LA CAJA DE MUSICA LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO ============================================================================ LCDM: #931 octubre 2010 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM ---------------------------------------------------------------------------- * AMOEBA SPLIT "Dance Of The Goodbyes" * TIRRI TARRA: "Luz Negra / Argi Beltz" (2006) * The Ocean - Heliocentric (2010) * LCDM: Homenaje a TRIANA por Zaguán y amigos * próximos conciertos de FONDERIA * festival rockero en El Callao (Perú) - 15 de octubre * Relocator 2010 * SETNA "Cycle 1" * Glass Hammer: "If" (2010) * Edensong: "From The Studio and Stage" (2010) * After Crying y Kotebel en directo en Madrid, el jueves 21 de octubre. * Litto Nebbia "Fuera Del Cielo" * Roger Hodgson VS Supertramp * LITTO NEBBIA "Bazar De Los Milagros" * uniendo el mejor rock de Rosario y Tucumán ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: AMOEBA SPLIT "Dance Of The Goodbyes" AMOEBA SPLIT: "Dance Of The Goodbyes" (2010) Temas 1. Dedicated to us, but we weren't listening (3:50) 2. Perfumed garden (9:43) 3. Turbulent matrix (10:47) 4. Blessed water (12:26) 5. Qwerty (0:49) 6. Flight to nowhere [I. Endless magic spell I. A bleeding mind III. A walk along the tightrope IV. Bubbles of dellirium] (23:39) Integrantes - Ricardo Castro Varela: órgano Hammond, piano, mellotrón, Mini-Moog - Alberto Villarroya López: bajo, guitarras - Fernando Lamas: batería - María Toro: voz, flauta - Pablo Añón: saxos soprano, alto y tenor Colaborador - Gastón Rodríguez (guitarra en 3) Amoeba Split es una banda española que lleva varios años pugnando por hacer llegar sus intereses musicales progresivos desde la vanguardia de su natal A Coruña. Hasta ahora solo tenía un demo homónimo en su haber, pero en esta segunda mitad del año 2010 nos ha sorprendido con la definitiva edición de su disco debut "Dance Of The Goodbyes", un catálogo de exploraciones Canterbury retro que testimonia debidamente los solventes niveles de energía y entusiasmo creativo que la banda ha sido capaz de desarrollar por tantos años. El repertorio de este disco incluye los tres temas del demo antes mencionado, con la notable salvedad de que ahora en este disco duran más y cuentan con una amalgama instrumental más consistente. No es mi intención, ojo, tumbarme el demo para nada, pues desde allí se podía apreciar la calidad artística y la osadía estética que hacían de Amoeba Split una robusta promesa de la vanguardia progresiva del Norte Español=85 !promesa cumplida en su primera fase! Como detalle a tener en cuenta, el grupo opta por plantear letras en idioma inglés para los temas cantados. 'Dedicated to us, but we weren't listening' abre el disco con una entusiasta dosis de vigor jazz-progresivo no exento de finos toques psicodélicos (principalmente en la cadencia cósmica proporcionada por el sintetizador): a pesar de que el título de por sí designa una tendencia frontal hacia el mundo sónico de Soft Machine, el hecho es que esta pieza me suena más cercana a la densidad ágil de unos Matching Mole. El siguiente tema, 'Perfumed garden', desde el punto de arranque nos brinda algo diferente, más calmado y ensoñador, con la presencia destacada del canto de María Toro, pero las cosas no tardan en ponerse más intensas, pasando por un swing llamativo hasta un breve pasaje cósmico acompañado de una narración solemne. Poco antes de llegar al quinto minuto, una dupla de piano y mellotrón de flauta marca el regreso de la última sección lánguida cantada, la cual también incluye un hermoso solo de flauta contrapunteado por un sonido de cello (un mellotrón, sin duda). Con una duración de 10 3/4 minutos, 'Turbulent Matrix' se explaya en cadencias jazzeras más profundamente que en los dos temas precedentes: se notan aires a lo Weather Report en muchas de las intervenciones del piano y el saxo en el extenso interludio que tiene lugar. Más bien, en algún momento la pieza vira hacia una especie de homenaje al Soft Machine del "Vol. 2" por un rato, antes de retomar el motivo central para el cierre. 'Blessed Water' comienza con una calidez romántica y envolvente, y mientras va evolucionando su desarrollo melódico y secuencias de solos de guitarra y vientos, lo romántico va reforzándose por niveles más intensos y coloridos. Suena casi como una balada de Robert Wyatt reciclada por un conglomerado de músicos de Caravan y Catapilla; el breve interludio blues-rockero a lo Traffic que tiene lugar antes del último estribillo aporta un conveniente momento de extroversión al asunto. El canto de la Srta. Toro es sumamente gravitante a la hora de completar la intencionalidad majestuosa del tema: su registro me suena a un punto intermedio entre Anna Meek (Catapilla) yBarbara Gaskin (leyenda del canto en la escena Canterbury). 'Blessed water' es, para decirlo con palabras simples, una pieza particularmente brillante. 'Qwerty', con un título que homenajea a las viejas máquinas de escribir, es un breve instrumental juguetón, casi caótico en algunos instantes, que no llega ni al minuto de duración y que bien podría haber sido una pieza clandestina del primer álbum de Hatfield. De todas maneras, su exquisita factura funciona más bien como un preámbulo para el monumento final del disco, 'Flight to nowhere', que dura más de 23 minutos y contiene cuatro secciones en su estructura interna. Tras una breve introducción densamente psicodélica, se nos viene una primera sección cantada elaborada a través de un esquema melódico reflexivo y sencillo, seguido por un jam muy a lo Caravan temprano donde la flauta de la Srta. Toro se luce como quiere. Con el siguiente jam, más tirado hacia la onda de Hatfield, las cosas empiezan a adquirir un colorido más vivaz: esta vez hay solos alternados de guitarra y saxo, además de la consolidación de la amalgama instrumental. Una nueva sección calma ofrece nuevos climas envolventes que sirven de cobijo para otro solo de flauta, esta vez portador de una serena belleza pastoral que nos puede remitir más al prog italiano tipo PFM que a otra cosa. Tras un tiempo pertinente de desarrollo para esta sección sinfónica, el grupo vira de nuevo hacia el jazz-prog elaborando una suerte de clímax parcial antes de asentar la nueva porción cantada. La atmósfera está armada para generar una sonoridad gradualmente fastuosa, ahora que el tema se va acercando a su final: el rol del órgano es vital para que el esquema instrumental opere hacia esta dirección. En el vigésimo primer minuto y medio, la música se detiene dramáticamente para dar paso a los últimos latidos de un corazón=85 y tras algunos silencios de silencio, una secuencia de piano se solaza en impetuosos y disonantes acordes en una coda inquieta. De este modo termina un disco que era una deuda pendiente de parte de Amoeba Split: deuda saldada de manera solvente, a mi parecer. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Progjuan Progjuan Asunto: TIRRI TARRA: "Luz Negra / Argi Beltz" (2006) Tirri Tarra: "Luz Negra / Argi Beltz" (2006) Discografica: Avispa http://www.myspace.com/tirritarra http://www.tirritarra.com Temas: 1. Sin palabras (29:33) 2. Beltz (2:38) 3. Fobia ?Realidad o ficción? - Parte I: Sombras en el día (13:20) 4. Fobia ?Realidad o ficción? - Parte II: Sombras en la noche (5:38) 5. Intro Nahia (2:40) 6. Nahia (5:50) 7. Atzo Izana (1 BA Zatia) (4:30) - Musicos: Tirri Tarra + Orfeón Donostiarra y la orquesta de cuerda Et Incarnatus. Sergio Zurutuza es el compositor y alma máter de la nueva etapa del grupo Vasco Tirri Tarra, que inicio su andadura musical allá en 1973 como grupo de fanfarrias. En 1999 Sergio convenció al resto del grupo para recrear una obra de rock sinfoprogresivo a la que titularon "RE + FA". Al año siguiente, concretamente en el 2000, Sergio Zurutuza comienza a gestar los temas que iban a formar 6 años mas tarde el álbum objeto de la presente reseña "Luna Negra / Argi Beltz", contando para esta ocasión con una veintena de músicos, mas la colaboración del Orfeón Donostiarra y la orquesta de cuerda Et Incarnatus, llegando a la cifra total nada despreciable entre unos 80 a 100 músicos. El disco comienza con un tema de casi treinta minutos titulado "Sin Palabras" donde se van desglosando los diferentes estilos musicales imaginados por Sergio Zurutuza, que van desde la música clásica tratada como si fueran ERA del francés Eric Lévi, el concepto banda sonora a lo Vangelis o Ennio Morricone, los vocales / coros que en algún momento étnico me recuerdan a Enya y sobre todo bastantes guiños al Sinfo-progresivo instrumental de Mike Oldfield, todo eso si correctamente orquestado y acompañados de unos coros celestiales. Volviendo al tema "Sin Palabras" comentar que suena como fragmentos mal estructuras u organizados pero seguramente realizado a posta ya que el resultado final tiene su encanto. Un comienzo tal vez algo frío, pero que cuando entra la orquestación te engancha, un tono misterioso y una música que va subiendo en intensidad, pasando por momentos donde pudiera recordar a una BSO escrita por Vangelis o Ennio Morricone o la magnificencia de un Jean Michel Jarre, para pasar a un tratamiento personal de la música clásica tipo del proyecto ERA o a aquellos largos instrumentales que nos tenia acostumbrados Mike Oldfield en mas de un disco o ciertas pero excasas pinceladas a lo Pink Floyd. Lo dicho casi 30 minutos de auténtico apoteosis musical orquestado y sinfónico. El segundo tema "Beltz" suena epico, como un renacer, le sigue la misteriosa "Fobia ?Realidad o ficción?" dividida en dos partes, la primera entre atmósferas misteriosas, para proseguir con un toque triunfal y elocuente orquestado, guitarras a lo Mike Oldfield intereactuando los coros del Orfeón Donostiarra, para acabar en un éxtasis explosivo, la segunda parte toca mas parámetros de música clásica, suena mas intenso, con el violonchelo a ratos de protagonista y un guiño al metal progresivo, casi no valdría ni la pena mencionarlo por su corta duración. Nos viene un final de disco mas relajado y melancólico, comienza con el solo de guitarra acústica en plan introspectivo, perfecta intro para el siguiente tema melancólico y muy bien orquestado "Nahia" y el ultimo tema "Atzo Izana (1 BA Zatia)", lo romántico, de nuevo lo introspectivo, el efecto del sonido del mar, otra vez los guiños a Mike oldfield acompañado de la voz solista y los coros de Orfeón Donostiarra. Si bien no es una obra de rock progresivo y sinfónico a la vieja usanza, pasando a ser mas una obra mas cercana a una banda sonora orquestada, creo que a muchos de vosotros os parecerá bastante interesante y mas siendo una obra creada aquí en el terruño. Un trabajo muy ambicioso que ha sido llevado a ser representado durante el 2007 y 2008 en un magnifico e inusual espectáculo de sonido, luces y puesta en escena en varias localidades con un destacado éxito. Pena que tocaran un diciembre del 2008 en Manresa y no llegara a enterarme. ... para aquellos prog-indecisos mencionar de nuevo que la música de Tirri Tarra puede recordar a MIKE OLDFIELD. "Una sinfonía metafísica de sentimientos que pueden hacerte identificar como la banda sonora de tu vida" Salu2 orquestadosinfonicosoldfianos 9A9 Juan Mellado Progjuan@gmail.com ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Ferran Lizana i Abat" Asunto: The Ocean - Heliocentric (2010) THE OCEAN : "HELIOCENTRIC" (2010) Discográfica: Metal Blade Temas: 1. Shamayim 2. Firmament 3. The First Commandment of the Luminaries 4. Ptolemy Was Wrong 5. Metaphysics of the Hangman 6. Catharsis of a Heretic 7. Swallowed by the Earth 8. Epiphany 9. The Origin of Species 10. The Origin of God Músicos: - Luc Hess / drums - Louis Jucker / bass - Loïc Rossetti / vocals - Jonathan Nido / guitar - Robin Staps / guitar Muchos son los cambios en The Ocean respecto al considerado "Precambrian". De entrada, lejos del larguísimo desfile de músicos que confeccionaron el anterior trabajo, en esta ocasión The Ocean se limita al quinteto habitual de un grupo de sus características. Pero es que además el guitarrista Robin Staps cuenta ahora con una banda nueva de arriba abajo, destacando la incorporación de un vocalista oficial, Loïc Rossetti. Por otro lado, el grupo opta esta vez en dividir su nueva obra en dos lanzamientos, a diferencia del monumental doble CD "Precambrian". "Heliocentric" es la primera parte de su nueva obra, que recoge su faceta menos dura y más melódica, mientras que "Antropocentric", que aparecerá a finales de año, se hará cargo de la parte más agresiva y extrema de The Ocean. Creo que con "Heliocentric" The Ocean pierden algo de su personalidad, de ese estilo de metal difícil de ubicar en un saco concreto, entre post, prog y doom. Quizás sean sus temas más melódicos, quizás el estilo de su vocalista, pero la sensación es que en parte derivan hacia una especie de metal alternativo. Pero también es cierto que "Heliocentric" resulta un trabajo más accesible, más moderado y su nuevo vocalista es magnífico, cosa que les podría abrir las puertas a nuevas audiencias. Un álbum con dos temas tan potentes como "Shamayin" y "Swallowed by the Earth" no puede ser despreciado. Temas pertenecientes a su faceta más dura que alternan con otra más melódica e incluso baladística, insólita hasta ahora. Y en este campo, "Ptolemy was Wrong", que se lleva la palma, tiene poco que envidiar a los dos mencionados, así como el medio tiempo "The First Commandment of the Luminaries" otro de los destacados. Queda claro que "Heliocentric" no es "Precambrian". Estamos ante unos The Ocean diferentes, pero no necesariamente peores, por lo que "Heliocentric" es un muy buen disco y un digno sucesor. De todas formas habrá que esperar a "Antropocentric" y valorar también ambos trabajos conjuntamente. Valoración: 7/10 Ferran Lizana (rockomic@gmail.com) Septiembre 2010 ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Progjuan Progjuan Asunto: LCDM: Homenaje a TRIANA por Zaguán y amigos La Asociación Cultural AgustoRock les informa de las siguientes noticias : Homenaje a TRIANA por Componentes de Zaguán más amigos. XXVII Aniversario de la la muerte de Jesús de la Rosa. !!Nuevos temas en el repertorio.!! Sábado 9 Octubre 22 h :Sala Q en sevilla.www.salaq.com Venta anticipada de entradas ya a la venta en la misma Sala Q (C/Metalurgia 25,Polígono Calonge)y en Record Sevilla (C/Amor de dios, 27) Entrada Anticipada: 8 =80 Takilla 12 =80 Abrá artistas invitados. Viernes 29 Octubre 23 h :Sala Egipto, El Cuervo ,Sevilla. Entrada Libre. Dirección: Polígono Rodalabota s/n. Sábado 30 Octubre 22 h :Sala Palopalo, Marinaleda ,Sevilla. Entrada a Takilla.+ info: www.palopalo.es Avenida de la Libertad s/n,CP 41569, Marinaleda, Sevilla Sábado 20 Noviembre 21:30 h : Sala Vivero, Málaga. Apertura de puertas 21:30 H . Inicio Concierto 22:30 H www.salavivero.com Dirección sala: C/ Parauta n 25 c Venta anticipada a 8 =80 en GRASS&SCRATCH (Calle Gaona 2) Takilla a 12 =80 salu2 ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: próximos conciertos de FONDERIA HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. El grupo italiano FONDERIA prosigue entusiastamente su ciclo de actividades musicales para el año 2010 tras el lanzamiento de su muy buen tercer álbum "My Grandmother's Space Suit". A continuación transcribo la lista de próximos conciertos del grupo en cuestión.- 6 de octubre 21.30 Roma On The Air at Radio Rock www.radiorockroma.it 17 de octubre 17.00 Roma On The Air at Alternitalia - Radio Cittá Aperta www.radiocittaperta.it 6 de noviembre 21.30 Bolonia 4 de diciembre 23.30 Roma Live at Contestaccio Via di Monte Testaccio Más información en http://www.myspace.com/fonderia Aquí me despido hasta una nueva ocasión. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: festival rockero en El Callao (Perú) - 15 de octubre HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. Se viene un enorme evento rockero en el puerto peruano del Callao para el ecuador del mes de octubre. SONIDOS LATENTES PRODUCCIONES presentará el viernes 15 de octubre un multi-concierto llamado SONIDOS EN CONCIERTO - 40 ANIVERSARIO, donde no solo se celebrará la diversidad de propuestas rockeras que se cocinan desde la escena marginal de Lima y El Callao, sino también se celebrará el 40mo cumpleaños del fundador de SONIDOS LATENTES. En este evento desfilarán 12 bandas, tanto veteranas como emergentes del medio nacional: LA CAJA DE SCHRODINGER (rock Progresivo) VORMED(Thrash Metal),LOS NOMADAS (Blues - Rock) CEREBRO DE MARCUS (fusion metal son) ANGELOUS (metal) ARBOL DE FUEGO (Rock progresivo-sicodélico-Hard) EL FLACO ... (Blues) ZUNA (Hard-rock) SHAKKEN (Metal progresivo) ETER-K (Space Rock progresivo) EXPRESO IMAGINARIO (Jazz Rock) CIRCO AL EDEN (Hard-rock) Este Festival dará comienzo desde las 7 de la noche y terminara con un jam entre integrantes de las bandas mencionadas, todo ello en honor del cumpleañero. Las entradas estarán a 10 soles y se venderán el día del evento. Lugar: LA CASA PIAGGIO, Manco Cápac 134 - CALLAO - (a 1 cuadra del REAL FELIPE - Costado de la Prefectura del Callao - Frente a la plaza Miguel Grau) Se puede ver el afiche virtual del evento en el enlace sonidoslatenteslive.blogspot.com/2010/10/sonidos-en-concierto-40-aniversario.html Aquí me despido hasta una nueva ocasión. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Relocator 2010 RELOCATOR: "Relocator" (2010) Temas 1. Red Vibes (6:15) 2. Biosphere (8:02) 3. Relocator (5:26) 4. Proxima (6:18) 5. Aavishkar (10:32) 6. 13 Reasons (6:33) 7. Urban Blue (6:35) 8. The Alchemist (11:32) Integrantes - Stefan Artwin / guitarras, programaciones - Michael Pruchnicki / bajos con y sin trastes - Frank Tinge / batería, percusión - Bartek Strycharski / violín eléctrico Colaborador - Derek Sherinian (teclados) Relocator es el nombre de un proyecto alemán de jazz-prog metal iniciado por el guitarrista Stefan Artwin y el bajista Michael Pruchnicki a inicios del milenio, con miras a crear una propuesta progresiva con aires patentemente modernos. Mucha agua ha corrido bajo el puente desde entonces, incluyendo crisis graves en formaciones iniciales de la banda; ahora, con un baterista holandés y un violinista a bordo como miembros recién ingresados, más la colaboración especial de Derek Sherinian, Relocator ha logrado plasmar físicamente su repertorio en este disco debut homónimo. Las influencias de Liquid Tension Experiment, CAB, Planet X y Tribal Tech son las que más salen a tallar a la hora de forjar la arquitectura sonora característica de la banda. El proceso fue muy arduo, con un proceso de arreglos finales y grabación que comenzó a fines de 2008 y terminó a fines de 2009, para luego poder concretar el lanzamiento a inicios del presente año 2010. El estilo de Strycharski al violín tiene muchas semejanzas con la estilización exquisita de Tsuboy (KBB, Pochakaite Malko); por su parte, Sherinian hace sentir el peso de sus teclados pero sin hacer apabullante su lucimiento, y de hecho sus solos no son demasiado ruidosos, mayormente enfilados hacia el llenado de espacios dentro de un margen preciso para cada momento específico. Los primeros 6 minutos y cuarto del disco están ocupados por 'Red Vibes', pieza que comienza de frente con el riff inicial, para seguir aferrándose a su vigoroso gancho rockero no ajeno a variaciones de matiz y ambiente dentro de una esquema melódico particularmente sencillo. Con el segundo tema, 'Biosphere', nos topamos con un swing típicamente perfilado bajo el modelo del Planet X de los primeros discos: sin establecer muchas diferencias con el tema de entrada, sí se hace notar la relevante presencia de una cadencia jazzera dentro del viaje instrumental que tiene lugar. El tercer tema se llama igual que el grupo (y que el disco), y bien puede describirse como un tributo a Tribal Tech mezclado con un homenaje a CAB: básicamente, esta pieza retoma la exploración del gancho directo que ya había funcionado en el tema de entrada. Por otro lado, el quiebre en 5/4 que surge segundos antes del segundo minuto permite a la banda desarrollar un interesante interludio que aporta una interesante variación progresiva al asunto. 'Aavishkar' hace honor a su nombre exótico y se explaya en sonoridades arábigas oportunamente sazonadas con climas sinfónicos que la banda hace que se asienten muy bien dentro del esquema de trabajo habitual; eso sí, se nota un realce del elemento jazzero que de hecho obedece a la necesidad de enfatizar el momento fusionesco (o casi fusionesco) reclamado por el desarrollo compositivo de la pieza. Artwin da rienda suelta a las influencias de Holdsworth, MacAlpine y Satriani en los numerosos solos que se despacha a lo largo del extenso cuerpo central de la pieza. Llegamos ahora a '13 Reasons' y 'Urban Blue', piezas que prosiguen concienzudamente por los senderos musicales pavimentados por los tres primeros temas, incluso reforzando los aires prog-metal en varios momentos: cabe indicar las alusiones no demasiado veladas a LTE en algunos breves pasajes de '13 Reasons'. Puede dar la sensación en este momento del disco que Relocator ha terminado complaciéndose en rizar sus propios rizos, pero más bien el grupo ha estado guardándose sus mejores cartas para la pieza épica que ocupa los últimos 11 minutos y medio, 'The Alchemist'. Comenzando con una introducción cósmicamente calmada elaborada por el trío de bajo, guitarra y sintetizador, pronto pasamos a una aguerrida atmósfera prog metalera en clave semi-lenta que permite crear una atmósfera de pesadez ceremoniosa. Poco a poco, las cosas se van haciendo más intensas, dando pie a que Sherinian desarrolle sus solos más impresionantes dentro del disco. Poco antes del cuarto minuto y medio, el asunto pasa a matices más cálidos, lo cual es conveniente para que el violín se haga notar desde el momento de su esperado reingreso: se trata de un momento netamente sinfónico, bien definido y evocativo. Cuando las vibraciones prog metaleras vuelven a inundar la escena, el cuadro épico se termina de asentar con un aire de innegable magnificencia, siendo así que los últimos pasajes suponen un regreso a la aureola ceremoniosa que había marcado los primeros 2 minutos y medio de la pieza. Un buen disco es "Relocator", y Relocator es una buena banda de por sí, no demasiado original en su manera de enmarcarse dentro de las pautas estandarizadas del jazz-rock metalero que se ha venido definiendo desde mediados de los 90s, pero es fácil augurar que el talento y entusiasmo del grupo le permitirá desarrollar su voz propia con siguientes composiciones y grabaciones. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: SETNA "Cycle 1" SETNA: "Cycle 1" (2007) Temas 1. Ombres (2:44) 2. Tristesse (4:35) 3. Intuition (13:07) 4. Voir (6:34) 5. Ouverture (1:22) 6. Conscience (5:05) 7. Connaitre (8:12) 8. Etre (6:20) 9. Unité (10:55) Integrantes - Nicolas Candé: batería - Florent Gac: piano Fender Rhodes - Natacha Jouet: voz - Guillaume Laurent: saxofones - Christophe Blondel: bajo Fender - Nicolas Goulay: piano Fender Rhodes, sintetizador Mini-Moog Colaboradores - Benoit Bugeia (piano Fender Rhodes), Mathilde Maisse (voz), Yves Marie Dien (percusión), James Mc Gaw (guitarra) Desde la cuna de la vanguardia progresiva zeuhl siguen emergiendo bandas de nueva generación dispuestas a preservar y reactivar los magníficos legados musicales que Magma, Zao, Rhesus O, Vortex y otros grupos iniciadores del género. Setna, el ensamble que traemos a colación en esta reseña, surgió de un conglomerado de músicos que provenían de las canteras del free-jazz y la fusión, quienes se juntaron en 2001 para tocar jams en festivales: mientras las actuaciones se sucedían y nuevos miembros se iban sumando a la formación, iba surgiendo material original encuadrado dentro de un sólido híbrido de jazz-rock experimental y zeuhl clásico, material que finalmente vio la luz en la forma de este disco debut titulado "Cycle 1". Hoy por hoy existe un grupo llamado Xing-Sa que se deriva de Setna y que en este año 2010 ha lanzado una estupenda obra titulada "Creation d'el Univers": entender a uno de estos grupos implica también conocer y entender al otro. Volviendo a Setna, lo que pasa en este disco parece ser un concepto centrado en el tránsito gradual y sopesado desde la oscuridad hasta la conciencia: el primer tema se titula 'Sombras' en español, y el último se titula 'Unidad', en alusión a la convergencia plena entre la conciencia y el ser dentro de lo que denominamos conocimiento. Vayamos en este momento al repertorio mismo. 'Ombres' comienza con unas calmadas notas de piano eléctrico que sutilmente van anunciando el caóticamente ceremonioso ingreso del ensamble en pleno. Con un momentum de intensidad exquisita y controlada ya armado, 'Tristesse' surge para instalar una cadenciosa manifestación de jazz-fusión nostálgico y delicadamente sombrío en 9/8. Algunos adornos de sintetizador parecen traer una amenaza perturbadora, pero se trata finalmente de un pasaje de efímera inquietud. 'Intuition' ofrece un pasaje extenso de magnificencia tremendamente sobria: la calculada suavidad ejercida por la dupla rítmica y los etéreos acordes económicos de los dos pianos eléctricos (debe haber algún tipo de genialidad en hacer que dos instrumentos suenen como uno en dosis suave de expresividad) gestan un esquema adecuado para las evocativas intervenciones del canto femenino y el saxo soprano. 'Voir' desarrolla una atmósfera más pulsátil sin dejar de dar preeminencia a las cadencias contenidas (alternando 5/4 y 6/4): aquí se respira un aire de tensión diferente al de cualquiera de los temas precedentes, y eso que el esquema instrumental general sigue siendo envolvente y mayormente sutil, pero de todas maneras se advierte una actitud más explícita a la hora de generar colorido musical. 'Ouverture' se engarza naturalmente con 'Voir' para tender un puente de impecable fluidez con 'Conscience', pieza que muy bien puede definirse como una partitura perdida del Magma pre-"Udu Wudu" arreglada y ejecutada por un tinglado de músicos de Zao y Potemkine. La pauta rítmica en 7/8 está manejada pulcramente en clave Latin-jazz, un recurso útil a la hora de preservar la cristalina dinámica en curso. Cuando llega el momento de 'Connaitre', regresan los climas calmados y contemplativos, como si se tratase ahora de transmitir un retrato sonoro del vuelo intelectual inherente al acto de conocer y encuadrar un objeto de atención en conceptos. Los cósmicos ornamentos de sintetizador que entran a tallar en medio de los sobrios vuelos del saxo conforman uno de los matices sónicos mejor logrados de todo el disco. 'Etre' porta un aura bastante señorial en su particular recapitulación de los aires fusionescos de 'Conscience' y la vibración contemplativa de 'Connaitre'. El punto culminante del disco llega con 'Unité', toda una exhibición de intenso jazz-rock que le saca el jugo a sus casi 11 minutos de duración. Contando con la presencia de un invitado a la guitarra, Setna desarrolla una dosis especial de fuerza que alcanza su clímax en el explayamiento simultáneo del Moog y la guitarra, previo a la coda etérea de piano eléctrico que retoma la atmósfera inicial de 'Ombres'. Setna deja constancia de su talento y creatividad al servicio de todos los nostálgicos del zeuhl que todavía existen por ahí como un subconjunto importante de coleccionistas progresivos alrededor del mundo. "Cycle 1" es un disco auténticamente digno de apreciación. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Progjuan Progjuan Asunto: Glass Hammer: "If" (2010) GLASS HAMMER: "If" (2010) Label: Sound Resources / Ario Records Temas: 1.Beyond, Within (11:44) 2. Behold The Ziddle (9:11) 3. Grace The Sky (4:29) 4. At Last We Are (6:46) 5. If The Stars (10:25) 6. If The Sun (24:02) Musicos: - Jon Davison / vocals - Fred Schendel / keyboards and steel guitar - Steve Babb / bass and keyboards - Alan Shikoh / guitars - Randall Williams / drums Glass Hammer es el nombre dado a la banda de rock sinfoprogresivo natural de Chattanooga en Tennessee (EEUU), formada alla en 1992 por los multinstrumentistas Steve Babb y Fred Schendel. No se muy bien a que obedeció su ultimo proyecto editado el año pasado "Three Cheers for the Broken-Hearted", por cierto bastante desconcertante y fuera de su línea habitual y mas por el hecho que pasado menos de un año, vuelven a sus raíces de "classic symphonic progressive rock", desarrollos épicos de larga duración en la línea de sus anteriores trabajos "Lex Rex" o "Chronometreecon" con una nueva formación que cuenta con algunos miembros de la banda original. Mencionar también la estupenda portada obra de Tom Kuhn de Designerloge. Sus influencias y referencias se manifiestan mas si cabe en YES, pero también en Kansas, EL&P y Genesis, nos encontramos con buenos momentos de Mellotron y Hammond, pero también son destacables algunas líneas de solo del Bajo de Steve Babb, especialmente en el primer tema que abre el disco, que me recuerdan claramente a los King Crimson primeros discos. Yo me quedo con el tema que cierra el álbum, la suite "If The Sun" con sus 24 minutos de puro éxtasis sinfoprogresivo y también en la misma línea el que lo abre "Beyond, Within", ambos temas disfrutables por sus cuidados detalles compositivos, referencias a los clásicos y las aportaciones de Hammond, mellotron y líneas rítmicas del bajo, las intervenciones del guitarrista Alna Shikoh, se nota que busca sonar a Steve Howe y a Steve Hackett y como no la voz de Jon Davison, al cual curiosamente lo descubrieron en Youtube, muy parecida a la de Jon Anderson. En definitiva un trabajo que recobra el buen hacer de Glass Hammer, quizás sus mas que claras referencias e influencias en YES le resta mérito, pero otros grupos lo hacen también y parece no importar demasiado. Salu2 yesespicosclonicosinfonicos 9A9 Juan Mellado 2010 progjuan@gmail.com ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Progjuan Progjuan Asunto: Edensong: "From The Studio and Stage" (2010) Edensong: "From The Studio and Stage" (2010) Temas: 1. Beneath The Tide 10:19 2. Lorelai 04:11 3. To See But Not Believe 08:42 4. The Reunion (Live in NC) 10:02 5. Beneath The Tide (Live in PA) 13:12 6. BONUS: The Sixth Day (Live in QC) 09:57 Musicos: - James Byron Schoen / vocals, guitars - TD Towers / bass, vocals - Stefan Paolini / keyboards, vocals - Anthony Waldman / drums, vocals - Matthew Bauer / percussion - Barry Seroff / flute - Mike Lunapiena / cello - Benjamin Wigler / guitars (tracks 1, 3, 5) - Carl Baron / cello (tracks 1, 4, 5) - Mike Tee / bass (track 5) - Alex Hornbake / additional bass guitar - Matt Cozin / drums (track 3) - Michael Drucker / violin (track 3) - Rachel Kiel / flute (track 3) - Arthur Sugden / piano, organ (track 3) - Adam Berneier / synths, programming (track 3) La banda americana EDENSONG nos ofrecen su segundo trabajo donde mezcla temas en estudio y en directo, su apuesta musical continua basándose en el World Folk sinfónico pero en esta ocasión suenan muy contundentes cercano al metal progresivo, que ya practicaran en su primer disco pero que aquí se acentúa. James Byron Schoen ha contado con músicos nuevos que no de instrumentos, donde se puede observar de nuevo esos instrumentos tan típicos en el Folk Prog como son el cello, violín y la flauta. Los tres temas en estudio navegan entre lo melódico y mas por lo enérgico, me quedaría con la inicial Beneath The Tide y con la evocadora y dulce Lorelai, To See But Not Believe me resulta excesiva en su minutaje, algo forzada y repetitiva. Los tres temas en directo, grabados en diferentes salas, nos ofrecen a los EDENSONG en su pura esencia, comienzan con la angustiosa "The Reunion" que realmente suena de fabula en directo, a pesar de su recorte en minutaje, en la versión en estudio dura 21:43, además aquí suena algo Neo Progresiva por sus referencias a Genesis/Marillion, sigue la versión de "Beneath The Tide" en directo contenida ademas en estudio en este nuevo disco y para acabar, aparece como bonus, la mística y épica "The Sixth Day". Edensong mezcla en este nuevo disco el World Folk con el Metal progresivo con toques de rock sinfónico a lo Genesis y Yes, pero los tres temas no son nada extraordinarios y parece un trabajo bastante inferior a lo realizado en "The Fruit Fallen", que tampoco era nada del otro jueves. Salu2 metalworldprogresivos 9A9 Juan Mellado 2010 progjuan@gmail.com ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Carlos Plaza - Kotebel" Asunto: After Crying y Kotebel en directo en Madrid, el jueves 21 de octubre. " Tenemos el enorme placer de compartir una vez más el escenario con la legendaria banda húngara "After Crying". En una oportunidad sin duda irrepetible, podremos escuchar varias piezas de su próximo disco así como por supuesto obras de su amplio repertorio. Esta banda no necesita presentación para los aficionados al progresivo. Para quienes no conocen su trabajo, los invitamos a visitar los siguientes enlaces: Stonehenge en vivo (Solo de cello): http://www.youtube.com/watch?v:rvx86wE69JI Technopolis en vivo: http://www.youtube.com/watch?v:MiZ7NwiqOpc Por su parte, Kotebel trae de nuevo a Madrid algunas piezas anteriores a "Ouroboros" y continua presentando material de su próximo disco. Estas son las coordenadas: Fecha: 21 de Octubre de 2010 Lugar: Sala "La Boite" Dirección: Calle Tetuán, 27 - Madrid Valor de la entrada: 10 euros Apertura de Puertas: 21:30h Kotebel comenzará puntualmente a las 21:45h El show de After Crying dará comienzo a las 23:00h " Join our Fan List /Únete a nuestra Lista de Fans: www.reverbnation.com/kotebel =85 y tendrás acceso a contenido reservado, noticias y ofertas especiales! Foto Kotebel Febrero 2010 - v2 - red ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Litto Nebbia "Fuera Del Cielo" LITTO NEBBIA: "Fuera Del Cielo" (1975) Temas 1. Fuera Del Cielo (17:15) 2. Negocio Celestial (5:09) 3. Arcano Del Loco (7:35) 4. Sin Decir Nada, Sin Despedida (8:25) 5. Nino Y La Invitada (6:14) 6. Amor (2:56) [bonus track] 7. Niñez (3:17) [bonus track] 8. Vejez (1:05) [bonus track] Litto Nebbia: pianos acústico y eléctrico, órgano, clavinet, guitarras acústica y eléctrica, percusión, canto, coros Banda de apoyo - Jorge González (bajo, contrabajo, percusión, coros), Néstor Astarita (batería, percusión, coros) Colaborador - Juan José Mosalini (bandoneón en 3) Litto Nebbio, cantante, músico y autor natural de Rosario, es en sí mismo una polivalente institución de la historia del rock argentino, una historia que aún sigue vigente y viviente. En los 60s como miembro de Los gatos él fue uno de los gestores del rock argentino, y desde 1969 fue forjando una carrera solista prolífica y entusiasta, donde se paseaba por el rock, el folklore y el jazz a punta de curiosidad y versatilidad. Fue a mediados de los 70s que él decidió reformular su visión musical por unos senderos más complejos que lo que había estado surcando hasta entonces. El movimiento rockero progresivo y la fusión calaron hondo en sus entonces nuevos intereses musicales, y fue en este contexto que él creó tres discos que conforman su etapa progresiva: "Fuera Del Cielo" es la primera criatura surgida en esta fase (las otras dos son "Bazar De Los Milagros" y "El Vendedor De Promesas"). A pesar del buen trabajo realizado por Viajero Inmóvil en la remasterización del sonido y el formateo en digipack del arte gráfica, se nota la antigŸedad de la grabación: tal vez no importa, tal vez este detalle sea un indicio incólume de la añeja belleza de este trabajo musical. La pieza homónima ocupa los primeros 17 minutos y pico del álbum, comenzando con efectos de percusión y contrabajo bastante oníricos para crear una conveniente expectativa para el motivo central, mayormente romántico y evocativo. Durante el desarrollo del motivo y la inserción de variantes a lo largo del camino, la musicalidad se asienta sólidamente en aires fusionescos manejados con consistente sobriedad. El clavinet con fuzz es el instrumento líder en la plasmación de los desarrollos melódicos de la pieza: Nebbia aprovecha muy bien el potencial de sonoridad exquisitamente cósmica que se puede verter desde dicho instrumento. Los últimos minutos de la pieza se asientan en un alegre motivo en 5/4 en el que los punteos de guitarra y el tarareo de Nebbia se explayan elegantemente sobre la cadencia elaborada por la dupla rítmica y el teclado. 'Negocio Celestial' cierra la primera mitad del disco con ágiles aires jazzeros reciclados a través de una aureola progresiva afín tal vez al Camel pre-"Snow Goose" o a Greenslade. 'Arcano Del Loco' abre la segunda mitad del repertorio oficial con una combinación de capas misteriosa de órgano, percusiones atmosféricas y precisas intervenciones del bajo y la guitarra que se sitúan a medio camino entre el blues y el jazz: si no fuera por la presencia del bandoneón en medio de la ordenada amalgama instrumental, uno podría jurar hasta cierto punto que está escuchando un tema perdido de Bo Hansson. Ya la sección cantada desarrolla un lirismo marcado, trabajado con sencillez mas no exento de sofisticaciones jazzeadas en su concretización. 'Sin Decir Nada, Sin Despedida' despliega un fragor jazzero más contundente en comparación, lo cual ayuda gravitantemente a iluminar el aire extrovertido inherente a la composición. Posiblemente esta pieza y 'Negocio celestial' sean las que condensan mejor el encuadre instrumental gestado por Nebbia, González y Astarita. 'Nino Y La Invitada' cierra el repertorio oficial del disco. Se introduce con una atmósfera solemne signada por acordes sostenidos de órgano y casuales rasgueos de guitarra acústica, para luego pasar a un cuerpo central donde se alternan los tempos de 5/4 y 4/4, basado en un sólido esquema fusionesco y asentado sobre los trazos marcados por el piano acústico. Los tres bonus tracks son piezas compuestas por Nebbia como parte de una cantata titulada "Historia de un hombre", arreglada por el legendario Rodolfo Alchourrón: son básicamente baladas amables, destacando 'Amor' por sus bien logradas cadencias jazzeras, y en general, se trata de piezas armadas sobre ingeniosos desarrollos melódicos, y eso es algo que revela el impulso inicial de Nebbia por proyectarse hacia el tipo de música que poco después habría de encarnarse en "Fuera Del Cielo". Se trata, como valoración general, de un disco finamente concebido, como el inicio de algo grande que acaba de emerger. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Jorge Padilla L Asunto: Roger Hodgson VS Supertramp Comparto con los cajeros esta nota periodística aparecida en un diario de circulación nacional. El autor de la mitad de los éxitos del grupo no fue invitado al tour La actual gira de Supertramp es una verdadera basura: Roger Hodgson Agencia: Dpa Periódico La Jornada Viernes 8 de octubre de 2010, p. a15 Bruselas, 7 de octubre. Roger Hodgson, alma mater del mítico grupo musical Supertramp y autor de la mayor parte de los éxitos de la banda, afirma que la gira mundial que ésta realiza, y a la que él no fue invitado, es una traición al público, una puñalada y una burla. En entrevista con la cadena de radio belga francófona RTBF, difundida esta mañana, el autor de temas emblemáticos del grupo como The Logical Song, Breakfast in America o Dreamer, comentó, sin pelos en la lengua, que esta gira, con motivo de los 40 años de Supertramp, es una verdadera basura. Precisamente, esos temas emblemáticos escritos por Hodgson además de Take the long way home o el que daba nombre a uno de sus álbumes más señalados (Breakfast in America) son interpretados por cantantes de segundo pelo. El concierto de este grupo, que la prensa belga ha calificado de seudo-Supertramp o los falsos Supertramp, dura dos horas, aunque 80 por ciento de los temas de esta gira, presentada con bombo y platillo como los grandes éxitos de Supertramp, son canciones no escritas por el vocalista de la banda, que lleva años de carrera en solitario. Conflicto sin solución Después de que Hodgson dejó el grupo, en 1983, tras la publicación del álbum Famous Last Words, nunca más fui invitado por el resto de la banda a participar en conciertos, afirmó en la entrevista, disponible en la web de la RTBF. Aunque no lo admite abiertamente, deja entrever que el conflicto personal con el otro autor de las letras de los éxitos del grupo, Rick Davies, cofundador de la banda, es imposible de resolver. Rick sólo ha invitado a esta gira a los otros componentes de aquel Supertramp de 1974: John Helliwell (saxo), Bob Siebenberg (batería) y Dougie Thompson (bajo), pero a mí me considera una especie de apestado, comenta. "Estoy triste, muy triste de que Rick se haya apoderado de la marca Supertramp y haga negocios con ella y engañe al público. Creo que el nombre Supertramp está vivo, sobre todo en el corazón y en el recuerdo de millones de fans en el mundo, y él no tiene derecho a apropiarse de eso", subraya Hodgson. "Una vez, Rick y su mujer se reunieron conmigo y me dijeron que el proyecto de la gira mundial de Supertramp se haría -literalmente- como ellos querían o no se haría, y ya nunca más los volví a ver", lamenta. Para el ex solista y autor de más de 50 por ciento de los éxitos de la banda, esta gira mundial de lo que queda de Supertramp es un engaño. Rick traiciona al público y el recuerdo del grupo, expresa. Uno de los trucos que ha empleado Rick Davies, critica Hodgson, es usar al hijo del ex baterista de Supertramp, Jesse Siebenberg, un total desconocido, pero así justifica que queda algo del Supertramp original en la gira mundial. A la preguntas de si, a pesar de las disputas algún día los millones de fans podrán ver reunido al Supertramp original, Hodgson duda: Se lo propuse a Rick, a sus representantes, pero él no quiere ni oír hablar de ello. Todo mundo quiere que volvamos a tocar juntos, todos menos él. ?Cuál fue su error?, pregunta la RTBF al vocalista. Pues, creo que mi inocencia. Cuando era joven no me preocupaban para nada los temas económicos. En los años 80 mi única preocupación era cómo renunciar a los derechos sobre el nombre de Supertramp y traspasarlos a Rick, pero con garantías de que se respetaría la autoría de mis canciones. Él me dio esas garantías de manera verbal. Lamentablemente fue sólo un pacto de caballeros, que no quedó por escrito, lamenta. "Lo irónico es que a Rick nunca le gustó Breakfast in America, y ahora tiene que promocionar su gira mundial con mis canciones. Rick ha perdido toda su dignidad con lo que está haciendo. Ahora hablo a la prensa porque creo en la dignidad del artista", concluye. Fuente: La Jornada Online Saludos. JPL/2010. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: LITTO NEBBIA "Bazar De Los Milagros" LITTO NEBBIA: "Bazar De Los Milagros" (1976) Temas 1. Bazar De Los Milagros (7'52) 2. El Nuevo Testamento (3'40) 3. Bituca (4'31) 4. Para Daniel (4'27) 5. Transeúntes (3'00) 6. La Muerte Y La Mirada (6'32) 7. La Caída (7'48) 8. Reflexiones Para la Soledad (3'43) 9. Tema De Amor (2'23) 10. Tema De Los Títulos (2'17) 11. Tema De Amor (B) (1'24) 12. Tema Del Final (3'22) Litto Nebbia: piano acústico y eléctrico, órgano, sintetizador Mini-Moog, guitarra de 12 cuerdas, batería, canto Colaborador permanente - Daniel Homer (guitarras española, eléctrica y de 12 cuerdas, bajo, percusión, coros) Colaboradores ocasionales - Jorge González (bajo y contrabajo en los bonus, contrabajo en 2), Néstor Astarita (batería y percusión en 2 y en los bonus), Gustavo Moretto (trompeta en los bonus), Manolo Juárez (piano eléctrico en 4), Chany Suárez (coros en 1, 3 y 5) Asociándose con el guitarrista Daniel Homer y dejando pendientes subsiguientes empresas musicales con el dúo rítmico de Jorge González y Néstor Astarita, Litto Nebbia acometió el segundo ítem de su etapa progresivo-fusionesca, "El Bazar De Los Milagros": una vez más, la poetisa Martha Defilpo funge como letrista para la ocasión. Teniendo en cuenta el carácter casi totalmente exclusivo del dueto Nebbia-Homer, la sección rítmica quedó dividida entre ambos de manera "menos experta", lo cual hace que este disco se concentre más en los desarrollos sonoros intimistas y bucólicos en las guitarras y los teclados. Aquí tenemos las primeras incursiones de Nebbia en el mundo del Mini-Moog, pero todavía es utilizado como un proveedor de matices y no tanto como un instrumento nuclear: ese rol lo ocupa la dupla de guitarras acústicas de parte del propio Nebbia y su invitado permanente Homer. El tema homónimo da inicio al disco con cálidos aromas de folk acústico donde se insertan fluidamente aires jazzeros por vía del piano eléctrico y etéreos matices sinfónicos a través de los arquitectónicos solos de sintetizador Moog. 'El Nuevo Testamento' cambia la luminosidad patente del tema de entrada por una suave niebla de atardecer otoñal: la contemplativa solemnidad transmitida por el canto de Nebbia y las sobrias líneas de piano eléctrico arman el cuerpo central, para que en el minuto final un solo de sintetizador irrumpa con el fin de aportar una dimensión cósmica al asunto. 'Bituca' es un nuevo instrumental marcadamente bucólico, un primo cercano de 'Bazar De Los Milagros' aunque con una prestancia menos imponente, más bien creando un puente con facetas jazzeras sencillas que sirven para brindar agilidad a la calidez reinante. 'Para Daniel' cierra la primera mitad del disco con un tenor melancólico tan delicado como envolvente, intimista y revelador a la vez. 'Transeúntes' inicia la segunda mitad del repertorio oficial con un tono muy distinto, más extrovertido, muy a lo bossa nova: el aporte vocal de Cheny Suárez ayuda a realzar el espíritu juguetón del motivo melódico central. 'La Muerte Y La Mirada' contiene, EMHO, una de las letras más desafiantes de Defilpo para la obra musical de Nebbia. De hecho, la musicalidad se hace más sofisticada en los bucólicos arreglos de guitarras acústicas y eléctrica así como en los aportes del sintetizador. 'La Caída' se hace eco del escalonamiento de expresividades extrovertidas que se ha venido dando desde los dos temas precedentes, ofreciendo así una recapitulación conjunta del colorido de 'Transeúntes' y el refinamiento exquisito de 'Las Muerte Y La Mirada'. 'Reflexiones Sobre La Soledad' cierra la obra con un clima de sereno ensimismamiento, solamente variado en los pasajes finales con la presencia de ágiles cortinas de Moog. Los bonus tracks pertenecen a la banda sonora de la película "Bobeta, ilusión y despertar": en ellos, Nebbia cuenta con la complicidad de sus socios habituales González y Astarita, más el genial Gustavo Moretto (quien por entonces ya fungía como líder de Alas, una de las máximas exponentes de la tradición progresiva argentina de los 70s) en la trompeta en el caso de 'Tema De Amor'. Este tema es el más jazzero de este lote, bien insertado en el esquema de Latin jazz, mientras que los demás recurren a atmósferas reposadas y suaves. El cuadro musical que da así completo, listo para ayudarnos a apreciar los estándares de musicalidad que Nebbia forjaba por aquel entonces: ""Bazar De Los Milagros" es un ítem vital para conocer y apreciar la vanguardia rockera argentina desarrollada durante los 70s. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Quagliano" Asunto: uniendo el mejor rock de Rosario y Tucumán Amigos: En el próximo programa de Gigantes Gentiles, el número 35, que emitiremos el miércoles 13 de octubre, escucharemos fragmentos del programa Cosas Rústicas, al que fuí invitado por su conductor Bernardo Alza, para hacer un recorrido por parte de la buena música que se produce en nuestra ciudad de Rosario. La ocasión: mi viaje a Tucumán el 25 de setiembre pasado, para la entrega de los Premios Independencia 2010. Cosas Rústicas, un programa original de Radio Universidad de Tucumán, se emite en directo por RadioColaborativa.com los sábados a las 17hs., con dos horas de duración. En la oportunidad escuchamos a 18:30, 3+1, Esteban Cerioni y su homenaje a Daniel Wirtz, Irreal, La Barca. La Gota, Danae y la versión del Tema de Rosario de Lalo de los Santos con la participación de algunos de los mejores músicos originarios de esta ciudad. Además: Redd y la edición 30 aniversario de "Tristes noticias del Imperio", y la presentación del disco de Hábitat, "Tratando de respirar en la furia". Gigantes Gentiles se emite por RadioColaborativa.com los miércoles a las 22hs., y en diferido por FM VOX 100.9 de la ciudad de Punta Alta, RadioXpress, por TuVozInteractiva (México), SinAudio Radio On line (México) y FM Ariadna Solidaria 95.5, de Blanco Encalada, Mendoza. !Los esperamos! -- Quique Quagliano RadioColaborativa.com, Voluntades en red www.radiocolaborativa.com radiocolaborativa@gmail.com ----------------------------------------------------------------------------