mejor. AREKINAMES – IN CASE OF LOSS. Otros Italianos de primer nivel, interpretando su mejor trabajo a la fecha. ARGENT OF MERCY – DRAMARAMA. Sólidos. K2 – Black garden. Buen segundo CD, denle una oportunidad. Las decepciones. ELOY. Nueva producción de bajo nivel de composición, Que te pasa FRANK, te ha hecho mal el retiro?. TRANSATLANTIC. Mas de lo mismo, un poco mejor que el anterior, pero esos temas lateros que nunca terminan, chiclosos y desesperantes, especialmente esos finales de 12 minutos que son aburridos y sin sorpresas. THE WATCH – PLANET EARTH?. Clones de Genesis con temas sin sentimiento ni pasión (Genesis compuesto por computadoras). No se pueden superar, una lastima, pues como músicos son excelentes. Eso es todo y .......... un abrazo para cada uno de los cajeros y recuerden………son solo comentarios emanados del gusto de cada uno. Hugo Castro Salinas. Santiago de Chile ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: MUDDY WORLD "Finery of The Storm" MUDDY WORLD: "Finery of The Storm" (2006) Temas 1. Iron Ant (3:49) 2. Lilac (6:53) 3. Fever (1:42) 4. Duel (5:05) 5. Dewfall (4:28) 6. Muddy Floor (6:21) 7. Apollo (3:38) 8. Granada (6:02) 9. Cut (4:27) 10. Neon (2:56) Integrantes - Soeda Yusuki: guitarra - Murakami Keita: bajo - Sugita Kohei: batería Muddy World es el nombre de un ensamble japonés que dignifica infinitamente la ideología del power-trío dentro de la avanzada rockera: su esquema sonoro que alterna y/o combina fiereza, refinamiento y dinamismo de acuerdo a pautas genuinamente progresivas es un perfecto ejemplo de cómo se puede, a punta de ingenio, explotar sugerentemente ideas musicales usualmente sencillas a fin de generar un resultado final complejo y sofisticado. Una cosa que es evidente desde las primeras escuchas es que este trío de Yusuki, Keita y Hokei sabe compenetrarse a las mil maravillas en sus jams, y otra cosa fácil de notar es su necesidad de expresarse eclécticamente a través de una gama de recursos estilísticos que contempla el jazz-rock, el math-rock, el patrón crimsoniano, el stoner y la psicodelia pesada, además de algunas alusiones al modelo no-wave de los primeros 80s. "Finery Of The Storm", su disco del año 2006 (anticipado por su EP de 2004 "Iron Ant"), refleja a la perfección el talento con que cuenta este ensamble para crear un eclecticismo tan electrizante con una instrumentación no demasiado prolija. El primer tema, 'Iron Ant', despeja toda modorra posible con un simple esquema compositivo en 6/8 ejecutado con convincente polenta; este derroche de fuego viene sucedido por los más elaborados matices de 'Lilac', pieza en 5/4 que revela ciertos parentescos con Attention Deficit y la banda compatriota Baraka. 'Fever' es un interludio basado en un swing arquitectónico que prepara el camino para el swing más suelto y vivaz de 'Duel', el cual puede describirse como un experimento de química math-rockera realizado con logística tomada de las áreas del crimsonismo y del stoner. Los climas de tensión y frenesí se manifiestan con total vivacidad, pero el grupo cuida muy bien que este fuego progresivo quede controlado a través de una fineza que para nada contradice la agilidad muscular en curso. 'Lilac' y 'Duel' conforma las instancias más incendiarias de este disco, pues en adelante el trío optará por tendencias más reposadas (en diversas medidas) en lo que queda del disco. 'Dewfall' tiene ciertos aires a lo Primus, aunque principalmente se trata de una pieza donde predomina un espíritu sereno, además de ser uno de los pocos temas cantados del disco. 'Muddy Floor' también es un número cantado, contando con un esquema melódico llamativo, fácilmente llevadero, casi como un híbrido entre The Police y Wes Montgomery. El gancho es tan cálido que el grupo se pueda dar el lujo de explorar su magnetismo por 6 minutos y pico. 'Apollo' hereda algo de la calidez del tema precedente, aunque esencialmente se trata de una exploración instrumental de ambientes intimistas reflexivos sobre una pauta predominantemente jazzera. 'Granada' también traba con cadencias jazzeras, aunque su armazón sonora también incorpora elementos de math-rock en proporciones equitativas: hay una cierta cualidad etérea que permanece firmemente asentada a lo largo del tema. 'Cut' es otro tema cantado cuyo esquema musical se basa en un efectivo jam de cariz stoner mezclado con no-wave: aquí tenemos otro ejemplo de la capacidad de Muddy World de enrollarse con una idea sencilla y sacarle un provecho interesante. El álbum concluye con 'Neon', un jam sostenido sobre una batería tribal que nos puede recordar muy bien al primer Guru Guru empapado de aromas post-rockeros. Muddy World es un grupo muy interesante, en mi opinión, un ensamble al cual vale la pena seguir a fin de percatarnos de cuánto más es capaz de aportar a la actual escena vanguardista japonesa. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: OVUM "Microcosmos" OVUM: "Microcosmos" (2008) Temas 1. Brilliant Lies (11:38) 2. Lost In Addiction (7:58) 3. Zero (6:47) 4. No Where Now Here (10:28) 5. Reflection (5:12) 6. Snowflake Butterfly (6:21) 7. Astral (11:37) Integrantes - Norikazu Chiba: guitarra, sintetizador - Yu Tokuda: batería - Yosuke Jinnouche: guitarra - Shunsuke Onoyama: bajo La escena rockera experimental que se desarrolla en Japón es un terreno muy abierto y receptivo, lo cual incluye la presencia de importantes bandas de línea post-rock procedentes de la tierra del Sol Naciente. Ovum es una de esas bandas, y su disco debut "Microcosmos" es una buena vía de entrada para que el neófito tiente su primera aproximación a esta banda. Explosions In The Sky, Isis, Mogwai y sus más veteranos compatriotas de Mono son las principales referencias de inspiración para este cuarteto formado en 2006, y que prácticamente desde el primer día ha ido manteniendo una constante actividad en el área underground de Tokio. 'Brilliant Lies' abre brillantemente el disco con una muestra de las potencialidades más extrovertidas del estándar del post-rock. El motivo inicial se instala con una aureola optimista que funciona muy bien a la hora de expresar su gancho inherente, y a partir de ahí el cuarteto elabora un poderoso clímax en su camino hacia la barrera de los 6 minutos y medio. Aquí se da un punto de quiebre en el cual el ensamble regresa al motivo original y reelabora un segundo y definitivo clímax. El encuadre armado entre el cálido swing de la batería y la calculada arquitectura de las guitarras duales es perfecto para la ocasión. Con estos primeros 11 minutos y pico de explosión sónica, el primer impacto sobre la atención del oyente está garantizado. 'Lost In Addiction' recapitula en buena medida esta extroversión musical aunque la dosis de polenta está evidentemente más medida; cabe notar la incorporación de ciertas cadencias jazzeras en el desarrollo rítmico de esta pieza en particular, lo cual permite al grupo generar algunos momentos de espíritu juguetón a su vuelo instrumental. 'Zero' cambia de registro para orientarse hacia los senderos más introvertidos del post-rock: el cáustico empleo de la lenta base rítmica y los persistentes efectos cósmicos de guitarra en el trasfondo garantizan la permanencia de una aureola casi surrealista en torno al simplista esquema compositivo empleado para la ocasión. 'No Where Now Here' es otro tema largo, durando poco menos de 10 BD minutos. Para sus primeros 4 minutos, el tema perpetúa los aires reflexivos de la pieza precedente, para luego sacar provecho de las entusiastamente flotantes armonías guitarreras en curso y darle un giro explosivo: la brisa otoñal que antes envolvía el cerebro del oyente se convierte en éter dinámico, elaborando así un clímax electrizante que no descontrolado. La coda desarrollada en el último minuto ofrece un momento de puro relax. 'Reflection' supone la cumbre del disco en términos de desarrollo compositivo: Ovum decide incorporar aires de Latin-fusion y crimsonismo de la etapa "Discipline" a su línea de trabajo, incluyendo también interesantes variaciones en el esquema rítmico. 'Snowflake Butterfly' retoma y capitaliza el ímpetu introspectivo trabajado anteriormente en 'Zero', ofreciendo así un abierto contraste frente al colorido patente de 'Reflection'. Los últimos 11 BD minutos del álbum están dedicados a llevar lo introspectivo hacia una dimensión épica, exaltada, tensa: 'Astral' basa principalmente el núcleo de su expresividad en la alternancia entre pasajes dominados por flotantes acordes de guitarra y otros marcados por interludios cálidos (rezagos de lo hecho en los dos primeros temas del álbum). Da la impresión de que el grupo se plantea sugerir y aliviar sucesivamente un clima de tensión siempre disponible para soltarse de una vez=85 y finalmente lo hace en los segundos finales, culminados con un ingeniosamente abrupto final. "Microcosmos" es, en el balance general, un muestrario de una hora de post-rock concebido y ejecutado con músculo y nervio: Ovum se dispone desde el punto de partida a impulsar una vitalidad electrizante al género a la par que aplica obedientemente las reglas inauguradas por sus paradigmas de preferencia. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Tim Esau regresa a IQ... !!! HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. Una telenovela llena de sobresaltos y resoluciones felices, eso parece la historia aún viviente de IQ. Tras el shock de la partida de John Jowitt, quien aportó swing y personalidad a la dupal rítmica de la banda desde los tiempos de "Ever", ahora nos llega la noticia del retorno de Tim Esau. Parece mentira... pero sí, el bajista original regresa a IQ después de 30 años fuera de ella (la culminación de la gira de "Are You Sitting Comfortably?"). Tal como aparece en el enlace www.iq-hq.co.uk , el grupo publicó: "Estamos muy contentos de anunciar el retorno a IQ de Tim Esau. Estamos muy entusiasmados de poder contar con él de nuevo en la familia de IQ para la gira de nuestro 30mo aniversario". A su vez, Tim señaló lo siguiente: "Bueno, comenzaré expr5esando mis mejores deseos para John en el futuro. Solo lo vi un par de veces pero sé que es un gran músico y que era muy popular entre los leales fans de IQ. Así pues, tras la partida de John y tras recuperarme de la impresión inicial de un mail que recibí, estoy extremadamente agradecido a Pete, Mike y Cookie por pensar en mí para tocar el bajo en IQ y estoy feliz de aceptar su invitación. Tengo muchas ansias por volver a trabajar con ellos, conocer y trabajar con Neil, ver muchas caras que no he visto en años, y por supuesto, conocer nuevas caras." El grupo añade: "!pueden confiar en que no tenemos planes de nuevos cambios en la formación en el futuro próximo! Estamos ansiosos por verlos a todos ustdes en el IQ30 Tour que tendrá luga reste año." Aquí me despido hasta una nueva ocasión. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: mis discos favoritos de 2010 HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. Aquí va la lista de mis discos favoritos del año 2011, comenzando con los 10 primeros en riguroso orden de preferencia.- 1. FROGG CAFÉ - Bateless Edge 2. UNIVERS ZERO - Clivages 3. YUGEN - Iridule 4. JAGA JAZZIST - One-Armed Bandit 5. ALGERNON - Ghost Surveillance 6. KAYO DOT - Coyote 7. FRENCH TV - I Forgive You For All My Unhappiness 8. NICHELODEON - Il Gioco Del Silenzio 9. RATIONAL DIET - On Phenomena And Existences 10. AREKNAMÉS - In Case Of Loss... Ahora siguen los demás discos favoritos, en estricto orden alfabético por grupo/músico.- AMOEBA SPLIT - Dance Of The Goodbyes AUTUMN MOONLIGHT - The Sky Over Your Shoulders CANVAS SOLARIS - Irradiance JOSÉ CARBALLIDO - Réquiem COSA BRAVA - Ragged Atlas LAS COSAS - Solarística DEFÓRMICA - Páramo ELEPHANT9 - Walk The Nile ERIS PLUVIA - Third Eye Light FALSOS CONEJOS - YYY TREY GUNN & MARCO MINNEMANN - Modulator HELMET OF GNATS - High Street HYPNOS 69 - Legacy K2 - Black Garden KINDER - Kinder LENIN - Río Hecho Cacería LIIR BU FER - 3juno LUZPAR CDS - Tierra De Conejos LA MASCHERA DI CERA - Petali Di Fuoco MY SLEEPING KARMA - Tri PILOTOCOPILOTO - Pilotocopiloto PROYECTO WEF - Creación espontánea PSICOTROPIA - Psicotropia3 RED SPAROWES - The Fear Is Excrutiating But Therein Lies The Answer RELOCATOR - Relocator RODRIGO SAN MART CDN - There's No Way Out SHINING - Blackjazz IL TEMPIO DELLE CLESSIDRE - Il Tempio Delle Clessidre THE WATCH - Planet Earth? XING SA - Création De L'Univers ZAAL - Onda Quadra ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: ESKATON "4 Visions" ESKATON: "4 Visions" (1981) Temas 1. Eskaton (10:24) 2. Attente (10:12) 3. Ecoute (13:00) 4. Pitié (8:44) Integrantes - André Bernardi: bajo - Gérard Konig: batería - Alain Blésing: guitarra - Gilles Rozenberg: órgano, sintetizador - Eric Guillaume: piano eléctrico - Marc Rozenberg: piano eléctrico - Paule Kleynnaert: voz - Amara Tahir: voz Grabado en primer lugar pero recién editado un año después de "Ardeur", este involuntariamente segundo álbum de Eskaton titulado "4 Visions" puede legítimamente considerarse como la manifestación pura del tipo de orientación musical que este ensamble propuso para la marginal pero intensa movida zeuhl que operaba en los círculos vanguardistas de la Francia progresiva desde los albores de la obra de Magma. No son pocos los coleccionistas que consideran a Eskaton como la expresión más lograda del género (sin dejar de reconocer la insoslayable presencia pionera de Christian Vander & co.) a pesar de lo evidentes que son las deudas estéticas para con los embajadores rockeros del ideal kobaiano. De hecho, Eskaton asumió la tarea heterodoxa de hacer zeuhl en un idioma tradicional, el francés (la alternativa a hacer zeuhl netamente instrumental era cantar en idioma inventado, idiomas poco comunes como el corso en el caso de Rialzu, o simplemente tarareando), pero Eskaton hizo lo que hizo y así se lo propuso desde la primera mitad de los 70s. Es una pena que recién a fines de los 70s pudiera Eskaton disponer de medios para registrar en acetato su visión musical: en 1979 Eskaton debutó con un single, y en el lapso de los 10 meses siguientes grabó dos álbumes de estudio que, por causas del destino de la industria fonográfica, se editaron en orden inverso. En fin=85 Eskaton se caracteriza por darle un enfoque refinado y más marcadamente fusionesco a los estándares del zeuhl, lo cual los emparenta mucho con DŸn y Zao: un zeuhl más accesible en cuanto a elaboraciones compositivas y que, a cambio, se plantea desafíos en amalgamas rítmicas y manejos de texturas. Eskaton es un paradigma especial dentro del bizarro género en que se ubica. El tema que da nombre a la banda abre el disco con un esplendor alucinante, mostrando una aureola de energía y plenitud pero aferrándose concienzudamente a las musas de la estilización: la arquitectónica afluencia de los dos pianos eléctricos complementa dinámicamente a la labor de la batería, de tal modo que el bajo puede lucir bastantes florituras desde su rol de puente entre el esquema rítmico y los bizarros recursos musicales que se vierten desde el canto femenino, la guitarra y el sintetizador. 'Attente' se inicia con una breve introducción cósmica de sintetizador, siendo así que al poco rato se revela el cuerpo central con un swing bastante medido, basado en el espléndido afiatamiento entre el bajo, la batería y el piano eléctrico. Si el primer tema parecía centrarse en ambientes celebratorios y optimistas, éste ofrece un espíritu ceremonioso, pero lejos de recargarse por el lado tétrico que era muy recurrente en la vanguardia gala del RIO y el zeuhl, la gente de Eskaton conserva una ligereza muy conveniente a la hora de sacarle el jugo a las cadencias desarrolladas en el vuelo instrumental. Para los dos últimos minutos, la coda elabora una atmósfera entusiasta que genera una interesante variante frente a la vibración ceremoniosa que había reinado hasta ahora. La segunda mitad del disco abre con 'Ecoute', la pieza más larga del mismo, y la que también lleva el sonido Eskaton hacia los niveles más altos de complejidad épica. El colorido y espíritu extrovertido de siempre vuelven a hacerse presentes, allí no hay mayor novedad, pero cabe notar que el bloque instrumental se vuelve más macizo; además, se enriquece mucho con la presencia de elementos de space-rock (especialmente en el uso del sintetizador en algunas partes, sonando como si Tim Blake hubiera sido convocado como colaborador especial), así como el realce melódico en determinadas partes cantadas (algo que usualmente asociamos al estándar sinfónico). El tema se mantiene en un frenesí orgásmico constante, ayudado tanto por el fluido manejo de la arquitectura rítmica como por las mágicas evocaciones vertidas por el doble canto femenino; también hay espacio para dos estupendos solos de guitarra que tienen más de jazzero que de zeuhl. Tras el esplendor épico de 'Ecoute', 'Pitié' completa el concepto del álbum enrumbándose por sonoridades ensoñadores, enfatizando así la faceta texturial de la banda. Hay una cualidad claroscura en la sección inicial que parece como una sutil amenaza, pero una vez instalado el cuerpo central nos topamos con una nueva expresión de elegante tensión que Eskaton convierte en marca registrada: en todo caso, 'Pitié' se aleja de las dimensiones épicas de 'Ecoute' a fin de explorar ambientes más relacionados con el space-rock (también presentes en 'Ecoute'), así como acercarse al espíritu ceremonioso que fue predominante en 'Attente'. "4 Visions" es todo un clásico del zeuhl, una alternativa al estándar monumental y fastuoso que con que Magma signó su rol pionero de esta vertiente progresiva. Esta alternativa encarnada por Eskaton es la que más ha calado en las bandas de nueva generación (Neom, Xing Sa, Setna) junto con DŸn y Zao. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Anathema en la prensa peruana HOLA LATEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. El pasado domingo 9 de enero se publicó en la prensa peruana, más exactamente en el diario "El Comercio", una nota sobre la banda ANATHEMA. Paso a transcribir la nota a continuación.- " Cambio de atmósferas Por: Rafael Valdizán Formado en 1990, en Liverpool, Anathema es un nombre obligado entre las bandas de culto. Y tiene un espacio ganado, a punta de experimentación y cambios de piel. Si tomáramos los extremos -sus inicios y su actualidad-, bien podríamos pensar que se trata de dos grupos diferentes, con muchas más divergencias que similitudes: un punto de partida dentro de un microcosmos death/doom y un presente de características difusas, marcado por densas atmósferas y un sonido más contemporáneo, que ha resultado en una abierta gama de posibilidades de clasificación; ahora dicen de Anathema que es una banda de new prog rock; otros le han clavado la etiqueta de rock alternativo, o de metal alternativo, y podríamos seguir (sucede que hoy Anathema puede encontrar puntos de confluencia con las estéticas de actos como Pink Floyd o Radiohead, por citar dos ejemplos). La verdad es que el curso de la banda de los hermanos Cavanagh ha sido un deslizamiento constante. Si habláramos de colores, podría decirse que el trayecto ha ido mudando del negro más profundo a una suerte de transparencia, no sin antes haber atravesado varias capas de grises. En ese deslizamiento, Anathema se ha despojado progresivamente de algunas pieles: Luego de discos como "Serenades" (1993) y "The Silent Enigma" (1995), sofocaron las voces guturales propias del death. En trabajos como "Eternity" (1996), "Alternative 4" (1998) y "Judgement" (1999) asoman algunos elementos más propios del mundo gótico, con voces limpias, pero se conservan ciertos sonidos duros -que conviven con otros matices: cuerdas acústicas, teclados- y el clima oscuro, melancólico, por momentos agónico. Es a partir del "A Fine Day to Exit" (2001) cuando Anathema ensaya un giro más definido: adelgaza su sonido y la composición de canciones asume una mayor complejidad (es ahí que empieza aquella dicotomía entre lo progresivo y lo alternativo). Es claro que desde entonces Anathema deja de ser (por si alguien aún tuviera dudas) una banda de metal, en su concepción más amplia, e ingresa, de plano, entre las coordenadas de quién sabe qué tipo de rock (preferiríamos evitar clasificaciones imposibles). Lo más reciente de Anathema lleva por título "We're Here Because We're Here". Diez canciones que prosiguen con el mandato del grupo: evolucionar, mutar, probar de aquí y de allá. Con un sonido mucho más cristalino, cortesía de finas guitarras acústicas y de un piano creciente, los nuevos temas de la banda demuestran que todo cambio, cuando se hace con determinación y creatividad al tope, puede otorgar buenos dividendos: drama exacerbado en temas como "Thin Air" y "A Simple Mistake"; trance progresivo en "Summernight Horizon"; espíritu etéreo en "Dreaming Light" y "Everything" y "Angels Walk Along Us"... Toda la obra parece una pieza lírica, de sublime belleza. Y siempre con un costado reservado a un sentimiento que ha sobrevivido a los cambios: la melancolía. " El archivo PDF de esta nota está en http://elcomercio.pe/impresa/pdf/1294549200/ECMU090111c07 Aquí me despido hasta una nueva ocasión. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: el disco de HONEYELK HONEYELK: "En Quete d'Un Monde Meilleur..." (1979) Temas 1. Stoyz (Duel á Vie) (11:33) a) Rencontre avec la vie b) Combat pour l'Harmonie c) Naissance de la Sensibilité 2. Do Zé Vé Loy (Terres de Sagesse) (14:16) 3. Osmose (en vivo) (CD-Bonus) (4:50) 4. Rencontre d'un soir (improvisación) (CD-Bonus) (7:34) 5. Message En Breaks (CD-Bonus) (1:41) 6. Qu'une meme lumiére guide nos pas (CD-Bonus) (1:21) Integrantes - William Grandordy: pianos acústico y eléctrico, sintetizador - Gérard Blanc: bajo, sintetizadores, voz, piano eléctrico en 4 - Pierre Yves Maury: clarinete, saxofones - Christian Blanc: batería, percusión, coros - Frank Louisolo: guitarras Músicos adicionales - Fabien Giacchi (bajo en 4), Eric Reieuvernet (sintetizador en 4), Jean Cortes (violín en 4) Honeyelk es el nombre de una de las bandas más oscuras de la vanguardia francesa de los 70s, formado por los dos hermanos Blanc (uno baterista/percusionista, otro teclista/bajista) a mediados de la década prodigiosa del progresivo: su carrera fonográfica fue muy corta, consistente en un solo disco editado artesanalmente en una primera edición y recuperado posteriormente con unos cuantos temas extra tocados en vivo para el formato digital. Su estilo tiene una sonoridad zeuhl en la base, obviamente tomando a Magma como referente necesario pero con un dinamismo que tiene más parentesco con Zao y Potemkine (o sea, explorando el lado más propiamente fusionesco del zeuhl), aportando también nexos con la línea sinfónica gala (Carpe Diem). La banda tuvo no solo un repertorio corto sino también una formación muy inestable, con un Gérard Blanc que alternaba roles de bajista y teclista según se diera la ocasión (siendo muy competente en las cuatro cuerdas, dicho sea de paso, un aplicado émulo de Paganotti y Berlin). El repertorio oficial del álbum dura menos de 26 minutos: los dos temas largos que se incluyen aquí fueron ejecutados por la formación de quinteto que incluía a un guitarrista especializado y a un vientista, aunque este segundo es el que más hace lucir su instrumento con mucha diferencia. 'Stoyz (Duel á Vie)' comienza con un breve y amable prólogo de piano y base de sintetizador antes de focalizar su primer motivo cantado en un vitalista ejercicio musical que puede evocar ciertas reminiscencias con Potemkine y Carpe Diem simultáneamente. Un segundo motivo se impulsa desde un swing jazzero y desarrolla un interludio pulsátil de tendencia zeuhl, seguido de un pasaje de piano eléctrico y clarinete que inaugura una sección melancólica (también cantada) marcada por un manejo lírico de ambientes etéreos, aunque pronto regresan los momentos de expresividad extrovertida. Para el cierre, la banda retoma el primer motivo cantado y se despide con un fade-out que llega demasiado pronto. 'Do Zé Vé Loy (Terres de Sagesse)' conforma una expresión más contundente de la visión musical de Honeyelk, jugando con pasajes de tensión en medio de otros focalizados en dinámicos desarrollo pulsátiles: el trabajo de la dupla rítmica es patentemente complejo, lo cual repercute en realzar el carácter casi orquestal que aportan los teclados y el saxo en varios momentos. Hay otros momentos en los que el grupo se consagra en homenajear a Zao y Potemkine, que ya mencionamos como referencias predominantes en el sonido de la banda. Cerca del final, el grupo se complace en exhibir sonoridades medio cósmicas (más parecidas al krautrock atmosférico) antes de elaborar una hermosa coda estilizada en la que hace gala de un lirismo bien armado. Una vez más, da la impresión de que el tema concluye demasiado pronto. El primer bonus track, 'Osmose' es un ejercicio de atmósferas introspectivas, mientras que 'Rencontre d'un soir' elabora un estupendo jam de corte fusión: para este tema mencionado en segundo lugar, la banda cuenta con un violinista y un teclista a cargo del sintetizador. Al grupo se le da muy bien esta estrategia creativa .es una pena que no la hayan explorado más a menudo. Los dos últimos bonus tracks son muy breves: un solo de batería y una balada de voz y piano eléctrico, sucesivamente, completan el legado que Honeyelk aportó al variopinto y sorprendente mundillo de la vanguardia progresiva francesa. Siendo un misterio parcial dentro de la historia del progresivo galo, el nombre de Honeyelk resulta muy recomendable para coleccionistas. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Serpentina Satélite 2010 SERPENTINA SATÉLITE: "Mecánica Celeste" (2010) Temas 1. Fobos (9:10) 2. Sangre De Grado (5:01) 3. Mecánica Celeste (7:46) 4. Imaginez Quel Bonheur Ce Sera De Voir Nos Chers Disparus Ressucités! (2:04) 5. Ai Apaec (8:15) 6. Sendero (11:16) Integrantes - Aldo Castillejos: batería - Félix Dextre: bajo - Flavio Castillejos: recitaciones - Dolmo: guitarras - Renato Gomez: guitarras Lanzado al mercado en el último tercio del año 2010, "Mecánica Celeste" es la tercera producción del ensamble peruano Serpentina Satélite, el cual sucede al ampliamente elogiado "Nothing To Say". Lamento en lo personal haberlo conocido tan tarde, pero bueno, ahora que lo he hecho, puedo afirmar que este grupo sigue siendo una voz líder dentro de la vanguardia psicodélica que se viene desarrollando en el nuevo milenio tanto a nivel latinoamericano como mundial. "Mecánica Celeste" es un disco que refleja desarrollos sónicos más densos y oscuros en comparación con su predecesor, dándole así un cariz más robusto a su estrategia estilística ampliamente basada en las tradiciones del krautrock (Ash Ra Tempel, Guru Guru, Amon Duul II), space-rock (Hawkwind) y el stoner. Dependiendo de cómo el oyente reciba esta renovación de la fórmula, se sentirá más o menos satisfecho a la hora de compararlo con "Nothing To Say" desde un criterio meramente personal, pero queda claro que Serpentina Satélite persiste como un referente dentro de la vanguardia rockera de nuestros días. 'Fobos' abre el disco con una marcada aureola de densidad que anuncia adecuadamente el tipo de sonoridad que describimos anteriormente: esquema rítmico contenido, elaboración de imponentes climas grisáceos. El afiatamiento de los guitarreos porta vínculos con el estándar del post-rock, pero el encuadre space-rock sigue siendo la clave temática para el bloque sonoro de Serpentina Satélite. Para los últimos 3 minutos y pico, el jam nuclear pasa a un momento de dinámico frenesí en base al cual la instrumentación desarrolla su hasta ahora parcialmente contenida energía. Así pues, el clímax conclusivo de 'Fobos' deja listo el camino para el despliegue de vigor en 'Sangre De Grado', todo un ejemplo de cómo la fuerza visceral de un motivo básico sencillo puede resultar coloridamente enriquecida a punta de aumentar intrigantes capas y riffs de guitarra. El cierre épico de este jam sirve, a su vez, como puente hacia la magia peculiar de la pieza homónima, una genuina muestra de la columna sónica de la banda en su manifestación más intensa. Tan robótico como vibrante, tan misterioso como directo, 'Mecánica Celeste' encarna a la perfección el ideal de proyección mental que define las diversas estéticas psicodélicas: bien podría describirse como una cruza entre el Hawkwind de "Doremi Fasol Latido" y el primer Ash Ra Tempel, con añadidos matices de noise-rock. 'Imaginez Quel Bonheur Ce Sera De Voir Nos Chers Disparus Ressucités!' ('!Imagina Qué Alegría Nos Daría Ver Resucitados A Quienes Partieron' en francés) es un breve ritual centrado en la percusión tribal, el cántico femenino y un recitación, el mismo que nos sirve para reposar un rato antes de que 'Ai Apaec' exponga pesadas moles guitarreras sobre un compás lento que arrastra una imponente parsimonia muy conveniente para el caso. Percibo la influencia el del Guru Guru de "KanGŸru". Aquí se confirma plenamente la validez de la estrategia artística desarrollada desde la pieza inicial. Llegamos al final del disco con 'Sendero', tema que ocupa un amplio espacio de 11 minutos y cuarto. Este tema comienza con porciones del cántico de Adviento "Un Pueblo Que Camina", un cántico al cual el grupo alude con perturbadores aires de ambigŸedad al armar un preludio pesado en clave de marcha militar, el cual termina transformándose en un motivo continuo que, a su vez, prepara el impulso del vendaval rockero iniciado a poco de pasada la barrera de los 4'30": el fuego cósmico se torna incendio violento que tiene mucho de opresivo y también mucho de atrapante. Poco antes del octavo minuto, la pieza vira hacia ambientes flotantes que sostienen el correspondiente fade-out, el cual anuncia el momento final de retorcido misticismo: la coda conformada por cánticos que regresan para entonar "Resucitó". En conclusión, "Mecánica Celeste" es un excelente muestrario de experimentación psicodélica que mantiene a Serpentina Satélite como puntera de la vanguardia rockera sudamericana. Repito que lamento haber conocido este disco tan tardíamente. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: LACRYMOSA 1984 LACRYMOSA: "Bugbear" (1984) Temas 1. Opus 2 (7:53) 2. Le Chant Par Blace Cendrars (4:15) 3. Junkie's Lament (5:47) 4. Suspicion & Bugbear (5:23) 5. Vision I - The Death OF The Bird Of Paradise (2:09) 6. Confined in The Time Prison (3:47) 7. Vision II - The Chukle Laughrer in The Question (3:12) 8. The Resurrection (7:40) 9. Vision III - The Secret Treaty Of The Age Of Mairreya (5:58) 10. Flash back (0:56) 11. Metamorphosis (3:34) 12. Lacrymosa (4:20) 13. In A Grass House - The Reefer Effect (en vivo) (2:01) 14. Junkie's Lament (en vivo) (5:20) 15. (en vivo) (1:04) 16. Vision I - The Death OF The Bird OF Paradise (en vivo) (2:06) 17. Opus 1 (en vivo) (4:15) Integrantes - Chihiro Saito: bajo, violín, voz - Masa Sasaki: batería, percusión - Naohiro Yamazaki: piano - Ash: violín - Tsuyoshi Nakagawa: flauta dulce, crumhorn, gemshorn - Seiichi Nakata: clarinete - Keiko Koyama: voz - Shinichiroh Yamazaki: saxo - Jungo Tashihara: guitarra de 10 cuerdas, viola - Sawako Fujita: piano, clavicordio - Masahiro Kawamura: batería, flauta dulce - Satoshi Watanabe: flauta - Yoshiro Yamaguchi: oboe Colaboradores - Atsushi Hiroike (voz), Nobuyuki Tanaka (batería), Kohta Miki (cello) Dentro de la diversa movida progresiva que se desarrolló y maduró en la escena underground japonesa de los 80s, hubo también espacio para experimentaciones por las vías del RIO y el chamber-rock: por esta vertiente, el copioso ensamble Lacrymosa fue un referente puntero. Fundado a inicios de los 80s por el bajista/violinista Chihiro Saito, Lacrymosa se destaca por enarbolar y ostentar un amplio sentido de lo orquestal tanto en su bloque sonoro como en sus meticulosas de arreglos para las composiciones que conforman su repertorio: Univers Zero y el primer Art Zoyd son los referentes más fáciles de advertir cuando se escucha a esta banda, pero la banda se preocupa genuinamente por verter amplias dosis de música culta propia de su folclore nacional. Su disco debut es conocido tanto por el título homónimo de la banda como por "Bugbear", y desde ya me animo a definirlo como un ítem de colección para melómanos entusiasmados con las aristas más aventureras del amplio espectro progresivo. 'Opus 2' inicia el disco con un colorido despliegue de cromatismos disonantes que tienen mucho de travesura en medio de la imponente dinámica cerebral: su caótico preludio tenía algo de amenazante, pero la musicalidad radiante prevalece en la primera parte del cuerpo central. A partir del interludio, se revelan aristas auténticamente tensas que gozan de un desarrollo minucioso, pero la breve coda (5 segundos) retoma el bizarro espíritu de jolgorio anterior. Tras esta entrada tan entusiasta, 'Le Chant Par Blace Cendrars' se explaya en ambientes contemplativos marcados por el piano, un ensamble de maderas, percusiones y cello, mientras que el canto interviene como un contrapunto de extravagancia. 'Junkie's Lament' ofrece un ahondamiento en el recurso introspectivo, esta vez desprovisto de cualquier extravagancia y concentrado en explotar el lado lírico de la vanguardia esencial a la banda, mientras que 'Suspicion & Bugbear' retoma el colorido del tema de entrada, aunque el esquema compositivo está más focalizado y la dosis de soltura más controlada. La segunda mitad del disco está marcada por el concepto de 'Vision': 'Vision I - The Death OF The Bird Of Paradise ' ofrece una deconstrucción del patrón barroco; 'Vision II - The Chukle Laughrer in The Question' hace lo propio con la tradición palaciega del Sol Naciente; finalmente, cerrando el repertorio oficial del disco, 'Vision III - The Secret Treaty Of The Age Of Mairreya' nos muestra a unos Lacrymosa dispuestos a enaltecer sus deudas estéticas con Univers Zero y el Art Zoyd pre-electrónico, complaciéndose en inquietantes climas otoñales a través del uso de estilizaciones propias del chamber-rock francófono, con la salvedad de que Lacrymosa se concentra en trabajar el lado más lírico del asunto. 'Confined in The Time Prison' y 'The Resurrection' completan el cuadro en el ínterin: el primero de estos temas se puede describir como una balada RIO, una pieza marcada por atmósferas evocativamente románticas arropadas por arreglos desafiantemente inusuales, mientras que el segundo expone las dimensiones más fastuosas del estándar del chamber-rock, incluyendo una sección final hermosamente apoteósica. En este sentido, la dupla de 'The Resurrection' y 'Vision III - The Secret Treaty Of The Age Of Mairreya' opera como una completa manifestación de principios estéticos de Lacrymosa. Le edición digital de "Bugbear" incluye nada menos que 8 bonus tracks. La dupla de 'Flash back' y 'Metamorphosis' es un hermoso ejercicio propio de los estándares del chamber-rock, mientras que 'Lacrymosa' es una bella balada de cámara articulada en un colorido esquema progresivo: algo muy cercano a la faceta más lírica de Pazzo Da Fanfano De Musica y Pageant que a los recovecos infernales de unos Present, por ejemplo. Estos temas están muy bien producidos, por lo que no parecen ser simples demos: supongo que conforman un single de la banda, pero no cuento con recursos informativos para confirmar esta hipótesis. Los demás bonus provienen de actuaciones en vivo cuya calidad de sonido es muy mediocre, aunque los delineamientos compositivos son fáciles de seguir: 'In A Grass House - The Reefer Effect' se basa en una traviesa triangulación entre la sección percusiva y el piano, mientras que 'Junkie's Lament' deja espacios para el lucimiento del bajo en un ejercicio que combina free-jazz con musique concrete; subsiguientemente, el breve esbozo tétrico de 'The embankment on Sundown', la versión en vivo de 'Vision 1' y la nebulosamente inquietante estilización de 'Opus 1' completan este minucioso repaso de la propuesta artística de Lacrymosa, una propuesta muy apetecible para los coleccionistas progresivos más ávidos del planeta. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: el 1ro. de AKSAK MABOUL AKSAK MABOUL: "Onze Danses Pour Combattre La Migraine" (1977) Temas 1 - Mercredi matin (0:22) 2 - Saure gurke (Aus 1 urwald gelockt) (2:21) 3 - Animaux velpeau (0:36) 4 - Milano per caso (3:19) 5 - Fausto coppi arrive! (1:09) 6 - Chanter est sain (3:09) 7 - Son of l'idiot (3:21) 8 - DBB (Double bind baby) (3:28) 9 - Cuic steppe (4:20) 10 - Tous les trucs qu'il y a lá dehors (1:59) 11 - Ciobane (0:24) 12 - The mooche (1:36) 13 - Vapona, not glue (6:54) 14 - Glympz (4:37) 15 - Three epileptic folk dances (2.20) 16 - Mastoul alakefak (9:17) 17 - Comme on a dit (1:12) Integrantes - Marc Hollander: teclados, órgano Farfisa, saxo alto, clarinetes alto y bajo, flauta, percusión, mandolina, caja de ritmos - Vincent Kenis: guitarras, bajo, acordeón, piano Fender Rhodes, percusión Colaboradores - Chris Joris (percusión, teclados, saxo soprano), Marc Moulin (teclados), Catherine Jainaux (voz en 4 y 16), Paolo Radoni (guitarra en 4), Jeannot Gillis (violín en 4), Lucy Grauman (voz en 6), Ilona Chale (voz en 6), Juliette (voz en 10), Lee Schloss (saxo soprano en 17), Michel Berckmans (fagot en 16), Denis van Hecke (cello eléctrico en 16), Frank Wuyts (teclados en 16), Geoff Leigh (saxo en 16) Aksak Maboul es una banda belga asociada a la muy nutrida movida francófona que se desarrolló bajo la guía del rock in opposition, aunque estrictamente no se trata de una banda de RIO: más bien se puede catalogar como banda de rock ecléctico experimental, así de simple, sin mayores dilemas. En todo caso, su explícito deseo por romper reglas de juego del rock y la pronta asociación con grupos y músicos del movimiento RIO pusieron a Aksak Maboul en el mapa de esta vertiente. Básicamente, Aksak Maboul es el resultado de la asociación de Marc Hollander y Vincent Kenis, dos músicos que compartían la inquietante meta de crear música ecléctica sin tapujos y con unas ganas enormes de aprovechar recursos low-tech sin complejos, todo al servicio de la inagotable creatividad que ambos gestaban desde su formación en 1974 hasta el año del lanzamiento de su primer disco "Onze Danses Pour Combattre La Migraine", 1977. Este disco es tremendamente peculiar, irrepetible dentro de la vanguardia europea de los 70s, pero ciertamente se puede notar la ulterior influencia de AM en grupos estadounidenses como 5uu's, Birdsongs Of The Mesozoic (sus primeros discos) y Rascal Reporters (toda su obra). Casi todos los temas son compuestos por Hollander, y encima muchos de ellos lo tienen a él como músico exclusivo: aún así, "Onze Danses=85" quedó para la posteridad como una empresa grupal, y de hecho, el dúo contó rápidamente con músicos de apoyo para llevar su música a los escenarios. Fue en ese momento que Hollander entró en contacto con músicos de Univers Zero y Henry Cow, en lo que comenzaría a ser la gestación del material del segundo disco de la banda, pero dejamos eso por ahora para otra reseña. Por lo pronto, nos concentraremos en este disco debut. Las tres primeras viñetas musicales establecen un clima de relax y gallardía aventurera simultáneamente, contando con una instrumentación no muy prolija que digamos: 'Mercredi matin' desarrolla un ambiente exótico, 'Saure gurke (Aus 1 urwald gelockt)' elabora una etérea cadencia jazz-latina y 'Animaux velpeau' exhibe un trío de maderas muy en línea con la cámara post-moderna. No tenemos ni 3 minutos y medio de disco y ya contamos con un oportuno muestrario del tipo de innovaciones hacia el cual se enfila este ensamble. 'Milano per caso' es una pieza compuesta con el espíritu de cabaret y con un bloque sonoro (guitarras acústicas, acordeón, canto femenino) que lo acerca al espíritu bucólico mediterráneo. 'Fausto coppi arrive!' es un breve interludio de maderas que abre el camino sucesivamente para los cálidos aires de la muy deconstruida balada 'Chanter est sain', el jazz-fusión atmosférico de 'Son of l'idiot', el minimalismo grisáceo de 'DBB (Double bind baby)' y la misteriosa agilidad de 'Cuic steppe': este último contiene citas de 'Milano per caso' y 'Fausto coppi arrive!' antes de culminar. La primera mitad del disco se cierra con 'Tous les trucs qu'il y a lá dehors', un ejercicio de improvisación al piano eléctrico a partir del ágil canto de una tierna infante (que se llama Juliette). 'Ciobane' abre la segunda mitad del disco al modo de una pequeña travesura renacentista, dejando así que los tratamientos lúdicos de corte fusionesco vertidos en la secuencia de 'The mooche' y 'Vapona, not glue' destilen su coqueto colorido. 'Glympz' se engarza seguidamente para elaborar un ejercicio de fusión que mezcla las cadencias jazzeras de unos Weather Report (en su faceta más sutil) con una intrigante percusión tribal. 'Three epileptic folk dances' es una pieza tripartita que comienza con un contrapunteo parcialmente semejante al esquema Gentle Giant, luego continúa con una mezcla de funky y disonancias neuróticas al saxo y al sintetizador, concluyendo finalmente con una refinada arquitectura al más puro estilo chamber-rock. 'Mastoul alakefak', con sus más de 9 minutos de duración, es la pieza más extensa del álbum: en realidad se trata de un tema que en su versión original duraba solamente 5 minutos y pico, pero en la edición digital se añadió una improvisación basada en su motivo recurrente registrada en un concierto que tuvo lugar un año después. El tenor inicial de la pieza se enmarca en envolventes sonoridades de inspiración jazzera, con un amplio protagonismo de la dupla de pianos eléctricos; a poco de pasado el ecuador del tema, que es cuando se inserta la porción en directo, el ambiente se torna denso y se acerca hacia los patrones del space-rock, con adornos caóticos emitidos por los vientos y la guitarra eléctrica mientras que la secuencia de sintetizador bajo ocupa un mayor relieve. El epílogo del disco, 'Comme on a dit', aporta un momento de estilizada serenidad contemplativa. Marc Hollander es el fundador del sello independiente Crammed Discs, el cual sigue dirigiendo hasta el día de hoy en su afán por difundir la vanguardia que se desarrolla muy al margen de los dictados del mainstream. Su entrada al negocio como músico significó un manifiesto frontal en este sentido, tal como demuestra "Onze Danses Pour Combattre La Migraine" - Aksak Maboul es un ítem muy importante para toda acérrima colección de música experimental. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: LCDM: Psychotropic Caravan Festival III HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. Se viene un festival de rock psicodélico en la capital finlandesa de Hensilki para los días 4 y 5 de febrero próximo. Se trata de la tercera edición del PSYCHOTROPIC CARAVAN FESTIVAL. El cartel está conformado por las siguientes bandas.- OM (http://www.omvibratory.com) Aqua Nebula Oscillator (http://www.myspace.com/aquanebulaoscillator) Gunslinger (http://www.gunslinger.org.uk) E-Musikgruppe Lux Ohr (http://www.myspace.com/luxohrkult) Steel Mammoth (http://www.myspace.com/steelmammoth) Zodiac Sunrise (http://www.myspace.com/zodiacsunrise) Heavy Smoke (http://soundcloud.com/heavy-smoke) DJ Shazzula (http://www.myspace.com/shazzuladj) Más información en http://www.myspace.com/psycaravan ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Progjuan Progjuan Asunto: Pallas: "XXV" (2011) Pallas: "XXV" (2011) Discografica: CD Mascot Records // Music Theories Recordings Temas: 1. Falling Down 2. Crash And Burn 3. Something In The Deep 4. Monster 5. Alien Messiah, The 6. XXV [part 1] 7. Young God 8. Sacrifice 9. Blackwood 10. Violet Sky 11. XXV [part 2] Musicos: - Paul Mackie / vocals - Graeme Murray / bass, vocals - Niall Mathewson / guitar - Ronnie Brown / keyboards, vocals - Colin Fraser / drums, vocals La veterana banda escocesa PALLAS edita en este recién estrenado 2011 un nuevo disco titulado "XXV", el cual se anuncia como una secuela de su celebrado trabajo "The Sentinel" de 1984 y tenemos como novedad la presencia del nuevo cantante Paul Mackie, que sustituye al cantante original Alan Reed. El estilo de PALLAS en XXV es una mezcla de AOR, Heavie y Metal progresivo con predominio de tonalidades misteriosas y épicas... con algo de NEO Prog pero a cuentagotas. Hay cierto lexo de unión entre "The Sentinel" y "XXV" como las melodías orquestadas del inicio en "Falling Down". Los temas están enlazados por un hilo conductor en forma narrativa y con efectos de sonido. Yo destacaría "The Alien Messiah" con ese comienzo arabigo y "XXV [part 1]", este ultimo es el que contiene mas ingredientes Neo, en especial los arpegios de piano,... amen de los últimos 3 temas que parecen como enlazados y están en una línea mas sinfónica instrumental, desde la inicial instrumental "Blackwood" con los vocales de la invitada Melissa Allan, la balada melancólica de "Violet Sky" y el final instrumental epico de "XXV (part2)". El tema "Monster" parece como compuesto adrede para ser radiado, solo hay que oír el gancho del estribillo " B7I feel a monster=85 I feel a monster coming" y el comienzo premonitorio con la letra "I hear no music on the radio". En "Yound God" se escucha alguna referencia a King Crimson y al stoner de Black Sabbath. "Sacriface" con su rock and roll no pega mucho con lo oído hasta ahora pero luego se transforma en heavie retomando la línea musical del album. Poco mas que añadir, Pallas desde 1998 que edito "Beat the drum" y en el 2001 "The Cross & The Crucible" reivindican el movimiento R.I.P. al Neo progresivo, con su lenta agonía que ya practican otros grupos como Arena, Pendragon, y otros... El disco XXV sale con una edición especial que contiene en DVD un concierto titulado Sentinel / XXV ofrecido en el 2010 en la llamada 'Night of The Prog' festival". Salu2 AtlantidoAORmetalicos 9A9 Juan Mellado 2011 progjuan@gmail.com ---------------------------------------------------------------------------- Autor: alejandro fabian lopez Asunto: Los álbumes_que_más_os_han_marcado En mi caso, conocí el rock progresivo siendo adolescente... pero en los 90. Eso no me hacía muy popular en el colegio, época de Guns n'roses, Nirvana, Oasis o Alice in Chains... Pero en fin. Disfrutaba mucho escuchándolos en vinilo y mi curiosidad me hizo investigar mucho para seguir disfrutando de "nuevo" material del género. Dado que la consigna es "los álbumes que nos han marcado", mencionaré aquellos discos con los que me introduje al prog siendo una criatura... en los 90. Tormato, Yes (mi primer disco de Yes. Me pareció asombroso... lo más divertido es que comencé por el menos impresionante de su época clásica, así que imaginen mi sorpresa porterior ante el resto del material) Tales of Mystery and imagination, Alan Parsons Project (ávido lector de Poe desde niño, caí rendido ante cómo los ingleses plasmaron la obra de Poe musicalmente. Aún uno de mis absolutos favoritos del género). Dark Side of The Moon, Pink Floyd (jeje ?qué hay que decir? Cuando escuché el resto de la obra de Floyd me frustraba porque no habían registradoras ni relojes ni risas de locos...) The very best, Supertramp. (me lo prestó un amiguito tan loco como yo y me asombré de que tantos clásicos que tanto conocía de oído desde niño pertenecieran a la misma banda) Wind and Wuthering, Genesis (la introducción gigante, los arreglos y melodías de cuentos de hadas, el virtuosismo... Amé ese disco, uno de los más infravalorados del Genesis clásico). A night at the opera, Queen (me lo prestó una amiga, y era de su hermano mayor. En casete. Cinta muy defectuosa. ?Eso que importa cuando la música es increíble? Recuerdo que perdía el sueño calculando dónde terminaba "The prophet's song" y dónde comenzaba "Love of my life") Esos son los discos que me marcaron... Nombrar más sería salir de mi adolescencia, y es donde quiero quedarme para esta reseña. Después investigué y conocí casi todo lo que ustedes ya conocen, muchos de su época. Pero eso es otra historia... Alejandro. ----------------------------------------------------------------------------