LA CAJA DE MUSICA LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO ============================================================================ LCDM: #829 abril 2008 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM ---------------------------------------------------------------------------- * Baja Prog 2008 (2a parte) * Trisector" - Requiem para VDGG * Potemkine "Triton" * Fermata "Huascaran" * Pazzo Fanfano di Musica * Jean Michel Jarre en Barcelona * Roger Hodgson y The Logical Group * Re 2Dedición_de_los_CD_de_Anglagard * KENSO 2002 * 5uu's "Hunger's Teeth" * Caso cerrado (sobre autorias) * oticias interesantes de Sigur Ros * MAMFest 2008 * MamFest ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Jorge Padilla L Asunto: Baja Prog 2008 (2a parte) (Sin afanes de lucro y tan sólo por difundir algunos de los eventos de la música progresiva, aquí concluye la 2á parte de esta crónica.) Baja Prog: una crónica progresiva (II Y ÚLTIMA) Fue en el Teatro del estado de Mexicali, en uno de los recesos que entre banda y banda ocurrían durante el festival Baja Prog XII (26 a 30 de marzo pasado), cuando alguien nos presentó a Gilberto el Waca Monreal. No lo conocíamos ni de nombre. Seguramente usted, querido lector, si no es oriundo de Chicali, tampoco. Hablando con él, en pocos minutos nos dimos cuenta de que su memoria de casi ochenta años albergaba enormes tesoros por conocer. Se trataba, en suma, de uno de esos animales en extinción que se ganaron su estatus de leyenda en el rock cachanilla a base de justicia y amor a la música. Experto en el bolero y el rock & roll, rápidamente dejó en claro que detestaba "la música de patada y ruido". Nos dijo que pudo haber sido millonario. Que le ofrecieron trabajos fuera del país, pero que a lo más lejos que llegó fue a Caborca y a Tijuana, lugares en donde las bandas competidoras se portaron siempre mal. Nos habló de cómo en lugar de contrabajo usaban una tina metálica tensada por un palo de escoba con una cuerda, de cómo se puso una bacinilla en la cabeza para cantar en una fiesta, de cuántas veces le propusieron grabar sin que nada lo convenciera de meterse a un estudio para fijar su voz en acetato. Además confesó: "Para qué componer canciones habiendo tantas tan buenas." Notando nuestra felicidad por su conversación, don Waca dijo con gravedad: "Me gustaría que me fueran a escuchar con la Caravana de Estrellas Cachanillas, allá en el bar del Sanborns." Le dijimos que sí. Por la noche, luego de ir al teatro para ver a los New Trolls (buena banda aunque demasiado apoyada por secuencias, incluso con la orquesta que la acompañaba), salimos directo hacia ese popular y extraño lugar en donde artistas como el Waca no reciben ni dinero ni un refresco por lo mucho que dan. En fin. Situación extremadamente "progresiva", la de escuchar a don Gilberto nos conmovió. Esmerado y con emoción dedicó "A mi manera" a sus "amigos de la bonita caravana de la música progresiva", e incluso se dio tiempo para bailar e improvisar algunas bromas: "!Ya no me acuerdo ni de mi vejez!" Experiencia inolvidable, a esa se agregarían algunas más, com= o la de conocer a Octopus, ese cuarteto chileno que, en el otro extremo de la vida y la estética, supo restregarnos en la cara un metal progresivo como no habíamos conocido en América Latina. Alfonso Vidales, tecladista de Cast Foto: myspace.com Herederos de Meshuggah, Atheist, Voivod, Watchtower, Machine Head, Cynic, Fear Factory, Spastic Ink y otras aplanadoras animadas por matemáticas febriles, sus integrantes mostraron el contenido de dos álbumes muy recomendables: Bonsai y Coda. Comandados por Cristóbal, su baterista, gracias a ellos pudimos enterarnos de la situación que vive la industria de aquel país donde la gente no paga por ver conciertos ni gasta en comprar un disco. (Quede de consuelo que, tras las limitantes, explota siempre la creatividad. Octopus es prueba de ello.) Otros que echaron luz sobre los nuevos caminos de la música experimental fueron los japoneses de Djamra, un quinteto f renético en el que sobresalieron los discursos del bajo y del saxofón, además de unos curiosos disfraces de cocinero. Mezcla del Naked City, de John Zorn y del Mr. Bungle, de Mike Patton, en su presentación cupieron las sonrisas y el virtuosismo, lo que contribuyó a aligerar la densidad que normalmente flota en estos eventos. Finalmente queda hablar sobre el organizador y fundador del Baja Prog: Alfonso Vidales. Personaje mítico de Mexicali, su profesión es la de notario, aunque acaricia el teclado desde niño gracias a que sus padres fueron pianistas clásicos. Líder del grupo Cast 96que este año contará con tres décadas y trece discos 96, lo que el compositor ha logrado en el desierto merece una investigación profunda. No se anda exhibiendo. No usufructúa. No manipula. Apenas conversa. Carga cajas. Dirige. Y aunque alguien diga que no lo conocemos bien, nos defenderemos como testigos que fuimos de su intensa personalidad, ésa que parece haber aprendido de las acciones y no de las palabras. Para conocer a estos y otros personajes, vaya usted al Baja Prog del próximo año. Eso sí: cuando llegue, en favor de su seguridad, no le diga a nadie que le gusta el Genesis más fresa ni que King Crimson parecer haber llegado a su final, no mencione a Dream Theater ni se le ocurra cargar un iPOD que delate su ecléctico gusto por el pop de los noventa. Créanos: es cuestión de vida o muerte (mentira, no se preocupe=85 aunque=85). Alonso Arreola alarreo@yahoo.com ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Marcelo V Asunto: Trisector" - Requiem para VDGG Van der Graaf Generator: "Trisector" (2008) Despues de leer por aqui un par de reseñas muy elogiosas para con "Trisector", tengo la sensacion de haber escuchado otro disco. Coincido en que es un trabajo directo, sin demasiadas vueltas, pero me parece que dista demasiado de las grandes obras de VDGG, particularmente de su segunda epoca: la de Godbluff, Still Life y World Record. Y aclaro que he escuchado estos albumes hasta el cansancio, y -aun hoy- con cada nueva audicion me siguen poniendo los pelos de punta. Los años pasan. No se si no se extrañan los estiletazos del saxo de Jackson, pero esta muy claro que Banton jamas fue un virtuoso de los teclados, a pesar del mayor protagonismo que tiene ahora. A su vez, me encontre con un Hammill mucho menos expresivo, mas apagado y menos emotivo. Las composiciones? Un instrumental agradable, simple y sencillito (Hurlyburly), un lindo tema algo hipnotico (Lifetime) y -tal vez lo mejor- un intento por emular las canciones apabullantes y complejas de antaño (Over the Hill), pero sin brillo. El resto me parecio material de relleno, mas digno de un disco de Hammill (que en calidad de solista no se ha destacado justamente por crear obras maestras) que de una de las bandas mas fantasticas del progresivo. Ya me habia llevado una buena decepcion con "Present", asi que no esperaba demasiado, pero "Trisector" me parecio muy flojito y este Van Der Graaf un grupo poco inspirado, sin gracia, que le hace un flaco favor a su fama muy bien ganada en los 70. Y me quede pensando que en el futbol, a medida que avanza el tiempo, los grandes jugadores corren cada vez mas despacio y participan menos en el juego, por mas que mantengan su calidad intacta. Claro que el sentido comun les indica que siempre hay un momento para retirarse y dejar para la posteridad la imagen de sus mejores jugadas... marceplus@hotmail.com ---------------------------------------------------------------------------- Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola Asunto: Potemkine "Triton" POTEMKINE: “Triton” (1977) Temas 1. Asyle 7:25 2. Crepuscula 4:57 3. Loolit II 8:29 4. Liberserim Urb et Chant de Viamor 3:59 5. Eiram 13:34 6. Loolit 3:05 (bonus track) 7. Zed 5:14 (bonus track) 8. Rictus 4:46 (bonus track) 9. Mystere 5:47 (bonus track) Integrantes - Charles Goubin: guitarras, piano, vocz - Philippe Goubin: batería, percusión (1 - 7) - Doudou Dubuisson: bajo (1 - 7) - Michel Goubin: piano, voz (4, 6 - 9) - Xavier Vidal: violín (6 - 9) - Gilles Goubin: bajo (8, 9) - Maurice Bataille: batería (8, 9) Segundo disco de Potemkine, banda francesa que encarnó una de las expresiones más entusiastas de la primera generación post-Magma. A diferencia de lo que encontraremos después en su tercera y última obra “Nicolas II”, en "Triton" el grupo todavía no está concentradamente enfilado por el sendero del jazz fusión, sino que mantiene su esencia bien insertada en un equilibrio entre los climas tensos del zheul y las cadencias brumosas del jazz-rock. Siendo tan importante como es el factor jazzero, éste parece cumplir principalmente el rol de revestir los climas insinuados en las ideas compositivas e imprimir un groove peculiarmente dinámico que no es tan común en el zheul. El título del disco evoca a la música diabólica prohibida, mas el disco en sí resulta muy pero que muy poco siniestro. ‘Asyle’ da inicio al disco con un fulgor contenido, sostenido tanto en los colores dibujados por el piano como en la manera en que el bajo se impone sobre la guitarra en el sonido grupal. Los quiebres de motivos que van emergiendo a partir del tercer minuto tienen un fuerte aire de familia en conexión con la naciente escena chamber rock francófona – en fin, la pieza termina con una retoma del motivo inicial. ‘Crepuscula’ guarda un aire más ceremonioso, arropado en un misterio que en buena parte brota desde los silencios engarzados entre los espartanos toques de piano. Cuando el ensamble entero entra en acción nos hallamos con una bella sección posiblemente inspirada en Weather Report: el rocío de piano en la coda completa pertinentemente el aire meditativo de la pieza. ‘Loolit II’ sigue con esta tendencia, apuntando también hacia climas nebulosos pero yendo más allá de lo meditativo: hay un momento especialmente interesante donde la guitarra emite un torturado solo a lo Frith (!qué pena que tenga que ser tan breve!). Para los últimos 2 ½ minutos, las cosas van adquiriendo matices un tanto más extrovertidos, lo cual ayuda a elaborar un clímax envolvente. ‘Liberserim Urb et Chant de Viamor’ suena a un híbrido entre el Soft Machine de los discos “4” y “5” y el primer Univers Zero: ágil y pleno en desarrollos melódicos bizarros, este tema abre con notorio esplendor la segunda mita del disco. ‘Eiram’ es el cierre épico del repertorio original de “Triton”: sus colores jazzeros que beben por igual de Weather Report como del Canterbury más elaborado se desarrollan de manera fastuosa merced al uso de elementos chamber rock. El CD incluye cuatro bonus tracks. Los dos primeros proceden de su disco debut “Foetus”, mientras que los dos últimos provienen de un single de 1974, en tiempos en los cuales el grupo dejó de hacer covers de Rolling Stones y Deep Purple para dedicarse a gestar y desarrollar lo que luego habría de ser su jazz-prog particular. Los dos primeros bonus se centran en colores dinámicos que muestran una sana influencia de parte de Return to Forever, siendo así que ‘Loolit’ es más ágil mientras que ‘Zed’ tiene una tendencia hacia lo claroscuro, incluyendo unos cuidadosamente suministrados adornos de corte vanguardista. Los dos últimos tienen un sonido más opaco, correspondiendo a la antigüedad y mediana producción de sonido del single que supuso el debut fonográfico de Potemkin: ambos temas tienen una cobertura jazz-rock un tanto más “purista”, semejante a lo que se puede encontrar en discos de Moving Gelatine Plates o… volvamos a mencionarlo, Mahavishnu. De este modo concluye este CD, un fabuloso ítem totalmente recomendable para los coleccionistas de las vertientes más escondidas del progresivo antiguo. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: C 9A9sar_Inca_Mendoza_Loyola Asunto: Fermata "Huascaran" FERMATA: “Huascaran†(1977) Temas 1. Huascaran I (13:41) 2. 80,000 (7:30) 3. Solidarity (6:34) 4. Huascaran II (11:13) Integrantes - TomÃ!Å! Berka: pianos, sintetizadores - FrantiÅ!ek GriglÃ!k: guitarra, sintetizador, piano - Ladislav LuÄeniÄ: bajo - Karol OlÃ!h: batería, percusión Colaboradores – Peter OlÃ!h (voz), Dezider Pito (violoncello) “Huascaran†es el tercer disco de Fermata, veterana y estupenda banda eslovaca cuyos discos estÃ!n entre los ítems mÃ!s cotizados de los coleccionistas de progresivo y jazz-rock: se trata de un disco conceptual inspirado en los horrores y desgracias originados por el terremoto que tuvo lugar en la sierra del Perú en 1970. Fermata tiene como referentes principales a Mahavihnu Orchestra y Return to Forever. ‘Huascaran I’ comienza con unas cortinas cósmicas de sintetizador sazonadas con flotantes destellos de piano eléctrico: cuando el ensamble entra en pleno, las cosas se ponen muy a tono con el estÃ!ndar del jazz-fusión sobre una cadencia funky. Hay que ver cuÃ!ntos paralelos se pueden hacer con Iceberg a pesar de que es muy dudoso que ambas bandas se conocieran mutuamente. Al llegar al quinto minuto se produce un breve momento de fastuosidad casi sinfónica que abre una brecha, la misma que se llena con un solemne dueto de piano y violoncello, el mismo que parece reflejar el duelo de los sobrevivientes y el reposo de las víctimas. Las cosas siguen siendo solemnes en la siguiente sección, enmarcada dentro del sinfonismo espacial de inspiración floydiana, con ciertos resabios clasicistas. La última sección retoma el frenesí del jazz-rock con tenues colores añadidos de corte Latin en algunas ocasiones. ’80,000’, la horrible cifra redondeada de los damnificados, da título a la segunda pieza del disco. Éste guarda un tenor mÃ!s notablemente dramÃ!tico que la colorida pieza de entrada, centrÃ!ndose en sonoridades de corte psicodélico (a veces casi pesado) sobre un esquema rítmico híbrido entre lo jazzero y lo blues-rock. Las irradiaciones hendrixianas de la primera guitarra y los efluvios zawinulienses del piano eléctrico comulgan de una manera misteriosa. La coda Latin-jazz saca lustre al perenne fuego desplegado a lo largo de la pieza. Como la idea de solidaridad apunta a las ideas de resurgimiento y hermandad, no es de extrañar que ‘Solidarity’ tenga un acento tan cÃ!ndido en su composición bÃ!sica y en su ejecución a cargo de la banda: ahora el referente principal parece ser el Santana clÃ!sico, aunque siempre con su dosis extra de polenta muy a lo McLaughlin. A pesar de su monotonía estructural, su vivacidad impide que sea un número aburrido… todo lo contrario. Engarzado con el final de ‘Solidarity’ surge ‘Huascaran II’, cuya primera sección nos hace evocar una vez mÃ!s l as bizarras coincidencias con Iceberg. Los jams desarrollados en la diversas secciones portan un aura tan optimista que solo me queda especular que en esta pieza se celebra el reencuentro con la calma de la Madre Naturaleza tras el terrible tormento telúrico. Aparte de los siempre increíbles solos de guitarra de GriglÃ!k, también tenemos los mejores solos de Moog del disco. Los últimos 100 segundos estÃ!n ocupados por efectos de sintetizador que emulan cantos y aleteos de aves. El CD contiene tres bonus tracks: ‘“15â€â€™, bien tirado al lado funky-jazz de Return to Forever; ‘Valparaíso’, un tanto mÃ!s denso e impetuoso, sin recurrir a sonoridades latinas a pesar de titularse como un puerto chileno; y finalmente, ‘Perpetuum 1’, el cual ofrece la propuesta mÃ!s compleja de los tres bonus. No me queda mÃ!s que recomendar este disco de Fermata a todos los coleccionistas progresivos que sientan particular sensibilidad por la vertiente jazzera del género: parece mentira cuÃ!nta calidad, energía e inventiva ha inspirado a tantos grupos desde rincones tan dispares del mundo. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola Asunto: Pazzo Fanfano di Musica Musica PAZZO FANFANO DI MUSICA: “Pazzo Fanfano di Musica” (1989) Temas 1. Preludio (0:50) 2. Fiori per Algernon (7:58) 3. Sospiri del fiore (3:32) 4. La dolce follia (5:11) 5. Agilmente (1:37) 6. Intermezzo I (1:32) 7. Affettuoso (5:54) 8. Fragoroso (4:34) 9. Intermezzo II (1:20) 10. Onde (6:12) 11. Anniversario (10:35) Integrantes - Takashi Aramaki: guitarras - Katsuhiko Hayashi: órgano, mellotron, clavicémbalo - Takashi Kawaguchi: violín - Kazuhiro Miyatake: flauta - Motoi Sakuraba: piano - Nobuyuki Sakurai: batería - Kyoko Sugimoto: piano, clavicémbalo - Tadashi Sugimoto: bajo, cello, contrabajo - Megumi Tokuhisa: cantos - Tomoki Ueno: órgano, mellotron Pazzo Fanfano di Musica es el nombre de un poblado proyecto progresivo japonés gestado para rendir homenaje al rock sinfónico y darle una especie de vuelta de tuerca para acercarla al esquema tenso del chamber-rock, cuando no estableciendo puentes con sonoridades acústicas de raíz bucólica. Más que un súper-grupo se trató de un súper-proyecto, pues la intención de Pazzo Fanfano di Musica (las iniciales PFM ahondan simpáticamente en la idea de homenaje, aunque a la hora de la verdad resulte una referencia confusa) nunca fue embarcarse seriamente en una trayectoria discográfica. Gente de Mr. Sirius, Pageant, Magdalena, Vienna, Teru’s Symphonia (incluso el bajista-cellista Tadashi Sugimoto es actualmente miembro de Outer Limits) se congregó en torno a esta curiosa idea. ?Y qué hay sobre los resultados artísticos? Pues a quien esto escribe le parecen muy satisfactorios, pues este copioso ensamble logra crear un ambiente retro bastante colorido, utilizando ideas compositivas atractivas y efectivas, desarrolladas con inteligencia, combinadas elegantemente en sus mutuos contrastes. Un hermoso y sutil preludio de guitarra clásica da inicio a un repertorio que pronto se devela pintoresco. ‘Fiori per Algernon’ establece un casamiento entre el New Trolls sinfónico, Luciano Basso y, sorpresa, sorpresa, Univers Zero/Opus Avantra en los pasajes que irrumpen insertando cadencias tensas y tenebrosas. El tercer tema es una delicia pastoral donde la guitarra y la flauta reflejan los colores propios de una alegre mañana primaveral. ‘La Dolce Follia’ comienza con sonidos de flauta, pero éstos tienen resabios más neuróticos, especialmente cuando están acompañados de unos perturbadores arpegios de guitarra eléctrica: este preludio viene seguido de una sección de cuerdas que abre la puerta a otro estupendo ejercicio de chamber-rock, no ajeno a ciertos adornos ocasionales de influencia barroca – la sección final es puro rock sinfónico. Las dos siguientes piezas nos transportan al barroco palaciego y a la juglaresca renacentista, respectivamente; ‘Affettuoso’ retorna a las delicias barrocas, siendo así que la entonación típicamente nipona de Megumi Tokuhisa añade un raro pero efectivo exotismo al asunto. ‘Flagoroso’ nos trae de vuelta el sentido de homenaje al rock sinfónico, teniendo como principal punto de referencia a Luciano Basso: los ornamentos de corte chamber-rock ahora son anecdóticos. El segundo ‘Intermezzo’ nos devuelve las evocaciones del añejo laúd en la guitarra clásica. ‘Onde’ se hace eco directo de la espiritualidad contemplativa del tema anterior y lo lleva hacia las esferas más entrañables del romanticismo: el violín y el cello se alternan en dibujar colores conmovedores sobre los sobrios trayectos dibujados por el piano, cumpliendo así con el cenit clasicista del disco. La pieza de cierre retoma parcialmente el esplendor que tanto impacto habían causado en ‘Fiori per Algernon’. Comenzando con una serena balada bucólica, las cosas poco a poco se van tornando más fastuosas y etéreas con la inserción de una sección orquestada donde las cuerdas y el mellotron crean una capa etérea. El retorno frontal a los ambientes bucólicos prepara el terreno para la insospechada irrupción de un pasaje moderadamente oscuro a pocos segundos del séptimo minuto: dicho pasaje es tan solo un puente hacia el clímax sinfónico cuya con una tenue coda pastoral. Tenemos, pues, un disco portador de una belleza rara aunque no desprovista de estándares tradicionales propios del esquematismo clásico y suavidad pastoral. Pazzo Fanfano di Musica nos ha ofrecido una obra estupenda, original a través del uso de sonoridades de origen reconocible. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: javih@ya.com Asunto: Jean Michel Jarre en Barcelona Jean Michel Jarre en Barcelona, abril 2008 Pues ayer fui (pr primera vez, lo confieso) al Liceo por ver al "brujo del arpa láser", el ínclito Jean Michel Jarre, desde un modesto quinto piso (50 euros del ala anyway), donde el sonido cuando menos era muy bueno y la prespectiva permitía ver trastear los veintipico teclados que trae (bueno, él y tres teclistes más). Con algo de retardo, JM empezó saludando al respetable desde el bello medio de la platea y nos largó un discurso de diez minutos (con traducción simultánea incluida, bastante lamentable por cierto) dando las gracias y diciendo una y otra vez lo emocinado que se sentía por tocar en Barcelona. El caso era hacer minutos, supongo. Presentó los músicos y explicó que los teclados que lo acomañaban. Eran como viejas señoras a las cuales hacía falta tratar con mucho cuidado, y que vendrían a ser al mundo de la música electrónica aquello que los Stradivarius son por el mundo clásico: ARPs, mellotrones, VSC3s, Moogs, Prophets, Oberheims, un Theremin... bien, si habéis visto el DVD ya sabéis de qué hablo. Nos dedicó unos 50-55 miuntos de fiel recreación de su clásico Oxygene (no en vano, lo que tenían delante eran los cacharros majaretas originales con los cuales lo grabó) con algún pasaje nuevo, y finalizó con la primera parte del Oxygene 7-13. Más parlamentos y un bis con él solo en frente con tres teclados tocando algo que no identifiqué pero que sonaba mucho a él. Eso es todo amigos. Vi un JM que, en vez de concentrarse en su faceta de sintetista, no se desprendió de su ex-papel de estrella de espectáculo de masas, saliendo de su sitio y alentando al público a hacer palmas y tocando con posturitas. Un papel para mí fuera de lugar en aquellas circunstancias. Pero bien, él sabrá. Veamos, tengo la sensación de que francamente no hay pora tanto con este hombre (arsenal de teclados aparte, la verdad es que sólo por sentir y ver aquello valía la pena ir). No es precisamente el mejor teclista del mundo (más bien lo contrario), y tampoco hizo nada destacable con el Theremin. Pero mira, en su día supo aprovechar la oportunidad por convertirse en un fenómeno de masas y ahora puede ir a tocar al Liceo a 109 euros la platea (que era casi llena, por cierto). El Oxygen es un disco muy agradable de oír (para mí el primero), pero tampoco nada más. Total, tuve algo de sensación de obredimensión de todo. Pero pasé un buen rato. javi Herrera ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Josep M. Badia" Asunto: Roger Hodgson y The Logical Group Hola! El 24 de julio tendré la oportunidad de ver una vez más a mi ídolo, Roger Hodgson, en Sant Feliu de Guíxols. Más fechas actualizadas en: www.rogerhodgson.com Y para quien se conforme con los clónicos, The Logical Group actúan en Sabadell el 3 de mayo. www.thelogicalgroup.com Salu2! Josep M. Supertrempat ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Raul Bonilla" Asunto: Re 2Dedición_de_los_CD_de_Anglagard Saludos a todos los Cajeros y Cajeras Me imagino soy portador de buenas nuevas...a principios de los años noventa Suecia fue noticia con la salida al mercado de los grupos Anglagard, Anekdoten y Landberk. Los primeros lanzaron dos de los mas importantes discos de la década: Hybris y Epilog. Como todos saben ambos ya no se editan y conseguirlos ha sido toda una búsqueda del santo grial y ni que decir de los precios a los que se pueden conseguir en páginas de subastas en Internet. Sin embargo, parece que la espera por nuevas re-ediciones está pronta a acabar ya que el ex-Anglagard Mattias Olsson ha confirmado en su blog en MySpace que se ha reunido con sus excompañeros el día 19/20 de Abril para discutir como re-editaran los discos del grupo. Los mismos se han puesto la meta de decidir como hacerlo en una semana, es decir, para el 26/27 de Abril debería de anunciarse la forma en que Hybris y Epilog volverán a ser editados. Saludos desde Costa Rica, Raúl Bonilla ---------------------------------------------------------------------------- Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola Asunto: KENSO 2002 Scriptis KENSO: “Fabulis Mirabilibus De Bombycosi Scriptis” (2002) Temas 1. Fist of Fury (5:10) 2. The Cunning Madrigal (4:20) 3. Prelude to Concealment (2:23) 4. Wooden Horse Pathos (3:57) 5. The Split Gate (6:57) 6. Rebellion (4:04) 7. The Stairs for Dreaming (2:27) 8. Echoes From Romano (5:27) 9. The Daughter of a Recluse (2:10) 10. A Way of Living as Taro (2:40) 11. Doppelganger in the Night (1:14) 12. Isolated Jiro (4:14) 13. The Understanding (1:01) 14. A Grim Diary (5:53) 15. Amalgamation of Self and Others (1:36) Integrantes - Yoshihisa Shimizu; guitarras, sintetizador, bouzuki, otros instrumentos étnicos - Kenichi Oguchi: órganos, sintetizadores - Kenichi Mitsuda: piano, acordeón, sintetizadores - Shunji Saegusa: bajos - Masayki Muraishi: batería, batería electrónica Colaboradora – Keiko Kawashima (canto) Hace muy poco tiempo que he adquirido este disco de Kenso: con un título tan largo como “Fabulis Mirabilibus De Bombycosi Scriptis”, porta una sonoridad tan densa y agresiva como la que unos pocos años después el mismo grupo desarrollará en su disco de 2006 “Utsuroi Yuku Mono”. El hecho de conocer ambos discos en orden cronológicamente inverso no afecta el hecho de haberlos disfrutado con entusiasmo – Kenso definitivamente ha sabido reformular creativamente su ya afianzado sendero musical con el brote de sonidos más patentemente enérgicos sin renunciar al esencial refinamiento de este ensamble japonés. Los guitarreos zeppelinianos con que se inicia el primer tema hayan apropiados eco y expansión en la vibrante dupla rítmica: con la entrada de los dobles teclados las cosas adquieren una dosis extra de psicodelia, incluso llegando a tantear el terreno del prog-jazz-metal de un LTE. Con este puñetazo furioso nos podemos asustar pensando que nos han empaquetado el CD equivocado. Con las líricas ambientaciones de ‘The Cunning Madrigal’ las cosas vuelven a la situación normal dentro del mundo musical de Kenso, aunque cabe señalar que los fraseos jazzeros de la guitarra portan una rara densidad en ciertos pasajes. Las sonoridades power no tardan en emerger en los momentos más vivaces de la pieza. ‘Prelude to Concealment’ ofrece una bizarra combinación de Gentle Giant y jazz-rock pesado: a pesar de no durar mucho, este tema deja huella en la memoria del oyente, sobre todo por la sorpresiva inclusión de una coda fusionesca de corte arábigo. La energía es recogida en el muy estilizado y melódico ‘Wooden Horse Pathos’, así como en el dinámico ‘Rebellion’ (muy a lo Return to Forever). Entre ambos temas, el lirismo exótico de ‘The Split Gate’ es simplemente arrebatador, un oasis de la tradicional magia kensoniana que permite a la banda mantener la conciencia sobre sus raíces más allá de sus inquietas aventuras sonoras. Es una pieza muy bella y también muy entrañable, y eso que no se trata de una pieza que calificaríamos como tremendamente comercial. ‘The Stairs for Dreaming’ es una breve pieza con base en el bouzuki (siempre hallamos cosas como ésta en los discos de Yoshihisa Shimizu y co.). Los aires del Asia Menor están “a la orden del día”, lo cual ayuda mucho en la transición a ‘Echoes from Romano’, pieza cuyo preludio tiene una evocativa raigambre exótica: la sección principal torna hacia un jazz-rock con acentos sinfónicos: en algunos momentos, un acordeón que se las apaña muy bien para ocupar un rol importante en medio de los ágiles fraseos de guitarra y las ricas capas y orquestaciones de teclados. ‘The Daughter of a Recluse’ es una pieza serena que maneja de manera magistralmente delicada una serie de fugas y contramelodías, casi haciendo un replanteamiento “dulcificado” del chamber-rock. De esta manera se abre el camino para un tema cándido como ‘A Way of Living as Taro’, que más parece de Ain Soph que de Kenso. El undécimo tema es básicamente un solo de guitarra a lo Hendrix (menos ruidoso) que escala hacia un clímax disonante a modo de prólogo para el duodécimo tema, un ejercicio de jazz-rock controladamente tenso, no precisamente frenético, con guiños disonantes a la música vanguardista mas sin apelar a artilugios siniestros. El décimo tercer tema nos devuelve a ambientes evocativos, atravesados por una dulce nostalgia… una sensación que no dura mucho pues ‘A Grim Diary’ trae un vigor jazz-funky inspirado por Holdsworth, Brand-X y Happy the Man. El disco concluye con un epílogo etéreo, armado a partir de una experimentación desencajada cuya sonoridad distante le impide ser chocante – un final extraño, y a la vez pertinente para un disco especial dentro de la trayectoria de Kenso. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola Asunto: 5uu's "Hunger's Teeth" 5 UU’S: “Hunger’s Teeth” (1994) Temas 1. Well... Not Chickenshit (6:35) 2. Roan (3:03) 3. Mangate (2:55) 4. Geronimo (4:51) 5. Glue (2:41) 6. Opportunity Bangs (5:18) 7. The Shears (1:25) 8. Bachelor Needle (2:16) 9. Truth, Justice, and the American Way (5:35) 10. Equus (5:06) 11. Traveler Waits for No One (3:27) Integrantes - Sanjay Kumar: teclados - David Kerman: batería, guitarras, teclados - Bob Drake: voz, bajos, guitarras, violines Colaboradores – Thomas Dimuzio (sintetizadores), Susanne Lewis (voz), James Grigsby (guitarra, vibráfono, bajo), Michelle Bos (percusiones concretas, ocarinas) Tras su paso por Cartoon, banda pionera del RIO estadounidense, David Kerman decidió seguir adelante con su misión de crear y difundir rock vanguardista sin concesiones ni miramientos (pero el público de MTV no estaba escuchando). 5uu’s es el grupo que formó en 1984, y “Hunger’s Teeth”, mi primera aproximación a esta banda, es su tercer trabajo discográfico. Yendo a la par que sus colegas de Thinking Plague y Birdsongs of the Mesozoic, 5uu’s recoge con entusiasmo y fruición las herencias de Univers Zero, el Zappa más bizarro y Art Bears a fin de crear un rock cuyo filo experimental se enriquezca con sonoridades potentes que capitalicen los perturbadores motivos y texturas contenidos en cada pieza. El disco comienza con ‘Well… Not Chickenshit’, vital y complejo manifiesto del tipo de viaje sonoro al cual 5uu’s invita al oyente poco temeroso de los desafíos estéticos. Las imposibles progresiones de acordes y contrastes portan una aureola de rebeldía afín a los delineamientos clásicos de Frith, Cutler y compañía. ‘Roan’ ofrece un ambiente marcial tenebroso e irreal, como si se tratara de la cabalgata de un ejército de seres espectrales, similar a los momentos más épicos del Henry Cow con Dagmar Krause. ?Y qué tenemos en ‘Mangate’, ‘Geronimo’ y ‘Glue’? Sucesivamente: efectos de malas transmisiones e interferencias de radio que hubiesen llenado de orgullo al Faust de “Faust Tapes”; cadencias exóticas aleatoriamente recicladas a través de una minuciosa deconstrucción multicolor; un homenaje directo para el Art Bears más lúdico. Esta peculiar trilogía refleja muy bien el núcleo mismo de las inquietudes implacablemente desafiantes encapsuladas en el ideario de 5uu’s. ‘Opportunity Bangs’ prosigue con la explotación de la huella de Art Bears, aunque con una dosis extra de entusiasmo surrealista que bien puede indicar una herencia de los mismísimos Cartoon. Y esos torturados fraseos de guitarra donde confluyen lo más loco de Fripp y lo más inescrutable de Frith… una intensidad verdaderamente indescriptible. ‘The Shears’ es una breve coral retorcida, inspirada en (o parodiando a) las comedias musicales de Broadway que se desarrolla entre puertas que se abren y cierran, personas murmurando de manera parsimoniosa... en fin, un extravagante preparativo para el menos raro pero igualmente disonante ‘Bachelor Needle’. ‘Truth, Justice and the American Way’ es una descarada parodia (no hay lugar a confusiones) de las canciones patrióticas, ceremoniosas y épicas – el grupo da rienda suelta a su inconformismo político con una cursilería sentimentalona tan patente que queda convertida en una experimentación en sí misma. ‘Equus’ nos devuelve a los negocios habituales de 5uu’s, creando pura perturbación sonora, esta vez con un ropaje más etéreo que de costumbre, como si fuese una frágil cubierta de falsa calma que no logra contener totalmente la ebullición visceral en el trasfondo. ‘Traveler Waits for No One’ retoma una vez más el dadaísmo relativamente parco de Art Bears y el colorido surrealista de Cartoon, cerrando así el disco con un espíritu lúdico. Ésta mi primera experiencia con 5uu’s ha sido gratificante, lo cual me ha resultado posible porque estaba en disposición de ser desafiado, estar sujeto a la lógica de la sorpresa y la aventura. De eso se trata cuando uno aborda un disco de 5uu’s, ponerse en una predisposición cerebral que te permita empezar a crear una empatía con la banda en cuestión de manera gradual y productiva. “Hunger’s Teeth” queda como una obra vitalizadota dentro del RIO hecho fuera de los círculos europeos (usualmente, los más difundidos). César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Marcelo Rey" Asunto: Caso cerrado (sobre autorias) Queridos Cajeros, Mis opiniones son siempre un tanto generales (esencialmente informativas), pero con descuartizadas indagaciones en lo previo y hasta una locuacidad un poco puntillosa demas. Por ende, en las ultimas Cajas me exprese con la mesura que me acostumbra, sin buscar directamente la polemica (como siempre), intentando cicatrizar por todos los costados la quimerica contingencia de algun ataque precipitado a mis expresiones estudiadas, inocuas e integrales, sobre la supuesta falta de citas a musicos clasicos, por parte de otros artistas modernos, cuando estos se convirtieron muy temporalmente en usurpadores de otras obras. El tema era interesante, pero quizas fui imprudente al dar el nombre especifico de un cajero en particular y extender mis entregas en demasia, obteniendo unas determinadas reacciones juiciosas y sensatas, pero no siempre precisas con el tenor de mis escritos, usualmente ajenos a especulaciones ideologicas en profundidad. Y si bien coexisten errores de interpretacion (es lo estetico que yo veo como algo puntilloso o casi frivolo, nunca lo etico; la longitud, el caracter inconcluso y un incierto efecto comercial no deberian ser una disculpa para apropiarse de una pieza original, por supuesto, son algunas alusiones que arranque a vuelo de pajaro de un estudio oficial sobre los derechos de autor, realizado en la Universidad de Indiana por el Profesor Kenneth Crews en tiempos recientes; etc.). Estimado Hector, aprecio sinceramente que analizaras lo que escribi, pero no era para tanto y pienso que este caso esta definitivamente cerrado por ahora, asi no hacemos sufrir mas a los otros miembros del foro, con derivaciones circunstanciales. Marcelo Rey (Uruguay) ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Jorge Padilla L Asunto: Noticias interesantes de Sigur Ros Hola a todos! Hay noticias interesantes de Sigur Ros. sigur ros en los estudios abbey road 24 Abril 2008 sigur ros actualmente se encuentra grabando en el estudio uno de abbey road un corte con un coro juvenil y una orquesta de 67 musicos. en una reciente entrevista dada al periodico morgunblaTHiTH, orri revelo que el sonido del album es notablemente diferente al de los albumes previos, y que las letras de este album seran mas comprensibles para el publico que los otros albumes. el album esta casi terminado y se espera que sea lanzado este verano. dan a conocer fechas de gira mexicana 18 Abril 2008 sigur ros visitara mexico por vez primera en junio. la banda tocara en guadalajara, tepoztlan (cercano a la ciudad de mexico) y tijuana los dias 5, 7 y 8 de junio respectivamente. fechas de la gira: mexico * junio 05 teatro degollado, guadalajara * junio 07 festival la colmena, tepoztlan, morelos * junio 08 multiculti, tijuana, baja california Takk! :) ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Javi Herrera" Asunto: MAMFest 2008 FESTIVAL MAMFest 2008; en Madrid, mayo 2008 El pasado sábado 26 de abril tuve ocasión de asistir a la Primera Edición (y esperemos que inicio de una larga vida) del Madrid Art Music Festival, MAMFest para los amigos, que se celebró en el Centro Cultural Nicolás Salmerón de la capital. Quiero por cierto agradecer a la gente de Sinfomusic, y también a los compis "cosesnostreros" Antonio (y compañía) e Isabel, su amabilidad y su simpatía, pasé la verdad un rato magnífico tanto durante como después del festival, en la cena-charla que mantuvimos posteriormente, aunque la situación durante la cena fue realmente surrealista, ya que en el mismo salón en donde estaba nuestra mesa (y éramos más de 20 personas) se estaba celebrando una especie de mitin de un partido de la República Dominicana. Surrealista, como digo, porque ellos nos molestaban a nosotros y obviamente nosotros a ellos también. Bueno, pasemos al tema estrictamente musical. Quiero agradecer a Carlos Plaza y a su señora, artífices de este Festival, su esfuerzo por organizar este evento presumo que con poca o prácticamente ninguna ayuda (naturalmente, bandas aparte, que desgraciadamente debieron tocar prácticamente por amor al arte, y no porque no haya que tenerle amor al arte si no porque me parece tristísimo que los artistas no puedan comer de lo que hacen). En líneas generales fue un magnífico festival, con cuatro bandas de un gran nivel más la miniactuación de Guillermo Cides y Jerry Marotta. Curiosamente, a nivel estilístico me atrevería a dividir las cuatro bandas en dos bloques muy diferenciados y a la vez muy homogéneos en sí mismos, por un lado el sinfónico-clásico-progresivo-avantgarde de Senogul y Kotebel, y por otro el hard progresivo de Baraka y Trettioariga Kriget). El Centro Nicolás Salmerón es un espacio bastante adecuado para la ocasión, aunque supongo que si en el futuro el festival crece y atrae a más gente será necesario buscar un nuevo emplazamiento un poco más grande. Sonido correcto (aunque con manifiestos problemas a la que la presión sonora apretaba, como pasó durante toda la última actuación). SENOGUL Abrió el festival esta banda asturiana de jóvenes pero grandes músicos, un quinteto (teclados, batería, dos guitarras y bajo) en donde destaca el hecho de que la baterista fuese "la" baterista (y aunque era menuda tenía, por cierto, una gran pegada) y, sobre todo, bajo mi punto de vista, la enorme musicalidad del teclista Eduardo García Salueña, auque los otros tres componentes no le andan a la zaga, ciertamente. Una música en ocasiones arriesgada y que yo creo que cuando se desprenda definitivamente de ciertos clichés sinfónicos (no por sinfónicos sino por clichés) subirán como la espuma, también (dicho sea de paso) si logran, como espero dado su enorme potencial, afianzar la nueva dirección musical hacia donde apuntan sin caer en el esnobismo de hacer algo nuevo por el hecho de que sea nuevo. Desde luego, un grupo a seguir y recomendable 100%, y que demuestra que en España seguimos haciendo buena música. BARAKA Les tocaba el turno a estos japoneses, una especie de versión manga de los Rush del Hemispheres intentando acercarse a King Crimson (dicho sea con la brocha gorda y no como crítica, porque me parecieron ciertamente interesantes a ratos, auque quizás sólo (o sobre todo, al menos) como una banda de directo, no sé si escucharía su música en casa. Hacia el final de la actuación se me empezaron a hacer un poco pesados, sobre todo por la repetitividad tímbrica (aunque el guitarrista llevaba ciertos efectos de pedal que a veces colaban algún sonido de teclado por ahí). En algunas ocasiones había algunas languncillas en su música, temas más lánguidos que me resultaron poco interesantes. Pero en líneas generales me gustaron bastante. KOTEBEL Los anfitriones salían a escena para regalarnos un concierto de su compleja música de digestión poco fácil, con aristas y en ocasiones de una gran belleza. Llama inmediatamente la atención la presencia de la muy atractiva y jovencísima Adriana Plaza (cuántos años tiene esta criatura? 17? 18?) a los teclados, junto a su padre, pero en contra de lo que inicialmente uno pudiera pensar, asumiendo, con una magnífica técnica clásica, partes de teclado y piano clásico tan complicadas o más que su propio padre y líder del grupo. Me pregunto con qué ojos la verán sus compañeros/as de clase... ;-) En fin, felicidades a la familia Plaza. No obstante (o además de) lo dicho, el que me pareció absolutamente formidable fue el bajista, que junto con el baterista formaban una sólida y compenetrada base (aunque en alguno los temas del que será su próximo trabajo se notó que aún falta ajustarlo un poco). La labor del guitarrista, aunque buena y a la atura de las circunstancias, me pasó un poco más desapercibida. La música de Kotebel como digo es sinfónica, oscura, en ocasiones cercana al RIO, pero no exenta de lirismo y belleza. Como crítica se me ocurre que, quizás debido a la complejidad de su música, que requiere más escuchas, las estructuras de los temas parecen más sucesiones de temas asilados que fruto de una composición basada en el desarrollo, aunque este posible defecto lo suplen con un notorio talento. Cierto también es que la mayoría de las grandes suites del prog de los 70 se hicieron de esta manera. En fin, prometen disco para finales de este año, habrá que esta muy atentos. CIDES&MAROTTA El stickista Guillermo Cides y el célebre baterista Jerry Marotta (músico, entre otros, en los primeros discos de Peter Gabriel) se presentaron como "artistas invitados"; en realidad para promocionar el concierto que al día siguiente iban a dar "en algún lugar" (palabras textuales de Marotta) de Madrid (que resultó ser una sala de Getafe). Veinte minutos de música compuesta por cuatro temas, dos firmados por el propio Guillermo (y de largo los más interesantes) y dos versiones, la primera de "Back in NYC" fenomenalmente interpretada por Cides pero destrozada vocalmente por un Jerry Marotta que sólo tardó unos segundos en quedarse sin voz en tras un sorprendente alarido inicial, y además al tener que cantar el tema, prácticamente acompañaba con la batería sin hacer nada resalta. Y es que este tema es realmente exigente a nivel vocal y está fuera del alcance de muchos cantantes, con lo que no os digo nada para alguien que sólo cante. El propio Gabriel (y también su excelente clon en The Musical Box, Denis Gagné) empleaban en directo el falsete para las partes más agudas porque si no, ni con escalera. Me decepcionó también el hecho de que se limitaran a tocar el tema tal cual (a pesar de la brillante interpretación de Cides, que lo hacía todo) ya que he oído cosas realmente creativas de este músico a nivel arreglista (recuerdo especialmente la excelente versión del bolero "Historia de un amor"). El segundo tema versionado fue Elephant talk, y cabe decir algo similar. Llamaron a escena a la stickista Linda Cusman, una rubia ya madurita pero muy atractiva que "cantó" el tema quedando lejos de Belew y que con el stick francamente no me atrevería a asegurar que llegara a dar una sola nota. Aparte de su simpatía y sus amplias sonrisas al respetable, francamente no entendí muy bien el por qué de su aparición en escena, porque nuevamente el peso del tema lo llevaba 100% Guillermo Cides. En fin, un esfuerzo de agradecer en ambos casos (me refiero a las versiones), pero un tanto fallido. Por cierto, bastante chocante que ante una audiencia castellanohablante, el que hablara todo el rato (en inglés, claro) fuese Marotta y Cides no dijera ni pío. Sus razones habría, supongo... TRETTIOARIGA KRIGET (vaya usted a saber si lo he escrito bien) Cerraban el festival esta banda de por lo visto leyendas del prog sueco de los 70 (francamente, he de confesar mi ignorancia al respecto). Un quinteto de abuelos rockeros básicamente con ganas de pasárselo bien el el escenario (bien, el teclista era algo más joven, y a todas luces ajeno al "núcleo duro" de la banda). Cuando te esperas un concierto de algo parecido a hard blues con algún toque prog, los abueletes se descerrajaron un buen set list de temas bien construidos, sencillos pero efectivos, bonitos y bien tocados, de una especie de hard progresivo con mellotron (virtual, por supuesto) con algunos pasajes que por ejemplo no desentonarían en alguno de los primeros discos de Anekdoten. Me impresionó el batería, un abuelete con pinta frágil y de contar batallitas a los nietos que era un demonio con la batería (no veáis cómo le arreaba), y el cantante con su vena hinchada cuando tiraba para arriba con agudos a pulmón a lo Ian Gillan. Como anécdota contaros que se resistían a abandonar el escenario, tocando un tema detrás de otro ante el evidente cabreo de los organizadores (presentador y Carlos Plaza incluidos) y el personal del centro cultural ya que el horario era de estricto cumplimiento y se pasaron más de media hora. Espero que esto no afecte de cara a futuras ediciones del festival. En fin, nuevamente gracias y felicidades a todos los que lo han hecho posible, y espero que la cosa se mantenga y crezca para poder decir un día con orgullo "yo estuve en la primera edición" :-) Javi Herrera ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Antonio Gil" Asunto: MamFest FESTIVAL MAMFest 2008; en Madrid, mayo 2008 Hola Ayer llegamos mi chica y yo del viajecito que nos pegamos para asistir al Mamfest, primera edición de un festival que resultó ser variopinto musicalmente hablando y en general disfrutable tanto por los grupos que estuvieron como también el ambiente personal y extra- musical en presencia de algunas de las personas que alli estuvimos, servidor, Isabel, Javi Herrera, Fran (Discos Pat) y multitud de asiduos del foro Sinfomusic. En primer lugar comentar que llegamos tarde al teatro Nicolas Salmeron, Senogul ya habian empezado y nos adentramos como pudimos en las butacas de última fila (tras realizar la donación correspondiente nos dieron dos pases, nº 99 y 100), Edu - teclista del grupo asturiano, realizaba en ese mismo momento un "piano solo" de homenaje a Gentle Giant (ántes por lo visto habian tocado tres temas, dos nuevos del que será su segundo trabajo y otro primero homónimo del año pasado), y en términos generales para mi gusto los mejores de la noche ya que supieron demostrar la eficencia y el "equilibrio" que todo grupo debe tener, a parte de ser la muestra de que el progresivo en españa aún tiene mucho que decir (viendoles en directo se puede comprobar esa afirmación que para mi es erronea y que he leido en muchas reseñas de su disco de que el album Senogul tiende al mayor predominio de los teclados, y es que los seis cuerdas Isra y Pedro se hicieron notar mucho mas de lo que se esperaba y asi es la realidad -el bajo de Pablo con su independencia y hasta con su arsenal percusivo, la base ritmica jazzy de Eva...y como interactuaban todos!), cayeron en poco tiempo La verbena hermétiac, Gotas de Cristal..., Racionalidad, y se despidieron con La Mulata Eléctrica (y con sombrerillo por parte del bajista Pablo Canalís, en palabras de él: "por todos aquellos grupos de rock andaluz de los setenta") haciendose cortísimoo y tras ellos el descanso de 15 min; Nos encontramos caras conocidas, Isabel y Javi Herrera, "parlamos" todo el tiempo desde este primer encuentro, con buen cruce de conversaciones a lo largo de todos los descansos y del resto de la noche (cena en buffet de lujo a pesar de la presencia tan molsta de un discurso de la republica dominicana). Sobre el resto de grupos del Mamfest, Baraka excelentes musicos en una una onda hard setentera (Gran Funk), psicodelia (Jimi Hendrix), y progresivo oscuro (King Crimson con toques jazzeros) que tenia sus momentos y que ya comentaba con Javi, los que menos me gustaron -reiterativos en su estructura compositiva. Cides & Marotta estuvieron curiosos, con versiones de Back in NY de Genesis (destrozada vocalmente por el propio Marotta) y Elephant Talk de King Crimson (invitada al stick, Linda Cusman de Oxygene 8 que igualmente destrozó el tema a la voz y sin aportar demasiado con el instrumento, cosa que no podría decir de Guillermo Cides) y dos temas de la autoria del dúo que es lo único que salvo su corta actuación. Kotebel nos hicieron pasar un buen rato con musica sinfónica instrumental muy compleja, momentos épicos y otros oscuros que a mi me recordaron a Univers Zero; Carlos Plaza e hija con sus teclados no deleitaron y supieron dar un enfoque también merecedor para el sinfoprog-actual realizado en España. Tuvieron algun que otro problemilla de sonido (teclados muy altos) pero aún asi supieron ofrecer un buen show (el batería un portento y menos tengo que decir del guitarrista, "versatil" con un estilo rápido alternado con partes lentas siendo preciso en todo momento). A la salida me compré Omphalos. Y finalmente unos suecos que llegaban a la cincuentena de edad y de nombre inmpronunciable, en onda hard-rockera/rock clásico y progresivo oscuro (sonidos de Mellotron), que no cuajaron al principio hasta la mitad del set con temas que fueron resultantes en los vocales de idioma natal y unas guitarras de corte blusero y sínfónico que avivaron al personal (el batería que no dejaba de sonreir difrutaba como un niño, y es a lo que vinieron), tuviendoles que parar los pies porque el teatro exigia el cierre. Un fin de semana extraordinario en todos los sentidos en el cual disfruté no solalmente por el festival, sino por el Viernes que tuvimos romeria en Almendralejo. Todo un placer por ver a mi querida Isabel (ya tenia ganaas, y es que nos lo pasamos muy bien ;-)) y estar casi todo el tiempo charlando con JaviH de los grupos del Festival, el prog clásico en general (Yes, Genesis-TheMusicalBox, ELyP, Renaissance, KC, etc), prog-italiano (en compañia de Fran Zappamacias y Fernando (Sinfomusic), del Festival de Tiana, Festas de Coses Nostres, y un largo etc. Antonio ----------------------------------------------------------------------------