/-------------------\ | XXX | \__ | XXX X | __/ \__ | XXX X | __/ \__ | X X | __/ | X X | --------- | X X | --------- __ | X .-.X | __ __/ | X /XXXX | \__ __/ | .-.X XXXX/ | \__ / | /XXXX `""´ | \ | XXXX/ | | `""´ | \-------------------/ LA CAJA DE MUSICA LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO ============================================================================ LCDM: #752 noviembre 2006 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM ---------------------------------------------------------------------------- * Spock's Beard: "Spock's Beard" (2006) * Index "Liber Secundus" * actividades de Whitaker y Wyatt (de Happy The Man) * página_de_2112,_actualizada * respuesta a alberto * BANKS - Calling All Stations + DVD * Pink Floyd Comic * TEMPANO * Decepcionado * progresivo contemporaneo * Tercera y ultima parte entrevista GUALBERTO * Cosmos: "Skygarden" (2006) * Thinking Plague "In Extremis" * MIDAS "In Concert" * Grog editado por Psycofonía Records ya a la venta!!! ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Juan Mellado" Asunto: Spock's Beard: "Spock's Beard" (2006) Spock's Beard: "Spock's Beard" (2006) Discografica: Inside Out Music Temas: 1. On A Perfect Day (7:47) 2. Skeletons At The Feast (6:33) 3. Is This Love (2:51) 4. All That's Left (4:45) 5. With Your Kiss (11:46) 6. Sometimes They Stay, Sometimes They Go (4:31) 7. The Slow Crash Landing Man (5:47) 8. Wherever You Stand (5:09) 9. Hereafter (5:01) As Far As The Mind Can See 10. Part 1: Dreaming In The Age Of Answers (4:49) 11. Part 2: Here's A Man (3:28) 12. Part 3: They Know We Know (3:18) 13. Part 4: Stream Of Unconsciousness (5:23) 14. Rearranged (6:07) Musicos: - Nick D'Virgilio Vocals, Drums, Guitars - Dave Meroes Bass - Alan Morse Guitars, Vocals - Ryo Okumoto Keyboards Después de 2 albums en mi opinión bastante desoladores, como fueron Feel Euphoria y Octane, quizás porque añoramos la música de los SB de Neal Morse, la banda actual liderada en estos momentos por Nick D'Virgilio, editan un tercer trabajo homónimo. Tras escuchar el tema que abre el disco ON A PERFECT DAY, para mi el mejor tema Clásico y Made in SPOCK'S BEARD que han escrito después de la marcha de Neal Morse y el cañero SKELETONS AT THE FEAST, uno se frota las manos pensando, bueno !!!, se lo han pensado mejor y han dicho de volver a tocar BUEN PROGRESIVO, pero que va !!! solo es un espejismo. IS THIS LOVE suena a clon de DEEP PURPLE, igual que WHEREVER YOU STAND, tenemos también baladas AOR como ALL THAT'S LEFT, WITH YOUR KISS donde participan todos a los coros y THE SLOW CRASH LANDING MAN no hacen mas que pronunciar ese deseo de la actual banda de Spock's Beard de llegar a otra clase de publico que con el que han llegado con el progresivo, como si no hubiera ya buenos grupos AOR. SOMETIMES THEY STAY, SOMETIMES THEY GO parece un tema interpretado por Lenny Kravitz y para acabar anuncian una SUITE titulada AS FAR AS THE MIND CAN SEE cuyo comienzo AOR a lo FOREIGNER nos presagia lo peor, pero llega HERE'S A MAN con ese toque jazzy y el buen savoir faire de los MUSICOS de SB, pero vuelve a ser otro espejismo, porque los siguientes temas nos devuelven ese toque AOR. En definitiva una nueva decepción, ya van tres. Solo destacable ON A PERFECT DAY, un temazo que a los que os guste los clásicos Spock's Beard de Neal Morse, este os gustara a rabiar y también mencionar ese toque jazzy preciosista que tiene HERE'S A MAN. Además hay que destacar la mas que correcta instrumentación de los 4 músicos, la producción y grabación del álbum y subrayar en especial el papel que realiza Alan Morse a la guitarra. Puntuacion: 4,5/10 Salu2 nuevamentedefraudadosfansprogresivos © Juan progjuan@hotmail.com ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Index "Liber Secundus" INDEX: “Liber Secundus” (2002) Temas 1. Lágrima 2. Portões de Gaza 3. Fim de Floresta 4. Algemas de Floresta 5. Guernica em Nova York 6. Instantes 7. Novella Integrantes - Ronaldo Schenato: bajo - Jones Júnior: guitarras y voz - Leonardo Reis: batería y voz - Otaviano Kury: teclados y voz Colaboradores – Cristina Sachet (canto en 1), Rafael Reis (armónica) Segundo disco de la banda brasileña Index, fundada por el guitarrista Jones Júnior tras su alejamiento de la formación original de Quaterna Réquiem: el repertorio de “Liber Secundus”, a diferencia del de “Identidade”, da espacio a temas cantados, aunque los temas tienen en general una predominancia instrumental. Se trata de algo bueno, en verdad, pues la destreza vocal de estos músicos no rebosa carisma ni brillantez. El sonido del grupo se clava perfectamente en el sinfonismo melódico inspirado en el Camel clásico y con algo del lirismo inquieto de Yes, dos referentes muy habituales dentro de la escena progresiva brasileña, dicho sea de paso (allí tenemos los ejemplos de Dogma y Tempus Fugit). El disco comienza con el hermoso instrumental ‘Lágrima’, compuesto por el teclista: es por eso que el piano da inicio solo a la pieza, y luego guía su desarrollo, el cual incluye bien armados solos de guitarra. El canto de la invitada Cristina Sachet ayuda bastante a realzar el tono solemne que resulta esencial a la pieza. Las cosas se ponen más ágiles en los dos siguientes temas, y cabe decir que el sonido del grupo adquiere una mayor robustez, lo cual permite solventar una reestructuración más sólida para las ideas musicales, las cuales, a su vez, contienen una dosis menor de sofisticación en comparación con el poderoso tema de entrada. ‘Algemas de Cristal’ es un breve solo de guitarra clásica, cándido y sutil, adornado con retazos de armónica. Este pequeño desahogo intimista es mayormente un preludio a ‘Guernica em Nova York’, una pieza que resalta por causa de su enérgico despliegue de extroversión. De hecho, los tres temas que conforman la segunda mitad del disco se lucen en un continuo pleno en colorido y vivacidad. En concreto, el motivo introductorio instrumental de ‘Guernica’ está elaborado a partir de diálogos de guitarra y bajo que suenan un poco a una mezcla de ‘Heart of the Sunrise’ y ‘Siberian Khatru’. Poco después, de manera fluida, la conclusión de esta sección se engarza con el motivo cantado central, donde el compás es más reposado y el tono progresivo se pone más cameliano. La elaboración de un aura intensa sobre el desarrollo del motivo central conduce a la retoma concluyente de la entrada instrumental. ‘Instantes’ comienza con una introducción melancólica, la cual abre espacio para que, al poco rato, emerja una sección principal más explícita. Los últimos 13 ¾ minutos están ocupados por el instrumental ‘Novella’, otra gema de este disco. Las diversas ideas melódicas que van girando y expandiéndose son bastante agradables, y están hiladas de manera muy natural a través de las variantes de ritmo y ambiente. Un cierre adecuado para un disco ideal para los acérrimos amantes de la tradición prog sinfónica. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: actividades de Whitaker y Wyatt (de Happy The Man) HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. El guitarrista Stan Whitaker y el vientista-teclista Frank Wyatt, dos de los cerebros de la portentosa banda norteamricana Happy the Man, operan juntos tamboén en otros proyectos musicales. Me refiero a Oblivion Sun y Pedal Giant Animals. Oblivion Sun es un quinteto que tiene la misma estructura instrumental que HTM, y un sonido muy similar también, aunque con una dosis mayor de energía. Su material está disponible para ser escuchado en el enlace http://www.myspace. com/oblivionsun Por su parte, Pedal Giant Animals es un proyecto a dúo en el cual colaboran como músicos de apoyo Peter Princiotto y Chris Mack. Será lanzado al mercado el 15 de diciembre próximo, y su repertorio consiste en los siguientes temas: Mists of Babylon – Whole - The Leaf Clings... - Chapter Seven - Everything – Love Stumpy Shuffle - Turning My Head - Pedal Giant Animals - Blue Sun - Pink Sky. El sonido grupal combina composiciones épicas progresivas, instrumentales acústicos, jazz vanguardista y texturas sinfónicas. Más detalles y ventas pre-order en el enlace http://www.pedalgiantanimals.com/ Aquí me despido hasta una nueva ocasión. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: página_de_2 31 312,_actualizada HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. La página web del grupo argentino 2112 se ha actualizado, con nuevas informaciones y fotos. Se incluye una biografía concisa del nuevo bajista Gabriel Costa, quien fuera entrevistado hace poco aquí mismo, en LCDM. Visita recomendada al enlace www.2112argentina.com Aquí me despido hasta una nueva ocasión. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "jsierbo@wanadoo.es " Asunto: respuesta a alberto Respondo al mensaje de Alberto. > Bueno, lo primero que te respondería es que para mi es más que obvio que Mars Volta, Tool, Opeth, Isis, etc. tie nen mucho más que ver con el progresivo que los Genesis de Collins/Rutheford/Banks. Y lo de que el progresivo de siempre baja enteros en la lista no me extraña francamente, visto que ninguna banda clásica (salvo King Crimson) tiene nada digno que ofrecer y el lamentable nivel de calidad y origi nalidad de los típicos Flower Kings, Spock's beard, etc. Señores (y señoras), estamos en un punto de inflexión, el progresivo gana adeptos y presencia con una facilidad que seguramente desde los setenta no se ve ía, pero obviamente es otro progresivo. Ni mejor ni peor, sino diferente. Podeis descubrir un nuevo mundo o podeis seguir escuchando los discos de Phil Collins hasta rallarlos, la elección es libre. Bueno, en todo caso que estos grupos tienen que ver más con el progresivo que genesis formato trio es tan solo tu opinion. No habras escuchado duke o we can't dance, supongo. Y hablar de que flower kings son lamentables cuando no ha habido un solo bajon en su carrera, ya dice mucho de tus gustos. Por no hablar del ejemplo que pones de banda clasica que hace progresivo digno, king crimson, cuando lo suyo actualmente tiene poco del progrresivo de sus buenos años. Yo siempre he sido un seguidor del progresivo y esos adeptos y gran presencia del progresivo que cuentas no lo veo en ningun lugar, para bien o para mal creo que somos los mismos de siempre. Ahora si a los nuevos adeptos te refieres a ti y tus semejantes pues me temo que hay que hablar en terminos mucho mas reducidos. Para muestra, las respuestas a mi mensaje, tan solo has respondido tu, nadie más. Me temo que se confirman mis sospechas, sois una minoria los que quereis que apechuguemos con vuestros progresivos modernos, frente a una grandisima mayoria que no nos interesa para nada. Yo soy uno de los sorprendidos con la atención que se le está prestando a esta reunión. Me parece tan lamentable estar pendiente de una reunión que en el mejor de los casos va a dejar un par de refritos de la era gabriel, en lugar de interesarse por el prolífico panorama del progresivo contemporáneo que este 2006 nos está dejando obras estupendas en una variedad y calidad asombrosas. Pero bueno cada uno es libre de interesarse por lo que crea conveniente, eso está claro. Sigo pensando que este tipo de grupos tan estupendos según tu, cosa que no dudo, no son carne para degustar en la caja. Simplemente es mi opinion que espero sea respetada. Sierbo ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Jorge Padilla L" Asunto: BANKS - Calling All Stations + DVD Calling All Stations visto por Tony Banks Prólogo (2006). A principios de 1996 Tony Banks y Mike Rutherford, sin tener nada que perder, decidieron que querían probar suerte de nuevo, motivados también por el hecho de que querían seguir escribiendo canciones. Sin pretender ser más un supergrupo, Banks un día escuchó el álbum Stiltskin del desconocido Ray Wilson y quedó impresionado con su voz, y el resto es historia. Ray fue elegido no porque fuera un cantante perfecto, ni Pete ni Phil lo eran –llegó a declarar Tony-, pero tenía otros poderes. Para cuando Ray Wilson llegó, Banks y Rutherford ya habían escrito toda la música y la base de las canciones, pero faltaban las letras. Lo que aportó Ray a Genesis fue principalmente una voz más profunda y por tanto más oscura, un poco más dramática y un poco menos pop. Las canciones del álbum resultaron ser también un poco más largas; de seis, siete y hasta ocho minutos de duración. Estos y otros elementos hicieron pensar que Genesis retomaba el Rock Progresivo, tal vez en un intento por recuperar a los seguidores de antaño. El resultado no pudo ser lo que esperaban pero a diez años de distancia no es muy aventurado afirmar que Calling All Stations tal vez sea el álbum menos escuchado y menos conocido de toda la discografía de Genesis. Alguna explicación para ello quizá la encontremos en el análisis que el propio Banks hace del disco. Calling All Stations: "Calling All Stations es la pista de entrada, que fue también lo primero que escribimos. La mayor parte de los elementos que la componen se crearon en el primer día y lo que se convirtió en la parte media vino un poco después. Sólo armamos el ritmo y tocamos encima de él. Es una pieza basada en una secuencia de acordes y todas estas secuencias de acordes sonaban muy bien encima, -acordes dramáticos- y se trataba simplemente de ponerlos en un orden que le dieran sentido a la canción porque virtualmente no tiene repeticiones y sin embargo parece resultar bastante bien. Es un corte dramático de tempo lento y sé que es la canción favorita de Ray en el álbum." Congo: "..en realidad su desarrollo vino de un 'loop' con el que estaba jugando en el que combinaba dos o tres cosas juntas y haciéndolas más lentas y haciendo cosas divertidas con ellas y pensé que tenían un buen sentimiento, así que terminamos teniendo dos estados de ánimo completamente diferentes en este primer 'loop', uno de los cuales era muy alegre – lo que era más obvio porque sugería ritmos ligeramente africanos o un sentimiento caribeño. Luego la otra parte tenía este humor más oscuro y sólo combinamos los dos en realidad. Debo admitir que cuando estábamos escribiendo esto y habiendo escuchado el álbum Stiltskin, le dije a Mike (Rutherford) 'esto podría sonar fantástico, traigamos a ese cantante de Stiltskin, esta canción suena exactamente como una de las que el cantaría' y sólo toqué lo que era una melodía del tipo de blues convencional en ella y le comenté que sonaría realmente bien con la voz de ese cantante, funcionará. Así que tenía la voz de Ray detrás de mi mente. La mayor parte del tiempo, cuando estábamos escribiendo las canciones, en realidad no teníamos ni idea del cantante pero estoy satisfecho con la manera en que se dio la canción. El coro es en verdad muy fuerte así que será interesante ver si resulta para nosotros." Shipwrecked: "Shipwrecked en realidad vino de otro 'loop' que sólo grabé. Todo el tiempo hacemos DATs de cosas mientras estemos de acuerdo, y había un pequeño ritmo en la canción que se convirtió en Anything Now. Había un pequeño 'riff' que tocó Mike de modo que puse una etiqueta en él. Lo recorté y lo puse en el emulador porque pensé que era una buena partecita y pensé que podríamos hacer algo con ella. Más tarde la toqué a velocidades bajas en los teclados y sólo pensé que sonaba fantástica. Así que le hice un 'loop', como acostumbro (risas) y lo toqué para Mike y dije 'Vas a adorar esto' y evidentemente lo hizo porque era de él (risas). Sólo era un pequeño 'riff', sólo un 'riff' transitorio en una larga improvisación de 25 minutos, un 'riff' que tocó dos veces y sonaba realmente muy bien. Volvimos a tocar el 'loop' y había algo mágico en él. Estábamos un poco atorados con algunas de sus partes, así que lo que hicimos fue sobreponer guitarras más lentas para hacer resaltar al mismo 'riff' un poco más pero todavía no podíamos lograr hacerlo tan bueno como el 'loop' original, el 'loop' original es mucho más fuerte. Entonces sólo era cuestión de escribir una canción en él que tuviera un verso muy sencillo, algo para llevarlo y traerlo de vuelta si es que queríamos volver a ese 'riff' una y otra vez. Mike escribió las letras para Shipwrecked, y de hecho discutimos a fondo por una melodía para este tema porque la melodía inicial que tenía Mike yo pensaba que no era lo suficientemente buena, así que intenté con otra melodía totalmente diferente y algunas partes de ella funcionaron y terminamos combinando las dos para obtener un resultado. Tiene un fuerte sentimiento nostálgico y sólo quisimos tener todo ese sentir en ella." Alien Afternoon: "Lo que sucedió con esta fue que Mike tenía una muestra de batería que era bastante interesante y sólo toqué en ella. Probablemente teníamos más que esto, pero teníamos tres o cuatro partes que funcionaban y yo tenía estas dos partes y pensé que ambas eran realmente fuertes de un modo distinto. Mike fue particularmente entusiasta con lo que terminó siendo la primera parte de la canción y yo fui particularmente entusiasta con lo que vino a ser la segunda parte y pasó que no había manera de poder hacer una canción con ellas; el coro de una con el verso de la otra – estaban separados. Así que la idea era tener una especie de conexión. Yo tenía esta secuencia de acordes suelta que iba con la segunda parte pero que realmente no era parte de nada así que se utilizó como una especie de puente entre ellas. Después fue sólo cuestión de trabajar las letras que combinaría los dos estilos tan diferentes. La segunda parte es muy engañosa porque es un patrón sencillo y aún así de algún modo suena especial y no sabes porqué – tiene lo suyo." Not About Us: "Cada vez que Mike tocaba esa secuencia de entrada, que era muy sencilla, sólo un par de acordes, pero sonaba muy bien, muy evocativa, y en la cinta de trabajo sonaba realmente bien así que quisimos conservar eso – el sentimiento acústico. Yo escribí la parte del coro, los coros y todo lo que le acompaña, pero de nuevo, una gran parte de la melodía en esta – durante el verso – vino de Ray. Cuando estuvo aquí la segunda vez audicionando y lo estábamos haciendo cantar encima de varias partes que habíamos escrito, le dimos esa y él pronto cantó lo que terminó siendo el primer verso. Así que en buena medida utilizamos esa y Mike escribió un coro para acompañarlo, la melodía y lo demás." If That's What You Need: "La siguiente canción es otra balada. If That's What You Need, que fue otra canción que alguien desarrolló de estos 'loops' de igual manera que Shipwrecked, sólo un pequeño 'loop' que se hizo de algo y otra vez Mike escribió una especie de letra romántica sobre ella. Me imagino que cae dentro de la tradición Genesis, más del tipo Follow You, Follow Me, y de ese tipo de cosas pero creo que funciona." The Dividing Line: "Es una pieza instrumental muy fuerte y en la que figura particularmente el baterista, Nir. Cuando la hicimos originalmente con la batería electrónica, teníamos una parte de batería electrónica un tanto ruidosa que funcionaba muy bien y su título era NYPD porque los tambores eran muy rápidos (risas). Creamos esta canción improvisando sobre la parte de la batería electrónica y se obtuvieron varios resultados. Tiene mucho entusiasmo y será un buen número en vivo y desde un punto de vista escénico podría acabar siendo la pieza de cierre del concierto o algo así, pues tiene un sentimiento como el de Los Endos, creo, y obviamente tienes el sólo de batería si es que todavía le queda fuerza para ejecutarlo (risas)!" Uncertain Weather: "Esto es lo que llamarías el tipo de gran balada del Genesis más tradicional, con acordes poderosos. Esta es una en la que Nick D'Virgilio toca la batería, que pienso suena agradable, y terminamos usando su parte. Trajimos a Nir para que intentara copiar la parte pero no sonaba ni de cerca tan bien como cuando Nick la hizo. Es un toque de luz que parecía funcionar muy bien en esta canción. Es una canción triste, pero es una donde al contrario de otras canciones insistí mucho en que Ray cantara exactamente donde estaban las notas porque lo requería la melodía. Es crucial para la canción, para el coro, y es algo que hizo bien. Algunas veces es bueno presionar la voz del cantante – Puedes hacerlo en la grabación. No es una canción que tocaremos en vivo probablemente y le da calidad, es buena en verdad." Small Talk: "Tiene, como base, un 'riff' de guitarra bastante simple con un buen sentimiento y me parece que el sax le da un muy buen carácter. Es una canción en la que de hecho Ray escribió letra y melodía. Lo mejor de ella para mí es la misma línea 'small talk' que tiene un gran sonido, es una especie de armonía en tres partes. Él tiene una magnífica voz grave cuando canta una octava por debajo de su propia voz, le pone un gruñido que usamos mucho en el álbum. Lo utilizé mucho en canciones en las que estaba controlando las vocalizaciones porque pienso que tiene mucho mérito. Y sí, creo que es una canción divertida, es una canción con un poquito de carácter, va bien con la gente que no son tan seguidores de Genesis." There Must Be Some Other Way: "…una de mis canciones favoritas del álbum. En realidad es una gran balada con una parte media instrumental extendida. Si la gente critica este álbum, que serán los seguidores de Genesis de mucho tiempo, creo que dirán que no hay suficientes piezas instrumentales en el álbum y será una crítica justa, pero hay un poco de ello a la mitad de la pieza y que es reconociblemente Genesis. Es una letra muy triste sobre el divorcio y fui yo quien escribió las letras pero utilicé lo que Ray cantó espontáneamente en el coro cuando improvisábamos al principio. Él sólo cantó 'there must be some other way' y sonaba tan bien que pensé que debía usar eso como base. Así que usamos eso como base de la canción y luego consideramos lo que podría llegar a ser y la modificamos un poco para que funcionara. Es lo que podríamos casi llamar una pieza de rock normal cantando en el coro y es algo que él hace tan bien que tienes que utilizarlo – tienes que aprovecharlo y no necesitas escribir una gran línea melódica. Suena muy bien y tiene mucha pasión." One Man's Fool: "Bien, la primera parte tiene que ver con el terrorismo supongo, la idea de alguien que es... evidentemente cuando ves un programa en la TV, cuando ves las noticias y ves toda esta miseria y destrucción y todo y sabes que es obvio que alguien mira eso y piensa: 'ese es un trabajo bien hecho, estoy satisfecho con eso.' Y es difícil saber... es difícil entrar al cerebro de esa persona para sentir porque es eso tan importante para ellos para hacerlos sentir que vale la pena hacerlo, causar toda esta miseria. Esta primera mitad trata de eso. La segunda parte trata lo mismo pero lleva la idea un poco más allá, lidiando con la certidumbre, con la gente que está segura de las cosas; cómo puedes estar tan seguro? Yo siempre he desconfiado de la certidumbre y esta segunda mitad trata de eso pero de una manera más filosófica, así que es menos personal, más intensa." -The Farm, Agosto 22, 1997. ©The Waiting Room Para la gira de Calling All Stations Tony y Mike ya no contaron con el apoyo de Daryl Stuermer, quien prefirió unirse a la banda de Phil Collins de tiempo completo. A Daryl Genesis le parecía ahora una banda distinta a la que había conocido y su sonido también muy diferente: "El álbum suena un tanto como el mejor álbum solista de Tony." Aún así existen grabaciones en video que documentan la gira de Calling All Stations, una de ellas es el DVD de la gira de 1988 llamado LIVE CALLING ALL STATIONS (www.musiccdvideo.com/view/6589.html), en formato NTSC con 90 minutos de música. Canciones: 1. Land Of Confusion 2. The Lamb Lies Down On Broadway 3. Calling All Stations 4. The Carpet Crawlers 5. There Must Be Some Other Way 6. Congo 7. Home BY The Sea /Parts 1 & 2/ 8. Selling England By The Pound 9. Follow You Follow Me 10. Supper"s Ready /Part 1 - Lover"s Leap/ 11. Mama 12. The Dividing Line 13. Turn It On Again Trad.: JPL. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Jorge Padilla L" Asunto: Pink Floyd Comic Hola a todos! El humor también es parte importante del Rock Progresivo y Sinfónico y Robert Wolpert nos ofrece una muestra de ello. En los siguientes links encontrarán los dos primeros números de su versión en historieta de una canción de Pink Floyd: www.neptunepinkfloyd.co.uk/magazine/2006/10/COMIC001.jpg www.neptunepinkfloyd.co.uk/magazine/images/2006/11/several-species-002.jpg O si lo prefieren, pueden acceder a la versión en castellano que yo mismo hice: http://photos1.blogger.com/blogger2/6611/286516023088473/320/groovin01.png http://photos1.blogger.com/x/blogger2/6611/286516023088473/320/35715/groovin02.png Que lo disfruten! ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: T C9MPANO_2 30 30 30 TÉMPANO: “Childhood’s End” (2000) Temas 1. Tres 2. Timorato 3. Lugar de Casas Nuevas 4. Sin Retorno 5. Grillos 6. El Fin de la Infancia (de 8 partes) 7. Escape para el Hombre Común 8. En la Vía Integrantes - Giuglio Cesare Della Noce: sintetizadores, piano - Miguel Ángel Echevarreneta: bajo, guitarra clásica - Pedro Castillo: guitarras eléctricas y acústicas, sintetizador, voz - Gerardo Ubieda: batería, percusión Colaboradores – Germán Landaeta (programación e ingeniería de sonido), Peter Pejtsik (cello), Carola de Landaeta (soprano en 6), Manena Contreras y su Coro de Niños (canto en 6) A fines de los 90s, en simultáneo con la edición expandida en CD de su pionero primer disco “Atabal-Yemal”, el grupo venezolano Témpano recuperó su formación original y se decidió a reencontrarse con sus raíces musicales progresivas tras un largo período de hibernación creativa bajo la tutela del pop-rock de cariz frontalmente comercial. Tal como lo demuestra “Childhood’s End”, el primer disco del grupo para esta etapa de renacimiento, su ingenio musical, fuerza expresiva y versatilidad sonora han aumentado en proporción geométrica. No somos pocos quienes consideramos a este disco como una cumbre definitiva de su carrera, y eso que Témpano ha continuado proyectándose con un concept-disc (“The Agony and the Ecstasy”) y con diversas composiciones de largo aliento para proyectos multi-grupales de Musea. Este disco es un estupendo catálogo bien amalgamado de sonoridades sinfónicas, crimsonianas, jazzeras y vanguardia de corte RIO. El cuarteto cuenta en esta ocasión con un colaborador de lujo, el cellista de After Crying Peter Pejtsik, quien además aporta algunas ideas para la composición de la breve pieza inicial ‘Tres’. Conectado a este prólogo está el enérgico tema ‘Timorato’, en el que se destacan los filudos retazos frippianos de guitarra sólidamente desplegados sobre una robusta sección rítmica y orquestaciones de teclado y cello. Con ‘Lugar de Casa Nuevas’, el grupo torna hacia senderos más líricos, creando un ambiente en el que se cruzan la candidez del Camel clásico con la exquisitez peculiar de un Happy the Man – la labor compositiva aquí es peculiarmente minuciosa e irresistiblemente llamativa. Reincidiendo en lo lírico pero más asentado en un rock sencillo ligeramente adornado con elementos de jazz-pop está ‘Sin Retorno’, la única pieza cantada del disco. La verdad que el trabajo vocal es más que decente, está muy bien (posteriormente, en “The Agony and the Ecstasy” habrá un poco más de espacio para temas cantados) – además, hay que hacer una mención especial a los efectivos solos de guitarra, cargados de sensibilidad melódica pero con suficiente buen gusto como para no caer en lo meloso. En ‘Grillos’ encontramos a la banda dispuesta a explorar concienzudamente sus inquietudes más jazzeras, creando un paisaje sonoro cálido en el cual las influencias de Pat Metheny y Happy the Man confluyen en un matrimonio sonoro consistente y dinámico. A partir de aquí tenemos que prepararnos para el festín de casi 25 minutos que conforma la ambiciosa pieza homónima: una suite de 8 partes que derrocha complejidad, variedad y fineza en sus máximas expresiones. El ensamble realiza un maratónico viaje a través de múltiples variantes en melodías, compases y texturas, dejando bien en claro que su operatividad en conjunto funciona compactamente al 100 %, sin fisuras ni desequilibrios. El cuarteto maneja con soltura e ingenio las evidentes huellas de Univers Zero, Gentle Giant, el King Crimson de la etapa 73-75, Yes, el Zappa de cámara, After Crying, Oldfield, Vangelis, Vytas Brenner,... Parece mentira, casi irreal que pasajes musicales tan sórdidos y perturbadores como son casi todos los que pueblan esta suite puedan portar un lirismo tan patente y tan bien elaborado – es de suponer que éste es uno de los rasgos más distintivos y meritorios de Témpano. Las secciones más reposadas (incluyendo la única con letra), por su parte, portan una cualidad ensoñadora que permite a las notas flotar casi literalmente en el éter. ‘El Fin de la Infancia’ es, en pocas palabras, una de las composiciones más sublimes de toda la historia del rock vanguardista latinoamericano... y punto. Al disco le faltan todavía dos temas que deben cargar con el peso de la suite sobre sus espaldas, pero lo hacen con mucha prestancia. ‘Escape para el Hombre Común’ combina las disonancias refinadas a lo GG con la vibración del jazz-rock funky y adornos etéreos inspirados en la vena más intimista de HTM. Por su parte, ‘En la Vía’ ofrece un epílogo sereno basado en las evocaciones introspectivas creadas por el piano y la guitarra sobre una base jazzera bastante cálida, muy a lo Metheny. Para concluir, permítaseme recalcar que “Childhood’s End” es una obra maestra: una de muchas obras musicales espléndidas gestadas por Témpano para engalanar las colecciones privadas de los más exigentes melómanos progresivos. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: José_Luis_Castaño_Kan Asunto: Decepcionado Mi nombre es José Luis Castaño Kan, y estoy desde hace muchos años formando parte de LCDM, ultimamente me estoy dedicando a producir eventos progresivos en mi pais, Argentina, lo cual implica bastante esfuerzo. Gracias a Dios todos los medios me estan apoyando por este esfuerzo, y quiero invitarlos al proximo show que se realizara el viernes 1ro. de Diciembre en el Teatro B.A.U.E.N. que nos ofrecera Caamora, el proyecto de Clive Nolan y Agneiszka Swita. He visto por aqui informaciones erroneas y maliciosamente coertadas en parte, las gacetillas se reenvian enteras y no truncas para desfavorecer el evento y/o crear confusiones. Una persona de aqui esta haciendo esas cosas, y deseo que no se tome en cuenta sus malas informaciones, sino las correctas y las oficiales, que tambien son las de la pagina de Clive Nolan, o sea que el dolo se lo comete a los musicos tambien. Perdonen mi particular rechazo a estas formas erroneas de comunicar los eventos progresivos que tanto queremeos que haya en estas tierras. Les retransmito la gacetilla correctamente, cualquier duda me consultan al respecto de los shows en la Argentina de Caamora. JL Caamora en Argentina El tecladista, compositor y arreglador británico Clive Nolan (Pendragon, Arena, Stranger on a Train, Casino, Shadowland, etc) estará presentando su nueva agrupación Caamora junto a la vocalista polaca Agneiszka Swita en Chile y Argentina. Ellos se encuentran abocados al proyecto She, del cual pueden informarse en la página oficial (www.caamora.net ), En Buenos Aires se presentarán el día viernes 1ro. de Diciembre del corriente a las 20:00 hs. en el Teatro Auditorio B.A.U.E.N., Callao 360, Ciudad Autonoma de Buenos Aires. Los argentinos Chinelas Persas www.chinelaspersas.com.ar será la banda invitada y el evento comenzara PUNTUALMENTE a las 20:00 hs. Caamora estará acompañada en algunos temas por una banda local integrada por músicos de extracción progresiva y moderna, siendo muy interesante este mix en sonidos y textura musical. Las localidades se podrán conseguir en: Teatro Auditorio B.A.U.E.N., Callao 360, Capital, Reservas al TE: 4371-0680 (se permiten pago contado y tarjetas con recargo de $ 5.- por entrada) Discover, Florida 537, Galería Jardín, Piso 1ro., Local 441, frente a la escalera mecánica, Tel: 4327-0379 (solo contado) TMB Shop, Av Santa Fe 1653 local 13, Capital Federal. Tel: 4813-5117 (solo contado) Biline, Avda. Cabildo 2450, Local 9, Capital Federal, Tel: 4787-3479 (solo contado) Recordamos que los precios son de $ 30.- las primeras ubicaciones y $ 25.- las restantes. Asimismo informamos que el Sábado 2 de diciembre a las 21:30 hs. Caamora y su banda se presentara en la Ciudad de La Plata en el Festival SinfoPRog 2006 que organiza la banda platense Under Linden, compartiendo escenario con Chaneton de Buenos Aires, Kun y Arkham en el Teatro del Colegio San Cayetano. Para mas detalles del festival platense: http://www.sinfoprog.lumenan.com.ar/ Las acreditaciones de Prensa deberan gestionarse a traves de la Jefe de Prensa, Da. Norma VICEDO zonarocknorma@yahoo.com.ar zonarocknorma@hotmail.com Se agradece la difusión de esta gacetilla y los esperamos !!! MAC Producciones macproducciones@speedy.com.ar ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "dmilans@wanadoo.es " Asunto: progresivo contemporaneo Alberto Albas escribió: en lugar de interesarse por el prolífico panor ama del progresivo contemporáneo que este 2006 nos está dejan do obras estupendas en una variedad y calidad asombrosas. Hola Alberto. Ante estas afirmaciones tuyas tan claras y meridiana s, tan solo pedirte nos apuntes unos cuantos nombres de grupos tan estu pendos. Disculpa mi ignorancia, tan solo conozco Opeth, Mars Volta y po co más, pero no tenia ni idea de que hubiera tal variedad y calidad, al menos según tu criterio, en este tipo de nuevos estilos progresivo s. Cierto que el progresivo clasico esta un tanto estancado hace un tie mpo y necesitamos savia nueva, al menos eso es lo que yo busco. Así q ue te agradeceria me apuntaras unos cuantos nombres, o lo que buenament e puedas, de los cuales yo mismo ya puedo buscar informacion.Grac ias de antemano.David ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Juan Mellado" Asunto: Tercera y ultima parte entrevista GUALBERTO ENTREVISTA A GUALBERTO, NOVIEMBRE 2006 (III) Hola Aqui teneis la tercera parte y ultima de la entrevista que ha realizado Raul "Sedeort" con la colaboración humilde en forma de algunas preguntas de un servidor. 3a Y ÚLTIMA PARTE ENTREVISTA A GUALBERTO - NOVIEMBRE 2006 * ?Cómo fue lo de acompañar musicalmente, en directo, al grupo de teatro Esperpento, de Alfonso Guerra, en la obra "Antígona"? ?Tocábais temas de vuestro repertorio? Gualberto: No sé de quien fue la idea y como surgió lo de acompañar a Esperpento. Hubo un solo ensayo con Esperpento, al que sólo asistí yo. Me pasaron la obra entera y fui cogiendo apuntes en una libretita pequeña que me cabía en la mano. Muchos años después Alfonso Guerra se preguntaba que es lo que yo estaba escribiendo mientras Esperpento representaba el drama de Antí gona. Le dijo a Jesús Quinterto que se colocó detrás mía y miró que es lo que yo escribía y sólo vió unos dibujitos. Esos dibujitos eran la referencia que yo iba cogiendo. Por ejemplo dibujaba un pez o un árbol o un garabato y eso después lo convertí en un repertorio de canciones de los Rollins, Beatles, Donovan etc. Gualberto: Aunque la verdad es que lo hicimos todo sobre la marcha, porque Julio, Henrik y Antonio no vinieron al ensayo porque estaban en Chipiona en la playa. Y seguían estando en Chipiona el día del estreno y llegaron tarde con lo cual no pudimos ni ensayar nosotros, no ya con el teatro sino con nosotros mismos. Así que con el papelito mirando al escenario ibamos haciendo lo que nos parecía. Un día, muchos años después, hará 7 u 8 años, el director del grupo de teatro (Rodriguez Buzón) me llamó para pedirme que le asesorara en tema musical de teatro y aproveché para preguntarle por qué no seguimos tocando juntos Smash y Esperpento y me dijo: "Nos daba miendo de vosotros".... Me quedé helado y le dije: "Pero los peligrosos érais vosotros, que estábais en política y en la clandestinidad. Nosotros sólo nos dedicábamos a tocar". "Sí, -me contestó- pero a vosotros no os podíamos controlar y además nunca os quedábais a los mítines ni os mezclábais con nosotros". Me pareció una actitud inaceptable en gentes que se creían la vanguardia intelectual, y no podían soportar que alguien no les hiciera caso ni se preocupara por lo que ellos hacían. En cuanto si incluimos cosas nuestras... Seguramente alguna cosa. Pero de las dos actuaciones que hicimos, una no se parecía a la otra. * Describe como se desarrollaba un concierto vuestro (repertorio, versiones, puesta en escena, conexión con el público, etc) ?No habrá alguna grabación pirata? Gualberto: Seguramente habrá algo. Pero no lo sé. Yo hice sólo la primera actuación en Lloret de Mar cuando estrenamos El Garrotín. Después salí del grupo. Quizás ese fue el motivo de que no me pusieran en la portada a pesar de que todas las guitarras las toqué yo, menos la flamenca. * ?Es verdad que el sonido conjunto de vuestra época flamenca era un poco caótico? Gualberto: El sonido caótico ha sido siempre uno de los sellos de Smash, porque del caos siempre terminaba saliendo nuestra mejor música. Y la pena es que los discos no nos hacen justicia. * ?De quién fue la idea de vuestro giro hacia la "etapa flamenca"? ?Y por qué el cambio de casa discográfica? ?Gonzalo ya no siguió con vosotros? Gualberto: Julio y yo fuimos a ver a Alain Milhaud porque no teníamos dinero ni contratos y estábamos en Madrid en una pensión. Se nos ocurrió ofrecer grabar un disco que se iba a llamar "sal de ajo". Fuimos a hacer una prueba a RCA Julio, Tele (batería de Triana) Manuel Molina y yo.Yo toqué con una Gibson que me prestó Eduardo (guitarra de Triana) porque la mía me la habían robado (aunque el otro día me dijo Manglis que en realidad la guitarra no me la habían robado sino que Gonzalo se la había dado a él para que tocara con Smash). Era la época en que me fui a Barcelona. A la vuelta me encontré con Julio, Henrik y Antonio y decidimos volver a tocar aunque nos quedáramos sin instrumentos, pues el dueño seguía siendo Gonzalo. Grabamos una bulería que nos la inventamos sobre la marcha, después cogimos el avión y nos fuimos a Boccacio a ver la reacción de la gente. La reacción fue buena y entonces pagaron la clausula de rescisión de contrato con Philips y nos hizo un contrato "Bocaccio Records". Además nos compraron los instrumentos que quisimos. * ?Es verdad que en aquel periodo vivíais a cuerpo de rey (apartamentos en la playa, discotecas enteras para vuestros ensayos, buen dinero ...)? Cuenta, cuenta ... Gualberto: Es verdad. Pero lo que nos unía antes, aunque no hubiera dinero, era la música. Pero ahora con muchos medios la música no nos gustaba. . * Tras la aparición del exitoso "El Garrotín" decides abandonar definitivamente el grupo. ?Por qué? Gualberto: Por aquella época, uno de los managers habló conmigo y me dijo que si aguantaba dos años me iba a forrar y que después ya haría la música que verdaderamente me gustaba. Eso no me gustó nada y fui el primero en irme del grupo. El nombre de Smash era mío, aunque la idea había sido de Gonzalo, ya que lo registré a mi nombre porque yo era el único que tenía el carnet del sindicato de músicos. Así que hice un trato con los managers y les cedí el nombre de Smash a cambio de que me dieran mi guitarra y el ampli. Pero cuando les firmé lo que querían no me dieron nada. Mis compañeros no sabían nada de esto, ni yo les dije nada. Simplemente me fui a USA. Empecé a estudiar musica y me compré una guitarra nueva. Una Fender Stratocaster, con la que grabé "A la vida y al dolor" y "Vericuetos". Smash se disolvió al poco tiempo. Pero las circunstancias no las sé porque yo no estaba. Cuando volví de USA, Manuel había formado Lole y Manuel. Yo grabé esos dos discos. Julio creo que estaba en el PSOE. Antonio estaba con Granada y Henrik en Dinamarca * A principios de los 70s se pusieron de moda los festivales y macroconciertos, con gran participación en grupos y público (una especie de miniWoodstock, je je). En el de Granollers, en Mayo71, SMASH tocó justo antes de los Family. Describe el ambiente y acogida en aquellos eventos. Gualberto: Quizás lo de Granollers fue inmediatamente después de irme porque no lo recuerdo. * ?Existe alguna grabación de la opera rock que escribiste en New York en 1971? Gualberto: Sí, tengo una cinta pero tengo que buscarla. La estrené en la Brooklin Academic Of Music y algunos actores eran de Jesuscristo Superstar. * ?Era dificil encontrar el equilibrio entre tradición y vanguardismo en vuestra musica, mezclar flamenco con el rock de Hendrix y Pink Floyd? Gualberto: No tuvimos tiempo suficiente. * Dicen de tí que para mantener tus firmes creencias personales, tu forma de pensar y tu creatividad, te dedicaste a ser arreglista para salvaguardar. ?Qué hay de cierto en esto? Gualberto: Los dos discos que grabé cuando volví de América ya los hice escribiendo todos los instrumentos, al quedarme sin grupo. Tuve la oportunidad de explorar nuevos sonidos y nuevos instrumentos (todos los de la 0rquesta). El hacer arreglos me daba la posibilidad de tener una orquesta a mi disposición. He aprendido mucho con los músicos de la orquesta de RTVE pues hice muchos arreglos utilizando cuartetos de cuerdas viento, metales, etc. Y para mí era la única forma de vivir, mantener a la familia y seguir haciendo música. * ?Qué es para tí ROCK ANDALUZ? Gualberto: Silvio decía que si a mi música se le quitara el rock todo lo quedara sería flamenco. Al Rock Andaluz no se le puede quitar ni el rock ni el flamenco porque es precisamente una forma de expresión que une dos cosas para formar una nueva. * En 1978 participas en el historico concierto de rock andaluz del Pabellón de Mostoles, junto a Triana, Storm, Guadalquivir e Iman. ?Recuerdas cómo fue? Gualberto: Perfectamente. Lo organizó el desaparecido "Fernández de Córdoba", manager de los Storm. Después hicimos varios conciertos más. * En 1979, Julio, Antoñito y tú dais unos conciertos, resurgiendo de nuevo el nombre de SMASH. Y hasta tocáis en directo para televisión en el Musical Express de Ángel Casas. Pero la trágica muerte de Julio lo trunca todo. ?Había intenciones de una reunión estable? Gualberto: Sí. Fue una lástima pues estábamos muy ilusionados y nos sentíamos como al principio. Igual de libres pero con más experiencia. * En estos últimos años, y tras la película de Gervasio Iglesias dedicada al movimiento underground en Sevilla y especialmente a SMASH, habéis dado varios conciertos. ?Qué piensas de estas actuaciones esporádicas? ?Ha existido en algún momento la idea de resurgir establemente SMASH o de hacer alguna grabación?. Gualberto: - Estas actuaciones son fantásticas. Nos lo pasamos muy bien. Pero un Smash estable es impensable sin Julio. * Y para finalizar, escribe una valoración personal de la influencia en SMASH de los siguientes personajes . Julio Matito, Antoñito Rodriguez, Henrik Michael, Gonzalo Garcíapelayo, Miguel Molina, Mané, Silvio, Ricardo Pachón, Alain Milhaud, Oriol Regás y Gualberto. Gualberto: Sin Julio no existiría Smash. Sin Antoñito, tampoco. Sin Henrik, tampoco. Gonzalo, aunque no tocara, puso en contacto a Smash con un tipo de gentes que sin él era imposible, por ejemplo los arquitectos Antonio Cruz, Vazquez Consuegra, Antonio Ortiz etc, Es el autor de muchas letras, sobre todo al principio. Además nos compró los instrumentos así que también es imprescincible. Manuel Molina era muy importante en la parte flamenca. Mané ha tenido una influencia decisiva porque hubo un momento que llevó en su espalda todo el peso de la magia de Sevilla y a mí me ha influido mucho. La canción de Mané "Look at her face" es una de las canciones más bellas de todo el rock sevillano. Y su canción "El pudridero", una obra de arte. Ricardo Pachón fue el que buscó y trajo a Manuel Molina, pero musicalmente no ha influido en nada, Allain Milhaud nos dio una oportunidad y nosotros le dimos otra a él y ninguno supimos aprovecharla. Oriol Regás era solamente un hombre de negocios. Y yo, igual que Julio, Antoñito y Henrik, soy una parte de Smash que sin esa parte tampoco sería Smash. Bueno amigos creo que por fin hemos llegado al final. Gualberto ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Juan Mellado" Asunto: Cosmos: "Skygarden" (2006) Cosmos: "Skygarden" (2006) Discografica: MAT Music Web: http://www.cosmos-theband.com Temas: 1. Intro (2:35) 2. In The Dark Of The Night (3:35) 3, Electronical Rival (7:11) 4, Then Just Call Me (4:14) 5, The Final Path (5:21) 6, Eclipse Of The Sun (7:52) 7, Internal Voices (7:45) 8. I Stayed Just Because Of You (3:49) 9. Tell Me (5:39) 10. Where Tanks Are Rolling Today (6:34) 11. Father (3:11) 12. Moments (5:47) Musicos: - Oliver Maier – guitars & vocals - Reto Iseli – drums & vocals - Daniel Eggenberger - keyboards - Heiko Garrn - bass - Silvia Thierstein - vocals Invitada: - Sandra Moser alias Sandee Una cosa es tener influencias, otra es tener referencias en un grupo o estilo determinado y otra es copiar descaradamente a otro grupo. Este es el caso de este grupo suizo que realizan sin pudor alguno un puzzle de temas archiconocidos de PINK FLOYD ponerle nombre Skygarden y editarlo sin mas. La intro es calcada a Shine On You Crazy Diamond, ELECTRONICAL RIVAL es Welcome to The Machine, increíble el intento (solo queda en eso en un intento) en el tema THE FINAL PATH de la vocalista Silvia Thierstein en cantar igual que hace Clare TORRY en The Great Gig In The Sky del album The Dark Side Of The Moon. En fin que si no os importa escuchar cualquier cosa que suene a Pink Floyd o simplemente jugar a adivinar a que suena este trozo o este otro. Haceros con Skygarden de los suizos COSMOS. y para muestra un boton: Entrar en http://www.cosmos-music.ch/ y podreis escuchar fragmentos de cada tema. Puntuacion: 2/10 Salu2 © Juan progjuan@hotmail.com ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Thinking Plague "In Extremis" THINKING PLAGUE: “In Extremis” (1998) Temas 1. Dead Silence 2. Behold the Man 3. This Weird Mind 4. Les Etudes d’Organism 5. Maelstrom 6. The Aesthete 7. Kingdom Come Integrantes - Mike Johnson: guitarras eléctricas, acústicas y lap steel, sintetizador, secuenciador - David Kerman: batería, percusión - Mark Harris: saxos, clarinetes, flauta - Deborah Perry: voz - Dave Willey: bajo, acordeón - Shane Hotle: piano, sintetizadores, mellotron - Bob Drake: bajo, violín, piano eléctrico, banjo, voz Colaboradores – Kirk Jameson (bajo en 7), Kim Marsh (piano y sintetizadores en 1 y 2), Scott Brazieal (piano y sintetizadores en 6), Sanjay Kumar (sintetizadores en 3), Mark Fuller (batería en 5), Katie Cox (violines en 5), Mike Fitzmaurice (contrabajo en 6), Rick Benjamin (trombón en 4) Thinking Plague es una de las máximas encarnaciones actuales del movimiento progresivo RIO, siendo incluso refrendado por uno de sus más notables ideólogos ante la opinión pública: me refiero al baterista de Henry Cow y Art Bears Chris Cutler. Gestado a inicios de los 80s por el guitarrista Mike Jonson, el ensamble estadounidense Thinking Plague ya tenía experiencia en los estudios de grabación con un puñado de LPs y demos editados en el mercado antes de este “In Extremis”. El proceso de grabación y producción de este trabajo fue tan largo y tortuosos como para justificar las múltiples variantes en los créditos, pero bueno, el disco salió a la venta en 1998 para regocijo de su público de culto. Aunque usualmente funciona como un sexteto, el grupo cuenta en esta ocasión con un integrante de lujo: el multiinstrumentista vanguardista Bob Drake, toda una personalidad dentro de la escena experimental norteamericana. Ya que mencionamos a Cutler, permítaseme especificar que Henry Cow y Art Bears son las influencias más notorias en el sonido de Thinking Plague, y a eso le añadiría una dosis de vibración absurda a lo Zappa. La dinámica intensa de masivas disonancias, quiebres rítmicos extravagantes, recursos anti-melódicos y desgarradores desafíos armónicos hallan un cobijo impresionante en la multicolorida instrumentación y el canto elegante de Deborah Perry. Los dos primeros temas no son muy largos: sus duraciones fluctúan entre los 4 y 4’30” minutos de duración, pero vaya si sus márgenes son forzados al máximo para que se compriman las infinitas ideas musicales que se suceden en un vendaval que estalla según un bizarro sentido del orden. Es como si siete distintas inteligencias fueran elaborando sus propios surcos y se las arreglaran para hacerlos confluir en una orquestación alucinada. ‘This Weird Mind’ dura 8 minutos y contiene ideas más permanentes, incluyendo sonoridades acústicas de base country y otras un poco más tétricas. ‘Les Etudes d’Organism’ es un instrumental que contiene una faceta más decididamente épica: en sus 14 minutos de extensión hallamos una exhibición de sonoridades robustas a través de su frenético tránsito por pasajes perturbadoramente agresivos hacia otros más misteriosos, pasando por momentos de diversión dadaísta y otros más patentemente frívolos. La última sección mantiene una majestuosidad constante, sobria dentro de la demencia ideológica propia del RIO, con un trabajo bien organizado de texturas y ornamentos que finalmente aterrizan en un puente aguerrido que nos transporta a un epílogo cadencioso y flotante. Las dos piezas que vienen a continuación regresan a un formato más corto. ‘Maelstrom’ comienza con un motivo principal que porta un lirismo etéreo que transmite muy bien la imagen de una atmósfera acuática sita en un entorno turbulento. Los aguerridos pasajes intermedios realzan esa sensación de catástrofe intermitente. ‘The Aesthete’, por su parte, tiene un aura más grácil, con mucha polenta jazzera, aunque no esperemos nada que sea mínimamente convencional: recordemos que estamos hablando aquí de RIO en su más pura expresión. En fin, otro tema largo, ‘Kingdom Come’ ocupa los últimos 13 ¾ minutos del disco. Como nunca el sonido de TP se vuelve oscuro, sombrío y denso: a pesar de la presencia de sonoridades juguetonas y estilizadas capas de teclado, el sonido potentemente abrumador de la guitarra y los adornos opresivos de los vientos son los que marcan la pauta central de la pieza, haciendo que el asunto se acerque más a las líneas del RIO francés (Present, Univers Zero), aunque sea de manera relativa. Definitivamente, parece como si el grupo se hubiera propuesto hacer un retrato musical de la oscuridad eterna que ha de suceder a la venida definitiva del Reino de los Cielos: la instrumentación suena en muchos pasajes como una coral ultraterrena, e incluso hay efectos de coros mellotrónicos poco antes de la conclusión definitiva del fade-out. Un final muy intenso, un cierre apropiadamente inescrutable para uno de los discos más notables del progresivo experimental actual: “In Extremis” de Thinking Plague es un clásico contemporáneo del RIO. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: MIDAS "In Concert" MIDAS: “In Concert” (2002) Temas 1. Opening S. E. (by the Lotus Pond) 2. Flying Denture 3. Mortuary 4. Common Factor 5. My Heart 6. Line 7. Future Life - Flying to the Future 8. On the Earth (Digest) e-acoustic guitar solo 9. Lovers 10. Lamentable Dance 11. Angelic Lights 12. Sham Noctiluca 13. La Festa Integrantes - Eigo Utoh: violín eléctrico, voz, guitarra - Eisho Lynn: teclados - Shohei Matsuura: bajo, pedales bajos - Kenjiko Kawakatsu: batería, percusión Después de lanzar al mercado cuatro discos de estudio desde fines de los 80s, Midas se resolvió por editar un disco en vivo en el año 2002 – hasta el momento, “In Concert” es su único aporte para el movimiento progresivo en el nuevo milenio. Este disco registra de manera muy concreta y justa la energía y la precisa sensibilidad que el grupo practica con eficacia a través del repertorio. El disco contiene material de los cuatro discos, poniendo algo de preferencia a los discos segundo y tercero (“Midas II” y “Third Operation”). También hay aquí un tema nuevo, ‘Lamentable Dance’, el cual resulta uno de los más intensos del repertorio. Los recovecos del violín son magistrales, y además, hay un poderoso solo de bajo en medio, pero la clave principal de la pieza radica en su llamativo motivo melódico, el cual es básicamente sencillo pero oportunamente revestido de una dosis moderada de complejidad. El concierto comienza con una pista parcial de un tema del cuarto disco, para que luego el grupo entre en acción para ejecutar una de sus piezas más emblemáticas, ‘Flying Denture’, un ejemplo de efectiva combinación de sinfonismo centradamente melódico y jazz-rock. Los acentos de raigambre barroca de ‘Mortuary’ y la majestuosidad de ‘Common Factor’ ayudan a mantener el momentum. Con ‘My Heart’ pasamos al terreno de las baladas rock convencionales: nada especial. Más valiosa en términos musicales es otra balada, ‘Lovers’, cuyas atmósferas contemplativas quedan bien afianzadas en el diálogo creado por la guitarra acústica y las capas de sintetizador. Cuando el violín se suma en el clímax final, el ambiente se torna etéreo, como un ensueño que envuelve las palpitaciones del corazón enamorado. A pesar de que el violín y el teclado se erijan como los protagonistas naturales del ensamble, la dupla rítmica se da maña como para hacer resaltar su toque de dinamismo dentro del sonido grupal – ejemplos de ello encontramos muchos aquí, especialmente en ‘Line’ y el ya mencionado ‘Lamentable Dance’. Los dos últimos temas edifican una conclusión oportuna para el concierto. ‘Sham Noctiluca’ contiene unos ornamentos cósmicos en las partes más lánguidas, mientras que ‘La Festa’ se explaya en contagiosos aires festivos, muy afines a la dimensión más juguetona de PFM. En fin, este disco en vivo de Midas deberá complacer mucho a los conocedores apreciadores del sinfonismo japonés actual, y también, por qué no, a los fans de Curved Air, UK y Trace. En todo caso, Midas sabe ponerle un matiz particular al conglomerado resultante de sus influencias. Nota adicional: por los tenues sonidos del grupo, se puede adivinar que el público asistente no era muy numeroso. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Jose_Manuel_Iñesta Asunto: Grog editado por Psycofonía Records ya a la venta!!! Se ha realizado el lanzamiento oficial en España del disco Grog de Psicotropia, incluyendo el DVD Psicotropia Live, por el sello Psycofonía Records. La nueva edición se podrá comprar en: -Gong discos (http://www.gongdiscos.com) -Discos Melocotón (http://www.discosmelocoton.com) -Diskpol (http://www.diskpol.com) -Sun Records (http://www.sunrecords.net) -Psycofonía Records (http://www.psycofoniarecords.com) y próximamente más puntos de venta en toda España. En enero de 2007 se realizará el lanzamiento mundial del mismo disco por los sellos Luna Negra Records (Mexico) y Musea Records (Francia) en América, Europa y Japón. Para más información, http://www.psicotropia.com y http://www.myspace.com/psicotropia (!nuevo diseño!) ----------------------------------------------------------------------------