/-------------------\ | XXX | \__ | XXX X | __/ \__ | XXX X | __/ \__ | X X | __/ | X X | --------- | X X | --------- __ | X .-.X | __ __/ | X /XXXX | \__ __/ | .-.X XXXX/ | \__ / | /XXXX `""´ | \ | XXXX/ | | `""´ | \-------------------/ LA CAJA DE MUSICA LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO ============================================================================ LCDM: #786 junio 2007 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM ---------------------------------------------------------------------------- * JAN_AKKERMAN_AND_THIJS_VAN_LEER__"Focus" * Yes Union 1991 * LCDM: John Coltrane - A Love Supreme (1964) * 785 * New Triumvirat y ELP * Symphony X en Colombia * Set List Turn It On Again - Genesis * Manticornio actualizado - 17 de junio * La Desooorden "La Isla de los Muertos" * La Desooorden "Ciudad de Papel" * Letras de Le Orme * Monterrey Prog Fest - 29 de junio * Octavio Castillo - concierto de 30mo. aniversario * William Gray en vivo * FLOR_DE_LOTO_en_la_prensa_limeña * Genesis - A Trick of the Tail (SACD / CD HIBRID / DVD) * Guadalcaiman el 17 de agosto * PORCUPINE TREE "UP THE DOWNSTAIR" (1993) ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: JAN_AKKERMAN_ 26_THIJS_VAN_LEER__ 93Focus 94_ JAN AKKERMAN & THIJS VAN LEER: “Focus” (1985) Temas 1. Russian Roulette 2 King Kong 3. Le Tango 4. Indian Summer 5. Beethoven’s Revenge (Bach-One-Turbo-Overdrive) 6. Olé Judy 7. Who’s Calling Jan Akkerman: guitarras eléctricas, acústicas y sintetizada, secuenciador, sintetizador Thijs van Leer: pianos, sintetizadores, piano eléctrico, órgano, flautas, canto Colaboradores: Ed Staring (programación de sintetizador Fairlight), Tato Gómez (bajo en 1 y 4), Ruud Jacobs (bajo en 5), Ustad Zamir Ahmad Khan (tabla en 4), Sergio Castillo (batería en 3). Como al mundo del progresivo también le da sorpresas la vida, los dos antagónicos colegas del Focus clásico se reunieron a mediados de los 80’s para concebir y registrar al alimón un disco titulado… bueno, “Focus”. La razón de ltítulo es obvia mas me imagino que no hubiese hecho daño poner en práctica un poco más de imaginación para que se les ocurriera otro título. En fin… Frente a la liviandad de “Mother Focus” y el ingenio decaído de “Focus con Proby” (pasamos un poco por alto la inconsistencia del recopiolatorio de emergencia “Ship of Memories” dada la gran calidad artística de casi todos sus temas), este disco “Focus” ayuda a recuperar la esencia de Focus con un sonido moderno, muy emparentado con las claves del art-rock y el jazz de la década de los 80’s. También es un síntoma crucial el que Van Leer decidiera dejar en segundo plano al órgano Hammond a favor de los sonidos digitales de los sintetizadores Fairlight, Roland y Yamaha. Otro factor notorio es el uso de baterías programadas (y cuando es humana, electrónica), lo cual de hecho ya pone en guardia a muchos puristas fans de Focus. Yo, por mi parte, percibo que el uso de esta maquinaria rítmica está suficientemente abierto a los matices melódicos desarrollados en las composiciones y a las agilidades de los jams: es como si la producción se hubiese encargado de que lo mecánico se sintiera menos, no inundara los ambientes. El dúo nunca apela a la frivolidad del tecno-pop ni al gancho facilista del tecno-rock (la tan vapuleada versión ochentera del glam-rock): lo suyo sigue siendo aquí un progresivo consciente, marcado por cadencias jazzeras y con suficiente espacio para que las improvisaciones de turno oxigenen las ideas básicas. La música contenida en este repertorio tiene muchos rasgos reconocibles de la visión musical de Van Leer dentro de Focus, así como de la línea de trabajo esencialmente jazzera que Akkerman había desarrollado en su propia carrera solista desde su partida de Focus. Las composiciones guardan una honestidad palpable, con ideas musicales amables y mayormente asequibles, pero, con todo, muy a tono con la clase usual de ambos genios cuando están en sazón. De hecho, creo que casi todos estos temas hubieran podido muy bien formar parte de algunos de los últimos discos de Focus para salvarlos de su general mediocridad e insulsez. La cadencia lírica estilizada de ‘Russian Roulette’, la misma que luego vendrá realzada con incrementado esplendor en el melancólico tema de cierre ‘Who’s Calling’, nos brinda la disciplinada visión melódica de Van Leer así como de la prestancia infinita que demuestra Akkerman en sus fraseos más controlados. De hecho, ‘Who’s Calling’ tiene mucho de esa melancolía que tan recurrentemente ha llenado los paisajes sonoros de los temas titulados ‘Focus’. La limpieza con que Van Leer ejecuta sus evocativas líneas de flauta nos aseguran que su visión musical sigue intacta a pesar de la nueva tecnología; y qué decir de los fraseos de Akkerman, llenos de frescura y portando una soltura acomodada a las exigencias del tema. ‘Russian Roulette’ porta un aura menos solemne, pero sin duda, desde esas primeras notas de guitara y piano, nos ofrece una exquisita entrada a este Focus momentáneamente renovado. Las dos primeras composiciones de Akkerman están más orientadas hacia el jazz-fusión de régimen estilizado. ‘King Kong’ se basa en floridos juegos de acordes a dos guitarras acústicas, mientras que la flauta vuela juguetonamente con un tenor inocultablemente candoroso. Esta bella pieza nos trae aires alegres de Latin-jazz sin exaltamientos. Por su parte, ‘Indian Summer’ nos trae un reciclaje de tópicos del folklore hindú con una gran presencia de sonidos sintéticos (guitarra sintetizada y sintetizadores) utilizados con buen gusto. ‘Le Tango’ y ‘Olé Judy’ son sendos aportes de Van Leer. El primero es un tema progresivo basado en tópicos tangueros, donde el piano y las cuerdas sintetizadas marcan la orquestación central sobre la cual se pasean los punteos y riffs de guitarra. Un tema simpático y con gancho que Focus tocó en Argentina durante su gira latinoamericana hace uno años. ‘Olé Judy’ es aun más ameno, algo así como una retoma de las piezas más ágiles del primer Focus (‘Sylvia’, ‘Harem Scarem’), aunque sin cantos extremos y con una línea popera más marcada. Es una pena que el fade-out llegue para el ocaso de un estupendo solo de guitarra que nos deja con parte de la miel en los labios; bueno, al menos llegamos para un bonito solo de flauta que antecede al solo final antes mencionado. ‘Beethoven’s Revenge’ es un extenso ejercicio de funky-jazz que nos remite a ‘Glider’ (la mejor versión del horrendamente muermo ‘Mother Focus’) y al Akkerman solista de fines de los 70’s. Este jam puede, es verdad, sentirse innecesariamente extenso largo con sus 10 minutos que dura en la edición de vinilo, pero por otra parte, creo que el oyente empático disfrutará de los solos de guitarra, ornamentos de teclado y armonías de flauta que van emergiendo mientras los motivos centrales se recrean continuamente. Imaginemos la sensación de los oyentes (los complacidos y los aburridos) ante la versión de casi 19 minutos publicada en el CD… en fin… La versión de CD trae también una edición expandida de ‘Who’s Calling’ (14 minutos en vez de los 7 del vinilo), pero su efecto es el contrario, esto es, el de realzar la vibración sosegada y reflexiva de la pieza. En mi opinión este disco es bastante bueno, haciendo guiños a la grandeza de la primera etapa de Focus y recibiendo mucho de sus activos, aunque sin lograr igualarla realmente. En todo caso, yo considero a este repertorio de “Focus” como un sucesor de “Hamburger Concerto” mucho más digno que lo que se ofreció mayormente durante la etapa post-Akkerman. Teniendo en cuenta que, a su vez, este disco se enmarca claramente en la sonoridad estandarizada de los 80’s, podemos ver en “Focus” un testimonio de cómo este grupo hubiera podido concebir discos más que dignos en una década en la que los sobrevivientes daban inconstantes tumbos creativos o renunciaban a su propia herencia. Akkerman y Van Leer lograron, en este momento de ocasional reconciliación, recapturar una paret genuina de la añeja y peculiar llama esplendorosa de Focus. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Raul Bonilla" Asunto: Yes Union 1991 YES:"UNION" Saludos a todos(as) Estaba leyendo las reseñas y críticas de este disco de Yes y se me ocurrió compartirles algunas cosas sobre el Onion, digo Union. En 1991 tenía 15-16 años y apenas estaba empezando en el mundo progresivo. Me apasionaba sobretodo Pink Floyd. Pero un buen día llegaron a mis manos dos copias en cassette de Fragile y Close To The Edge. Podrán imaginar lo que sentí al oirlos. Magia total. Fue entonces que compré con mis ahorros el ABWH ya que eran 4/5 partes de las obras anteriormente mencionadas. Y para tener el panorama completo (según yo) grabé el 90125 con los YesWest. La verdad ambos trabajos me gustaron bastante, cada cual a su manera. Fue entonces que de rebote me enteré que ambas facciones habían lanzado el Union. A mucho esfuerzo me hice de una copia esperando escuchar lo mejor de ambos mundos...la verdad me gustó...hasta que lo volví a oír cundo compre el CD hace unos 2 o 3 años. Ya no sonaba tan bien, de hecho nada bien. ?Cual es el problema? Hay varios: 1. Las canciones de ABWH se van en nombre porque en realidad son de Napoleón Anderson y Jonathan Elias. Para peores eliminaron las contribuciones de Wakeman y Howe y las rellenaron con músicos de sesión. 2. Las dos canciones de Rabin, The Miracle of Life y Saving my Heart son demos. SI SON DEMOS. Rabin se sorprendió de que las incluyeran así como estaban por que lo que oímos son maquetas con uno que otro arreglo para disimular la cosa. 3. The More We Live es un proyecto de Squire con Sherwood y nadie más toca en él. Las guitarras son de don Billy no de Trevor Rabin. Y apuesto lo que sea que los teclados no los toca Tony Kaye. 4. El disco se fabricó...perdón se hizo en poco tiempo por que a todos menos 6 miembros de la "banda" (el que adivina los nombres de esos 6 caballeros se gana un premio) tenían prisa de lanzar el álbum al mercado. En fin...Yes hizo mejores cosas antes y después. Que inocente era yo hace 16 años...me creí el cuento de la Unión... Saludos desde Costa Rica Raúl Bonilla ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Roberto I. Quesada" Asunto: LCDM: John Coltrane - A Love Supreme (1964) John Coltrane : "A Love Supreme" (1964) Nunca en la historia musical un artista de jazz, a excepción de Miles Davis, ha tenido tanta influencia en géneros musicales tan diversos como lo ha sido John Coltrane, ejemplo de ello es su influencia en el estilo "canterbury", fusión, avant-garde, minimalismo, bossa nova, trip-hop, etc. Trane, como lo llamaban sus allegados, siempre se caracterizó por romper reglas en todo el sentido de la palabra y de buscar un constante equilibrio espiritual, ello se nota más en su último periodo con los discos que grabara para el sello Impulse (imprescindibles a toda costa). Siempre fue un tipo decidido a abandonar las pautas del jazz moderno y de seguir otros caminos como la vanguardia y el jazz libre, lo mismo hicieron Albert Ayler, Archie Sheep, Eric Dolphy, Don Cherry, Ornette Coleman, Cecil Taylor, Sun Ra, entre otros. Con su tríada de músicos desde 1960, Mcoy Tyner, Elvin Jones y Jimmy Garrison grabaría la que es hoy su obra más conocida, A Love Supreme, compuesta en forma de suite, divida en cuatro secciones y todas basadas en un acorde - lo mismo hizo Beethoven en su 5ta sinfonía -. Todas las piezas son bastante equilibradas en cuanto a sincopado se refiere con ciertos guiños al free-jazz y un tanto al 4/4 de carácter "rockn'rollico". En "Acknowledgement" escuchamos la voz grave de un Coltrane meditativo que recita el título del álbum varias veces y un trabajo espectacular de Jones en la batería. "Resolution" posee una apertura mántica donde predominan ciertos elementos de música de la India y en donde Tyner explaya a más no poder su estilo dodecafónico. Las dos últimas piezas son como una especie de exorcismo musical donde todos parecieran representar bravura y catársis a través de sus respectivos instrumentos, solo escuchen la batería en "persuance".uff!! Tracks: 1. "Part 1: Acknowledgement" - 7:47 2. "Part 2: Resolution" - 7:22 3. "Part 3: Pursuance" - 10:45 4. "Part 4: Psalm" - 7:08 A Love Supreme indiscutiblemente es una de las obras maestras de la música en general y uno de los discos emblemáticos de la década de los sesenta. --- Roberto I. Quesada SJ, Costa Rica mail: saytra@racsa.co.cr blog: http://ideasmecanicas.blogspot.com/ ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Anibal Maraschi" Asunto: 785 En la LCDM #785 el amigo Alberto Albas le preguntaba/comentaba al amigo Kevin Palmer: "En fin, cada uno que disfrute la música como quiera, pero se me hace difícil de entender la renuncia a cualquier tipo de material nuevo si no vienen de esas bandas de sexagenarios (que por otra parte son las favoritas de casi todo el mundo y me incluyo), pero casi que vale la pena reconocer que su época ya pasó y hay otras alternativas, ?no crees?." Y yo me atrevo a preguntar, y sin animo de inmiscuirme en una charla a la que no me han llamado: " hariamos la misma pregunta a alguien que gusta de la musica de Paganini o de Mozart ? . Son estos oyentes "nostalgicos", "cerrados a todo lo nuevo que se hace"?. Estan esas obras pasadas de moda?. Comento esto por que yo soy de los que no encuentran mayoritariamente cosas recientes ( me gusta utilizar mas "recientes" que "nuevas" ) que me agraden. Y es mas una suposicion , aunque hay muchas obras que intuyo recientes que si me gustan, pero como no miro las fechas de hechura no se realmente cuan "viejas" o "nuevas" son. Trato de saber prioritariamente si son buenas o malas, segun mi criterio , claro. O mejores o peores si se quiere. Primero escucho, y luego compro o no compro. No pregunto fechas. El año en que fue hecho algo solo me interesa al comprar automoviles. No uso ese criterio para comprar arte. Un saludo a todos Anibal Maraschi ---------------------------------------------------------------------------- Autor: José_Manuel_Iñesta_Quereda Asunto: New Triumvirat y ELP alejandro_f_lopez@hotmail.com New Triumvirat y ELP siempre tuvieron puntos en común en cuanto a sonido y melodías, pero... ???New Triunvirat cometió plagio???? Comparen la melodía de la parte cantada de "The eartquake" de Pompeii (1977) y la parte cantada de "The Sheriff" de Trilogy (1972) ... Para mi, son casi idénticas. Abrazos Ale. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Jose Guillermo Martinez Asunto: Symphony X en Colombia CON symphonyx_jun07; Symphony X; en Bogota, junio 2007 Symphony X en Bogota, junio 2007 Hola Cajeros, Anoche 19 de Junio tuvimos la oporunidad en Colombia de ver en nuestra capital Bogotá a la banda líder del Neoprogresivo Symphony X. He sido a través de los años un amante de esta banda, de todas sus complejidades en la música y también de sus simplicidades más Heavy. Es la primera vez que estos musicos se acercan por acá a las hordas latinoamericanas y ya pueen imaginar las ansias nuestras por verlos. Pero, el concierto no fue lo que muchos esperábamos. Tocaron aproximadamente 2 canciones de cada uno de sus álbumes más recientes. Esto es realmente poco, un concierto de una hora y 15min de duración no es lo que la escena colombiana progresiva esperaba de estos grandiosos musicos. Empezaron con temas del "Divine" (Sea of lies, Of sins ad shadows) tocaron del nuevo álbum "Paradise Lost" los primeros 3 tracks del "Twilght" sólo sonó "Smoke and mirrors" y del "V" 2 tracks (Evolution y Communion and the Oracle) y del "Odyssey" tocaron "Inferno, King of terrors" y terminaron con la suite homónima del álbum absolutamente completa, 25 min de música. El sonido no ayudo, yo me encontraba muy cerca de la consola del ingeniero de sonido y creo que él tampoco lo disfruto. Ahora, si comparamos esto con las 3 horas y media de concierto de Dream Theater hace menos de seis meses... Symphony queda muy mal parado... muy mal. Es obvio que estos son unos grandes ejecutantantes de sus instrumentos y no cabe duda que Michael Romeo es un gran guitarrista muy limpio Jason Rullo su baterista es una máquina de precisión Esta banda definitivamente le debe muchísimo a su cantante Rusel Allen este frontman es el que le quita el aburrimiento a esta banda en escena que canto todo el concierto si parecet estar cansado en ningún momento. Todos estaban tan preocupados por sus asuntos de ejecución que parecían no disfrutarlo. Pero la precisión de todos y limpieza es totalmente admirable. En definitiva abro una pregunta ?Vamos a los conciertos a escuchar las bandas tocar exactamente como suenan en los cd o vamos a ver las bandas hacer un show donde su puesta en escena y su actitud es lo que cuenta? Bueno espero den respuestas, desde Bogotá, Colombia Jose Guillermo Martínez ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Raul Bonilla" Asunto: Set List Turn It On Again - Genesis Estimados Cajeros y Cajeras Por si tenían alguna curiosidad sobre lo que está interpretando Genesis en su nueva gira a continuación les presento los temas del set list: Behind the Lines / Duke's End Turn It On Again No Son Of Mine Land of Confusion In The Cage / Afterglow Hold on My Heart Home by the Sea / Second Home by the Sea Follow You Follow Me Firth of Fifth / I Know What I Like Mama Ripples Throwing It All Away Domino Drum Duet / Los Endos Tonight Tonight Tonight Invisible Touch I Can't Dance Carpet Crawlers Si no me falla la memoria hay por lo menos un tema de cada álbum desde 1973 a 1991. Como siempre solo se acordaron de Afterglow a la hora de seleccionar que tocar del Wind And Wuthering. No pensé que incluyeran Ripples y me imagino que no tocan la introducción de piano de Firth of Fifth. Lo demás era lo de esperar. Saludos desde Costa Rica, Raúl Bonilla ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Manticornio actualizado - 17 de junio HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. Con la presente les transcribo la lista de nuevas informaciones (mayormente, reseñas) incluidas en el sitio mexicano Manticornio incluidas el 17 de junio. Como siempre, la visita recomendada es a la dirección www.manticornio.com .- " junio 17, 2007: sección Artistas: 4FRONT + Gravity + Radio Waves Goodbye ALIAS EYE: A Different Point of You ARENA: Songs from the Lion’s Cage CAJA DE PANDORA: Caja de Pandora CHAIN + Reconstruct CRYPTIC VISION + Moments of Clarity DEEP PURPLE: Made in Japan DOL AMMAD + Ocean Dynamics FRAMESHIFT: An Absence of Empathy GENESIS + Nursery Cryme + Foxtrot The GOURISHANKAR + 2nd Hands MANNING + One Small Step… Le ORME: Florian SHUB-NIGGURATH: Les Morts Vont Vite UNITOPIA + More than a Dream URIAH HEEP: Demons and Wizards Mike VISAGGIO + Starship Universe. actualización de entradas anteriores: Le ORME. sección Literatura: Isaac ASIMOV. " ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: La Desooorden "La Isla de los Muertos" LA DESOOORDEN: “La Isla de los Muertos” (2004) Temas 1. La Transformación Del Mito 2. REFLEXIÓN (Pardos Fueron Frente Al Mar) 3. FESTEJO (Algo Tenía Que Ver La Luna) 4. PENUMBRA (Pero Dios Los Visita De Vez En Cuando) 5. TRAICIÓN (Me Pregunto Entre Todas Las Preguntas) 6. ENVENENAMIENTO (En Los Ojos De La Muerte) 7. Caleta Tortel 8. RESUREXIÓN (Seguramente Encontraremos) 9. RECUERDO (Las Palabras Viajan En El Viento) 10. Bajo Pisagua 11. ESPERANZA (Lo Que Ha Quedado Es Sólo Esto) Integrantes - Alfonso Banda: guitarras, trompe - Rodrigo González: batería, percusión - Fernando Altamirano: voz, trutruca - Meter Pfeifer: saxofones tenor, barítono y soprano, máquina de escribir - Francisco Martín: bajo, piano, máquina de escribir, bombo legüero - Karsten Contreras: voz Colaboradores – Benjamín Ruiz (violín), Christian Rebolledo (guitarra) Uno de los grupos más ingeniosos y enérgicos de la escena rock-fusión chilena actual, La Desooorden hace un claro homenaje a su nombre distorsionado con su disco conceptual “La Isla de los Muertos” – planteando una mirada crítica a la destrucción del medio ambiente en aras de la expansión tecnológica-industrial-comercial, este repertorio busca cuestionar el orden socioeconómico actual que pretende imponer su lógica a los cada vez más depredados lugares naturales y decir mensajes ricos a la conciencia a través del arte musical. La historia específica en la cual se basa este concept-disc es la que “transcurre entre 1903 y 1906 en los terrenos cedidos a la Compañía Explotadora del Baker, finalizando con la muerte de 200 personas entre hombres, mujeres y niños, y su posterior entierro en un cementerio improvisado entre dos brazos del Río Baker a una distancia de 30 minutos de Caleta Tortel.” (palabras del baterista Rodrigo González). La obra poética de Manuel Zúñiga inspirada en este dramático momento del proceso así llamado modernizador de Chile es la base para las letras del disco. Como puntos de referencia para los lectores, puedo señalar que el sonido global de La Desooorden combina la frescura de Maldita Vecindad con la exquisita gracilidad de Congreso y las amplitudes psicodélicas de Koiak y Mar de Robles (en sus facetas más explosivas). Precisamente resulta un plus el que esta obra sea un disco conceptual, o sea, que presente una sucesión fluida a través del repertorio, para que así el grupo pueda explotar a sus anchas los contrastes entre los pasajes más extrovertidos y los más intimistas, los más tensos y los más lánguidos. El disco comienza con una introducción ensoñadora de piano y violín, una sonoridad que recién ve explotado su caudal de misterio cuando emergen los relatos flotantes de los espíritus del limbo. Es allí donde lo onírico se torna tétrico, como un testimonio emitido por voces escondidas para un receptor llamado a ser perturbado desde lo más íntimo de su consciencia, tanto por la sordidez del relato mismo como por la naturaleza ultraterrena de las voces, quejidos y plegarias. ‘Pardos Fueron Frente Al Mar’ nos enfrenta por primera vez al sonido propio del ensamble en pleno. La rica y firme labor de la dupla rítmica (realzada por la versatilidad diversa de González a la hora de aportar sonidos percusivos varios) se erige como un protagonista peculiar dentro del sonido grupal, aunque con esto no quiero para nada discriminar los ingeniosos vuelos de los saxos de Pfeifer ni los continuos abordajes de guitarra que Banda sabe suministrar con fina energía. Los dos vocalistas comparten de manera comprometida la labor de transmitir la historia alternando recitaciones y cantos – en verdad, las primeras son mayoritarias, cuantitativamente hablando, con lo cual se logra concretar la magia dramáticamente teatral con la que se aborda el concepto del disco. ‘Algo Tenía Que Ver La Luna’ mantiene el momentum asumiendo la estrategia de reforzar el factor jazzero dentro del sonido grupal: es una pieza con gancho explícito, aunque no por ello exento de complejidad performativa actualizada con buen gusto para no estorbar en la sazón contagiosa del compás rítmico básico. ‘Pero Dios Los Visita De Vez En Cuando’ nos envía por parajes sonoros más melancólicos y reflexivos, lo cual se siente como apropiadamente conectado con la alusión contemplativa del título. ‘Me Pregunto Entre Todas Las preguntas’ nos muestra la faceta más agresiva y visceral dentro de la línea más extrovertida de La Desooorden, gestando así un alucinado clímax para el ambiente generado inicialmente en ‘Pero Dios…’. De inmediato, ‘En Los Ojos De La Muerta’ nos brinda una recapitulación conjugada de los ambientes mostrados en las piezas 2 y 3. ‘Caleta Tortel’ es un exquisito efluvio exótico guiado mayestáticamente por el violín de Ruiz, un invitado de lujo que sabe cuándo asumir un rol preferencial con total soltura. ‘Seguramente Descubriremos’ nos vuelve a mostrar la desnudez más agresiva del grupo, aunque matizado con interludios en los que la energía se reviste de calculada sofisticación, con aires casi marciales, así como por un final que tiene más de evocativo que de incendiario. ‘Las Palabras Viajan En El Viento’ también tiene una predominante aura lírica a través de los refinados recovecos jazzeros marcados por la sección rítmica. ‘Bajo Pisagua’, al igual que ‘Caleta Tortel’, es otro interludio relajado, casi onírico, portador de una belleza serena, y una vez más, marcado por el rol protagónico del violinista Ruiz. El disco concluye con ‘Lo Que Ha Quedado Es Sólo Esto’, una pieza donde lo evocado se siente como algo ido aunque dejando una huella, el testimonio de los 100 + 100 muertos que ansían regresar al lugar del cual fueron extirpadas sus presencias físicas y a los cuales solo queda relatar sus circunstancias. El compás semi-lento de este tema de clausura ayuda a recrear eficazmente el ambiente de nostalgia provocadora que se vierte en las letras, acompañado por los vuelos sutiles del saxo. “La Isla de los Muertos” es un CD de formato interactivo (solo se revela cuando se pone en el ordenador), conteniendo imágenes de la selva, además de créditos de la instrumentación y las líricas correspondientes a cada pieza del repertorio. También hay fotos del grupo viajando al lugar de los hechos (empapándose de los testimonios dejados en los viejos árboles, las duras rocas, los musgos, las aguas de corrientes y cascadas, las vías y canales, la flora, las nubes que fungen como puentes entre el cielo y la tierra); realizando las sesiones de grabación; aves de la zona; wallpapers... Este recurso ayuda bastante a ubicar al oyente en una ambientación más intensificada respecto a este viaje musical por un pedazo particularmente sórdido dentro del proceso de modernización forzada de Sudamérica. Pero bueno, si consideramos a este trabajo estrictamente desde una óptica musical, resulta ser toda una obra majestuosa dentro de la actual escena rock-fusión en estos lares. La Desooorden se revela como una fuerza creadora que merece total atención de parte de los auténticos apreciadores del rock experimental con elementos autóctonos del folklore latinoamericano. César Mendoza Agradecimiento a Francisca Caballero S., de Demúsica.cl, por la inspiración al iniciar el borrador de la presente reseña. Addendum: “La Isla de los Muertos se basa en un texto del poeta chileno Manuel Zúñiga, quien en sus versos narra la escalofriante historia de los hechos ocurridos entre 1903 y 1906 en el territorio cedido por el Estado de Chile a la Compañía Explotadora del Río Baker (actual XI Región) que terminó con la muerte de una cantidad indeterminada de personas, de 100 a 200, entre hombres, mujeres y niños. En este caso fue la totalidad del "enganche" de hacheros chilotes y sus familias, llevados hasta la remota región de Caleta Tortel, donde una vez realizado el trabajo habrían sido asesinados para no pagarles el salario acordado. La versión que circula con más fuerza es que se les habría envenenado el pan. Para esto se entregó al panadero del campamento una sustancia que debía agregar al amasijo de harina. De esta manera el causante inocente de estas muertes, paradójicamente fue el propio "baker", panadero en inglés. Los cadáveres de estos infortunados fueron sepultados en una isla del delta del río Baker, próxima a Caleta Tortel, conocida por ello como la Isla de los Muertos. Las crecidas del río durante el siglo transcurrido fueron desenterrando y llevándose a muchos de estos muertos hasta el mar. De allí la imprecisión sobre la cantidad de ellos. Aun cuando nunca se haya conocido la causa de estos fallecimientos simultáneos, la historia es verídica. Hoy día yacen 30 muertos en el destartalado cementerio con algunas cruces de buena madera de ciprés, para señalar el lugar de la tragedia. Está aún pendiente la revisión histórica de la explotación y los crímenes contra aborígenes y obreros por el hombre blanco en las inmensas estepas patagónicas y en tantos lugares ubicados en remotas islas del austro chileno. El poeta Zúñiga, a través de su verso encantado, rodeado de misterio y envuelto en las brumas y lluvias del sur, nos va develando una de estas historias que los jóvenes artistas de La Desooorden han trasladado a la música para ser cantada. Así, ellos tratan de ajustar cuentas revelando uno de los muchos episodios de engaños, traiciones y crímenes que ensombrecen la historia del hombre en nuestras tierras australes.” [Tomado de la página web de Revista Musical Chilena: http://www.scielo.cl/scielo.php?pid S0716-27902005020400014&script sci_arttext] Consultar también el artículo de Virginia Vidal publicado en el enlace http://virginia-vidal.com/anaquel/printer_280.shtml ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: La Desooorden "Ciudad de Papel" LA DESOOORDEN: “Ciudad de Papel” (2007) Temas 1. Fumarolas del Alma 2. Ciudad de Papel 3. El Llamado del Totoral 4. El Gran Acuerdo 5. Migraciones Eternas 6. La Voz De Los Niños 7. Acción Por Los Cisnes 8. Tralcao (Lugar de Truenos) 9. Homínidos (Historia de Seres Nerviosos) 10. Los Trabajadores 11. E-N-E-U-J (Esto No Es un Juego) 12. Boletos Para Ir Integrantes - Alfredo Banda: guitarras eléctrica y e-bow, percusiones de niño en 6 - Fernando Altamirano: voz, trutruca en 2 - Francisco Martín: bajo, piano, trompe, didgeridoo en 6, motosierra en 10 - Karsten Contreras: voz, ocarina en 1 y 6 - Peter Pfeifer: saxos tenor, barítono y soprano, didgeridoo, trutruca en 8, ocarina en 1 Colaboradores: Henry Véliz (trompeta), Benjamín Ruiz (violín), Coro Ma Non Troppo, Coro del Colegio Aliwen, Sofía y Alfonsina Olivares (coros infantiles), Juan Basualto (motosierras), Meydelles Jara (voz adicional en 4) Dejándose llevar por la corriente de creatividad e ingenio que se manifestó en su disco precedente “La Isla de los Muertos”, el ensamble chileno La Desooorden vuelve a la carga con otro magnífico concept-disc: “Ciudad de Papel”. Aunque la temática sigue combativamente comprometida con la cuestión ambiental, esta vez el leit-motif se concentra en la contaminación ambiental a nivel global por causa de los excesos de la galopante industrialización. El sonido grupal se siente más cargado, lo cual quiere decir que pone menos énfasis en las texturas de raigambre mística (completamente apropiada para el disco anterior) y más énfasis en la articulación fluida de diversos matices, adornos y complejidades dentro de su bien definida vertiente rock-fusión. También resulta un disco más extenso, durando un total de 1 hora y casi 2 minutos. Este disco destila una mayor dosis de aspereza propia del rock dentro de la compleja amalgama estructural creada por la banda; en las partes más serenas salen a relucir las influencias de Congreso y, en general, los estándares del rock-fusión en cuanto a densidad rítmica y sensibilidad melódica. La labor del guitarrista es más destacada en comparación con “La Isla de los Muertos”, pues se da más abasto para meter solos y fraseos y hacerlos destacar en medio de las orquestaciones de saxos y los consistentemente contundentes aportes de la dupla rítmica. Con una cadencia tribal sincopada al punto de reflejar una especie de reflexión sosegada desde el corazón de la tierra, ‘Fumarolas del Alma’ conforma el inicio del disco: se trata de un tema en el que la energía global del ensamble va transitando fluidamente sobre las cadencias rítmicas, mientras que el violín (invitado de lujo, Benjamín Ruiz) dialoga mágicamente con el saxo de Peter Pfeifer. El tema homónimo sube los decibeles un poco, especialmente en los momentos (como el inicial) donde los riffs guitarreros marcan la pauta, pero pronto nos encontramos con pasajes más contenidos en los que la instrumentación se matiza a fin de dejar que el canto dual de Altamirano y Contreras salga al frente y maneje la energía de las letras. Hay un interludio hermoso que supone el momento más relajado del tema antes del retorno del motivo inicial con un añadido cariz épico. A continuación siguen dos instrumentales, ‘El Llamado del Totoral’ y ‘El Gran Acuerdo’. El primero comienza con retazos sostenidos de didgeridoo contrapunteados por golpes de percusiones exóticas, creando al poco rato una danza ceremonial refrescante. El segundo es un ejercicio de jazz-rock, emparentado con lo que hacen Akinetón Retard (otro gran ítem chileno) en sus momentos menos explosivos: con la presencia de invitados en violín y trompeta el sonido queda lleno de manera muy efectiva. ‘Migraciones Eternas’ me suena, en principio, a una combinación de los espíritus respectivos de las dos primeras canciones, logrando así manejar la continuidad estilística del disco. Pero además contiene una variantes y expansiones en su desarrollo que permiten a La Desooorden dar rienda suelta a sus ambiciones estilísticas – definitivamente, una de las gemas más sofisticadas de “Ciudad de Papel”. ‘La Voz de los Niños’ tiene una aureola más cinematográfica, destacando el pasaje de piano sobre el que fluye un coro infantil mientras la ocarina y ciertos artilugios percusivos ornamentan sutilmente el ambiente. ‘Acción por los Cisnes’ continúa con esta tendencia cinematográfica en el comienzo, donde la voz de una activista y el ruido de consignas nos invitan a tomar conciencia sobre la alarmante urgencia del problema ambiental. Cuando el ensamble entra en acción, las cosas regresan a su caudal musical habitual de complejidad, aunque ciertamente con una aura más marcada hacia lo tenebroso y lo misterioso. ‘Tralcao (Lugar de Truenos)’ mantiene la explícita onda ecológica, transmitiendo esta vez una onda acústica donde se resalta lo percusivo: dicho sea de paso, el solo de saxo soprano es exquisito, realmente. ‘Homínidos’ es un instrumental donde la banda coquetea ligeramente con sonoridades propias del rock vanguardista. ‘Los Trabajadores’ reitera parcialmente la cadencia de la canción 2, con la variante de que aquí se hacen algunos guiños ocasionales al funk. ‘E-N-E-U-J’ pone, en su motivo principal, toda la carne rockera en el asador en un frenesí bien metido en el rock duro y la psicodelia, emanado desde la guitarra y desde la esforzada labor de la batería, generando así un acercamiento con Zeppelin y Red Hot Chili Peppers. Los parajes donde aparece la trompeta invitada ayudan a crear oasis de variedad en medio de este torrente. El disco termina con los cautivantes paisajes reflexivos de ‘Boletos Para Ir’, los mismos que son introducidos por delicados arpegios de guitarra sobre los que flotan etéreas líneas de saxo soprano. Los tambores étnicos y los ornamentos delicados de bajo ayudan a mantener un aura de evocación antes de que entren las partes cantadas. Los vuelos ocasionales del violín y los ornamentos adicionales de trompeta ayudan a completar el colorido espiritual de este envolvente mensaje de despedida. En todo caso, no me hubiese molestado en lo personal que esta pieza fuese un poco más larga: siento como que la última línea y el último acorde llegan demasiado pronto... pero en fin, sigue siendo un epílogo muy bello. “Ciudad de Papel” se impone como un más que digno sucesor de la obra magna “La Isla de los Muertos”. Tal como señalé al inicio de esta reseña, “Ciudad de Papel” emerge como de una inercia de la iluminación creativa que hizo posible el disco de estudio precedente, pero a su vez logra capturar y plasmar una identidad propia, más explícitamente enérgica. Sin duda, La Desooorden logra en este disco darnos uno de los aportes más significativos del rock vanguardista latinoamericano para este año 2007. César Mendoza (Un agradecimiento especial para la gente de LA DESOOORDEN por tener a bien introducirme en su mundo musical) ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Jorge Padilla L" Asunto: Letras de Le Orme Le Orme : "L'infinito" (2004) Texto de: Aldo Tagliapietra El Trueno Y La Luz (instrumental) La Voz Del Silencio Si tu corazón canta con esta luz de luna, si tu corazón llora colmado de Piedad, si tú corazón sonríe a cada estación que muere, si tu corazón espera sin cansarse nunca, es la noche que revela cada estrella del cielo, que se detiene a escuchar aquella voz dentro de ti: La Voz del Silencio. Si tu corazón vibra a cada nueva emoción, si tu corazón se pierde en su ingenuidad, si tu corazón se enciende a cada suspiro del viento, si tu corazón se dobla sin quebrantarse nunca. Shanti (Paz interior) La Verdad del Alma, la Eternidad del Alma, OM. la Juventud del Alma, SHANTI, SHANTI. El Infinito Me perderé en esta Armonía en esta Paz que me está envolviendo entre montañas sin tiempo y cielos adormecidos hay un sentido de infinito que ya he conocido. Porque en mi Despertar, en esta Desnudez, y en el esplendor del atardecer comprendo que el infinito es una ilusión... el infinito está en mí. Si Pudiera Imaginar Si pudiera ser como este mar ....la profundidad, su vastedad. vida tras vida, sol tras sol lo que quedará es sólo Amor, solamente Amor, solamente Amor. Si pudiera ser como este cielo ....la grandiosidad, su libertad. Nombre tras nombre, corazón tras corazón lo que quedará es solo Amor, solamente Amor, solamente Amor. Si pudiera imaginar el Silencio el Silencio del Universo. Si pudiera imaginar un mundo iluminado de lo inmenso. Este Es El Amanecer Este es el amanecer de mi Despertar, un día de alegría y de asombro. Me vestiré de nubes, me saciaré de sol. Este es el amanecer de mi Despertar: Un instante de Eternidad. Canto Cielo de lluvia y cielo de dulzura amenazador y sereno como Fantasía. Cielo eterno que acaricia el viento, queda para mí como un sueño ligero. Tierra de sonidos y tierra de silencios de atardeceres robados tras la tempestad, lluvia suspendida en el aire que respiro, hadas que son una plegaria, la vida mía. Canto de amor y canto de Perdón un brillo de luz sobre el infinito. Viento de paz y viento de esperanza, hadas que son una plegaria, la vida mía. La Rueda Del Cielo Gira la Rueda, la Rueda de la Oración de la Fortuna y de la Primavera de la Esperanza y de la Compasión de la Ignorancia y de la Devoción. No sufrirá mutación alguna porque el tiempo es una ilusión. Gira la Rueda, la Rueda del Dolor de la Pureza y de la Ambición de la Vejez y de la Juventud para regalarse otro día más. No sufrirá mutación alguna porque el tiempo es una ilusión. Entre La Luna Y El Sol En esta quietud que me envuelve hay un mensaje desconocido: una respuesta a mis porqué a todo aquello que he vivido. No están vacías mis manos asidas a un cielo ilimitado ahora que he abierto mis alas sobre las nubes del pasado. Abriré mi corazón a un gran Amor sin un principio, sin un final entre la luna y el sol, arriba de nosotros. Como Olas Sobre El Océano (instrumental) El infinito (Continuación) Me rendiré a esta Armonía, a esta luz que me recibe en la frontera de mis sueños y deseos, en un cielo sin estrellas... en un tiempo sin edad. Porque en este mi Despertar, en esta Desnudez, una lágrima se pierde en la Realidad última, y en el esplendor del atardecer comprendo que el infinito es una ilusión... el infinito está en mí. Trad.: JPL Junio 2007 ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Monterrey Prog Fest - 29 de junio HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. Con la presente informo sobre la cercana realización de un festival progresivo en la localidad mexicana de Monterrey .- " Monterrey Progresivo presenta; C A B E Z A S D E C E R A Viernes 29 de Junio, 22:00 hrs Café Iguana (Diego de Montamyor, Barrio Antiguo) Cover $80.00 ID 18+ Bandas Invitadas: CÍRCULOS DE NADA PÁJARO JAZZ TRÍO “ Para más información, pueden visitar los siguientes enlaces: www.MonterreyProgFest.com, www.cabezasdecera.com, www.circulosdenada.com, www.myspace.com/pajarojazztrio Aquí me despido hasta una nueva ocasión. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Octavio Castillo - concierto de 30mo. aniversario HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. Con la presente transcribo el anuncio del espectáculo "Los Ensueños de Tavo Castillo", un show de única presentación donde se celebrarán los 30 años de variada y prolífica trayectoria de Octavio Castillo, talentoso multi-instrumentista que es principalmente conocido por su labor en Frágil, leyenda señera (y aun viviente) del progresivo peruano. Aquí va el mensaje oficial de anuncio de este show.- " LOS ENSUEÑOS DE TAVO CASTILLO: MUSICA, TEATRO Y DANZA SABADO 30 DE JUNIO TEATRO SEGURA Un espectáculo único que combina música, teatro, danza con muchos invitados especiales, será lo que presentará el 30 de junio a las 8:30 de la noche, en el tradicional teatro Segura el reconocido músico Octavio " Tavo" Castillo en co- producción con el Municipio de Lima. "LOS ENSUEÑOS DE TAVO CASTILLO: TEATRO, MÚSICA Y DANZA se presentará por única vez celebrando sus 30 años de trayectoria artistica, interpretando temas de su primer disco como solista. Para esta fecha especial ha convocado a Frágil, Ritual (Tito La Rosa, Pepe Chiriboga) Jean Pierre Magnet en el saxo, el guitarrista ayacuchano Vicente Mansilla. Participarán también 10 niños flautistas, una banda costumbrista y por supuesto danza en sus diferentes géneros. La banda de Tavo estará conformada por Chano Díaz Limaco en el charango, Pauchi Sasaki en el violín, Inkeri Petrozzi en el cello, Oliver Castillo en el bajo, Daniel Pacheco en la guitarra, Jeremy Castillo en la Batería y Joni Chiappe en los teclados. Hablar de Octavio Castillo es referirse a una carrera musical con estilo propio. Icono de la música en nuestro país. Líder de la agrupación nacional Frágil, al que han seguido muchas generaciones. La amplia trayectoria de Tavo se inicia a sus 13 años de edad cuando comienza tocando guitarra , prestando sus instrumentos para ver como los tocaban y así aprender; forma en esta época un grupo de barrio (Breña) en el que estaban Harry Antón y Luis Valderrama - "Los Tipets". Entre los 14 y 18 años, tiempo que vivía con su madre, forma otro grupo en Miraflores - Burbuja Azul - tocando temas de rock clásico, Led zeppelín, Grand Funk y otros. Mientras ingresaba al conservatorio para estudiar música, Tavo forma con César Bustamante, Luis Valderrama y Harry Antón , el grupo que luego sería Frágil, interpretando temas de rock progresivo (Yes, Genesis, Focus, Jethro Tull),en este momento sale del grupo Harry e ingresa Arturo Creamer , luego se une Andrés Dulude y empiezan a componer temas propios. Por los años 80's forma parte de La Banda de la más mas de Radio Panamericana, "El Chino Chávez y Solo Canciones" y "Dr. No". En los años 90's junto a Tito la Rosa realiza un proyecto al que bautizan con el nombre de RITUAL, con el que tiene ya varias producciones musicales "RITUAL", "AYAHUASCA", "NAZCA", muy reconocidas mundialmente. Además, llevó a cabo con Tito La Rosa la Banda Sonora de la Película "Estado de Miedo", Película de Paco de Onís, Peter Kinoy y Pamela Yates; disco "MEMORIA", que fue trasmitida por el canal de cable Nacional Geografic. Colabora y participa en discos de diferentes bandas de diversos matices musicales entre ellos Cavilando de Manuelcha Prado, Campo de Almas, Gianmarco, Jorge Pardo, Reino Ermitaño, entre otros. Cada año interviene en el homenaje a Jhon Lennon (DEA Promotora). Tiene una producción personal "Ensueños", editada en el año 2005. Plasma aquí una perfecta fusión de sus influencias y gustos musicales. Junto con sus grupos "Frágil" y Ritual, ha realizado giras nacionales (Trujillo, Chiclayo, Arequipa, Cuzco, Ancash, Loreto, etc) e internacionales en varias ciudades de Estados Unidos, Argentina, Suiza, Francia, África, Alemania, entre otros. Compartió escenarios tanto con Fragil como con Tito La Rosa, con: Foreigner , Paul Winter, Jethro Tull, Tri, Enanitos verdes; Miguel Ríos, Cafeta Cuba; Bacilos; Miguel Mateos; Pepe Alva; Wayscan, Adrian Brendel; Irina Lognikova; Chris Berry; grupo Zimbawe Mbira ; Paul Mac Candless; Afrigo Ugandan Musicians; Michael Mwanzia; Richard Oneko,Masao Maqui, Mary Young Blood(ganadora de varios premios Grammy Indios). El 19 de mayo tuvo destacada participación como músico invitado de la Banda Led Zepagain, (agrupación de cobres de la legendaria banda Led Zeppelin apadrinados por los mismos Jimmy Page y Robert Plant) AGRADECIDOS POR SU DIFUSION DEA PROMOTORA S.A MARYLIN WILLIS Prensa: CO-PRODUCCION Telefax: 4709346- 98706727 Tel. : 4234925 -97972541 " ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Mariano Bugar7Q n Asunto: William Gray en vivo Hola a todos, Les comento que el sabado 21 de julio a las 22.00 se presentara William Gray en vivo en el Teatro Santa Maria (Montevideo 842, ciudad de Buenos Aires). Las entradas anticipadas para el show cuestan $15 y pueden comprarse en TMB Shop (Av. Santa Fe 1953 Loc. 13, 4813.5117) y Discover (Florida 537 Loc. 441, 4327.1379). Pueden escuchar algo de la musica de William Gray en sitio web http://www.williamgrayband.com.ar y en MySpace http://www.myspace.com/williamgrayband Saludos, Mariano :: la otra música :: http://la-otra-musica.blogspot.com/ ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: FLOR_DE_LOTO_en_la_prensa_limeña HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. La gente de FLOR DE LOTO sigue llamando la atención de la prensa peruana en esta fase actual de promoción de su segunda placa “Madre Tierra”. El diario limeño “El Comercio” primeramente anunció este suceso en una breve nota en un suplemento sabatino, y ahora, en su edición del domingo 24, aparece una reseña del mencionado disco “Madre Tierra”. El texto fue escrito por Rafo Valdizán. “ EL SEGUNDO GOLPE DE FLOR DE LOTO Luego de su sorprendente álbum de debut, el cuarteto peruano de prog rock arremete con una placa de diez pistas de notable factura. No hace mucho, la banda tuvo auspiciosas presentaciones en México Por Rafo Valdizán. Estuvieron en el Baja Prog, uno de los festivales más importantes del mundo en materia de rock progresivo, y vaya que les fue bien: les pidieron bises una y otra vez, y Flor de Loto tuvo que extender su noche en el prestigioso encuentro musical realizado en el hotel Araiza de Mexicali. Pero también tocaron en Aguascalientes y Zacatecas e igualmente fueron efusivamente aplaudidos por manos aztecas. De regreso a Lima, lejos de apoltronarse sobre recientes laureles internacionales (antes, a fines del 2006, la hicieron en Brasil), la banda peruana consolidó su segundo compacto, recientemente colocado en los escaparates limeños: "Madre Tierra". El grupo que integran Alonso Herrera (guitarras), Jorge Puccini (batería y percusión), Alejandro Jarrín (bajo) y Johnny Pérez (flautas y zampoñas) ha completado una producción digna de los mejores anaqueles de colección. Diez pistas mayormente instrumentales discurren como un viaje alunado de sonidos ancestrales peruanos, fusionados con el rock a través de complejas correrías rítmicas; una travesía de vericuetos e imágenes que se abren como una invitación implícita que pareciera decir: "Venga, descubra nuestro mundo". El tema "Madre Tierra" abre el álbum y, desde ese instante, no hay vuelta atrás: todo comienza a ser un continuo de climas y fases. Espléndido lo hecho en "El charango perdido" y "El mensajero", en el que pueden acomodarse con total naturalidad una flauta muy autónoma y una guitarra distorsionada. En "Danza celta", como el título sugiere, hay una traslación estética hacia una suerte de folclor europeo (se adivinan roces con Jethro Tull y hasta Mago de Oz). Tal vez se trate de la canción más importante del disco, vale decirlo: es un gran tema que en tres minutos y medio condensa toda una historia de sonidos, giros y espacios. Algo similar ocurre en "Andaluces", de notoria influencia flamenca. "Luz de Luna" es una pista tenue y agreste, como un interludio en el que flota la calma; y "Antares" rompe el esquema con un ametrallador remate a lo speed metal. Abrasivo y descarnado. Otra de las virtudes de "Madre Tierra" es que ha logrado desmitificar el rock progresivo como un género obligado a extenderse en demasía. En tal sentido, Flor de Loto ha logrado una concisión loable. “ Aquí va el enlace de la reseña en formato PDF.- ttp://www.elcomercioperu.com.pe/edicionImpresa/pdf/2007/06/24/ECMU240607c17.pdf Ah, de paso, aquí va el anuncio de su próximo concierto en Lima: Jueves 28 de junio El Dragón de Barranco Av. Nicolás de Piérola 168 11 p.m. - 10 Soles Aquí me despido hasta una nueva ocasión. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Roberto I. Quesada" Asunto: Genesis - A Trick of the Tail (SACD / CD HIBRID / DVD) Genesis : "A Trick of the Tail" (SACD / CD HIBRID / DVD) Desde que partió Peter Gabriel de Genesis todo el mundo daba por un hecho que la agrupación desaparecería del todo, sin embargo nos regalaron dos discos más de excelente calidad tanto lírica como musical, estoy hablando de "Wind and Wuthering" y por supuesto de "A Trick of the Tail". No se cuantas veces he escuchado este último pero cada vez es una experiencia única. Recién este año 2007 reeditaron dicho disco en formato SACD junto con un DVD que contiene material extra que incluye el video "Genesis in Concert" filmado en 1976, tres clips promocionales y una entrevista muy interesante donde cada integrante del grupo comenta un poco sobre cada pieza. La verdadera joyita es por supuesto el video de 40 minutos, así que no lo piensen dos veces si lo van a comprar, bajar, quemar o lo que sea. Particularmente no me agrada el sonido tan "perfecto", no soy partidario de los discos SACD; en el caso de ATOTT el sonido es exquisito, empezando por la voz de Collins que se acentúa más y se le entiende absolutamente todo, los pedales de bajo Taurus suenan extraordinariamente bien, ni que decir de las cuerdas de la guitarras uff!!. Aún así se nota la excesiva compresión cuando se escucha la batería, que no posee la misma fuerza de la mezcla original. Resulta interesante escuchar una mezcla con un sonido diferente al que uno está acostumbrado, te hace revivir todas las piezas del disco. El encargado de la remasterización, Nick Davis, realizó un buen trabajo. En cuanto al tracklist ya sabemos cuales son los temas, simplemente que fueron remezclados con sonido Surround y DTS Digital 5.1. El contenido de los discos es el siguiente: DISCO 1 - Dance On A Volcano - Entangled - Squonk - Mad Man Moon - Robbery, Assault And Battery - Ripples... - A Trick Of The Tail - Los Endos DISCO 2 - Tracks (DVD Audio) - Videos Musicales ("Robbery, Assault And Battery", "Ripples", "A Trick of The Tail") - Reissues Interview 2007 - Genesis In Concert 1976 ("I Know What I Like", "Fly On A Windshield", "Carpet Crawl", "The Cinema Show", "Entangled", "Supper's Ready (extracto)", "Los Endos") - White Rocks' Premiere Programme 1977 (8 Fotos) Saludos; --- Roberto I. Quesada SJ, Costa Rica mail: saytra@racsa.co.cr blog: http://ideasmecanicas.blogspot.com/ ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Juan Mellado" Asunto: Guadalcaiman el 17 de agosto Hola Ya estan a la venta las entradas !!! http://www.telentrada.com/ CDA/TelEntrada/Ficha_local/ficha_local/0,2079,3a1b1c4dfghijk913l,00.html Guadalcaiman (Guadalquivir, Cai, Imán) Nota mia: Existen rumores, todavia no confirmados ni oficiales, de que Guadalquivir no actuará. ojala solo se quede en rumores. También se rumorea que habra sorpresas esa noche como la intervención de Chano Dominguez y algun otro miembro del Cai original... El 17/08/07 Local/Sala: Teatro José María Pemán Dirección: C/ Paseo Sta. Barbara s/n Población: Cádiz Horario: 22:30h Precios: 20 Euros LOS VERANOS DEL PEMÁN Varias ciudades asistieron meses atrás a la reunificación de grupos señeros como Guadalquivir e Imán Califato Independiente, en noches gloriosas para todas las edades. Los grupos instrumentales más alejados de la comercialidad que alcanzó el rock andaluz, más cercanos al jazz que al flamenco, vuelven a la escena musical, plagada ahora de lolailos, lereles, sucedáneos de usar y tirar. El retorno, segunda parte, de Imán Califato Independiente supondrá otra alegría para los aficionados que comprobaron en Jerez, a principios de septiembre, el excelente estado de gracia de los músicos. Otra oportunidad única y extraordinaria de dejarse llevar por los sones profundos, luminosos y magnéticos de Imán, precisamente en el trigésimo aniversario de la formación. El mismo cumpleaños que celebrará Guadalquivir que tocará la dupla de guitarristas infalibles, Luis Cobo Manglis y Andrés Olegui, junto a otros cinco músicos de tronío. Y finalmente CAI, otra de las leyendas del rock de nuestra comunidad que retornan de la mano de su batería cantante Diego Fopiani y el guitarrista Paco Delgado, Cuerdas y vientos. Habrá marea alta. información extraida de la web http://www.telentrada.com/ salu2 nos vemos en Cai... ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "JESUS GM" Asunto: PORCUPINE TREE "UP THE DOWNSTAIR" (1993) PORCUPINE TREE : "UP THE DOWNSTAIR" Saludos cajeros. Viendo que aun no se encuentra entre las críticas este segundo disco de S. Wilson y cia, me animo a hacerlo yo. Anterior al "the sky moves sideways"y de su época más "Pinkfloydiana". Aunque ya se vislumbran elementos "porcupidianos", mezcla de la psicodelia y el space rock y el hard rock. Con arranques de solos de guitarra verdaderamente geniales, en algunos de sus temas, muchos de los cuales son instrumentales y enlazados unos con otros. Empieza el discon con "Want you are listen to" un tema introductorio de un minuto de duración, y que consiste en varias sonoridades superpuestas (algo así como "Costa del slough" del disco RADIATION de MARILLION). Continua "synesthesia" con una base secuenciada de teclados que se repite constantemente, sobre la que cante S. Wilson y desarroya varios sonidos de guitarra. El tema 3 pasa casi desapercibido, se podría decir que sirve de enlace entre el tema 2 y el 4, tan sólo dura 20". El corte 4 "Always never" es uno de los mejores del disco, muy atmosférico en sus comienzos decae a un tempo más lento hacia el minuto 4 y a partir del 5, y con la introducción de un solo de guitarra va poniéndose más cañero y aumentando en tempo sobre la misma base de teclados de la parte lenta. El siguiente es el que da título al disco. Tema instrumental. Con un comienzo muy suave y ambient, poco a poco va apareciendo una base de bajo que se va repitiendo, y posteriormente se une un rif de guitarra a lo "wilson" que aparece y desaparece, dejandodejando varias veces las melodias de bajo y teclados a sus anchas; así hasta el minuto 7 donde hay un intermedio muy atmoférico, donde se escuchan un diálogo de una chica (será la de la carita entre nieblas que aparece en la carátula del disco?) Terminando el tema con una explosión de guitarras y teclados, alrededor del minuto 9. Queda destacar también una suave melodia que se repite en varias partes del tema y que le da un aire místico.... en fin este tema es muy..... "caleidoscópico". Inmediatamente " Not beautiful anymore" tema 6, que introduce la voz de la misma chica del tema anterior y que apare tambien en varias partes del mismo, pero el tema es instrumental, y más movido que el anterior y más corto (3:26 min). El 7º es también un tema enlace que nos conduce hacia la preciosísima balada "Small fish". Empieza con la guitarra acústica y cantada con muchísima sénsibilidad por S.Wilson, y con un solo de guitarra también conmovedor; lástima que sólo dure 2:42 min!!!. El tema nueve empieza con una secuencia de ritmos, sobre la que se dibuja otra de teclados, y a partir de primer minuto empieza una guitarrata secuenciada a lo "PINK FLOYD" del "A momentary lapse of reason". Este tema "Burning sky" también es instrumental, y de los mas duros del disco, con varios punteos de guitarra muy buenos. A partir del minuto 5 se pone lenta, con la típica tónica "space-psicodelica-atmosférica" que predomina en todo el disco. llegando al minuto 6 vuelve a arrancar la guitarra con un "slide" a lo "Guilmour", y a continuación vuelve otra vez la misma secuencia de guitarra primera, poníendose cada vez más y más dura y cañera; llegando al minuto 11 donde acaba. Llegando al último tema "Fadeaway", otra balada extraordinaria , muy en la onda "lazarus" del disco "Deadawing" , pero a mí particularmente me gusta más esta, tema superrelajante, y con un aire muy nostálgico, que también se hace breve...... no podría terminar mejor el disco. En fin para mí este disco d P.T, tendría un notable alto. Aunque en los últimos discos mantienen cierta esencia psicodélica de sus primeros tiempos, tienen un sonido mucho mas metalero que en aquellos, donde predomina un estilo mas atmosférico y psicodélico. Contenían cierta magia que con el paso de los años se traduce en cierto sabor nostálgico, que sólo los grandes saben impregnar a sus obras. Salu2 ----------------------------------------------------------------------------