LA CAJA DE MUSICA LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO ============================================================================ LCDM: #841 agosto 2008 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM ---------------------------------------------------------------------------- * Kharmina Buranna "El Arte de Seguir Vivos" * Decibel "El Poeta del Ruido" * Manticornio actualizado - 3 de agosto * MEDIABANDA + CODA en vivo, 23 de agosto * Review Peralta 2008 * nuevo proyecto de Colossus "INFERNO" * Caravan & the New Symphonia * Yugen "Labirinto d'Acqua" * KANSAS: Two for the Show * Time's Forgotten "A Relative Moment Of Peace" 2006 * OCTOPUS "Coda" ---------------------------------------------------------------------------- Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola Asunto: Kharmina Buranna "El Arte de Seguir Vivos" KHARMINA BURANNA: “El Arte de Seguir Vivos” (2008) Temas 1. Bosque de Piedras 2. Del Parque 3. El Arte de Seguir Vivos 4. Sueños de Opio 5. Labra un Lugar (de Sonidos) Integrantes - Ángelo Pérez-Palma: voz, armónicas, guitarra acústica - Daniel López: teclados, xilofón, glockenspiel - Víctor Otárola; batería, percusión - Mauricio Hooker: bajo, flauta, flauta dulce, coros - Eduardo Valcárcel: guitarras eléctricas y acústica Colaboradores: Octavio Castillo (flauta en 4), Pauchi Sasaki (violines en 4), Lalo Williams (arreglos de cuerdas en 4) Para los que hemos estado pendientes de lo que iba sucediendo en la escena art-rock limeña de los últimos 5 años, este disco debut del quinteto Kharmina Buranna era una cuestión de larga espera: ahora, en agosto de 2008, por vía del sello chileno Mylodon Records, “El Arte de Seguir Vivos” es una realidad fáctica, y de hecho, una realidad de buena factura dentro del esquema rockero progresivo. Kharmina Buranna inició su trayectoria a mediados de los 90s haciendo covers de rock clásicos y blues-rock (Led Zeppelin, Jimi Hendrix, Ten Years After, Stevie Ray Vaughn, etc.), y luego, al entrar al nuevo milenio, el grupo decidió dedicarse más a fondo a cultivar el género progresivo que siempre fue santo de peculiar devoción. Grupos como Yes, Jethro Tull, Genesis, King Crimson, Focus, PFM,… eran ítems de cabecera (incluso el teclista Daniel López formó parte de un proyecto tributo a Jethro) que finalmente influyeron en el repertorio creado por Kharmina Buranna en su proceso de maduración estilística. “El Arte de Seguir Vivos” es el pleno testimonio de estas inquietudes que llevaron a tres de los cinco temas a acaparar espacios de más de 10 minutos. De todas formas, algunos resabios del blues-rock permanecen en la rica amalgama gestada por la banda, siendo el más patente el uso de la armónica a cargo del cantante Ángelo Pérez-Palma – se nota que él se siente bastante cómodo en este registro. Por otro lado, los aportes de flautas traversa y dulce por el bajista Mauricio Hooker emergen para imprimir un especial colorido a los pasajes más abiertamente pastorales y bucólicos del disco. El disco comienza con ‘Bosque de Piedras’ comienza con pletóricas armonías y cortinas de sintetizador, muy a lo Wakeman; una vez que el ensamble en conjunto de asienta, las cosas pasan frontalmente a un plano bombástico muy dinámico, con un ambiente general que suena a una híbrido de Yes, PFM y el Jethro Tull de “Songs from the Wood”. Algunos pasajes disonantes en los cuales el órgano, la guitarra solista y la dupla rítmica empiezan a ponerse machacantes, las cosas pasan a un plano más psicodélico por la parte dura (coincidiendo con el King Crimson setentero, o con Areknamés). Con todo lo efectivo y hermoso que ha sido este estupenda tema de apertura, yo hubiera preferido que el segundo tema hubiese sido en realidad el primero. En efecto, ‘Del Parque’ cuenta desde el mismísimo punto de partida con un empuje agresivo que encarna muy bien la faceta más muscular de la banda. Imaginemos una confluencia entre VdGG y la hornada sinfónica pesada italiana (Museo Rosenbach, Ossana), sazonada ocasionalmente con adornos gentlegiantianos. El uso de percusiones tonales realza las bases de teclado en algunas secciones, mientras que los solos de armónica y guitarra eléctrica emiten impresionantes sensaciones electrizantes. La pieza homónima es la más enraizada en la historia lejana de Kharmina Buranna: un blues-rock a toda regla, con un compás bien marcado y una cadencia fácil de distinguir. Eso sí, el asunto va más bien por el lado estilizado – el grupo decide dejarse influir más por la mágica majestad de Led Zeppelin y el esplendor del Jethro Tull de “Stand Up”/”Benefit” que por la crudeza arraigada de un Mayall o un Vaughn. No caben dudas sobre los méritos específicos referidos a los sucesivos solos de armónica, guitarra y órgano, los cuales ensalzan muy bien el jam elaborado en el interludio: es por eso que, no siendo la pieza más compleja del disco, sería muy engañoso tildarlo de simplista. En fin, las dos últimas piezas nos vuelven a enfilar hacia el horizonte progresivo sin tapujos. ‘Sueños de Opio’ comienza con un variado preludio que durante 4 minutos nos muestra el dinamismo propio del estilo KB; al aterrizar en la sección cantada, la pieza nos muestra su faceta más etérea, algo que se enfatiza más cuando los arreglos de cuerdas entran a tallar para realzar el lirismo ensoñador del momento. Los últimos 13 minutos del disco están ocupados por ‘Labra un Lugar (de Sonidos)’, el cual recapitula y capitaliza las virtudes más netamente progresivas del repertorio precedente – con Yes y PFM como referencias importantes, el uso de sonoridades pesadamente psicodélicas y ciertos adornos tullianos, se hace notar la introducción de aires emersonianos en varios registros del órgano. El interludio pastoral (donde destacan las gráciles líneas de la flauta dulce) y el suavemente refinado boato de la coda brindan una efectiva conclusión tanto a esta pieza como al disco. “El Arte de Seguir Vivos” queda como un nítido testimonio de un cierto cénit creativo de la banda. En el concierto que KB dio el viernes 1 de agosto para celebrar la presentación oficial del presente disco se concretó la partida del vocalista Ángelo Pérez-Palma, quien seguirá adelante con proyectos personales fuera del Perú. Se inicia por ahora una nueva fase en el sendero musical de KB en busca de otros momentos nuevos. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola Asunto: Decibel "El Poeta del Ruido" DECIBEL: “El Poeta del Ruido” (1978) Temas 1. El Poeta del Ruido (7:38) 2. Orgon Patasísico - Part I (1:29) 3. Orgon Patasísico - Part II (6:38) 4. Fakma (3:32) 5. El Fin de los Dodos (3:53) 6. Terapia de Fakirato (6:42) 7. Manati (5:27) 8. El Titosco (1:52) Integrantes - Jaime Castañeda: batería, percusión, violín, voz - Carlos Robledo: teclados, cintas, trompeta, guitarra, flauta, marimba, percusión, voz - Alejandro Sánchez: violín, clarinete, piano, bajo, trombón, percusión, voz - Walter Schmidt: bajo, guitarra, órgano, flauta, saxofón, sintetizador, voz Músicos adicionales – Carlos Alvarado (teclados), Javier Baviera (clarinete, saxofón), Víctor Robledo (violín, sintetizador), Jean Luis Romero (clarinete) Decibel es la banda mexicana que gestó algunas de las páginas doradas de la vanguardia mexicana – su propuesta rock in opposition es sólida y osada, transmitiendo un carácter y personalidad propiamente maduros a través de las obvias influencias recibidas de Henry Cow, Faust, Univers Zero (recordemos que ya había salido al mercado su disco debut “1313”), además de las teorías académicas de Cage y Stockhausen. La pieza homónima abre el disco comienza con una serie burlona de efectos de sonido que emulan una fauna de aves, un anuncio dadaísta del potente despliegue de disonancias y tensiones que tiene lugar por más de 7 minutos – los imposibles quiebres rítmicos, repletos de síncopas varias, y los explosivos efluvios del piano generan la serpenteante columna vertebral del tema hasta su clímax final. He aquí lo que pasa cuando se mezclan Henry Cow y una versión frenética de Magma. Los dos temas que siguen a continuación completan la dupla de ‘Orgon Patasísico’. Ambas piezas se enfilan hacia lo misterioso y lo atmosférico, por vía de una apuesta sórdidamente hermética por la musique concrete y el ruidismo electrónico. Este paradigma deconstructivo, primordialmente inspirado en Stockhausen, se perpetúa en ‘Fakma’ y ‘El Fin de los Dodos’. La primera de estas piezas introduce una dosis aumentada de tenebrismo a la extrema inquietud inherente a este tipo de caos sónico; por su parte, ‘El Fin de los Dodos’ adquiere unas tonalidades cósmicas que incrementan el clima de oscuridad, como retorciéndose mientras nos vamos adentrando más en ella. ‘Terapia de Fakirato’ comienza con un lánguido preludio de piano que se extiende hasta los primeros 80 segundos; de inmediato, el ensamble integral exhibe un viaje sonoro sólido, exquisito en su sombrío y controlado dinamismo. El asunto desarrollado aquí muestra varias afinidades con el Univers Zero del “1313”. ‘Manati’ nos devuelve al caos aleatorio y flotante de temas anteriores: la peculiaridad de esta pieza en particular es que se añaden ambientes tribales que sirven para canalizar sonoridades de raíz étnica. ‘El Titosco’ completa el repertorio oficial con una breve reconsideración de la faceta más extrovertida del grupo. La edición digital incluye nada menos que 8 bonus tracks. ‘Notas sin Dueño’ explora lntereses zheul, mientras que ‘Mucilago Binomial’ elabora un filtro fusionesco para la esencia RIO de la banda. Ahora vienen los bonus en vivo. ‘Mensaje desde Fomalhault’ es un soundscape de consola que emula sonidos de vientos torrenciales que finalmente aterriza en un delirio Faustiano con bases de piano, platillos de batería y voces humanas bizarramente recicladas a través de cintas magnetofónicas. ‘Fragmento del Poeta del Ruido’ es lo que más o menos dice el título, una reelaboración de uno de los motivos pulsacionales de ‘El Poeta del Ruido’. En este caso, el frenesí rítmico es menos pronunciado, optando el cuarteto base con su invitado de turno por establecer un esquema sonoro crecientemente denso, incluso llegando a picos de intensidad surrealista: la fuerte presencia del sintetizador añade un componente hipnótico al asunto. ‘!Algo!’ es un muestrario de ruidismo minimalista, mientras que ‘?Acaso Estoy en un Lecho de Rosas?’ es una poderosa dupla free-form de batería y efectos cibernéticos de sintetizador. ‘Improvisation en Blanco y Negro’ establece un ahondamiento en las pautas RIO establecidas por Henry Cow en su “In Praise of Learning”, mientras que ‘Falso Jericó’ recupera el caos más radical estilo Decibel. Decibel es todo un fenómeno de experimentación musical llevada hasta extremos desafiantes de abstracción y deconstrucción – lejos de ser meros acólitos de los grandes nombres del RIO provenientes de un exótico país latinoamericano, Decibel construyó efectivamente una voz propia dentro de la vanguardia progresiva. “El Ruido del Poeta” es un tesoro imperdible para cualquier seguidor de la música vanguardista. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola Asunto: Manticornio actualizado - 3 de agosto HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. Aquí va la lista de nuevas reseñas incorporadas a la página mexicana Manticornio (www.manticornio.com) en su más reciente actualización. Visita recomendada ampliamente para los fans progresivos.- " agosto 3, 2008: sección Artistas: ANNEXUS QUAM: Beziehungen. ASTRALIS. AYREON: Actual Fantasy. BACAMARTE: Depois do Fim. BLACK BONZO: Black Bonzo. CAAMORA: She. ECHOLYN. ESTIGMA: Retrato de un Sueño. FLOR DE LOTO: Madre Tierra. KANSAS: Kansas. KAYAK. LEPRECHAUN. MAHESH. MAR DE ROBLES: Indígena. MINDFLOWERS: Nuances. MR. BROWN: Mellan tre Ögon. OCTOPUS. PINK FLOYD: Obscured by Clouds. POLLEN. RUSH: Rush. Jaime SCALPELLO. SUPAY. TRICANTROPUS. actualización de entradas anteriores: CRUCIS. pendientes para incluir a partir de la próxima actualización (agosto 31, 2008): BROTHER APE: III. CAMEL: Camel. ENID: In the Region of the Summer Stars. HARMONIUM: Si on Avait Besoin d'une Cinquième Saison. KAIPA: Inget Nytt Under Solen. PÄR LINDH PROJECT: Mundus Incompertus. SUPERTRAMP: Indelibly Stamped. TRIUMVIRAT: Mediterranean Tales. Rick WAKEMAN: Journey to the Centre of the Earth. YES: Yes. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola Asunto: MEDIABANDA + CODA en vivo, 23 de agosto HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. Con la presente transcribo un mensaje de parte de la banda chilena MEDIABANDA sobre su actuación en vivo para el 23 de agosto próximo. El citado grupo compartirá cartel con el ensamble percusivo CODE para dicha ocasión.- " Interacción con el público, experimentación, juego, su desprejuiciada fusión y versatilidad musical característica traerá la galardonada agrupación nacional MediaBanda, que presentará un show de carácter especial y único este sábado 23 de agosto en el Teatro Oriente (Av. Pedro de Valdivia 099, Providencia). El colectivo de 10 músicos, liderado por los ex Fulano Cristián Crisosto y Arlette Jequier, propone para la ocasión una experiencia multidisciplinaria e interactiva para este evento, donde compartirá cartel el dúo de percusión experimental Code. "Se trata de un concierto propositivo, donde sin duda queremos dejar algo valioso en la mente y el alma de los espectadores", dice Christian Hirth al respecto. El baterista de MediaBanda tendrá doble participación en el espectáculo, puesto que es una de las dos mitades de Code, dupla que se enfoca en la búsqueda de nuevas sonoridades mediante la percusión, mezclando instrumentos percutivos propiamente tales con objetos diseñados para otros fines, como discos de arado, pelotas y estructuras metálicas, además de instrumentos creados por los propios músicos. Toda esta presentación irá acompañada de proyecciones visuales complementarias con la música, para el dúo este concierto es la antesala para el lanzamiento de su documental de música experimental en el mes de Noviembre de este año, que además es el primero que se realiza en Chile. A exactos 8 años de su formación, con dos discos de estudio y una unánime aclamación de la crítica especializada, MediaBanda se ha posicionado como uno de los ensambles más importantes en la pequeña pero cumplidora escena de vanguardia nacional. Este show del 23 de agosto se vislumbra como una excelente oportunidad para toparse de frente con una experiencia sonora y visual única de presenciar en vivo. Las entradas ya están a la venta por el sistema Ticketmaster y sin cargo en la boleteria del Teatro Oriente. Mayor Info sobre la banda en: http://www.mediabanda.cl/ y http://www.myspace.com/mediabanda Video Promocional: http://www.potemkin.cl/clientes/mediabanda%2Bcode.html Coordenadas: Sábado 23 de Agosto 20:30 Horas Teatro Oriente Av. Pedro de Valdivia 099. Providencia.Santiago Valor: $7.000 Platea Baja/$5.000 Platea Alta " ---------------------------------------------------------------------------- Autor: José_Manuel_Iñesta_Quereda <> Asunto: Review Peralta 2008 Festival de Peralta (Navarra), julio 2008 Hola a todos... El pasado día 19 de julio tuvo lugar la quinta edición del Festival de Peralta, con un cartel que me parecía bastante interesante, por ser la única posibilidad de ver en España la gira del Script for a Jester's Tear que se ha montado el Mick Pointer y unos colegas (entre los cuales, nada menos que Nick Barrett a la guitarra). Además, como cabezas de cartel los Threshold que vuelven a tener el grand Damian Wilson a la cabeza. Yo ya había ido al Festival de Peralta en la primera edición (Onza, RPWL y Mostly Autumn). Así que ya sabía que el festival era al aire libre, en la plaza de toros del pueblo... cosa que siempre es un riesgo por eso de la lluvia. En la primera edición ya cayó un chubasco antes de empezar que atrasó todo el programa, pero sin más consecuencias. Ya es casualidad, a finales de julio no suele llover demasiado... El caso es que todo el viaje en Navarra el tiempo se preveía de pleno verano, sin una nube. El festival empezó bastante puntualmente, con unos Zaguán que hicieron una muy buena interpretación de los clásicos de Triana. Acostumbrado a oír estas canciones tal y como fueron grabadas originalmente, la interpretación de Zaguán puso énfasis en los aspectos más sinfo-progresivos y me sorprendieron muy agradablemente. Claro que a medida que se iba tirando a la noche y la actuación de los Zaguan avanzaba parecía evidente que se acercaba un cambio de tiempo. Efectivamente, fue acabar y caer un diluvio acompañado de rayos y truenos que nos tuvo a todos refugiados a la parte cubierta de la plaza durante una buena media hora, justo cuando estábamos a punto de llegar a "la substancia" del Festival. El problema fue que aun cuando la tormenta fue corta, el equipo de sonido había quedado mojado hasta el extremo que no era posible conectarlo sin exponerse a un serio riesgo de accidente, que además el seguro no cubría... Total, una parada de dos horas a lo largo de la cual los organizadores llegaron a plantear la posibilidad de cancelarlo todo y volver el dinero de las entradas al público. Un público no muy numeroso pero que estaba dando claras muestras de impaciéncia. Eso se hizo muy largo... finalmente, los músicos se ofrecen a hacer algo en plan acústico. Entonces, a última hora, deciden que no, que tocarán enchufados pero sin el equipo de sonido del escenario, que los de la empresa que lo habían alquilado se negaban en redondo a ponerlo en marcha. Es decir, que el sonido que oiríamos sería sólo el de los amplis que traen los músicos. Sin mesa de sonido, ni monitores... Evidentemente eso no podía sonar perfecto pero si tenemos en cuenta las limitaciones el resultado fue bastante digno. Esto si, la guitarra de Nick Barrett casi no se oía y en los típicos diálogos guitarra-teclado se debía girar para que Mike Varty (el teclista) lo viera y así supiera qué notas estaba tocando. Mención aparte para el cantante, que hace una interpretación muy convincente de Fish hacia el 1983; Ian Salmon al bajo hizo una muy buena trabajo teniendo en cuenta que en aquellas condiciones el bajo era casi lo que más se oía. Al final hicieron el repertorio habitual de la gira casi entero: todo el Script, más el Grendel y el Market Square Heroes; no tuvo lugar por el Margaret, porque ya se hacía muy tarde (cerca de las 2) y todavía faltaba la cabeza de cartel! Porque estaba por verse si en aquellas precarias condiciones acústicas los Threshold se podrían defender. Y sí, también lo hicieron bastante bien, aun cuando la complejidad y sobre todo la contundencia de esta banda lo hacía todavía más difícil. hicieron un amplio recorrido por las diferentes épocas del grupo en el cual el Damian Wilson demostró por qué es uno de los cantantes más reputados de todo el género (además, ha mejorado bastante su carácter desde su visita a Mephisto, de aciaga memoria). A destacar aquí el papel del batería, con un kit sorprendentemente pequeño para una banda de prog metal y que no paraba de hacer malabarismos con las baquetas cuando tenía las manos libres. Ah sí, y el rebuscado posturismo plan guitar hero de Karl Groom. No, hablando seriamente esta gente se merecerían un nivel de reconocimiento muy superior al que tienen; quizás si se pudieran colocar de teloneros de Dream Theater a más de uno se le abrirían las orejas. En fin, que al final se pudo salvar la noche, aun cuando me quedé con las ganas de poder oír las actuaciones del Script y Threshold en mejores condiciones. Por cierto, en el stand de merchandising que trajeron la gente de la Script (el único que había) y dónde traían CDs de las bandas relacionadas con los integrantes de esta formación (Pendragon, Arena, Credo...) se anunciaban las fechas de la próxima gira de Pendragon y se comentaba que en principio el nuevo CD estará disponible sólo a través de la web de Pendragon y en los conciertos. José Javier Delmás ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Progjuan Progjuan" Asunto: nuevo proyecto de Colossus "INFERNO" Hola Colossus prepara un triple album conceptual basado en los 34 cantos del INFERNO de la Divina Comedia. Las bandas son las siguientes (por orden alfabetico) Advent Armalite Ars Nova Atlantis1001 Brighteye Brison CAP Colossus Project Combination Head Contrappunto Project Corte Aulica Court De Rossi e Bordini Entrance Garmond Greenwall Groovector Il Castello Di Atlante Lady Lake Little Tragedies Matthijs Herder Nathan Mahl Nemo Nexus NotaBene Ozone Player Raimundo Rodulfo Simon Says Sinkadus Tempano Trion + Flamborough Head Viima Wicked Minds Willowglass Yesterdays Mas información en: http://www.colossus.fi/125/index.php?id:59,80,0,0,1,0 salu2 Juan ---------------------------------------------------------------------------- Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola Asunto: Caravan & the New Symphonia CARAVAN: “Caravan & the New Symphonia” (1974) Temas 1. Introduction by Alan Black / Memory Lain, Hugh / Headloss (11:00) 2. The Dog, the Dog, He's at It Again (6:36) 3. Hoedown (3:54) 4. Introduction (6:49) 5. The Love in Your Eye (12:49) 6. Mirror for the Day (4:29) 7. Virgin on the Ridiculous (7:57) 8. For Richard (14:18) 9. A Hunting We Shall Go (10:23) Integrantes - Pye Hastings: guitarra, voz - John G. Perry: bajo, coros - Richard Coughlan: batería - Geoff Richardson: viola eléctrica - Dave Sinclair: órgano, sintetizador, piano eléctrico Músicos adicionales – John Hastings (flauta y saxo alto); Morris Pert (percusión); New Symphonia Orchestra, dirigida por Martyn Ford; Liza Strike, Vicky Brown, Margot Newman, Helen Chappelle, Tony Burrows, Robert Lindop y Danny Street (coros) Entusiasmados y alucinados por el modo en que los arreglos orquestales funcionaron en varios temas de su disco “For Girls Who Grow Plump in the Night”, los miembros de Caravan quisieron ir a todo con esta idea y hacer un concierto (o al menos, una gran parte de él) con una orquesta sinfónica. La orquesta en cuestión fue la New Symphonia Orchestra; la ocasión registrada en este disco fue el primer concierto, realizado en el Theatre Royal de Drury Lane, el 28 de octubre de 1973. se trata realmente de un documento intenso y muy rico en elementos progresivos, aunque el trasfondo de la cuestión es que la idea de unir Caravan y orquesta fue una pesadilla tanto logística como conceptual – hasta minutos antes del concierto se dieron ciertas tensiones entre el quinteto y los arreglistas académicos. De hecho, los ensayos solo tuvieron 6 horas de duración, pero bueno, la cosa salió muy bien: no se debe esperar una magia igual a la de la versión en vivo del ‘Snow Goose’ de Camel que aparece en “A Live Record”, ni tampoco una fastuosidad imponente a la de Procol Harum en Edmonton o de Renaissance, pero sí se trata de una bella y energética obra progresiva alimentada de la pomposidad sinfónica que sale a colación en ocasiones como ésta. Esta edición digital ofrece una expansión muy interesante: los temas 2-4 y 10 no aparecieron en el vinilo original, por lo que este CD nos muestra una experiencia más completa, y por ende, más gratificante. El concierto arranca con el quinteto solo, dándose buen abasto con ‘Memory Lain, Hugh’ y ‘Headloss’, la dupla que abría “For Girls Who Grow…” y que aquí genera una excelente vibración. Otros dos temas del disco mencionado siguen – ‘The Dog, the Dog, He’s at It Again’ es una muestra típica del lirismo ligero que penetra la visión musical de Hastings, mientras que ‘Surprise, Surprise’ es un ameno rock cuasi-country en 7/8. Ni qué decir que el violista Geoff Richardson es la nueva estrella de la banda: a pesar de la fuerte personalidad que tiene el retornado teclista Dave Sinclair y el ímpetu rockero que John Perry insufla a su bajo dentro del firme aparato rítmico de la banda, Richardson es quien carga sobre sus hombros (de manera ágil y dinámica) la mayor cantidad de melodías y matices a ser desarrollados en cada pieza. En realidad, el bajo de Perry no resalta tanto en la mezcla como debiera, pero se hace notar. Esto da ventaja a la batería de Coughlan, cuya estupenda labor no siempre es tan advertida por los melómanos (yo me incluyo): ahora no hay manera de no notar su precisión y bien administrada fuerza. La introducción compuesta por Simon Jeffes comienza con un despliegue orquestal que gira en torno a texturas bien encuadradas, dejando luego espacio para que Caravan se luzca en un jam de tenor jazzero, dueño de un swing llamativo que muy pronto queda enriquecido por el retorno de los masivos instrumentos orquestales (especialmente, las cuerdas). La versión de ‘The Love in Your Eye’ exhibida aquí es definitiva, poseedora de un colorido que no llegó a ser del todo explotada en “Waterloo Lily”. Incluso Pye Hastings, quien nunca fue tan afecto a mostrar y expandir sus habilidades como guitarrista, aprieta el acelerador ofreciendo poderosos riffs y solventes fraseos durante los últimos minutos. Los dos temas siguientes, ‘Mirror for the Day’ y ‘Virgin on the Ridiculous’, fueron compuestos para la ocasión, y en palabras del mismo Hastings cuando se dirige al público, sus respectivas letras fueron completadas durante las últimas horas antes del evento. ‘Mirror…’ exhibe un sello muy a lo Caravan, afín al lirismo recurrente en “For Girls” y el clásico “In the Land of Grey and Pink” (un momento… aquí no parece ningún tema de este disco…), tal vez con una mayor cercanía al R’n’B estadounidense que de costumbre. Más bien, ‘Virgin…’ ofrece un puente de momentáneo regreso al esplendor de “If I Could Do It All Again”, alternando climas evocativos con un giro hacia un dinamismo calculadamente complejo y más notoriamente muscular durante el interludio instrumental. Lo mejor está por llegar… y llegó por fin: ‘For Richard’ y ‘A Hunting We Shall Go’, dos piezas épicas que encarnan la faceta más excelsa de Caravan completan el repertorio con pura explosividad sonora. ‘For Richard’ ofrece un creativo duelo entre grupo y orquesta durante los últimos 4 minutos, y eso que los arreglos están dispuestos de manera que se dé una amalgama melódica firme. La contundencia plasmada en este usual tema de cierre solo puede ser sucedida por ‘A Hunting We Shall Go’, coda que casi no tiene lugar (según tengo entendido) por motivos de restricciones sindicales. En fin, la orquesta se portó como paladín de Caravan una vez más, logrando recrear la magia de la versión de estudio: la sólida precisión durante los pasajes enérgicos y la envolvente elegancia durante los pasajes etéreos generan un impresionante segundo clímax. Si esta pieza fue la que motivó la inquietud de Caravan por realizar este proyecto, entonces la idea era muy buena y el resultado fue plenamente satisfactorio. !Tal vez se trate de la última gran obra de Caravan! César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola Asunto: Yugen "Labirinto d'Acqua" YUGEN: “Labirinto d’Acqua” (2006) Temas 1. Sévére Réprimande (0:50) 2. Catacresi (6:35) 3. Omelette Norvegese (1:07) 4. Corale Metallurgico (7:33) 5. Danse Cuirassée (Periode Grecque) (1:03) 6. Brachiologia (3:11) 7. La Mosca Stregata (0:56) 8. Quando la Morte Mi Colse nel Sonno (9:23) 9. Skellotron 003 (1:23) 10. Le Rovine Circolari (6:53) 11. Anastomosi (1:28) 12. Danze Corazzate (3:49) 13. Labirinto d'Acqua (1:21) 14. Incubi Concentrici (4:42) Integrantes - Paolo Botta: piano eléctrico, mellotron, órgano, Moog - Stephan Brunner: bajo - Maurizio Fasoli: piano - Dave Kerman: batería en 4 - Tommaso Leddi: mandolina, flauta - Massimo Mazza: vibráfono, marimba, glockenspiel - Elia Mariani: violín - Guiseppe A. Olivini: percusión, shakuhachi, Theremin - Peter Schmid: clarinete, tubax, saxo subcontrabajo, flauta bajo, taragot - Mattia Signo: batería - Marco Sorge: clarinetes - Markus Stauss: saxo - Francesco Zago: guitarras, teclados - Diego Donadio: arreglos percusivos Nadie vio venir esto de Yugen como una propuesta radical de chamber-rock en el progresivo, y con esto me refiero a las raíces neo que su fundador, el guitarrista Francesco Zago, tenía como miembro fundamental de The Night Watch (luego The Watch). Lo que tenemos aquí en “Labirinto d’Acqua” es un festín musical de gran calibre y elevado espíritu aventurero que ensalza los senderos de delirio, caos, cerebralismo surrealista, terror, turbulencia y mentalidad enigmática que son tan propios de las vertientes experimentales progresivas con fuerte raigambre en la academia contemporánea y la musique concrete. Este grupo es un ensamble en el sentido más estricto de la palabra – la copiosa cantidad de músicos involucrados cuenta con un espacio de expresión claramente delineado dentro de la compleja organicidad a ser ejecutada en cada pieza. Zago es el compositor, pero eso no significa que su guitarra ocupe un rol central dentro de la instrumentación: más bien, él concentra el empleo de la guitarra a modo de texturas y retazos complementarios a las líneas dibujadas por otros instrumentos, y ciertamente su participación en los teclados adicionales (teniendo en cuenta que el ensamble tiene ya a dos teclistas permanentes) sirve para realzar la densidad propia de las orquestaciones dibujadas por la masa de metales, maderas y violín que emerge en cada momento. Los temas impares son preludios que anticipan las atmósferas principales del tema inmediatamente posterior o interludios que engarzan ambientes entre dos temas de expansivo desarrollo. ‘Sévére Réprimande’ es un ágil y misterioso étude de piano que anticipa el tenor ceremonioso desarrollado en ‘Catacresi’, pieza en la cual el ensamble pone toda la carne en el asador en cuento al desenvolvimiento de contrapuntos y el saltante contraste entre los diversos motivos. ‘Omelette Norvegese’ es un ejercicio de disonancia académica a través del influyente filtro de Opus Avantra, el mismo que anuncia e lretorcido frenesí de ‘Corale Metallurgico’, una de las piezas más decididamente llamativas del disco. Con sus inclinaciones paralelas hacia el Univers Zero 77-81, el Henry Cow del “Western Cuture” y Dr. Nerve, esta pieza le sirve a Yugen para rendir homenaje a la tradición del RIO y, a la vez, impulsar ésta hacia nuevos horizontes en la escena contemporánea. ‘Danse Cuirassée (Periode Grecque)’ tiene un aire de danza palaciega distorsionada a fin de encajar dentro de un circo tétrico; ‘Brachiologia’ sigue adelante con la pomposa vena heterodoxa de las piezas extensas precedentes, aunque sin duda los sonidos de mellotron ayudan a darle un cariz etéreo adicional al asunto. ‘La Mosca Stregata’ es un preludio intrigante a la pieza más extensa del disco, ‘Quando la Morte Mi Colse nel Sonno’. El tema comienza con un acento bastante lírico, otoñal y melancólico a despecho del robusto tempo creado por la batería. El ambiente fastuoso no tarda en asentarse de manera clara (asemejándose un poco al mejor Isildur’s Bane), pero en ningún momento se introduce Yugen en terreno sinfónico: de hecho, los momentos más formalmente relajados son los que en el fondo transmiten un aire de quietud amenazante e inescrutable, un misterio grisáceo que seguramente oculta algo siniestro tras su espumosa bruma. Los pasajes de mellotron surgen como una imagen del limbo que traspasa las barreras de la realidad y la trastoca sin violentarla… pero sí hay violencia en el abrupto ingreso de un minúsculo motif potente en el sexto minuto y cuarto. De este modo, el terreno está preparado para el pasaje final, basado en un compás de 15/8 que expone un dinamismo especial para el estándar del chamber-rock. Todo el esplendor al cual nos condujo la pieza 8 se contrapone con el ejercicio de minimalismo mellotrónico que supone ‘Skellotron 003’, el mismo que a su vez haya su contrapeso en ‘Le Rovine Circolari’, toda una espiral neurótica que nos brinda un matrimonio intenso entre el King Crimson 73-75 y Univers Zero, ampliamente sazonado con intromisiones caóticas semejantes a las que hallamos en los temas 2 y 4. Algo de esta onda muscular dentro del RIO también puede hallarse en los discos de 5uu’s y Thinking Plague. Las amplias cadencias lánguidas exploradas en esta pieza se extienden en cierto grado en el interludio ‘Anastomosi’. La ruda y opulenta extravagancia de ‘Danze Corazzate’ nos brinda un nuevo vendaval, el cual da la apariencia de disolverse en el fade-out demasiado pronto. El último interludio, precisamente el tema homónimo, es un étude de piano que me recuerda mucho al que había dado inicio al disco; la última pieza, ‘Incubi Concentrici’, se explaya con ágil reiteración en motivos y ambientes de predominancia lírica, tal vez afines a lo que solía hacer Miriodor en los 80s y 90s. Así concluye este estupendo disco de Yugen, banda italiana dispuesta a generar talento y fuerza suficientes para revitalizar en proporciones geométricas la desafiante herencia del RIO en la presente escena progresiva. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola Asunto: KANSAS: Two for the Show KANSAS: “Two for the Show” (reedición de 2008) Temas del CD1 1. Song for America – 7:31 2. Point of Know Return – 3:07 3. Paradox – 4:09 4. Icarus - Borne on Wings of Steel – 5:58 5. Portrait (He Knew) – 5:19 6. Carry On Wayward Son – 4:38 7. Journey from Mariabronn – 8:55 8. Dust in the Wind / Acoustic guitar solo – 6:19 9. Piano solo / Lonely Wind – 4:29 10. Mysteries and Mayhem – 4:01 11. Excerpt from Lamplight Symphony – 2:39 12. The Wall – 4:54 13. Magnum Opus – 11:18 Temas del CD2 1. Hopelessly Human - 8:44 2. Child of Innocence - 7:47 3. Belexes - 4:34 4. Cheyenne Anthem - 6:55 5. Lonely Street - 8:20 6. Miracles Out of Nowhere - 7:59 7. Drum solo / The Spider - 7:41 8. Closet Chronicles - 6:55 9. Down the Road - 3:44 10. Sparks of the Tempest - 5:19 11. Bringing It Back - 7:07 Integrantes - Phil Ehart: batería, percusión - Dave Hope: bajo, coros - Kerry Livgren: guitarras, piano, sintetizadores, clavinet, coros - Robby Steinhardt: violín, percusión, voz, coros - Steve Walsh: órgano, sintetizador, vibráfono, congas, voz, coros - Rich Williams: guitarras Tenemos ahora en nuestras manos una de las maravillas más grandes de la industria musical digital para el género progresivo en este año 2008: la reedición remasterizada y notablemente ampliada de “Two for the Show”, el electrizante disco en vivo que hace 30 años dio probada constancia de la robustez, energía y calidad preformativa de Kansas. Este disco fue editado en el momento cumbre de la banda tanto a nivel artístico como comercial, con dos discos de estudio precedentes (“Leftoverture” y “Point of Know Return”) que la habían puesto en las grandes ligas del negocio y con una fanaticada que parecía ampliarse hasta el infinito. El tocar en campos polideportivos, estadios y grandes teatros desde inicios de 1977 les llevó finalmente en 1978 a dar mega-conciertos que duraban 2 ½ horas y más. Este disco recoge temas de varios conciertos de su gira tripartita desarrollada desde 1977 hasta 1978, pero se nota un sentimiento bastante fluido en la escucha. El vinilo doble original de “Two for the Show” daba constancia de una banda en plena forma, pero ahora con esta reedición de Sony nos podemos dar cuenta de toda la dimensión de esta magnificencia sonora. Kansas muestra aquí todas las facetas de su oferta musical con total brillo igualmente repartido en todas ellas: la predominante pomposidad sinfónica, los momentos pesados llenos de sofisticación, los elementos blues-country-bluegrass que llaman a la tierra natal, los momentos peculiares donde emergen solos de guitarra acústica, piano o batería,… todo está allí plasmado con vigor. El librito contiene copiosas fotos (incluyendo a un Walsh bailando a lo Jim Morrison para enamorar salvajemente a las chicas del público, y también a un Steinhardt mirando a la nada mientras se interna mentalmente en sus línea de violín... !imágenes impredibles!) y comentarios históricos, aparte de la transcripción de la dedicatoria al joven fan que perdió la vista en un serio accidente de tráfico tras un concierto de esta gira. El hecho de que las guitarras o teclados duales (dependiendo del rol de Livgren en el momento dado) se repartan en diferentes canales de audio ayuda a disfrutar de y entender la inteligencia vertida en las interacciones instrumentales de la banda. Claro está, también ayuda a realzar la labor de Steinhardt, protagonista en numerosas ocasiones desde su rol de violinista. Cabe señalar que este disco ha recibido excelentes comentarios y también muy buenas ventas, llegando incluso a ocupar el no. 1 de ventas en CD Universe por una semana. No hay mucho que añadir sobre el CD1 a que no se haya dicho ya sobre la primera edición de “Two for the Show”. Contiene las versiones definitivas de ‘Icarus’, ‘Portrait (He Knew)’, ‘Mysteries and Mayhem’ (más frenético de lo usual), ‘Journey from Mariabronn’ y ‘Magnum Opus’; versiones muy fieles a las de estudio de ‘Paradox’ y ‘The Wall’; una versión forzadamente recortada de ‘Song for America’; y por último, la omisión de ‘Closet Chronicles’, una de las piezas más impresionantes del “Point of Know Return” y uno de los picos absolutos del “Two for the Show” en vinilo. Pero esta omisión específica se resuelve gloriosamente en el CD2, el cual contiene en total 11 canciones extra. Pero no es con el recuperado ‘Closet Chronicles’ que comienza el CD2, sino con ‘Hopelessly Human’, el cual abría los conciertos de la primera mitad de esta híper-gira. Esta versión expandida comienza con un breve preludio etéreo, seguido por las primeras 16 barras de ‘Incomudro’, para luego dejar paso a la canción misma. El grupo ya está entrado en calor, con una sinergia impecable y una potencia muy bien administrada: cerca del final, Steinhardt debe sacrificar sus últimas líneas de violín para ponerse a tocar las siete escalas de las campanas tubulares. No, Kansas no usó un playback, las campanas eran en vivo y en directo. ‘Child of Innocence’ y ‘Belexes’ nos transportan a tiempos anteriores de la gloria comercial de Kansas: ‘Child’ viene precedido de un estupendo jam en clave R’n’B, mientras que ‘Belexes’ es ejecutado “a mil por hora”, siendo así que la velocidad extra le resta dramatismo pero lo compensa con una mayor explosividad. ‘Cheyenne Anthem’ tiene la peculiaridad de que llena más los espacios de violín y sintetizadores duales en el juguetón interludio. ‘Lonely Street’, ‘Down the Road’ y ‘Bringing It Back’ nos muestran, sin tapujos ni excusas, la faceta más netamente provinciana de Kansas. Solo ‘Down the Road’ sigue fiel al esquema de la versión en estudio, pues las otras dos piezas se benefician de arreglos expansivos que seguramente servían de contrapeso a la complejidad lírica de los temas más progresivamente épicos del grupo: ‘Lonely Street’ nos muestra a un Walsh genialmente inmerso en el dolor tanático y destructivo del protagonista (un cowboy de mala muerte que añora vengar con sus propias manos la muerte de su novia prostituta), mientras que ‘Bringing It Home’ mantiene a Steinhardt dibujando mil y una siluetas con su violín, a veces acompañado de la potente guitarra de Williams. Con esta versión me quedo definitivamente convencido de que esta canción pertenece más al grupo que al autor original J. J. Cale (como pasa con Hendrix y el ‘All Along the Watchtower’ compuesto por Dylan). ‘Miracles Out of Nowhere’ es ciertamente una de las más bellas y envolventes composiciones de Livgren: en esta versión se incluye un solo de órgano a cargo de Walsh, donde se alternan estilizadas estratagemas barrocas y retazos hard-blues rock de tipo Jon Lord. También demos mencionar los nuevos arreglos de múltiples teclados que reactivan el colorido contrapuntístico del interludio a fin de Scar provecho de los condicionamientos propios del vivo. Y va otra sorpresa más para quienes solo conocían superficialmente a Kansas – que Phil Ehart es un baterista como la copa de un pino. El solo de 5 ½ minutos que elabora aquí muestra al desnudo las influencias recibidas de Barriemore Barlow y Carl Palmer, a la par que su dinamismo particular: este solo deriva en una versión electrizante de ‘The Spider’, una de las composiciones más laberínticas que se hayan gestado jamás en el mundo de Kansas. En todo caso, es una pena que el comienzo de ‘Portrait’ se desvanezca en el fade-out – hubiese sido ideal que se hubiese publicado un continuum entre ‘Spider’ y ‘Portrait’, y de ahí a ‘Carry On…’. Ahora bien, esto hubiese significado tal vez sacrificar otro tema del CD1, por lo que la alternativa viable era editar el doble CD con una recuperación de los repertorios originales de tales conciertos. En fin, son solo ideas que se me ocurren. El penúltimo tema del CD2 es ‘Sparks of the Tempest’, tema que cerraba algunos conciertos (cuando no lo hacía ‘Magnum Opus’): la principal gracia de esta versión es que termina con un largo playback de la sección final, lo cual mantiene al numeroso público dando palmas al ritmo de la pieza cuando el grupo ya ha abandonado el escenario. Bueno, no he podido ocultar mi entusiasmo personal a través de estas minuciosas descripciones. Termino, pues, esta reseña reiterando que este “Two for the Show” doble es tal vez el relanzamiento progresivo más alucinante del año 2008, y ciertamente, un testimonio de la esencia musical más pura de Kansas en la plenitud de su esplendor creativo. Citando a Robby Steinhardt en la coda de ‘Magnum Opus’: “Gracias por ser un público tan grandioso… !y buenas noches de parte de Kansas!” César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Raul Bonilla" Asunto: Time's Forgotten "A Relative Moment Of Peace" 2006 Time's Forgotten : "A Relative Moment of Peace" (2006) Discográfica: Independiente. Temas: 1. Of Raindrops and Windowpanes. 2. Walking Towards the Sun. 3. This Troubled Heart of Mine part I. 4. This Troubled Heart of Mine part II-III. 5. Contemplation. 6. Never Away. 7. Tearing Me Apart. 8. Look at Me. 9. The Spectrum of Light. 10. This Troubled Heart of Mine part IV. Músicos: - Juan Pablo Calvo: teclados, programación, voces. - Jorge Sobrado: batería, percusión, programación. - Ari Lotringer: guitarras, coros. - Francisco Longhi: voces. - Carlos Pardo: bajo. Disco debut de la banda costarricense Time's Forgotten editado a finales del 2006 pero que no fue sino hasta hace unas semanas (debo de admitir no sin cierta verg=FCenza porque esperé demasiado) que lo adquirí, escuché pero sobretodo disfruté. Lo de TF podría fácilmente ser encasillado dentro del prog metal. Craso error. Yo los ubicaría mas en los terrenos de Porcupine Tree, no porque suenen similares aunque las influencias están ahí, sino más bien por que ambos amalgaman una serie de estilos para crear algo original y sin etiquetas. Es este precisamente uno de los fuertes del ARMOP...TF ha logrado crear un sonido propio en que se pueden adivinar sus influencias (que todos las bandas las tienen) pero sobretodo suena a TF y eso no es fácil de conseguir. La electrónica, el progresivo, el metal, el trip hop, jazz y hasta un poquito de celta son los ingredientes de este magnifico disco que estos hábiles, entusiastas y virtuosos músicos nos regalan. Conceptual como debe de ser, ARMOP es un continuo ir y venir de emociones: tristeza, soledad, angustia, alegría, desesperación, etc. que no solo lo vive el protagonista de la historia, sino también quien lo escucha. Y cambiantes no solo son las emociones, los increíbles paisajes musicales lo son también. Desde el comienzo del disco con ese cello triste y profundo pasando por los agresivos riffs, calmados pasajes en acústica y solos de guitarra interpretados con técnica y sentimiento por Lotringer, los teclados de Calvo que no tienen nada que envidiarle a Rudess, Wright o Kelly ya sea haciendo solos o creando atmósferas, los pasajes casi jazzisticos hechos por la buena dupla rítmica de Sobrado y Pardo, pero sobretodo esos efectos: la omnipresente lluvia agregando nostalgia, los loops llenando el espectro sonoro y todo esto acompañado de la gran voz de Longhi que le imprime una identidad diferente a cada canción, su voz se acopla como guante a la mano a la música de TF. Es difícil destacar una canción sobre otra en este impresionante disco. This Trouble Heart of Mine es la pieza central con sus 36 minutos (casi la mitad del álbum) y resume a la perfección el sentimiento general de la obra. Never Away cuenta con la angelical voz de la invitada Betsy Murillo y Contemplation hace ecos a Enigma aunque de una manera que haría sentirse celoso a Michael Cretu. El disco cierra de manera magistral tras unos minutos de silencio con una coda a guitarra acústica tan hermosa que estoy seguro es motivo de orgullo para estos muchachos. Podría concluir diciendo que este es el mejor disco de prog metal desde Scenes From A Memory, pero no lo voy a hacer porque personalmente pienso que sería encasillarlos injustamente. Solo voy a decir que no me entusiasmaba tanto con un disco de música progresiva desde el Signify y el Pawn Hearts. Puntuación: 9/10 www.timesforgotten.com www.myspace.com/timesforgottenband.com Raúl Bonilla, San Pedro, Costa Rica ---------------------------------------------------------------------------- Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola Asunto: OCTOPUS "Coda" OCTOPUS: “Coda” (2008) Temas 1. Slussen 2. Zeitgeist 3. VI – I – VII 4. Momentum Kriget Integrantes - Cristóbal Orozco: baterías - Jorge Benavides: guitarras - Braulio Aspé: bajo - Fernando Daza: guitarras Colaborador – Pepe Lastarria (gritos guturales en 2) El ensamble prog-metal técnico chileno Octopus vuelve al ruedo con un mini-CD de menos de 24 minutos de duración: duración concisa para un repertorio dispuesto a no dejar heridos ni tomar prisioneros. El oyente está cordial y enérgicamente invitado a retirarse antes de tiempo o a seguir adelante para dejarse envolver en esta ágil y electrizante capa de sofisticado acero. Empaquetado en un fastuoso digi-pack que incluye en sus créditos una transcripción de las partituras correspondientes a cada uno de los cuatro temas del repertorio, “Coda” nos expone otro manifiesto de la fuerza avasalladora y explosivamente metalera de la banda dentro de un contexto progresivo alimentado por el thrash, el math-rock y la psicodelia de talante frontalmente heavy. Las metrallas de pulsaciones afiladas con las que comienza ‘Slussen’ nos anuncian sin tapujo alguno que la fuerza de Octopus no ha perdido un ápice de su contundencia en el periodo de “letargo” entre el fin de las grabaciones de “Bonsái” y el inicio de las de “Coda”. La maquinaria armada entre los riffs guitarreos y la dupla rítmica establece un encuadre adecuado para los neuróticos fraseos de la guitarra solista. Continuando con la misma tendencia de aplanadora metálica, ‘Zeigeist’ tiene una vibración más sombría, algo que se puede notar desde los riffs de entrada. La inclusión de gritos guturales alimenta la tensión creada a través de la pieza, mientras que los samplers de reflexiones filosóficas que cuestionan la validez de las creencias cristianas completan el cuadro de inquietud desde un plano intelectual. Se nota que Octopus quiere hacer de su música (también) un vehículo para que el mundo real se manifieste ante sí mismo, pues en el disco “Bonsái” habían varios samplers de discursos de presidentes y primeros ministros varios que versaban sobre la guerra y la violencia. ‘VI – I – VII’ tiene un arrebato menos frenético que los dos temas precedentes, pero tal vez una densidad un poco mayor, y definitivamente, un desarrollo más versátil. Los compases que marcan los momentos sincopados son más pronunciados; la inserción de secciones emparentadas con el space-rock añaden matices inesperados (ojalá hubiesen tenido una mayor expansión). El motivo que emerge pasados los 3 ½ minutos deriva en una mayor agilidad, la misma que se sostiene básicamente en la metralla propia del prog-metal técnico con raíces thrash, creando así los cimientos para el clímax final. Los últimos 5 ½ minutos de “Coda” están ocupados por ‘Momentum Kriget’, un sólido ejercicio de prog metal sazonado con pasajes de corte jazz-rock y ocasionales fraseos solistas de ribetes crimsonianos. El riff mecánicamente machacón con el que el grupo se enfila hacia el largo fade-out arrastra eficazmente la adrenalina desplegada en esta pieza en particular y en todo el disco en general. “Coda” es una obra que no defraudará en lo absoluto a los conocedores/apreciadores de Octopus: en todo caso… ojalá hubiera sido un poco más larga. César Mendoza ----------------------------------------------------------------------------