LA CAJA DE MUSICA LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO ============================================================================ LCDM: #856 diciembre 2008 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM ---------------------------------------------------------------------------- * MODRY_EFEKT_1975 * Los mejores de 2008 * LCDM: Kant Freud Kafka * CONCIERTO HAROLD AND THE BARRELS MADRID Y MAS * FROMUZ "Overlook" * Mejores 2008 * JOHN LORD AND LONDON SYMPHONY ORCHESTRA- " GEMINI SUITE"- * HELDON "Interface" * Rick Wakeman, 1 y 2 de mayo de 2009 * mejores discos 2008 * Ovary Lodge * Lars Hollmer, descansa en paz * Mist,_de_Grobschnitt_ 2D_anuncio_tardío * A WORD IN YOUR EYES" * TERRIBLE * Pocket Orchestra * LCDM #854 ---------------------------------------------------------------------------- Autor: C 9A9sar_Inca_Mendoza_Loyola Asunto: MODRY_EFEKT_1975 MODRà EFEKT: "Modrý Efekt & Radim Hladik" (1975) Temas 1. Boty (9:57) 2. ÄŒajovna (4:01) 3. SklÃ!danka (5:49) 4. ZtrÃ!ty a NÃ!lezy (5:12) 5. Hypertenze (12:30) 6. Armageddon (6:22) [bonus track] 7. Clara (4:13) [bonus track] Integrantes - Radim Hladík: guitarras - Vlado ÄŒech: batería - Josef Kůstka: bajo, canto - LeÅ!ek Semelka: teclados, canto Colaboradores – Martin Kratochvil (piano), Jiří Stivín (flauta, saxo) Modrý Efekt es una de las bandas provenientes de la antigua Checoslovaquia que mÃ!s sulene destacarse en los manuales de historia del rock progresivo y el art-rock. Por lo que sabemos, la línea del jazz-rock ha sido la mÃ!s recurrente dentro de la modesta pero altamente creativa escena progresiva del antiguo país. Si Fermata es la mÃ!xima expresión de la zona que ahora estÃ! autodeterminada como Eslovaquia, Modrý Efekt resulta uno de los exponentes mÃ!s notables y potentes de la zona correspondiente a la República Checa. “Modrý Efekt & Radim Hladik†es el nombre del quinto trabajo de estudio de la banda, y ealmente su título es muy inverosímil: da a entender que un tal Radim Hladik aparece como invitado especial, cuando en realidad se trata del fundador, guitarrista y principal compositor de la banda. Cosas raras de la vida... en fin... Durando casi 10 minutos, ‘Boty’ abre el disco con un breve torbellino sintetizado cósmico que muy pronto abre camino para el motivo central, potente y filudo, sin dejar de ser claramente definido en su vibración melódica. Esta exhibición de jazz-rock con un fuerte peso progresivo vehiculiza a la perfección el deseo del ensamble por crear y manejar cambios ambiente y ritmo con total soltura. Las partes mÃ!s frenéticas se focalizan abiertamente hacia un predominio de la guitarra, mientras que el interludio mÃ!s lento se abre a un viaje psicodélico bastante medido, el mismo que incluye un bonito solo de flauta a cargo de un invitado. La sección rockera que comienza poco antes de llegar al sexto minuto tiene una potencia electrizante que nada tiene que envidiar a Led Zeppelin o a Deep Purple en sus momentos mÃ!s pletóricos. El omnipresente Hladik sabe reciclar muy bien las influencias de Hendrix, Akkerman y Page dentro de su propia personalidad; también hay un lisérgico solo de órgano que se explaya fogosamente en las notas agudas con efecto distorsionado. Tras este frenesí de hierro y fuego sigue el melancólico ‘Čajovna’, una pieza con polenta bien definida a contrapelo con el preciso esquema melódico y su compÃ!s lento – algo muy a lo Finch y/o Focus resuena como referencia para describir el esquema sonoro aquí expuesto. ‘SklÃ!danka’ inicia la segunda mitad del disco con un vigoroso despliegue de incandescente energía, instalando una poderosa mezcla de jazz-rock y heavy prog: como siempre, los guitarreos salen al frente para brillar a su antojo a través de los jams. Una mención especial va para el flautista invitado, quien logra cabalmente que su instrumento se destaque en medio del vendaval en los momentos donde aparece. ‘ZtrÃ!ty a NÃ!lezy’ comienza de una manera mÃ!s hipnótica, con una guitarra acústica que marca las armonías de base mientras que una secuencia de múltiples guitarras eléctricas sobregrabadas desarrolla etéreos fraseos psicodélicos. El cuerpo central se enmarca en una pauta rítmica lenta, desde la cual el grupo puede rendir debida cuenta de su sentido lírico sin renunciar a su particular potencia sonora. ‘Hypertenze’ ocupa los últimos 12 ½ minutos del repertorio oficial de este disco – es un ejercicio de jazz-rock enfrascado en un sólido jam en clave alternada de rock duro y funk, muy a lo Mahavishnu. Elementos tales como los complejos serpenteos de bajo y el empleo ocasional de efectos cósmicos al sintetizador añaden matices de gran calibre a la excursión que Hladik dirige con suma prestancia. La sección final es una letanía cautivante adornada con vuelos de saxo altamente neuróticos. La edición digital de este disco contiene dos bonus tracks: ‘Armageddon’, que es un tema cantado claramente orientado hacia la psicodelia hard, portando un cierto parentesco con Trettioariga Kriget; ‘Clara’, grabado en vivo, el cual exhibe una peculiar mezcla de rock duro y beat que funciona realmente bien a la hora de establecer un gancho llamativo. De este modo concluye este CD que recomiendo enormemente a los genuinos coleccionistas progresivos siempre abiertos a las amplias posibilidades de hallar tesoros musicales de gran factura desde países poco comunes en el estÃ!ndar progresivo. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: www-data Asunto: Los mejores de 2008 * Dirección de correo: serranolopez@ono.com * Votacion de los mejores de 2008: Queridos cajeros, No entiendo porque el mejor disco de 2008, "Insurgentes" se ha de considerar de 2009 si en noviembre de 2008 ya había sido publicada y agotada su primera edicion y los que hemos reservado la segunda ya podemos descargarnos y escuchar el disco aún estando en 2008. Pero en fin, las normas son las normas y mi lista queda de la siguiente manera: 1º- Marillion: "Happiness is the road" (lo mejor que han hecho con Hogarth desde "Brave", a la altura del maravilloso "Marbles"). 2º- Pendragon: "Pure" (parece que sera su ultimo disco, y de lo mejorcito de su carrera). 3º- No-Man: "Schoolyard ghosts" (Steven Wilson es un genio). 4º- Hannah: "A life in rock minor" (un poco de progresivo español de calidad). 5º- Beardfish: "Sleeping in traffic (part 2)" (continuacion de su excelente disco de 2007) 6º- The Tangent: "Not as good as the book" (hay vida despues de Roine Stolt) 7º- Opeth: "Watershed" (nueva descarga de metal progresivo de altisima calidad, una pena las voces guturales que no me acaban de gustar). 8º- Portishead: "Three" (sin ser lo mejor que han hecho, pop elegante y progresivo a partes iguales). 9º- Neal Morse: "Lifeline" (Neal nunca defrauda, un valor seguro). 10º- Ayreon: "01011001" (un poco mas de lo mismo, tan bien hecho como siempre). Un saludo y Feliz Año a tod@s, JOSE ANTONIO SERRANO LOPEZ ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Javi Herrera" Asunto: LCDM: Kant Freud Kafka Hola a todos y todas (si es que hay alguna "toda", que francamente, no lo parece). Es para mi un placer invitaros a visitar el myspace recién inaugurado de mi proyecto musical progresivo, al que he llamado "Kant Freud Kafka" (algún seguidor de F. Ibáñez en la sala?) y bajo el cual espero completar en 2009 la grabación de mi primer disco, un material que llevo años "cocinando" a fueo lento (muy lento) y que espero que sea de vuestro agrado. El tema que podréis escuchar es un avance aún con hechuras de maqueta al carecer de producción y estar grabado con instrumentos 100% virtuales, pero en él las ideas musicales se pueden ya apreciar con claridad, aunque éste es el tema más clásico del futuro disco y es representativo sólo en parte de lo que éste contendrá. Para la grabación en estudio, que iniciaré en breve, contaré con músicos clásicos al oboe, la flauta, el clarinete y (espero) las cuerdas, además naturalmente de guitarras, bajos y parte de los teclados (la otra parte se quedarán virtuales), más la batería, de la cual me encargaré yo mismo. La dirección del msyapce es http:///www.myspace.com/kantfreudkafka Saludos, Javi ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Elias Parga" Asunto: CONCIERTO HAROLD AND THE BARRELS MADRID Y MAS Harold and the en Madrid, diciembre 2008 Hola Como tengo por costumbre, tras haber visto y oído a The Musical Box y G2, unicas bandas tributo de Genesis que han pasado por España, el pasado 12 de diciembre acudi a la Sala Tarambana para escuchar a la banda tributo española Harold and the Barrels. Ya que nadie comenta el concierto, lo hare yo. Tocaron las siguientes canciones Watcher of the Skies The Knife The Return Of The Giant Hogweed The Battle of Epping Forest Lilywhite Lilith I Know What I Like (In Your Wardrobe) Firth of Fifth Supper's Ready Afterglow Fading Lights Turn It On Again Harold The Barrel Mencionar expresamente a "The Return", unica canción (junto con Harold the Barrel) que no habia escuchado hasta ahora en vivo (ya sea por los originales o por sus tributos), y que me hizo disfrutar especialmente. Dado que una imagen vale mas que mil palabras y que ir al concierto vale mas que un millon de cronicas, solo puedo decir que una vez mas, me gusto mas este concierto, que el de los originales que estuve viendo en Berlin en 2007. Es mas, casi este concierto ha sido mi preferido de los 3 que he ido de Musical Box, el de G2 y el de Genesis en Berlin en los ultimos 3 años. Los motivos pueden ser varios: porque es el mas reciente, porque ha sido el mas fresco, porque puedo escucharlo a 30 centimetros de los musicos, porque son españoles y vuelven a tocar en una semanas=85 La ejecución de los temas fue muy buena, quiza en algun pasaje se les notaba un poco nerviosos, y a mi me dio la impresion de que en algun momento el guitarra se quedo sin volumen. Pero da igual. Fue brillante y no hay mas que agradecimientos para unos musicos que nos permiten disfrutar en directo de esta gran musica. En unas semanas vuelven a tocar en Madrid. Por otro lado queria agradecer el reciente comentario al disco de Talk Talk "The colour of spring" en la Caja, pues supone incluir reseñas de grupos que no siendo de progresivo o sus mil derivaciones (que si metal progr, que si neo progr, que si tecno prog.. que ganas de poner etiquetas cuando lo importante de una musica no es su etiqueta sino su calidad, y si no que se lo pregunten a Salieri) hacen musica de calidad (caso de Toto o Tears for Fears por ejemplo) Aprovecho por ultimo para mencionar aquí los nunca mencionados ni bien reconocidos arreglos de metal de "Florida Room" del disco Kamakiriad de Donald Fagen, que me estan haciendo disfrutar últimamente. Saludos ---------------------------------------------------------------------------- Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola Asunto: FROMUZ "Overlook" FROMUZ: “Overlook” (2008) Temas 1. Stone Salad (15:17) 2. Other Side of the Water (14:09) 3. Crashmind (10:51) 4. 13th August (11:53) 5. Return to W.I.T. (17:00) Integrantes - Andrew Mara-Novik: bajo - Vitaly Popeloff: guitarras - Albert Khalmurzayev: teclados - Vladimir Badirov: batería, percusión Fromuz es un cuarteto uzbeco que ha venido llamando bastante la atención en los últimos años entre los comentaristas y aficionados al rock progresivo y afines. El sonido de esta banda está enmarcado en la faceta del progresivo enlazada con el jazz-rock moderno de tintes pesados. Después de un excelente disco debut que fue impresionantemente registrado en directo, ahora llega su segundo lanzamiento fonográfico con un debido trabajo de estudio – “Overlook”. Este disco supone uno de los más explícitamente explosivos del año 2008 en cuanto al despliegue de solvencia técnica y la exhibición de polenta sonora, muy a tono con lo que hacen bandas como Karcius, Planet X y LTE. Para quienes gustan de CDs explotados en su formato, pues Fromuz les da en la yema del gusto con este repertorio que consta de cinco piezas que duran entre 11 y 17 minutos – teniendo en cuenta lo que suena, se trata de una verdadera demostración de pretensiones compositivas y performativas. ‘Stone Salad’ comienza con acordes solitarios de piano antes de enfilarse hacia un motivo encuadrado dentro de una mezcla de psicodelia crimsoniana y jazz-prog metal a lo LTE. Cuando las cosas pasan a tomar un cariz fusionesco, el viaje musical se hace más intenso tanto en potencia como en colorido; esto se cumple también para los pasajes en los que el compás se hace más lento, siendo así que el grupo emplea su fuerza para crear algo ceremonioso (en los momentos aguerridos) o misterioso (en los momentos marcados por el free jazz). Este ingenioso despliegue de eclecticismo anuncia cosas interesantes para lo mucho que queda de escucha, y ciertamente no hay nada de engañoso en tal anuncio. ‘Other Side of the Water’ comienza dentro de un esquema espacial bastante estilizado (casi emulando los momentos cósmicos de Ayreon), hasta que surge un crescendo roquero que muy bien puede ser sospechoso de recibir inspiración del Porcupine Tree actual. De pronto emerge un dinámico pasaje jazz-rock que, a pesar de su contagioso gancho, dura poco pues sirve como puente para otro momento tipo PT, rock moderadamente complejo con pronunciada tendencia psicodélica y convincentes arreglos pesados. Al llegar al minuto 9, la pieza vira hacia una sección de base acústica que prolonga la psicodelia espacial desde otro enfoque. Aquí hay un excelente solo de sintetizador muy retro, a lo Tomas Bodin. La sección final pasa a un motivo prog metal arquitectónicamente armado que finalmente aterriza en un motivo de piano. ‘Crashmind’ comienza con un fulgurante despliegue de síncopas metalero-crimsonianas (?talvez un guiño al math-rock?). El hecho de que esta estrategia se alterne con otra de tipo jazz-rock con matices funk permite que el despliegue roquero adquiera una fluidez robusta y bien amalgamada. Hay ciertos solos de guitarra en los que Popeloff parece homenajear a Vai. El extraño final de un piano solo interrumpido por interferencias robóticas da pie al siguiente tema, titulado ‘13th August’. Esta pieza puede muy bien describirse como un retorno al estándar ecléctico del primer tema. Hay un pasaje “spacey” donde destaca un solo de teclado donde se samplea un tarareo humano – el resultado es muy eficaz en su inesperada sonoridad. También hallamos pasajes épicos donde la guitarra se explaya en pirotecnias casi sobrehumanas, así como un breve pasaje de corte thrash metal. La sección culminante desarrolla un aire solemne y majestuoso que inunda todo el aire, antes de pasar a una juguetona coda pirotécnica a lo LTE. El último tema, ‘Return to W.I.T.’, comienza con un barroquismo que no tarda en derivar en un ejercicio de rock sinfónico sombrío, casi a la escandinava. Como siempre, podemos esperar virajes de motivo, ambiente y ritmo: este tema incluye un interludio cósmico muy a lo ambient, así como un pasaje lento lleno de sentido melódico expresado sin aspavientos; también hay momentos muy tirados al rock metálico en clave de prog-metal (cómo no). Los pasajes que reinciden ceremoniosamente en un motivo sencillo se les dan muy bien a Fromuz, y aquí tenemos nuevamente algo de ese estilo. La pieza concluye con una tenue atmósfera cinematográfica que brinda uno de los pocos momentos de relajación del disco, bajo ruidos de lluvia. En medio del vendaval de majestuosidad sónica progresiva, Fromuz se vale de su firmeza y talento para coquetear con el peligro entre la Escila de la saturación y la Caribdis de la trivialidad pomposa: según lo escuchado en este estupendo disco que es “Overlook”, Fromuz no solo campea el temporal con plena solvencia sino que logra gestar una de las obras más intensas dentro de la escena progresiva para el año 2008. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Marcelo V Asunto: Mejores 2008 1. Murple: Quadri di un'esposizione 2. Hostsonaten: Winterthrough 3. Moon Safari: Blomljud 4. Abel Ganz: Shooting Albatross 5. Tempus Fugit: Chessboard 6. Versus X: Primordial Ocean marceplus@hotmail.com ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Rafael Augusto Lara Palmeros Asunto: JOHN LORD AND LONDON SYMPHONY ORCHESTRA- " GEMINI SUITE"- John Lord and London Symphony Orchestra : "Gemini Suite" (1971, remast. 2008) Discográfica: Purple Records. Temas: 1. I Movimiento 2. II Movimiento 3. III Movimiento 4. IV Movimiento 5. V Movimiento 6. VI Movimiento Músicos: - John Lord. Piano y órgano Hammond - Ian Paice. Batería y percusiones - Roger Glover. Bajo - Albert Lee. Guitarra. - Ivonne Elliman y Tony Ashton. Voces - Orquesta Sinfónica de Londres bajo la conducción de Sir Malcom Arnold Tiempo Total: 47:28 Sí en su momento, las pretensiones rockero-sinfónicas de John Lord se vieron regularmente plasmadas en el " Concerto for Group and Orchestra " de Deep Purple, "Gemini Suite" es, en cambio, una pieza fundamental, seminal, del desarrollo del Progresivo Sinfónico de los incipientes 70's. Originalmente concebida e interpretada por el grupo y una discreta orquesta llamada The Orchestra of The Ligth Music, la obra no tuvo el impacto que el tecladista hubiese deseado, por ésta razón tuvo que recurrir a su viejo amigo Malcom Arnold para el desarrollo de un nuevo proyecto que pudiese ser más ambicioso, sin embargo, las diferencias ya notorias entre Gillan y Blackmore, hicieron que se recurriese a 2 vocalistas y un guitarrista, los 2 primeros, representados por Ivonne Elliman ( alguien la recuerda? ) y el extraordinario cantante, arreglista, compositor, tecladista de Family e íntimo amígo de Lord, Tony Ashton, voces que sustituyeron con creces al cantante purpleano; y por otra parte, Albert Lee, uno de los últimos y verdaderos " héroes" de la guitarra británica, también arreglista, compositor y líder de una extraordinaria banda de Blues-Rock inglesa " Heads, Hands, and Feet " que con su extraordinaria técnica y creatividad realizó un excelso trabajo en el I Movimiento.Por otra parte, el trabajo orquestal fue magnífico existiendo una integración completa al concepto musical de la obra el cual gira en torno a la personalidad tanto de los solistas como de los músicos orquestales en relación a su signo zodiacal. El tiempo pasa, los hombres mueren pero las obras perduran a través de los años Fue el 11 de abril del 2008 cuando Lord anunciaba en su Web- site a todo bombo y platillos la remasterización y edición a todo lujo de este soberbio trabajo, espléndido de principio a fin. `I Movimiento'( guitarra).Inicia con una vigorosa interpretación orquestal en la que Lee nos regala su extraordinaria ejecución, conjuntandose con los instrumentos de viento y cuerdas. Sobresalen esos acordes sostenidos, pulcros,sin distorsión que en su momento se acompañan del binomio bajo-batería, dando pauta a unos arpegios llenos de la esencia más purista Blues-Rock. A los 4:41, la guitarra se desplaza hacia una fluida y pristina secuencia de arpegios sostenidos por una evidente improvisación con todo el sentimiento Jazz-Rock del músico. El fondo orquestal durante el Movimiento es impecable. 'II Movimiento' ( piano ).Conlleva una elocuente ejecución jazzística entre la sección rítmica purpleana, el teclado se incorpora bellamente y la orquesta juega un papel muy importante en el desarrollo del trabajo del solista ya que otorga una atmósfera de solemnidad que por momentos se vuelven íntima mientras el pianista se desenvuelve espléndidamente otorgandonos un extraordinario solo a los 4:23, lleno de magníficos arpegios.Este Movimiento, en mi personal apreciación, es el mejor logrado de la Obra. 'III Movimiento'( batería). Magnífica integración de Paice al trabajo orquestal, ejecución por nota,sin embargo, en el plano de su actividad solista, el baterista adolece de un defecto que se manifestaría en trabajos posteriores en los grupos que militó: su limitación creativa. Su trabajo se centra en redobles sostenidos en tarola, tom de aire y esporádicamente en el tom de piso, a pesar de ésto cuenta con buena lectura, oído y energía. 'IV Movimiento' ( vocales ). Sin lugar a dudas, la parte más emotiva de la suite, como en el II Movimiento, la atmósfera sinfónica es de absoluta solemnidad, haciendose partícipes los vientos y las cuerdas que dan paso al tiempo de 2:00 a la bellísima voz de Ivonne Elliman, posteriormente esa atmòsfera se transforma en una conjunción de plano orquestal y Rock que nos lleva a un momento por demás emotivo: la interpretación del fallecido Tony Ashton, esa voz extraordinaria, rasposa, negroide, llena de sentimiento y vitalidad que con las precisas orquestaciones de vientos (! que cornos !) da pauta a un momento mágico en la musica, a los 5:13 la cantante se incorpora a dúo con Tony y culmina un momento deslumbante de la suite. Magnificencia. 'V Movimiento'( bajo ). Aquí el trabajo de Glover es excepcional, si en algún momento se dudaba de la capacidad creativa de éste músico aquí se manifiesta una gran calidad interpretativa del mismo.Su solo es orientado, como se espera, hacia la corriente Jazz- Blues. Los movimientos orquestales son discretos para permitir el lucimiento del solista. 'VI Movimiento'(órgano). Más que otro Movimiento en que se destaque la participación del músico en turno, aquí podemos escuchar a la tripleta purpleana y a la Orquesta en un plano totalmente integrado, revitalizando y, creo yo, complementandose en un todo.Es como si fuese un resúmen de la esencia de esta Obra. El inicio se presenta como un juego sinfónico entre cuerdas y vientos con esporádicas apariciones de acordes del Hammond de Lord, la asignación Jazz-Rock es manifiesta a los 2:36 con un muy buen pasaje por los 3 músicos que culmina a los 7.06 con un sobresaliente y magistral interludio Jazz-Funky-Rock en el qué la batería de Paice y el bajo de Lord son interpretados con verdadera maestría, los acordes del órgano junto con la orquestación finalizan un Movimiento y a la vez una Obra por demás extraodinaria Como hemos comentado "Gemini Suite" fue creada para los integrantes de Deep Purple y su lucimiento personal, desafortunadamente no se contó en esta Obra con 2 de ellos, sin embargo estamos ante la oportunidad de conocer una semilla importantìsima de ese frondoso árbol que constituyo' el Progresivo Sinfónico setentero. Un trabajo espléndido, extraordinario, obligatorio para el escucha de éste género musical. Curiosidades sobre este trabajo: - Cuando apareció el vinil en México en la serie " Convivencia Sagrada ", respetandose la portada original así como la funda doble con fotografías interiores y literatura (algo rarísimo en éste país para esos años ), grupos de padres de familia y algunas asociaciones católicas protestaron enérgicamente por la apariencia de los rostros de los personajes de la portada - Los Gemelos - ya que daban el aspecto de "...ser homosexuales.." (sic). - El primer violinista de la Orquesta Sinfónica de Londres llamado Timothy Good, abandono el noble quehacer musical para dedicarse, por años, a la desinformación," intoxicación" y manipulación de un fenómeno hasta hoy mal comprendido como es el fenómeno OVNI ( recuerden algunas de sus obras " Above Top Secret ", " Alien Agenda", entre otras basuras ). - Los estadounidenses llaman a este trabajo "...una rara curiosidad.." (!!!????). ( Esta insignificante reseña es realizada a la memoria del malogrado Tony Ashton, víctima del cáncer). A 25 de Diciembre del 2008 Desde Xalapa, capital del Edo. de Veracruz en México. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola Asunto: HELDON "Interface" HELDON: “Interface” (1977) Temas 1. Les Soucoupes Volantes Vertes 2. Jet Girl: in New York or Paris, Equivalent / in South Bronx 3. Le Retour des Soucoupes Volantes Vertes 4. Bal-a-fou 5. Le Fils des Soucoupes Volantes Vertes 6. Interface – Live (Part 1) 7. Interface – Live (Part 2) 8. Interface Integrantes - Richard Pinhas: sintetizadores Moog III y B, guitarra, aparatos electrónicos - François Auger: batería, percusión, sintetizador - Patrick Gauthier: sintetizadores Mini-Moog y Moog bass Colaborador – Didier Batard (bajo en 4) !Qué gozada de disco! A medida que voy dándome abasto en mis exploraciones melómanas para descubrir la obra de Heldon y de Richard Pinhas, más me convenzo de que estamos ante una propuesta musical pionera que va más allá de los meros cánones del art-rock y la electrónica, a pesar de que precisamente el esquema formal bajo el que se articula el sonido de Heldon consiste en una confluencia sólida de art-rock y electrónica. La cosa es que la profundidad conceptual es tan grande en la base de su discografía y el reciclamiento estético es tan ingenioso con cada nuevo ítem que no cabe sino aseverar que la música de Heldon apunta frontalmente hacia una expansión de sí misma a través de sonoridades que se empapan de modernismo y pugnan por librarse de parámetros aburguesados. El caso de “Interface” es especial en tanto que sucede al brillante e intenso “Un Rêve Sans Conséquence Spéciale”, y es así que “Interface” recoge algunas de sus inquietudes fusionescas y las explora con mayor fruición. Gauthier y Auger están bien afianzados en sus roles de socios creativos de Pinhas, mientras que éste se concentra en expandir el potencial de su visión musical definitiva. La edición digital de “Interface” incluye un repertorio más amplio que el del vinilo, el cual solo incluía los temas 1, 2, 4, 5 y 8 (según la numeración del CD). El primer tema dura menos de 2 ½ minutos, pero con su organización de loops sintetizados y batería de orientación jazzera nos pone de lleno en el ambiente predominante del disco. El segundo tema, ‘Jet Girl: in New York or Paris, Equivalent / in South Bronx’, ofrece una muestra de esa filuda neurosis cibernética que ya lleva años de patentada en el mundo musical de Heldon, contando ciertamente con esa vibración tan intensa que Auger ya instauró en el tema de apertura. Pinhas se siente lo suficientemente cómodo en el formato expandido de esta pieza como para enarbolar sólidas texturas en su guitarra según el estereotipo frippiano. Más adelante, ‘Bal-a-fou’ establece un mágico viaje fusionesco firmemente, apoyado por la versátil destreza rítmica de la dupla Auger–Batard y sabiamente trastocado a través de la fluida parafernalia electrónica del ensamble: en cuento a lo último, cabe destacar los hipnóticos vuelos de Gauthier en su Mini-Moog, mientras que otros sintetizadores están a cargo de completar el esquema rítmico y emular la atmósfera global de celebraciones tribales exóticas. La pieza comienza al modo de una tormenta cósmica surrealista enmarcada dentro de un clima cinematográfico, siendo así que a partir del segundo minuto y medio se arma el cuerpo central en vía hacia su ulterior solidificación. A veces pienso que Heldon se olvidó momentáneamente de ser él mismo para involucrarse en un “homenaje simultáneo” a Jan Hammer y Clearlight. Precediendo y sucediendo a ‘Bal-a-fou’ hay sendas piezas de breve duración que completan la idea de ‘Les Soucoupes Volantes Vertes’: la segunda de dichas piezas se embarca en una elaboración roquera que oportunamente nos prepara para la pieza cumbre del disco. Los temas 6 y 7 son porciones de ejecuciones en vivo del tema homónimo, ítems que dan debida cuenta de la especie de energía y robustez que cabía esperar de un evento musical realizado por Pinhas y co. En fin, la pieza homónima en su versión oficial de estudio es la que ocupa los 19 minutos finales del CD. Tenemos para empezar un largo preludio cibernético, abrumadoramente maquinista al más puro estilo futurista de la vanguardia electrónica. Poco a poco, Auger asume un protagonismo simultáneo con su polenta jazz-rockera a la batería mientras los efluvios sintetizados se explayan en una gradual complejidad. Antes de llegar al octavo minuto y medio recién surge la guitarra de Pinhas, como siempre dispuesta a soltar y entretejer texturas frippianas en una manifestación de inquietud y vibración. A medida que nos vamos acercando al final, la amalgama de sintetizadores empieza a convertirse en una bandada de socios desafiantes de la guitarra: !la herencia de “Un Rêve Sans Conséquence Spéciale” puesta a generar réditos! El broche de la pieza viene en clave de coda blues, un ejercicio de humor para culminar este delicioso y delirante frenesí cósmico. “Interface” es una obra esencial dentro de la instauración y desarrollo del aporte de Heldon a la escena vanguardista francesa de los 70s. Ya en este punto es más que obvio que Heldon ha afianzado su propia voz en un culmen de consistencia, ingenio y vigor. Este disco es un ejemplo de cómo una propuesta musical tan lúcidamente articulada en lo cerebral puede también reflejar la punzante intensidad que subyace a los tiempos (post-)modernos en que vivimos. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola Asunto: Rick Wakeman, 1 y 2 de mayo de 2009 HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. Wakeman se halla muy entusiasmado con hacer un revival de sus gloriosas obras progresivas del pasado. Cuando todavía resuenan los ecos de su fantástica actuación con orquesta en la localidad chilena de Viña del Mar a inicios de diciembre, ahora se anuncia una dupla de conciertos para el 1 y 2 de mayo de 2009 en el Hampton Court Palace's West Front, para un público de 5000 personas para cada concierto. El núcleo de cada concierto estará focalizado en la ejecución completa del disco “The Six Wives of Henry VIII”. Adicionalmente al repertorio del mencionado disco, Rick Wakeman ha compuesto tres nuevas piezas: ‘Tudor Overture’, ‘Defender of the Faith’ y ‘Tudor Rock’. Wakeman tocará con un extenso apoyo de una banda, la English Chamber Choir, una orquesta y un narrador. Las entradas están a la venta a través del enlace www.hrp.org.uk/HamptonCourtPalace/WhatsOn/RickWakemansSixWivesofHenryVIII.aspx El evento entero será una experiencia “a lo Tudor” para quienes compren entradas Platinum, las cuales permiten el acceso al mismo Hampton Court Palace a partir de las 3.30 PM y participar en algunos pequeños eventos adicionales. Cada concierto comenzará a las 7.30 PM, con el material de “The Six Wives of Henry VIII” comenzando a las 8.45 PM. Aquí me despido hasta una nueva ocasión. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Ferran Lizana i Abat" Asunto: mejores discos 2008 Es mi turno. Ahí va mi lista de mejores del año. 1. Sigur Rós - Með Suð í Eyrum Við Spilum Endalaust 2. Opeth - Watershed 3. The Mars Volta - The Bedlam in Goliath 4. Black Mountain - In the Future 5. The Pineapple Thief - Tightly Unwound 6. Ephrat - No One's Words 7. The Tangent - Not as Good as the Book 8. Beardfish - Sleeping in Traffic, part two 9. Demians - Building an Empire 10. No-Man - Schoolyard Ghosts 11. Van der Graaf Generator - Trisector 12. Dark Suns - Grave Human Genuine 13. Thrice - The Alchemy Index vols III & IV, Air & Earth 14. Planeta Imaginario - Biomasa 15. Russian Circles - Station 16. Marillion - Happiness is the Road 17. Go-Neko - Una Especie de Mutante Saludos a todos. Ferran ---------------------------------------------------------------------------- Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola Asunto: Ovary Lodge OVARY LODGE: “Ovary Lodge” (1973) Temas 1. First Born 2. Mountain Temple in Spring Part 1: Amethyst, Gold and Royal Blue (My Way of Saying Thank You) 3. Mountain Temple in Spring Part 2: A Frail White Butterfly, Beneath the Spell of Noon, Is Sleeping on the Huge Bronze Bell 4. Tropic of Capricorn 5. Come On In 6. Nursery Rhyme 7. Sylphs in Pisces Integrantes - Keith Tippett: piano, cítara - Frank Perry: batería, percusión - Roy Babbington: contrabajo Proyecto co-fundado por el inquieto baterista Frank Perry y el ultra-prolífico Keith Tippett, Ovary Lodge conforma una de las propuestas musicales más frontalmente osadas provenientes del ámbito Canterbury. Roy Babbington, colaborador habitual de Tippett (además de Sofá Machina, Nucleus, etc.) completa este combo dispuesto a explorar los confines abiertos del free jazz con una mente abierta hacia la psicodelia aleatoria y las teorías musicales modernistas que generaron un gusto por la improvisación y los modelos de musique concrete. Una de las gracias más peculiares de Ovary Lodge es que se dispone a crear vanguardia radical sin hacer uso de instrumentos eléctricos (o electronicos) ni emplear prodigiosos efectos de consola: bastan un piano, un contrabajo (casi siempre con arco), una batería, variados ítems percusivos y una cítara para crear el alucinado viaje musical que se nos avecina. El álbum comienza con ‘First Born’, todo un ejercicio de energía conducido por Tippett y su refinada manera de generar potencia a través de las teclas del piano dentro de un esquema abiertamente vanguardista. El carácter inclementemente aleatorio de esta improvisación se expande incluso en la un poco más reconocible segunda mitad, inspirada en el jazz-fusion pero aún atravesada por el deconstructivismo. Luego siguen las dos partes de ‘Mountain Temple in Spring’: ‘Amethyst, Gold and Royal Blue (My Way of Saying Thank You)’ instaura un paisaje lánguido y misterioso, donde las percusiones ambientales de Perry ocupan el protagonismo exclusivo; ‘A Frail White Butterfly, Beneath the Spell of Noon, Is Sleeping on the Huge Bronze Bell’ nos devuelve al ensamble completo, ayudando a que lo misterioso adquiera un matiz sombrío notable y cautivador. Este clímax de abstracción y atrevimiento estético alxcanza un cariz más surerealista en ‘Tropic of Capricorn’, tema que encarna la cumbre de elaboraciones experimentales sobre las cuales se edicia el disco. Tippett cambia su piano por la cítara, dejando que las espartanas cuerdas tensadas a su elección generen una densidad que surge envuelta en un distante exotismo, mientras que las percusiones y el contrabajo crean texturas nebulosas en el ambiente integral. ‘Come On In’ es un hermoso solo de piano donde Tippett explora terrenos más académicos, abordando un enfoque estilizado de las texturas etéreas que han sido predominantes en todo el disco; ‘Nursery Rhyme’, otro solo de piano, es una pieza decantada por la herencia de Dave Brubeck (influyente también en las facetas jazzeras de grandes del teclado como Keith Emerson y Patrick Moraz). ‘Sylphs in Pisces’ redondea el osado concepto del disco creando las más entusiastas ambientaciones que hallamos en él: las improvisaciones portan una culminación de intensidad vital que permiten introducir aires optimistas al asunto. El piano de Tippett persiste en transmitir la influencia de Brubeck. “Ovary Lodge” es a la vez un disco hijo de su época y un ítem fonográfico transgresor de cualesquiera formas estandarizadas en la escena musical. Ovary Lodge es el ítem idóneo para los más atrevidos coleccionistas de vanguardia jazzera y rarezas setenteras al estilo “free form”. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola Asunto: Lars Hollmer, descansa en paz HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. Lars Gustav Gabriel Hollmer, o Lars Hollmer a secas, ha fallecido el día 27 de diciembre último a los 60 años de edad. Hollmer aportó muchas importantes contribuciones al género progresivo como teclista-acordeonista de Samla Mammas Manna (grupo renacido en los 90s) y su derivado Zamla Mammaz Manna, así como en Von Zamla, y también en discos solistas y varios proyectos laterales con otros colaboradores. Él fue pieza fundamental en el progresivo experimental tipo Samla, basado en una bizarra y alegre, y por qué no, muchas veces densa mezcla de jazz, folk, fusión, psicodelia, cabaret-burlesque, humor zappiano y sátira dadaísta. Su labor precisa al piano y su colorido al acordeón no tenían paragón, así como su poco empacho en elaborar falsetes en clave de burla y autoparodia. Parece que hasta el último día, el año 2008 no va a dejar de privarnos de algunos de los mayores genios progresivos. Gracias por la música, Maestro Lars. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola Asunto: Mist,_de_Grobschnitt_ 2D_anuncio_tardío HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. Volker Kahrs (el teclista de Grobschnitt apodado Mist) partió de este mundo hace ya un tiempo, en julio de este año 2008, a la edad de 57 años. Él fue uno de los miembros fundadores de este grupo alemán, crucial para la consolidación de un estilo progresivo espacial-sinfónico de raigambre germánica: Mist era uno de los músicos más refinados de este combo, capaz de elaborar texturas y orquestaciones oportunas y efectivas, y de vez en cuando, elaborar solos elegantes donde su sentido discreto ayudaba a cimentar la ocasional faceta lírica del grupo. En mi oponión, es en la suite "Solar Music" y en el disco "Rockpommel's Land" donde encontramos sus mejores intervenciones como músico y compositor. Descanse en paz y gracias por la música que nos ha dado. El año 2009 y los próximos no se avecinan como diferentes: ya el cerco de la vida y la muerte se está cerrando gradualmente como, desgraciadamente, es lo más natural. Más y más héroes de los grupos que amamos se nos irán yendo. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Rafael Augusto Lara Palmeros Asunto: A WORD IN YOUR EYES" THE LENS : "A WORD IN YOUR EYES" (2001) Discográfica: Giant Electric Pea (UK) Temas: 1. Sleep until you wake (7:10) 2. Choosing a farmer (part I) (8:09) 3. On stephen's castle down (2:26) 4. Shafts of light (2:51) 5. Childhood's end (5:51) 6. Frost and fire (6:26 7. Of tide and change (8:55) 8. From the sublime (6:38) 9. Choosing a farmer (part 3) (5:31) Músicos: - Martin Orford: piano, sintetizadores, órgano, flauta y vocales - Michael Holmes: guitarra eléctrica, acústica, teclados y bajo - Tony Wrigth: saxofones - Paul Cook: batería y percusiones Hampshire,1976. Un dúo de entusiastas jóvenes músicos deciden formar un grupo de tendencia progresiva, a pesar de la proliferación del New Wave y del Punk. Su propuesta está enfocada a un rock melódico, instrumental y con fuerte tendencia space, esto atrajo a seguidores, interesado en otros derroteros musicales los cuales se concentraron en el área correspondiente a Hampshire, Southampton y Bournemouth. El grupo se constituía por Peter Nicholls ( estudiante de Arte y además actor ),Niall Hayden ( baterista ) y Mike Holmes en la guitarras, la banda se llamaba The Giln, este incipiente proyecto cambiaría su nombre a The Lens, incorporando al bajista Rob Thompson y al tecladista Pete Blackler, tocando en algunos sitios en 1977, curiosamente, la batería era alternada tanto por Niall y un nuevo integrante: Brian Marshall, en algunos momentos, se interpretaban melodías con los 2 bateristas al mismo tiempo emulando lo hecho por Grateful Dead y, posteriormente por King Crimson. En ese mismo año, la partida de Blackler deja la puerta abierta a la incorporación de Martin Orford, cuya primera apariciòn se da en el Princess College Fareham con una alineación dada por guitarra, tecladista, 2 baterias y !ningun bajista!, para ese entonces las influencias más marcada del grupo se dan en Brian Eno, Gentle Giant, Pink Floyd, Camel y Hawkwind; sin embargo, las cosas no se dan como se quiere y Mike y Martin abandonan el grupo a principios de 1981 y forman una nueva banda que junto con Marillion y Pendragón darían paso a un nuevo estilo y a una nueva agrupacion : IQ. Después de 20 años, Orford y Holmes se dan a la tarea de recopilar aquél material de The Lens, retocandolo y presentandolo con algunas variantes, dando pauta a un extraordinario acervo hasta ese entonces inédito. 'Sleep until you wake', es una hermosa alfombra aterciopelada que nos transporta suavemente por las ensoñaciones previas a nuestro despertar, el melotrón nos transporta, con ese sonido space, hacia acordes de guitarra y un fondo muy melódico por parte de los teclados de Orford, etéreo, de fuerte influencia Génesis-Floyd. A los 2.24 magníficos arpegios de Holmes y voces apenas audibles en lo infinito del espacio. 'Choosing the farmer (part 1), da inicio con una guitarra acústica serena, discreta, pastoral acompañada de percusiones que le da un discreto aire celta, alos 1:25 paso a un sencillo rock melódico, destacandose la guitarra y el juego de contratiempos de la sección rítmica de Cook y Wright, también se escucha un teclado muy bien interpretado y si ponemos atención al fondo se escuchan los acordes de 'In the Court of the Crimson King', la melodía a esta altura es envolvente destacandose los arpegios lejanos de Holmes, a los 5:33 un inicio sinfónico,retomando los acordes de ese rock melódico que habíamos escuchado previamente. 'On stephen's castle down',a pesar de su corta duración es una belleza de track, una exquisita pieza de corte pastoral, bucólica, intimista que nos induce a la introspección. La guitarra acústica acompañada de la flauta dulce de Orford son sublimes, como al final de la pieza anterior, ésta se hace acompañar del trinar de las aves en un bosque, seguramente, lleno de frondosos pinos y vegetación, por momentos nos recuerda a Gentle Giant, sin embargo, éste es un corte de sublime belleza. 'Shafts of ligth',es un hermoso lamento de la guitarra acompañado del sinfonismo del grupo y el excelente contrapunteo de Holmes en el bajo. 'Childhood's end', muestra la evidente influencia jazzística de Orford y Holmes, recordando por momentos a Richard Calandra y su grupo Spyro Gyra, se destaca mucho el piano de Orford y el sax de Tony Wright. A los 3:19 podemos escucha por primera vez la voz de Martin. 'Frost and fire', da paso a un space rock con teclados así como sonidos de truenos y viento, a los 2:38 marca la melodía un rock suave. sin muchas exigencias, sobresaliendo más que nada el trabajo de Holmes en la guitarra, un juego de sintetizadores a los 4:18. 'On tide and change', destaca el virtuosismo en el quehacer pianístico de Orford, la batería con una perfecta técnica por parte de Cook, dan paso a un interludio influencia Génesis-Camel, destacada interpretación de la guitarra acústica y de la flauta, dando un especie de reprise del track 3 con posterior incorporación de sintetizadores, casi para finalizar la melodía, reprise del inicio y arpegios de guitarra. 'From the sublime', también una ambientación space rock en el que se conjuntan el sonido del sintetizador, batería y guitarra. Prevalece el sonido electrónico. 'Choosing a farmer'(part 3), se presenta una excelente introduccion de los sintetizadores tipo Camel, cuya transformaqción se presenta a los 1:54 con rock melódico, arpegios de guitarra que se constituyen al final en un todo, dando término a esta sobresaliente obra neo-progresiva. El rescate de cualquier forma de Arte es una de las acciones más sublimes del ser humano, en éste caso la fortuna nos llegó con ésta excelente recopilación de un material hasta ese momento inédito. Sin entrar en polémicas, este disco constituye un eslabón perdido entre la vieja y la nueva escuela del Progresivo, el tan vituperado, denigrado e incomprendido Movimiento Neo- Progresivo. Creo que sería por demás sano abrir nuestra mente y poner muy atento el sentido del oído y darnos oportunidad de escuchar este trascendental trabajo. A 29 de Diciembre del 2008 Desde Xalapa, capital del Edo.de Veracruz en México. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Rafael Augusto Lara Palmeros Asunto: LCDM:_!_TERRIBLE_ 21. El día 18 de agosto del 2006, fui por demás afortunado de conocer personalmente a Fish horas antes de su concierto en la Ciudad de México con motivo de su Tour Mundial " Return to Childhood ", un tipo alto, rapado con el cual comenté sobre diversos tópicos dejandome como un gran recuerdo su amabilidad, trato humano, nada se sentirse una superestrella y sobre todo su autógrafo, plasmado en el boleto de Ticketmaster, con la forma de un pez, del cual tengo ampliación y un precioso marco que lo contiene. El 22 de diciembre de éste año, el periódico londinenese " Sun ", informaba que el gran cantante podría tener cáncer laríngeo - o de garganta, como es mejor conocido - dados los resultados de una biopsia efectuada en sus cuerdas vocales en donde se encontró una "...una zona blanquecina, con un desarrollo anormal de células...", el cantante de sobra se encuentra asustadísimo y por el momento ha suspendido toda presentación musical, sin embargo su espìritu se encuentra fuerte y espera resultados más concretos al respecto ( me atrevo a comentar como médico que de ser ciertos los resultados nos encontramos ante un estado histopatológico llamado leucoplasia así como una displasia o metaplasia de las célualas laríngeas lo cual se puede considerar como precanceroso, esperemos todos los admiradores de este extraordinario ser humano que sean erróneos; sin embargo esto se asocia a 2 estados mórbidos muy importantes: alcoholismo y tabaquismo crónicos ). Mi pregunta es la de siempre: porque gente valiosa, artistas, músicos tienen que padecer estos males tan graves y, desafortunadamente en algunos casos, fallecer en edades que tienen todavía mucho que darnos y en cambios los estúpidos, corruptos, intolerables y asquerosos políticos llegan a edades avanzadas disfrutando de los saqueos que realizan a las poblaciones paupérrimas?. Alguien me puede contestar ésto?. 29 de Diciembre del 2008. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola Asunto: Pocket Orchestra POCKET ORCHESTRA: “Knebnagäuje” (2005) Temas 1. Imam Bialdi (6:25) 2. R. V. (7:02) 3. Regiments (14:55) 4. Letters (13:53) 5. Blueing (7:10) 6. White Organ Meats (7:03) 7. Grandma Coming Down the Hall With a Hatchet (5:33) 8. Bagon (16:48) Integrantes - Craig Bork: teclados - Joe Halajan: clarinetes, saxos, flauta - Bill Johnston: cello - Tim Lyons: bajo - Tim Parr: guitarra - Bob Steerman: batería Pocket Orchestra es el nombre de un ensamble que debió ser un pilar del rock in opposition en el país de Frank Zappa y Martin Luther King. Fundado a fines de los 70s en la ciudad de Phoenix y llamado originalmente Knebnagäuje, los únicos aportes de esta banda han consistido en dos demos grabados en 1979 y 1984, respectivamente. Lo que frustró cualquier posibilidad (pobre, por lo demás) de grabar material en producción oficial y crear más material fue la inoportuna muerte de Tim Parr, guitarrista fundador del grupo. Afortunadamente, la era digital ha traído la posibilidad concreta de recoger ambos demos en un CD, y con ello descubrimos a una banda muy talentosa e injustamente relegada. Pocket Orchestra nos demuestra que Cartoon no estaba del todo solo en su labor de preservar interesantes aportes desde los EE.UU. a la escena RIO. El título de este CD es el mismo nombre de la banda antes de que adoptara Pocket Orchestra – de hecho, el demo más antiguo aparece firmado por el ensamble como Knebnagäuje. Los primeros cuatro temas pertenecen al demo de 1984. ‘Imam Bialdi’ comienza con un talante muy calculado, no exento de patentes muestras de agilidad contenida, al modo de un intermedio entre Univers Zero y lo que poco después empezará a hacer Miriodor. Lo que sigue después en el bloque central de la pieza es un ingenioso desarrollo de motivos bien definidos bajo las influencias del Zappa más vanguardista y el estándar de Samla Mammas Manna. ‘R.V.’ tiene en un comienzo una ambientación menos extrovertida, orientada hacia el jazz experimental a lo Tippett en combinación con despliegues de genuino colorido fusionesco (a lo Latin jazz). A medida que avanza la pieza, la atmósfera se torna mucho más neurótica - aunque no de forma abrupta – al modo de un Canterbury enloquecido: el camino hacia el clímax es de una demencia incontenible, casi “criminal”. Ya empieza el grupo a crear estallidos incendiarios a través del mundo diabólico del sonido - !el RIO en su más pura perturbación! ‘Regiments’ tiene una duración de casi un cuarto de hora. Su sección inicial tiene una cadencia reflexiva, centrada en torno a los moderadamente tenues acordes de piano y suaves coloridos trazados por el saxo. Ya más adelante la pieza adquiere mayor vitalidad, pero el asunto no llega nunca a una exaltación: aquí hay varios “actos reflejos” de inspiración zappiana (etapa “The Grand Wazzoo”), fluidamente alternados con vibraciones grisáceas a lo Univers Zero. Poco antes de llegar al minuto 6 llegamos a un pasaje un tanto surrealista basado en una cruza de minimalismo orquestado y percusiones concretas en el trasfondo, muy a lo musique concrete. Ya en el minuto 11 arribamos a una sección bastante explícita, ágil y con un sentido bizarro más pronunciado que en cualquier pasaje precedente: se trata de un clímax bastante controlado, en verdad, vívidamente desarrollado sin explotar a fin de que pueda engarzar con la lírica coda. ‘Letters’ tiene una cadencia más consistentemente explayada en lo lírico, generando diversos momentos de lucidez reposada en sus casi 14 minutos de duración. De hecho, incluso hay algunos pasajes juguetones que tienen más parentesco con Hatfield que con Art Zoyd o Univers Zero: en especial me refiero a la sección final, portadora de una ambientación bastante alegre, y que además incluye un fabuloso solo de guitarra. La segunda mitad del disco (correspondiente al demo de 1979) comienza con el muy juguetón tema titulado ‘Blueing’: no me cabe duda que Samla y su derivación Zamla han ejercido particulares influencias en su concepción. En todo caso, Pocket Orchestra le da un cariz más netamente sombrío al asunto, lo cual se debe a su preferente influencia por la escuela francófona del chamber-rock. En cuanto a los elementos de caos, no se me ocurre otro referente sino Zappa, infaltable muso para todo músico de prog vanguardista “que se respete”. ‘White Organ Meats’ no se desvía mucho de las pautas utilizadas para describir a la pieza anterior, aunque sí se puede resaltar un incremento en la dosis de extravagancia. Los matices jazzeros de esta pieza me recuerdan al primer disco de Henry Cow, y eso incluye también la estrategia reconstructiva plasmada en la parte final. ‘Grandma Coming Down the Hall With a Hatchet’ tiene un título muy simpático, y queda claro que el despliegue de música circense retorcida a través de ejercicios dadaístas de agresividad sonora apunta a retratar el sórdido y negro humor del título. Los pasajes más cálidos transitan por las insospechadas aguas del jazzeras en clave muy lírica, incluso coqueteando un poco con el Canterbury: el protagonismo compartido de la flauta y el piano eléctrico ayuda a sustentar dicha calidez. ‘Bagon’ concluye el CD con 16 ¾ minutos de la más exaltada vanguardia progresiva, combinando el free-jazz, el Canterbury más abstruso (Matching Mole con matices de Gong y el primer Henry Cow) y el jazz-fusión a lo Weather Report. También hay algunos pasajes centrados en extrañas manipulaciones sónicas, muy a lo musique concrete. Se nota por estos temas extraídos del demo más antiguo que en sus inicios, Tim Parr y co. estaban todavía en una encrucijada sobre el tipo de aventura musical en torno al cual pretendían enfocar su creatividad. Por lo escuchado en la primera mitad de este CD, ya sabemos que el grupo estaba destinado a instaurarse como un rescatador de la tradición RIO a grandes niveles de esplendor. Es triste, pero a la vez estéticamente estimulante, poder apreciar una promesa musical tan bien curtida como la que nos ofreció Pocket Orchestra en su efímera trayectoria. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Ismael Gudiï?½o Barbosa Asunto: LCDM #854 mejor albun de deaht metal sinfonico es de ignis atrun de guadalajara jalisco escuchenlo muy propios los musicos y con un estilo del deaht metal noventero y toques del sinfonico actual saludos soy samel el baterista de la banda mencionada espero y les agrade saludos ----------------------------------------------------------------------------