LA CAJA DE MUSICA LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO ============================================================================ LCDM: #877 mayo 2009 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM ---------------------------------------------------------------------------- * Entrevista con L'Herba d'Hameli * Nichelodeon "Cinemanemico" * Qu 9A9_es_ProgF3F_Una_definici B3n. * SENOGUL_ 2D_"Concierto_de_Evocación_Sonora" * Los 60 años de Rick Wakeman - en la prensa peruana * Otorgan el 'premio Nobel' de la música a Peter Gabriel * Ya se puede ver el nuevo vídeo de Dream Theater * Mario Benedetti, In Memoriam ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Progjuan Progjuan Asunto: Entrevista con L'Herba d'Hameli ENTREVISTA A L'HERBA D'HAMELI, MAYO 2009 Hola L'Herba d'Hameli es un joven grupo de Barcelona enmarcado en la onda retroprogresiva entre el Rock Laietano de unos ICEBERG y el rock sinfónico canterburiano de unos CAMEL. Hace poco han editado su primer disco de una forma casera, con un resultado que no esta nada mal. Por este motivo me puse en contacto con su batería Guillem Roma que amablemente me ha respondido a las siguientes preguntas: JM: Nos puedes hacer una breve presentación de L'Herba ? GR: L"Herba d"Hamelí es un grupo de rock progresivo ubicado en Barcelona con 8 años de vida. El grupo está formado por seis miembros los cuales ensayan y realizan conciertos de manera regular. JM: Vuestros comienzos fueron en el FOLK. ?De quien fue la idea de adentrarse en el mundo progresivo? GR: Los primeros años del grupo se basaron en un equilibrio de fuerzas entre los miembros amantes de la música folk y los amantes del progresivo, fruto de esto se definió un sonido Herba de folk-rock con aires sinfónicos. JM ?De que manera evoluciona el grupo en estos últimos 6 años y como os adentráis en el mundo progresivo?. GR: Con el paso del tiempo, algunos miembros del grupo más afines a lo folklórico marcharon y entraron nuevos con influencias más progresivas. JM: ?Que objetivos y metas os marcasteis aquel día? GR: Pues más o menos los mismos que ahora, hacer la música que te gusta y desear que al resto del mundo también le guste. JM ?Queda algún vestigio de aquella época en vuestra música? GR: Bueno, la flauta seria uno de estos vestigios, el grupo empezó con flauta para tocar temas de Jethro Tull i 8 años después sigue sonando la flauta en l"Herba pero con oto concepto. JM: ? No os saldría más a cuenta dedicaros a hacer pop-rock? GR: La música no se mide con euros, se mide con sensaciones. JM: ?A que bandas o solistas podrías decir que hacéis referencia / influencia? Son esas referencias, además, influencias reales de los todos músicos de L'Herba? G.R: Camel, Caravan, King Crimson, Zappa, Yes, todos los miembros del grupo somos fans del progresivo JM: Hablanos un poco del proceso de creación de Inversa visual, ?De donde salen las ideas? ?Quién es el principal compositor? ?Cómo trabaja la banda en general?. GR: Los temas se componen entre todos pero si que es verdad que las principales fuentes de aportación de ideas son Carles, Valentí y Dani. Ricard hace las letras. También somos partidarios de la improvisación como herramienta para componer nuevos temas. JM: Eres el responsable del sonido, producción y post-produccion. ?Explícanos como ha sido y como has conseguido este sonido tan bueno para ser algo tan casero? ?Quien os ha editado el disco? GR: Las nuevas tecnologías han revolucionado el mundo de la música amateur, hace 20 años era impensable gravar un disco con escasos recursos pero hoy en día, con un ordenador, una buena tarjeta de sonido y unos cuantos micros se pueden hacer maravillas. Todos los instrumentos a excepción de la batería se gravaron en mi casa. JM: ?Que le dirías a quien este indeciso en comprarse vuestro CD? GR: Le diría que no se preocupe tanto en descubrir grupos ubicados en el otro lado del mundo y se fije más en los grupos de Cataluña. También le diría que un cubata en una discoteca puede llegar a valer más de 8 euros, precio de nuestro CD. JM: ?Qué historia hay detrás de la ultima pieza Picant Pedra?. GR: Picant Pedra es el "Leitmotive" del grupo i quizás el de muchos otros grupos, "picar pedra" en catalán significa picar piedra, es decir, trabajar duro para tener la constante duda de que si lo que hacemos será algún día recompensado, yo creo que si. JM ?Cómo se ve esto de que os dediquéis al prog-rock entre vuestros amigos y entre la familia? GR: Hay de todo, hay gente de 40-50 años que alucinan con nosotros, no entienden que gente joven como nosotros estén en esta movida, a otros lo les interesa lo mínimo pero el que si que dice la mayoría es que independientemente de si les gusta o no nuestro estilo, reconocen que hay mucho trabajo y inspiración detrás de nuestra música. JM Actuasteis en la VI Festa de CosesNostres. ?Cual fue vuestra experiencia? ?Como veis esto de que la mayoría de vuestro publico fuera mayor de los 40? GR: La experiencia fue muy buena en cuanto el hecho de compartir escenario con Atila, a nivel de asistencia al concierto no podemos hablar tan bien pero en general estamos muy contentos de esta actuación JM: ?Habéis dejado material grabado o por grabar? GR: Ahora mismo ya tenemos temas nuevos que se incluirían en un nuevo quinto álbum pero aún hay mucho trabajo por hacer. JM: Fel.lacions al Mediterrani suena mucho a ICEBERG, ?Es algo que os salió de forma natural o premeditada? GR: Fue algo natural, el nombre del tema vino después de la composición de este. JM: ROCK LAIETANO o SINFONICO ? Hacia donde se mueve el grupo musicalmente? GR: Difícil respuesta, yo me veo bastante en el medio aunque el tema laietano nos tira mucho. JM: Pienso que los grupos catalanes practican un rock sinfoprog cerebral (Jazz rock) mientras que en otras regiones se dejan llevar mas por el corazon. ?Que piensas de esta opinión? GR: Algo de cerebrales si que tenemos los catalanes, en otras regiones de España como Andalucía la gente hace la música más con las entrañas y nosotros tocamos más con la cabeza. JM: ?Hay algún músico en L'Herba que todavía tiene que soltarse la melena y coja mas protagonismo? GR: L"Herba d"Hamelí es un grupo totalmente horizontal en el cual ningún miembro destaca por encima de otro y espero que siga así por mucho tiempo. JM: ?Hablarnos de los directos que habéis hecho hasta ahora y los que haréis próximamente? GR: De conciertos recientes del grupo tenemos el que hicimos en la Fiesta de Coses Nostres en setiembre y también un par de conciertos que hicimos en la Sala Big Bang y en la Floresta durante el pasado mes de Marzo. Próximamente tenemos 2 conciertos cerrados para finales de mayo y estamos pendientes de cerrar otros. JM: ? Como ha sido el contacto o interés de los medios de comunicación, estamentos institucionales para apoyar a un grupo novel como vosotros? GR: Aunque tampoco hemos llamado a muchas puertas, en general nuestra música interesa a muy poca gente y por consecuencia interesa poco a las instituciones. JM: ?Como ves la escena progresiva aquí en Cataluña? GR: Veo que hay grupos que a pesar de ser amateurs tienen un gran nivel y estos están eclipsados por la obsesión de la gente por buscar grupos fuera de nuestras fronteras. Los grupos a los cuales nos sentimos más afines y conocemos personalmente son Planeta Imaginario, Urban Trapeze y Gurth JM: ?y fuera de aquí? ?Que grupo(s) te gustan mas de los actuales? GR: Deus Ex Machina me encantan. JM: ?Crees que hay un interés desmesurado en la escena musical progresiva y no progresiva por compararse con los grupos extranjeros? GR: No creo. JM: - Que piensas de Internet en cuanto a que ayude a los grupos a darse a conocer, mostrar vuestra música y difundir aquello que los medios de comunicación os niegan? GR: Internet es la gran salvación para todo el underground musical mundial aunque veo que poco a poco la pantalla del PC va ganando terreno a la caja tonta. La gente cuando llega a casa no mira la tele, mira el PC donde puede encontrar todo lo que desee. JM: ?Cual es tu batería favorito y cual es el que mas le ha influenciado? GR: Mi batería preferido es Bill Bruford y el que veo que me ha influenciado más en mis ritmos dentro de Herba es Andy Ward JM: ?Cual crees que seria el camino para que el rock progresivo regresara a sus fueros "popular" como en los 70's? GR: Legalizar las drogas?, jeje, a parte de esta broma, creo que este tendría éxito después de un nuevo y hipotético tiempo de dictadura o opresión. JM ?Cuáles son vuestros planes de futuro? ?Estáis componiendo nuevo material? ?Cómo van vuestras actuaciones en directo? G.R: Los planes son siempre más o menos los mismos de siempre: componer, ensayar, gravar y tocar en directo. Ahora mismo estamos en época de buscar muchos conciertos para presentar Inversa Visual al mismo tiempo que no dejamos de componer! También nos gusta practicar el deporte consistente en hacer descubrir a la gente que hay vida más lejos del compás 4/4. Gracias y Suerte !!! Gracias a ti ( Juan Mellado ) ---------------------------------------------------------------------------- Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola Asunto: Nichelodeon "Cinemanemico" NICHELODEON: “Cinemanemico” (2008) Temas 1. Fame 2. La mosca stregata 3. Lascia ch'io pianga 4. Malamore e la Luna 5. Amanti in guerra 6. La torre più alta 7. Ciò che rimane 8. Flower of innocence 9. Disegnando cattedrali di cellule Pt.II 10. Il ladro di giochi Integrantes - Claudio Milano: voz - Francesco Zago: guitarra eléctrica - Maurizio Fasoli: piano - Riccardo Di Paola: sintetizador Nacido a partir de la confluencia de fuerzas entre el artista plástico, escenógrafo, cantante y músico Claudio Milano y un par de músicos del ensamble de chamber-rock Yugen, Nichelodeon emerge como una entidad musical muy interesante dentro del progresivo de vanguardia cultivado actualmente en Italia. Este disco que empezamos a comentar ahora, “Cinemanemico”, es fruto de unas presentaciones en vivo de la performance “La stanza suona cio’ che non vedo” – realmente el aspecto visual habrá de completar debidamente el sentido de la música reflejada en este disco, el mismo que ha recibido muchísimos elogios internautas de parte del público cultor de la vanguardia. Para hacernos una idea, el sonido de Nichelodeon puede definirse como un sólido punto de encuentro entre Opus Avantra, Art Bears y el Pierrot Lunaire de “Gudrun”, con ostentosas afinidades con el ruidismo y la academia post-moderna. El estilo vocal de Claudio Milano incorpora varios dejos hammillianos y stratosianos, aunque no es precisamente un clon sin personalidad: es de notar que su fuerte presencia en el despliegue sonoro de Nichelodeon lo convierte en un aspecto sumamente vital para el ensamble. El disco abre con ‘Fame’, pieza que transmite una instantánea energía con los urgentes acordes de piano y tenebrosos retazos de guitarra y sintetizador que abren el camino para el ceremonioso canto de Milano (incluyendo algunos falsetes juguetones que le hacen asemejarse a un clown alucinado). La atmósfera de extravagante exquisitez está bien servida, siendo así que para el último minuto la instrumentación pasa poco a poco a climas un poco más calmos. ‘La mosca stregata’ es un breve instrumental bien enraizado en el aspecto minimalista de la escena musique concrete, engarzado con el hermoso replanteamiento de la composición de Haendel ‘Lascia ch'io pianga’: esta secuencia bipartita sirve para que Nichelodeon explore una focalización sus aristas sonoras más sutiles, lo cual no quiere decir que estén renunciando a la tensión y a la neurosis. De hecho, los últimos momentos se empapan de una suerte de caos flotante que, en este contexto, sirve de oportuna anticipación para el muy teatral ‘Malamore e la Luna’, pieza en la que el canto de Milano y el piano de Fasoli dirigen los tránsitos entre lo amenazante y lo romántico: el sendero del clímax de cierre es mágico del mismo modo que es trágico. Personalmente, me parece uno de los temas más logrados de “Cinemanemico”. ‘Amanti in guerra’ recalca el misterioso romanticismo que había sido tan importante en la canción precedente, esta vez portando una dosis un poco mayor de densidad. ‘La torre più alta’, que dura casi 10 minutos, se revela como el ítem más ambicioso de este repertorio: es todo un manifiesto de las más exultantes ambiciones musicales de Nichelodeon puestas en su nivel más explícito. Comenzando con cántico tarzanescos a lo Demetro Stratos (claro está, a cargo de Milano), el ensamble instrumental se engarza en alucinadas orquestaciones de piano y sintetizador mientras que la guitarra emana texturas y adornos que alternan entre lo oscuro y lo grisáceo. El interludio que comienza poco antes de llegar al cuarto minuto y medio evoca una reflexividad donde lo inquietante ocupa un lugar tenue pero real. El clima de variada perturbación conquistado aquí se expresa de manera excepcionalmente majestuosa, en base a una inusitada mezcla e gótico, dadaísta y expresionismo: el caos etéreo con el que culmina la pieza completa muy bien la idea. Cosas como ésta podían muy bien dignificar altamente a obras musicales de Opus Avantra, el primer Art Zoyd o Art Bears. ‘Ciò che rimane’ no llega a calmar las aguas, sino a alimentarse de las dimensiones más tensas del tema precedente por más de 7 ½ minutos: de todas maneras, también hay algunos pasajes líricos que funcionan muy bien a la hora de aportar una dinámica variedad a este viaje musical. ‘Flower of innocence’ se mueve por una espiritualidad cerebral más contenida, antes de que emerja la explicitación más señorial de ‘Disegnando cattedrali di cellule Pt.II’. Este tema de 9 ¼ de duración explora entusiastamente las aristas más etéreas de los elementos cósmicos y surrealistas que ocupan un lugar inapelable dentro del espectro sonoro de Nichelodeon. ‘Il ladro di giochi’ ocupa los últimos 7’50” del disco, haciendo una fluida recapitulación combinada de lo romántico y lo cósmico según los parámetros que ya a estas alturas se nos hacen tremendamente familiares. Cuidado con el falso final que tiene lugar a los cuatro minutos y cuarto: tras un tiempo de silencio sigue una coda en clave futurista, ampliamente sazonada con efluvios dadaístas y ejercicios de minimalismo industrial. Nichelodeon es una grata sorpresa que aporta aires frescos al mundo siempre abierto de la vanguardia sonora: los raudos amantes del avanti deben poner a “Cinemanemico” en un lugar preferencial de sus listas de próximas compras fonográficas. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Jorge Padilla L Asunto: Qu 9A9_es_ProgF3F_Una_definici B3n. Hola a todos, Esperando sea de su interés, el siguiente texto se reproduce únicamente para fines de difusión del tema tratado. ?Qué es Prog? Definición, Análisis y Complementos El autor inglés de estas líneas intenta responder a ésta pregunta de una forma mucho más libre, con la esperanza de que sea lo más interesante posible. Este intento se enfoca a dar UNA respuesta ? pero no LA respuesta, considerando que habrá personas que no estarán de acuerdo con estas conclusiones. Las respuestas de estas personas son las que más interesan al autor. ?Qué es Prog? Por: Certif1ed* (Inglaterra) Esta pregunta se ha vuelto aterradora para todos aquellos que la escuchan por centésima vez, y genera tal cantidad y variedad de respuestas que termina por confundir al interrogador más de lo que estaba antes de preguntar. Indagando en Google se genera igualmente una amplia gama de respuestas a escoger, y si se consulta cualquier sitio dedicado a la Música Progresiva, se podrá ver una variada selección de música que incluye nombres que uno no asociaría de ninguna manera. Entonces ?qué es? Bueno, ayuda el entender la historia, lo que hace a la música progresiva y la naturaleza de la música ? pero esos son otros 3 artículos en los que estoy trabajando para complementar este ? así que habrá que esperar un poco. No proporcionaré una lista de ?Ejemplos?, ya que todos tienen uno, y probablemente habrá reclamos del tipo ?olvidaste mencionar??, que no sería de ayuda en un análisis. No se trata de examinar a cada banda, se trata de hablar sobre el Rock Progresivo como un estilo musical, y analizar brevemente la música de dos bandas que, siento, son las más adecuadas para este análisis, a fin de tener un panorama más detallado. No obstante, me atrevo a lanzarles esta definición: -El Rock Progresivo es una forma de música Rock con un propósito artístico, puede ser tanto compuesta como improvisada, toma sus influencias de una amplia variedad de fuentes, y funde estas propuestas para crear música que es clara y marcadamente distinta a todo lo que la ha precedido.- Visto así es un tanto impreciso y poco conciso, y requiere cierto grado de calificación y explicación ? y sobre todo, exploración, con el fin de ser entendido con todo detalle. (Nota: Las conclusiones están resumidas al final de este artículo, si es que no tienes deseos de leer toda la historia y el análisis). En el Principio El primer uso que conozco (que, naturalmente, no lo hace el primero!), de la palabra ?Progresivo? en relación con la música, fue el de jazz ?Cool? o ?Progresivo?, a finales de los ?50s. Ignoraremos esto, excepto para notar que existía una propensión entre los músicos y los aficionados a la música a querer etiquetar su música como Progresiva ? y probablemente había algo en la música que hacía de esto una etiqueta apropiada. Eclection El primer uso del término ?Rock Progresivo? que yo conozco se encuentra en las notas de portada del álbum epónimo de 1968 del grupo Eclection. Por tanto, tiene absoluto sentido que este álbum defina lo que es el Rock Progresivo, ante la ausencia de datos concretos de cualquier tipo que lo precedan ? sin embargo, tiene mucho sentido asumir que el término ya era de uso común, como lo era en la escena de la Música Progresiva o Subterránea de finales de los ?60s. Una reseña completa del álbum Eclection aparecerá pronto, pero un resumen será útil para este análisis. Es un álbum ligero de folk/rock con cierto encanto, con evidente gusto por el sonido tintineante de los Byrds, Jefferson Airplane, Fairport Convention y the Mamas and the Papas ? pero infundido de órgano Hammond y cuerdas que recuerdan a los Moody Blues. Los frecuentes solos de trompeta también atrajo comparaciones con Love, y una o dos veces me recuerda a los Doors, Jethro Tull, y una versión menos sicodélica de Chrysalis. Esta es toda una mezcla sorprendente de influencias para un álbum de pop/folk aparentemente ligero, y hay algo en ello que lo hace destacar con los grandes, pero de una manera tan sutil que sólo se consigue captar tras unas cuantas escuchas ? este no es el típico álbum que se cree es el primer álbum propio de Rock Progresivo ? y si se mira cualquier lista de "Elementos del Rock Progresivo", se encontrará algo importante en Eclection, y aún más con cada escucha. King Crimson Como todos saben, "In The Court..." fue el primer álbum de Rock Progresivo propiamente dicho ? por tanto este es el álbum a escuchar con el fin de investigar y descubrir de qué se trata todo básicamente. Esto no significa que cada álbum de Rock Progresivo tiene que sonar como "In The Court..." ? de ahí que, un álbum de Rock Progresivo debe sonar a él mismo. ?In The Court? tiene un concepto que lo atraviesa, las canciones mismas no toman en cuenta los formatos del sencillo de éxito de tres minutos ? y socavan las estructuras estándar de intro/verso/coro de la canción (pero sin destruirlas por completo). La música está arraigada en el Hard Rock de los Yardbirds y Cream en su tendencia hacia los riffs de guitarra distorsionada, especialmente en 21st Century Schizoid Man, pero divaga peligrosamente en el territorio de la Música Rock tan lejos como puede con las exploraciones vanguardistas de Moonchild. Esta es una pieza particularmente notable en el sentido de que es una composición verdaderamente vanguardista, más que un simple experimento de improvisación, que caracterizó los aspectos más ?extraños? de los grupos Sicodélicos de los años previos, y es extraordinaria en cuanto a que las exploraciones de jazz están de manera similar bien construidas, aún si se sienten improvisadas ? de nuevo, diferente de las bandas sicodélicas que utilizaban la ?exploración del jazz? para, digamos, improvisar sin parar en un instrumento de una manera informal o inconexa utilizando una escala pentatónica sobre dos acordes. Yendo más lejos, la canción del título está dividida en varias partes, la más interesante de ellas es Dance of the Puppets ? sobre la superficie una pequeña melodía sencilla, desenfadada, pero en contexto una franja improvisada en gran parte y el desarrollo de las principales ideas temáticas. Análisis La música claramente está mostrándonos 3 cosas; 1. Una composición controlada con un fuerte sentimiento de improvisación. 2. Desarrollo del material temático. 3. Despeja la noción de la música Rock, dejando en su lugar algo nuevo por completo. Se podría fácilmente alargar esta lista, sólo con usar los oídos. En cuanto a las melodías; son más largas de lo que estamos acostumbrados en la música Rock ? las frases no son autónomas, cortas, unidades repetidas, sino que están unidas en múltiples frases para construir frases más grandes, de modo similar a la música clásica. También respecto a las armonías ? los suaves y discordantes acordes con sabor a jazz son más prominentes. El uso de I-IV-V es casi redundante ? por completo redundante en ?Moonchild?, donde el sentido de la armonía diatónica y el movimiento hacia una cadencia es destruido totalmente (En realidad, la total destrucción de la forma (y melodía, armonía y ritmo ?pero no el timbre) no sucede primero en "Moonchild" en absoluto. Ocurre, de hecho, en "A Day in The Life" ?aunque me parece que es más incidental ahí, más que una parte compuesta de la estructura musical.). Y qué hay de los ritmos? Ritmos agresivos, estridentes, suaves, ritmos resonantes, percusión con algo más que un ritmo sencillo ? hay una gran mezcla, y es un álbum difícil para bailar sin verse ridículo. Timbre? Se hace uso de una gama extrema (por el tiempo) ?una guitarra mega-distorsionada más allá de lo acústico. Un saxofón de tono casi áspero, un Mellotron tenue, difuminado, tambores estruendosos, una percusión sutil y campanas, paradas, comienzos y partes contrastantes en la música, que proporcionan algo hasta ahora no escuchado en el registro dinámico de la música rock. La forma, el aspecto más crítico cuando distinguimos música Progresiva de música no-progresiva, ya la hemos cubierto, y encontramos que tiene que destruirse completamente por unos cuantos tentadores y breves momentos. Resumen Como se ha demostrado y analizado, cada aspecto de la música Rock es o llevado hasta el extremo o destruido en ITCOTCK ? y, pese a lo fuerte de la palabra, ?arrasar/destruir? es exactamente lo que ahí sucede. Más pertinente a la causa es lo que este álbum por sí mismo alcanzó en o antes del día de su lanzamiento ? de manera que Rock Progresivo es una etiqueta muy atinada para este álbum de hecho, y ciertamente permanece como un punto de referencia para el género. Por supuesto, existen álbumes con estas cualidades que lo preceden ? puesto que nada hay sin precedentes en la música? como cualquiera sabe ? pero estas son meras cualidades, elementos, si tú quieres. Nada está descartado, como las reglas de la música, aunque fuertemente vinculantes como una fuerza elemental, no están esculpidas en piedra, y el primer álbum de Rock Progresivo puede ser el que tú quieras, de verdad ? mientras tengas un buen entendimiento de lo que es. Espero haberte ayudado en alcanzar tal entendimiento, incluso, o especialmente, si estás en desacuerdo con todo lo que he dicho. Entonces ?qué es Prog? Es Música Rock Progresiva, música que se define a sí misma, música audaz, atrevida, música que reta, música que crea, música que piensa mientras crea, funde el lado izquierdo del cerebro con el derecho, música que se permite ser influenciada por todo y nada ? la forma más libre de la música rock, pero la más estrictamente controlada, música que pone la forma por encima de la función, la cabeza por arriba de los pies y alma en su totalidad. Pero en esencia, es música rock improvisada, concentrada, que suena distinta a cualquier cosa que haya llegado antes. Lo que eso significa se analiza arriba, y más adelante, en mis futuros artículos. ? *).- Certif1ed es un seudónimo, el nombre real del autor se desconoce. Este artículo fue publicado originalmente en inglés en un foro de discusión de Internet sobre música progresiva el 13 de Junio de 2008. ---------------------------Fín del artículo----------------------------- Comentarios Generales. Definitivamente es un mito que ITCOTCK sea el álbum que ?inició? el Rock Progresivo. Tan sólo es el álbum que apareció primero. Muchas bandas ya estaban trabajando en cosas parecidas; sólo hay que ver el movimiento Krautrock que en realidad comenzó en 1967, aunque no se publicó un álbum hasta 1969 cuando "Psychedelic Underground" de Amon Düül apareció. La definición que se da del Rock Progresivo es aceptable en gran medida ? al menos en cuanto a las bandas prog clásicas de la etapa primaria del movimiento progresivo. Para todo lo que llegó después no es un requisito indispensable. Claro que, la idea general del prog ? su esencia si se prefiere ? es ser innovador, no simplemente copiar cosas que fueron hechas antes por otros músicos en lugar de ampliarla, construir encima y sorprender al escucha. Aunque también la etiqueta ?Prog? se usa como un nombre para bandas que comparten el mismo estilo. Y es ahí donde comienza el problema? cómo puede una banda ser ?clara y marcadamente distinta a todo lo que la ha precedido? pero tocar en un estilo parecido al de las primeras bandas y álbumes que acuñaron la frase? Esto es un callejón sin salida: Para ser verdaderamente progresivo tienes que eludir el sello de las bandas/álbumes claves del estilo. Entre más lo esquives, menos parecida será tu música a la de aquellas bandas/álbumes claves, y más personas se rehusarán a aceptar tu música como ?Prog?. En lo esencial: Entre más progresiva es una banda ?post 74?, menos progresiva es en cuanto a estilo. O de otra manera: Entre más cerca esté una banda a las bandas/álbumes claves en cuanto a estilo, menos progresiva es. Sólo dos ejemplos para ilustrar este punto de vista: * Radiohead: Una banda muy progresiva, pero no "Prog" en cuanto a estilo. * Wobbler: Muy cercana en cuanto a estilo a las bandas/álbumes Prog clásicas, pero no realmente progresiva. Ajustando la definición, de modo que también incluya las distintas descendencias de las bandas clásicas: ?El Rock Progresivo es una forma de música Rock con un propósito artístico, puede ser tanto compuesta como improvisada, toma sus influencias de una amplia variedad de fuentes, y funde estas propuestas para crear música que es clara y marcadamente distinta a todo lo que la ha precedido o que satisfactoriamente emula o construye sobre los estilos de música que fueron creados en un principio de tal manera.? En cierta forma, la definición original comprende el ?núcleo? de todos los artistas Prog? las grabaciones que fijaron el punto de referencia para los estándares más elevados. El resto son ya sea una mera copia de aquellos álbumes, una ?variación/extensión inteligente? de aquellos álbumes, un tipo totalmente distinto de música progresiva, o una combinación de estas posibilidades. Casi 40 años después y no tenemos todavía una definición concisa de qué es el Prog. Esto se debe en parte a que el Rock Prog no es un estilo de música como el Hip-Hop o el Reggae, entonces no es algo que pueda reconocerse al instante aplicando una simple fórmula basada en hechos tangibles tales como la estructura, la técnica y la forma, o sobre la improvisación, extrapolación y exploración de temas, y en parte porque no tuvo un punto de origen único, pero es una mezcla de artistas parecidos superficialmente que sucesivamente sacaron sus influencias de fuentes distintas y sin relación. El Rock Prog rebasó el escenario incluyendo una dispar colección de bandas distintas musicalmente que ni siquiera compartieron una actitud o filosofía en común, mucho menos el deseo de crear un nuevo género de música bajo el que todos pudieran juntarse. Algunas bandas que se guarecieron bajo ese paraguas a principios de lo 70s ya no son aceptadas como bandas Prog en el sentido musical actual, como cuando sin duda fueron consideradas parte de la escena subterránea Progresiva, mientras que otras que tuvieron un estatus menor son ahora alabadas a la enésima potencia. Ya sea un error de aquella época o de la actual, es discutible y lleva a muchos a la polémica ? pero en aquel entonces no era una pregunta que se hicieran, se aceptaba como algo dado simplemente por el tipo de música que producían, la manera en que era producida, y el modo en que fue presentada ? los Sellos discográficos inventaron la etiqueta, no las bandas mismas. En 1971 nadie se sentaba a discutir si a determinada banda se le permitía la inclusión en el selecto club basados en una serie precisa de reglas ? lo eran, o no lo eran: por asociación más que por una definición musical precisa; por las compañías discográficas que las contrataban; por la prensa musical que las promocionaba y más importante, por la subcultura juvenil que las adoptó. La ya extinta subcultura juvenil fundadora, fue suplantada por los movimientos juveniles posteriores y sus gustos musicales inherentes coligados, pero el espíritu que creó la necesidad por este tipo de música compleja, no-comercial, céntrico-subterránea persistió de la misma manera en que lo hizo antes de que el Prog naciera. Las bandas que cubrieron esa necesidad trazaron sus influencias desde un igualmente amplio espectro de música, incluyendo a las bandas progresivas originales. Parte de estas bandas que podrían citar una influencia directa fueron absorbidas fácilmente dentro del género, mientras que otras consiguieron su afiliación por asociación indirecta. Con el tiempo el género ha crecido y se ha extendido, absorbiendo nuevos subgéneros en el colectivo que han hecho que la definición definitiva sea aún más difícil de definir, a la vez que estos nuevos subgéneros se han agregado a la mezcla tanto como saquen de él ?puede que no tengan una relación directa con los progenitores originales del Prog o la escena subterránea en la cual floreció, o la subcultura que la apoyó, pero eso no les resta validez puesto que la música que ellos crearon es tan indefinible como siempre. Una vez que empiezas a establecer reglas y definiciones precisas de lo que significa el Rock Progresivo, por deducción comienzas a establecer reglas rigurosas en cuanto a quién puede y quién no ser incluido dentro del género. Algunos (muchos?) verían esto como *algo bueno*, pero no se limita a las nuevas bandas y subgéneros, sino que abarca todo y aplica por igual a todas las épocas, aún más para aquellas bandas de la escena musical progresiva de los 70s (y 80s) consideradas miembros dignatarios, o que algunas de las bandas actuales sean relegadas a la categoría de ?Prog-Afines? y que algunas de las bandas actuales afines al Prog sean expulsadas por completo. No se trata de ser arbitrarios, no se trata de elegir e incluir ?favoritos? mientras se excluyen a otros. Eso no quiere decir que no podamos ser precisos y crear definiciones exactas para los subgéneros, pero la definición global debe permanecer imprecisa e indefinible. En cuanto a la definición original, si se comienza en la cima se puede tener una buena vista de lo que hay abajo. Empezar desde el fondo implica mirar hacia arriba, y todo lo que se ve es una montaña. La referencia de la altura permite eliminar los escombros. La música progresiva nunca se trató de un estilo, y no tiene porqué serlo ahora. Si se tratara simplemente del "estilo" progresivo, entonces podría ser algo totalmente distinto, y se tendrían que incluir cosas como el Progressive House, Progressive Trance, Progressive Rap, etc. El Rock Progresivo es decidida y manifiestamente NO sólo un estilo ?eso es lo que lo hace tan especial como género. Si lo fuera, entonces todo sonaría como Eclection, incluyendo el Prog Moderno. -------- Más que una definición precisa, lo que se busca con el ejemplo de arriba de dos álbumes clave es una descripción precisa, con la esperanza de que pinte un mejor retrato del que se podría hacer utilizando sólo una descripción sencilla y una narración emotiva. Ser preciso en la definición ayuda a entender porqué algunas bandas son "más Prog que otras" (sin ser lo más mínimamente elitista en todo esto) ?pero los bordes siempre serán difusos, razón por la cual uno se abstiene de ser totalmente definitivo. Por naturaleza, el Prog es un género en exclusiva, o de otro modo tendríamos que tomar en cuenta a Britney Spears y a otros, sin duda, siempre y cuando nos gusten. El método principal actual es el consenso ?y esa es otra de las razones del porqué existe tanta confusión sobre el Prog. No olvidemos tampoco que de lo que se habla aquí es de música Rock y no de otras músicas como la de John Cage, por Ej. Otra forma de ver al "Rock Progresivo" es como un intento del Rock por ser música formal de su tiempo. Cuando el Rock quiere ser serio, o ser tomado en serio, cuando abandona toda ambición de ser entretenimiento inmediato, cuando se transforma en algo con lo cual sus protagonistas pueden expresar abiertamente sus ideas sociales o estéticas (sin importar cuan personales, inusuales o impopulares puedan ser), entonces se vuelve Prog. Música formal de la época, que se distingue de otros intentos no-Rock por producir música seria moderna, como el jazz, música orquestal moderna, música electrónica moderna, distintas clases de autor... Definitivamente el Prog no es pop. El Prog es arte, o intentos de ser arte. Y aunque se hace con frecuencia, no está demás ofrecer una definición estructural del Prog: Tendencia a producir largas piezas; complejidad compositiva, rítmica o instrumental; preponderancia del discurso sobre la música; pasión por los elementos teatrales, uso frecuente de instrumentos de teclado, propensión a los álbumes conceptuales, etc., etc., etc. No obstante, estos elementos estructurales aunque frecuentes no son esenciales. Uno se puede encontrar piezas Prog de menos de 5 minutos, no complicadas, con mucho canto o recitación, sobria o imparcial (más que teatral), sin predominio del teclado y sin estar incluida dentro de un formato de álbum de concepto. Así que, para concluir, digamos que, estructuralmente, "Rock Progresivo" es el intento del Rock por ser música seria de su tiempo, que se caracteriza con frecuencia por largas composiciones, complejidad estructural y elementos histriónicos. Literalmente, Rock Progresivo = Rock que progresa? "Prog" -palabra en clave, secreta, que no significa lo mismo que la palabra ?progresivo? del diccionario: creciente, gradual, paulatino, sucesivo, continuo, escalonado. Su intención, su propósito es otro, y siempre parecerá tonta a los oídos y los ojos de aquellos que vienen desde fuera del género mismo. El uso de la palabra Prog no se limita a ser sólo una abreviatura de ?progresivo?, sino a una palabra con un sentido totalmente distinto, aplicada a todo un movimiento, a toda una corriente, a todo un género de la música Rock que aún mantiene vigencia. Trad., adapt. y notas: JPL/2008 ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Carlos Plaza - Kotebel" Asunto: SENOGUL_ 2D_"Concierto_de_Evocación_Sonora" SENOGUL: "Concierto de Evocación Sonora" (2009) La primera vez que escuché el "Concierto de Evocación Sonora", quedé desconcertado y sorprendido. Eduardo me pidió que no lo escuchara en un ambiente ruidoso; que buscara el momento apropiado: un momento tranquilo, con cascos, en el que me pudiera dejar llevar por la experiencia sonora. Cuánto me alegro de haberle hecho caso: fue una experiencia irrepetible. Al principio pensé que este disco no tendría un encaje fácil entre los entusiastas del rock progresivo; pero luego pensé: "!este disco no tiene encaje en ninguna parte!" Es tan original y ecléctico, que su clasificación es muy difícil. Y llegué a la conclusión de que si algún colectivo puede apreciar esta obra es precisamente el de los entusiastas del progresivo, del "Art Music". Porque esta música, para ser apreciada como es debido, requiere, como bien se describe en el libreto, de una escucha a las vez pasiva y activa. Tienes que dejarte llevar, pero a la vez participar de la experiencia y "asignar" tus propios referentes. Esta obra plantea, en el plano sonoro, una experiencia similar a la de la pareja que juega a sorprenderse mutuamente, cerrando los ojos y poniendo en la boca del otro todo tipo de alimentos con sabores contrastantes. No sabes con qué sabor te van a sorprender, del mismo modo que no sabes qué timbre, estilo o paisaje sonoro llegará como transmutación del ambiente anterior. El toque magistral lo marca el hecho de lograr una transición coherente entre paisajes sonoros tan distintos y contrastantes. Intentar describir cómo se desarrollan una a una las piezas de este disco sería, a mi juicio, un gran error. Creo que la mejor forma de dar a entender "de qué va" este álbum, es aclarando "qué no es" y explicando sus elementos más relevantes, pero de manera global. Lo primero a destacar es que este disco es muy progresivo, pero no el progresivo "ortodoxo": no hay largos desarrollos, ni complejos arreglos basados en una base potente de bajo y batería, ni largos solos de guitarra. Quien sólo consigue placer escuchando estos elementos en la música, no va a disfrutar con este disco. Este álbum es progresivo en el sentido más auténtico de la palabra: explora nuevos caminos, invita al oyente a adentrarse en un mundo estético en el que no será fácil encontrar referentes. Es como cuando tenemos la oportunidad de degustar alimentos exóticos por primera vez. No podemos compararlos con nada que hayamos probado; cada bocado amplía nuestro perímetro gustativo. El disco posee varios elementos particularmente relevantes, que de alguna forma contribuyen a dar coherencia dentro de esta enorme diversidad. El más importante es el rol protagónico de la percusión, liderada por Pablo Canalís. La lista de instrumentos de percusión utilizados a lo largo del disco es muy extensa: desde instrumentos comunes como las congas, hasta crujidos de huesos, pasando por cadenas de acero, percusión corporal, timbres de bicicleta, caxixis, cencerros, cuencos tibetanos, juegos acuáticos y un largo etcétera. Otro elemento a destacar es el de los bellísimos paisajes sonoros dibujados por Eduardo García Salueña, con colchones de teclados cuidadosamente tejidos dentro de esta intrincada madeja de timbres. El tercer elemento relevante son las voces. A lo largo de la obra se utilizan no sólo en formato solista y en arreglos corales, sino de forma muy original como elemento percusivo o para dar color tímbrico en determinados momentos. Las guitarras, tanto acústicas como eléctricas (Israel Sánchez y Pedro A. Menchaca), la batería (Eva Díaz Toca) y el bajo eléctrico (Pablo Canalís), son utilizados con mesura e inteligencia. En ese sentido la obra es muy sinfónica; la densidad instrumental es un aspecto muy cuidado en los arreglos, al contrario de lo que suele suceder en la mayoría de grupos. En este disco no todos los instrumentistas están participando constantemente. Desde el punto de vista estructural, llama la atención el equilibrio entre espontaneidad y rigor compositivo. Hay pasajes en los que se nota el elemento de improvisación, pero siempre dentro de un diseño meticulosamente articulado. Pasajes aparentemente improvisados, cobran de repente una coherencia en la que todos los elementos confluyen en un "tutti", o un corte repentino. No queda espacio para el azar. Finalmente, otro aspecto general a destacar, también descrito en el libreto, es el carácter "mundano" de la obra. Los instrumentos utilizados, estilos de canto, armonías, etc., nos remiten constantemente a diversas geografías. Pero !Cuidado!: estos guiños geográficos no ayudarán al oyente a encontrar un referente musical concreto porque se muestran fuera de su contexto natural. A pesar de que tal o cual pasaje pueda sonar indio o africano, Senogul logra mantenernos constantemente "en tierra de nadie"=85. No quiero terminar la crítica sin hacer una mención especial a las dos versiones de Itamaracá que, a manera de prólogo y epílogo, abrazan al resto de la obra. La versión del prólogo presenta una melodía con enorme personalidad que inmediatamente queda enganchada en nuestra mente. Quien conoce el trabajo anterior de Senogul, se da cuenta al finalizar este prólogo que el Concierto de Evocación Sonora tiene poco que ver con lo hecho anteriormente por ellos. Para no dejar la menor duda al carácter preponderante de la percusión y los arreglos vocales, es precisamente así como comienza el disco y se presenta la melodía. Al fondo, un discreto acordeón sirve de soporte a las voces y percusión, cobra protagonismo por un momento, para luego volver a un discreto segundo plano. Y uno piensa: "qué original un acordeón aquí, me supo a poco". No sé si Senogul pensó lo mismo; el caso es que el epílogo no es otra cosa que una versión instrumental de Itamaracá, para acordeón solo, magistralmente interpretada por Alejandro Martinez. La versión instrumental de Itamaracá es un broche de oro a un disco que reboza originalidad y vigor, incluso en sus momentos más calmados (que hay muchos). Esta obra tiene todos los elementos para entrar en el selecto grupo de discos a los que uno vuelve una y otra vez a lo largo de la vida porque con cada escucha se descubre algo nuevo. Ahora nos queda disfrutar del "Concierto" mientras esperamos a ver qué nos va a proponer Senogul después de dos trabajos tan contrastantes. ?Quizás una síntesis? !Yo me apunto! Carlos Plaza - Kotebel ---------------------------------------------------------------------------- Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola Asunto: Los 60 años de Rick Wakeman - en la prensa peruana HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. Aquí transcribo un reportaje publicado el domingo 17 de mayo en la prensa peruana por motivo del inminente 60mo. cumpleaños de Rick Wakeman, el mago progresivo de los teclados. El diario en cuestión es “El Comercio”.- “ CUMPLEAÑOS DEL MAGO Por: Rafael Valdizán Valga el nombre de uno de los discos definitivos de Uriah Heep para titular esta nota dedicada a uno de los músicos británicos más destacados entre las huestes del rock progresivo: Rick Wakeman, virtuoso hombre de teclados que tiene en su haber un enorme catálogo de álbumes, entre trabajos como solista, como integrante de Yes, también de Strawbs o a dúo con su hijo Adam. Dueño de una carrera que ha conocido momentos de gloria y de ocaso. Puntal del art rock y de la grandilocuencia como mecanismo de creación artística: artífice de sonidos densos y dramáticos que formaron parte de los mejores momentos del prog rock en los primeros años 70, antes de que sus complejas edificaciones se vinieran abajo a punta de furiosos gritos de denuncia, minimales acordes de guitarra y todo el caos que supuso la aparición del punk. Pese a ello, el aporte de Wakeman no debe ser desdeñado, aun hoy, a 24 horas de llegar a los 60 años de vida (nació el 18 de mayo de 1949 en Perivale, Londres). El cielo era el límite para músicos como Wakeman (de otro modo, no podríamos explicar la inacabable ambición por urdir extrañas combinaciones de rock y música sinfónica; coincidencia o no, los mejores trabajos de Yes son aquellos en los que el mago se hizo cargo de los teclados: “Fragile”, de 1971; y “Close to the Edge”, de 1972). Su puesta en escena, además, era tanto histriónica como efectista: lucía largas capas brillantes que, junto con su luenga cabellera rubia, ayudaban a construir a un personaje que parecía haber emergido de lejanos episodios mitológicos o de algún planeta desconocido. A su alrededor, sus instrumentos formaban una suerte de guarida o trinchera desde la cual el hombre hacía brotar verdadera magia. (Lo hemos visto en vivo en una de las ocasiones en que cayó por Lima, en el María Angola.) Como solista, ha hecho música fantástica en placas como “The Six Wives of Henry VIII” (1973), “Journey to the Centre of the Earth” (1974) y “The Myths and Legends of King Arthur and the Knights of the Round Table” (1975). E incluso sorprendió, mucho tiempo después, con el impecable “Return to the Centre of the Earth” (1999), la secuela del álbum de 1974. Obviamente, el maestro ha tenido períodos poco gratos, sobre todo en sus incursiones por la new age, cuando lanzó toda una fila de discos en su mayoría chatos, predecibles e invitantes a los brazos de Morfeo. Otros momentos célebres de su carrera fueron su participación en el proyecto Anderson Bruford Wakeman Howe (con tres de sus por entonces, 1989, ex compañeros de Yes) y en la reunión de Yes en 1991, la cual originó al disco “Union”. Como músico de sesión, Wakeman ha colaborado con gente como David Bowie, Al Stewart, Cat Stevens, Black Sabbath, Alice Cooper, Lou Reed, Elton John, T. Rex, John Williams, entre muchos otros. ” La versión PDF de esta nota aparece en el enlace http://e.elcomercio.pe/101/impresa/pdf/2009/05/17/ECMU170509c14.pdf Aquí me despido hasta una nueva ocasión. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Portal Esquizofrenia Asunto: Otorgan el 'premio Nobel' de la música a Peter Gabriel Se llama premio 'Polar' y está considerado oficiosamente como el Nobel:de la música. El año pasado se lo llevó Pink Floyd. Esto lleva a una:clara conclusión: y es que los artistas y grupos de rock progresivo:tienen una calidad superior y el reconocimiento no deja de llegar,:aunque sea con galardones como éste. Leer más::http://www.portalesquizofrenia.com/::: ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Portal Esquizofrenia Asunto: Ya se puede ver el nuevo vídeo de Dream Theater Después de que la semana pasada el grupo ofreciera durante unas horas la descarga gratuita de este tema como adelanto del disco 'Black Clouds & Silver Linings', ahora presenta en la web de su discográfica, Roadrunner Recods, el videoclip de esa misma canción, 'A Rite of Passage'. !A disfrutarlo! :: Ver vídeo::http://www.portalesquizofrenia.com ---------------------------------------------------------------------------- Autor: elhombrerockola@yahoo.com Asunto: Mario Benedetti, In Memoriam Hola a todos. Son las siete de la noche del 17 de Mayo de 2009, hora de Mexico. Tras leer el numero 875 de LCDM. salgo de mi buzon en Yahoo y en el portal de noticias leo una nota que me hiela la sangre: hace apenas unas horas ha fallecido uno de los mas grandes hombres de nuestro tiempo, el extraordinario escritor —poeta, novelista, cuentista, analista politico— Mario Benedetti, quien prefirio la justicia social antes que la fama y el exito que alcanzan aquellos que se someten al poder. Hasta ayer, solo habia llorado —literalmente, sin metaforas— la muerte de dos hombres: John Lennon y Antonio Carlos Jobim. Benedetti es el tercero. Benedetti nunca cedio en su ideales revolucionarios y, como tal, sufrio las consecuencias: exilio, persecusion, difusion precaria. Aun asi, su altisima calidad literaria y su compromiso social lograron que el mundo lo conociera ampliamente, pues el sistema no pudo ignorarlo. Muchos musicos hemos basado buena parte de nuestro trabajo en la obra de Benedtti, ya sea musicando sus poemas o simplemente asimilando su estilo sencillo y profundo. Benedetti nunca se refugio en la palabra como hacen los poetas del sistema para disimular su superficialidad; por lo contrario, siempre utilizo un vocabulario llano y sin complicaciones innecesarias —imagenes bellas con lenguaje directo—, lo cual es mucho mas dificil que llenar el papel con palabras artificiosas y rimbombantes. Incluso las situaciones de sus relatos y las personalidades de sus personajes eran poeticos, aun cuando hubiesen sido escritos en prosa. Mucho hay que aprender de Benedetti, no solo literariamente, sino existencialmente. Por ejemplo, escogio la militancia por encima del arte puro, acaso porque apostaba a algun dia poder sentarse a escribir la novela de su vida sin ningun remordimiento de conciencia ("El escritor latinoamericano y la revolucion posible", la cita no es textual). Y por eso no dudo en escribir textos que algunos (adivinen quienes) tacharon de panfletarios, como si el panfleto revolucionario no fuese un arte en si mismo. Su paso por este mundo tan injusto no fue en vano. El mismo decia que "la revolucion no se hace con un paro, ni con un disparo; pero todo sirve, nada se desperdicia" y su palabra, su vida, su ejemplo, son claras muestras de ello. A manera de doloroso homenaje he subido a la red "De lo prohibido" un poema de Benedetti que musique hace mas de dos decadas y que no planeaba publicar todavia. Aclaro que es una grabacion sin pulir que realice con fines de registro y archivo. Si a alguien le interesa, esta a su disposicion para audicion y descarga en: http://www.4shared.com/file/106028461/396ec52a/De_lo_prohibido.html Descanse en paz, Mario Benedetti. Jorge Alvelais ----------------------------------------------------------------------------