/-------------------\ | XXX | \__ | XXX X | __/ \__ | XXX X | __/ \__ | X X | __/ | X X | --------- | X X | --------- __ | X .-.X | __ __/ | X /XXXX | \__ __/ | .-.X XXXX/ | \__ / | /XXXX `""´ | \ | XXXX/ | | `""´ | \-------------------/ LA CAJA DE MUSICA LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO ============================================================================ LCDM: #745 octubre 2006 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM ---------------------------------------------------------------------------- * Steve Hackett "Spectral Mornings" [DVD] * Entrevista a Luis Colucci, de TANGER * KATATONIA: "The Great Cold Distance" (2006) * Insigne "Girociclo" * Nuevo disco de Senogul * SINFO PROG LA PLATA 2006 * ART ROCK RIO 2006 * trivia de Steve Hackett, circa "Please Don't Touch" * Entrevista a Luis Alberto Vergara de AISLES * el 1ro. de Octopus [Chile] * DIXIE DREGS 1981 * Kotebel "Structures" * PLEASE * RC2 en directo - Apolo [2] ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Steve Hackett "Spectral Mornings" [DVD] STEVE HACKETT “Spectral Mornings – DVD” (2005) Temas 1. Intro / Please Don’t Touch 2. Racing in A. 3. Ace of Wands 4. Narnia 5. Optigan / A Tower Struck Down / Spectral Mornings 6. Acoustic Session 7. Shadow of the Hierophant / Clocks – Angel of Mons Bonus tracks: 8. Carry on up the Vicarage 9. Introduction of band members 10. Star of Sirius Steve Hackett: guitarras solistas y clásica, optigan, voz, coros Colaboradores – John Hackett (flauta, guitarra segunda, pedales bajos), Johm Shearer (batería, percusión), Nick Magnus (teclados), Pete Hicks (voz), Dick Cadbury (bajo, voz, coros) Repitiendo el título del tercer disco de estudio, “Spectral Mornings” es el DVD de Steve Hackett editado por Studio Hamburg y Radio Bremen a fines del año 2005. Este documento nos remonta a aquellos añejos tiempos de la segunda mitad de los 70s, cuando el notable guitarrista estaba forjando su propio sendero progresivo tras su aun entonces reciente partida de las filas de Genesis: de hecho, ésta es la quinta actuación en vivo de Hackett, y desde ya sorprende la solidez de su idea sobre lo que quería transmitir en el escenario y lo que quería de un grupo bajo su mando. El show en cuestión fue grabado en el estudio Musikladen en noviembre de 1978, y duraba originalmente unos 70 minutos en total; dado que el programa de Radio Bremen estaba formateado para una duración poco menor de una hora, se debió omitir un par de piezas, pero, afortunadamente, la tecnología digital ha incorporado dichos temas omitidos como bonus tracks. Habiendo sacado al mercado su segundo disco “Please Don’t Touch”, recién pudo terminar de convocar a un grupo de apoyo permanente para perpetrar sus primeras aventuras sobre los escenarios. Por otra parte, siendo como es un creador inquieto, no es de extrañar que ya existieran ítems del repertorio que conformaría el futuro tercer disco “Spectral Mornings”. De hecho, esta pieza homónima ,emblemática dentro de la tradición hackettiana, así como el robusto ‘Clocks – Angel of Mons’, reflejan un carácter completo. La imagen no tiene la nitidez que se suele esperar de los documentos visuales de nuestros tiempos, pero se nota que la casa productora se ha esforzado por mantener un nivel lo más satisfactorio posible en cuanto al brillo y contraste de los colores; aunque queda el resaltado de los tonos dorados, la cosa está, a fin de cuentas, más que aceptable en este aspecto. Además, Hackett se siente muy suelto, tanto al pararse en el escenario como a la hora de establecer una fluida comunicación con el público. El show de por sí es un muestrario adecuado del derroche de energía, buenas vibraciones y exquisitez performativa que tenía lugar de forma sistemática en los conciertos normales de Hackett y Cía. – la camaradería y compenetración entre los músicos resulta bien afiatada, y el público sabe responder al estímulo musical con entusiasmo (medido de acuerdo a la idiosincrasia germánica), especialmente tras la ejecución de ‘Ace of Wands’, ‘Star of Sirius’, la sesión de guitarra clásica [el cual incluye pasajes del ‘Etude en La Menor’ y ‘Blood on the Rooftops’, además de ‘Horizons’ y, en dupla con su hermano John, ‘Kim’] y el extenso medley de ‘Shadow of the Hierophant’ y ‘Clocks’. Este último ocupa el último cuarto de hora del show, llevando al público empático a un genuino goce climático (y de paso, al televidente). De todas maneras me gustaría destacar dos elementos particulares dentro del ensamble de apoyo de Hackett. El primero es el baterista John Shearer, quien sabe enriquecer su propia sensibilidad rockera oportunamente a fin de amoldarse dentro del variopinto mundo progresivo del líder; mención especial para su bravata en la orgía percusiva final de ‘Clocks – Angel of Mons’, y su grito de éxtasis ante el clímax grupal. El segundo es Nick Magnus, quien complementa la labor de Hackett con su buen gusto a la hora de elaborar su cortinas de mellotron y sus armonías de piano eléctrico RMI y sintetizador. Por supuesto, la estrella del show es Steve Hackett, quien en este punto de su carrera ya está empezando a desarrollar su propio dominio escénico. También sabe poner una cuota de humor cuando introduce al Optigan como un amigo mecánico (“en estos días, algunos de mis mejores amigos son máquinas”), y también cuando presenta el homenaje satírico a Agatha Christie ‘Carry on up the Vicarage’ – pero claro, el humor se va y entra en juego la solemnidad cuando la banda ejecuta la secuencia hilada de ‘A Tower Struck Down’ (hora de jugar con pulsiones sombrías) y ‘Spectral Mornings’ (hora de romanticismo etéreo). Las ejecuciones de ‘Racing in A.’ y ‘Ace of Wands’ contienen ciertas variaciones respecto a las versiones oficiales: la parte final de ‘Ace’ es empleada como coda de ‘Racing in A.’, mientras que ‘Ace of Wands’ en sí se concentra en su primera parte, hasta llegar a un jam onírico pautado sobre un compás lento a 3/4. EMHO, la banda nunca pierde el momentum que crean con los vuelos lisérgicos de la introducción y el despliegue de energía sicodélica de ‘Please Don’t Touch’, una pieza emblemática de Hackett donde los haya. La antes mencionada dupla de ‘Shadow of the Hierophant’ (con el bajista Dick Cadbury fungiendo de “falso soprano”) y ‘Clocks’ conforma un oportuno cierre para un excelente show: es impresionante la cantidad de momentos musicales mágicos que atesora el pasado de Steve Hackett, y ciertamente, esta performance de Radio Bremen es un ítem bastante recomendable para los aficionados a la buena música progresiva. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Entrevista a Luis Colucci, de TANGER ENTREVISTA A LUIS COLUCCI, DE TANGER, octubre 2006 Hola cajeros. Tenemos en esta ocasión la compañía de Luis Colucci, bajista, teclista y compositor del grupo instrumental argentino Tanger, cuyo tercer disco “Ciudad” ha sido lanzado al mercado a inicios del presente año. Se trata de un grupo con una trayectoria un tanto tortuosa y complicada, pero cuyos resultados artísticos plasmados en la secuencia de sus tres discos – “Tanger”, “La Otra Cara” y el mencionado “Ciudad” – lo muestran como un ensamble capaz de mantener un estilo sólido mientras lo va enriqueciendo e intensificando paulatinamente. Sus tres trabajos ya han sido reseñados en sección ‘Discos’ de la página de LCDM. César: Bueno, Luis, antes que nada, gracias por el tiempo prestado a La Caja de Música. El disco “Ciudad” me ha parecido lo mejor que ha hecho Tanger hasta ahora. Es algo muy subjetivo esto de opinar y comparar, pero... ?sientes lo mismo al respecto? Luis: Pienso que el deseo de todo músico es mejorar permanentemente, seguir creciendo. Desde mi punto de vista “Ciudad” es el mejor trabajo que hemos hecho. Ha habido cambios con respecto a la composición, pero esos cambios fueron dándose a partir del mayor desarrollo de elementos que se encontraban en forma embrionaria en los trabajos anteriores. Me parece que hay una mejor labor en los contrastes dinámicos, un mayor desarrollo en los contrapuntos y una más clara influencia de la música local. De todos modos, la evaluación de un trabajo propio requiere a veces cierta distancia que no siempre es fácil de tomar. El paso tiempo puede dar una perspectiva más clara al respecto. César: ?Cómo está el nivel de empatía en la actual formación de la banda? Luis: Estamos en un muy buen momento. Hace casi dos años que venimos trabajando con esta formación completa; si bien con Damián ya veníamos tocando hace seis años y con Nacho cuatro, la incorporación de Eduardo fue importantísima y redondeó el sonido. El trabajo se vuelve muy sencillo así. César: ?Qué me cuentas acerca de los últimos y próximos conciertos de Tanger? ?Ya tiene el grupo un “público de culto”? Luis: Hay un público que nos sigue, pero lograr que sea numeroso es aún un desafío. La frecuencia de los conciertos ha bajado notablemente en los últimos años, primero por la crisis económica del país y luego por lo problemático que resulta tocar en Buenos Aires. Hay muchos lugares sin habilitar y las condiciones para hacer conciertos son pésimas, tanto en el aspecto organizativo como en el económico. Además, siendo independientes y haciendo una música que está totalmente subvaluada en los medios, se hace verdaderamente complicado llegar a un público mayor. César: ?De quién fue la idea de utilizar una obra de Vassily Kandinski para la portada de “Ciudad”? Luis: Fue una idea mía, pero en realidad esa imagen vino a mí, no la busqué. Bastante antes de terminar de grabar “Ciudad”, teniendo ya los temas elegidos y la idea del título, estaba viendo un libro de Kandinsky. De pronto me encontré con ese cuadro e inmediatamente pensé que debía ser la tapa del disco. Todo encajaba: desde la idea de la ciudad hasta el formato, que es cuadrado; incluso venía pensando en el color azul como tonalidad básica. Se lo comenté a los demás y les pareció una buena idea. Por otro lado queríamos salir de la idea monocromática de las tapas anteriores. Además, realmente me parece un cuadro magnífico. César: ?Qué equipo instrumental usa Tanger para las grabaciones y para los conciertos? Luis: En los conciertos varía según el tamaño de la sala en que toquemos. En lugares pequeños nos limitamos a un sonido de escenario, con los instrumentos directamente conectados a los equipos. En lugares más grandes tratamos de lograr en un principio un buen sonido en el escenario y luego reproducir eso en el sistema de sonido, a través de la consola. Utilizamos nuestros instrumentos básicos: bajo, flauta, guitarra eléctrica, batería, algo de percusión, eventualmente guitarra española o acústica y ocasionalmente sumamos el teclado, que ahora también está siendo interpretado por Damián. Hemos armado una sala de una forma más o menos cooperativa junto con una banda amiga. Ahí grabamos la batería en forma digital usando una consola de 14 canales y una PC. Actualmente la tomamos con siete micrófonos. Lo demás lo grabamos en mi casa, utilizando una mezcladora de 4 canales y mi PC. Las tomas de guitarra las solemos hacer en stereo con dos micrófonos, un condenser y un dinámico, al igual que las de flauta. El teclado lo grabamos por línea en stereo; y el bajo, por línea desde el equipo. César: No sé si será muy prematuro hablar sobre esto - ?ya hay ideas y/o material para un siguiente disco? Luis: Ya hay material compuesto para un nuevo disco y tenemos tres temas grabados que están prácticamente terminados. Por suerte tenemos algunos nuevos micrófonos, una nueva placa de sonido, una mixer nueva...y más experiencia. Hemos mejorado notablemente la calidad del sonido con respecto a las tomas de Ciudad. Suponemos que vamos a terminar un nuevo CD en algunos meses. César: ?Cuándo habrá una página web de Tanger? Luis: No puedo precisar cuándo. Hemos tenido una hace un tiempo, pero fue complicado mantenerla actualizada. El proyecto de la nueva página ya está, sólo habrá que ponerlo en marcha. Mientras tanto, se puede bajar algo de música y enterarse de las novedades en purevolume.com [Nota del entrevistador – En LCDM #742 se anuncia la existencia del blog de Tánger en Purevolume, con la dirección www.purevolume.com/tanger] César: Una de las grandes virtudes que, según me parece, tiene Tanger es que los músicos trabajan de manera muy compenetrada en la ejecución de los temas. ?Acierto al decir que la calidad técnica de cada miembro está al servicio del sonido grupal? Pregunta adicional: ?Alguno o todos los miembros del grupo tiene formación académica? Luis: Pienso que Tanger siempre trabajó en función de la música. Tengo y he tenido compañeros muy sensibles a la estética musical, muy buenos oyentes, además de ejecutantes talentosos y creo que eso se refleja en el buen trabajo grupal. Tenemos la mayor parte del material escrito y a ello sumamos espacios para solos individuales y para la improvisación grupal. Tratamos de dosificar la participación de los instrumentos de manera muy balanceada aunque, claro está, los roles están básicamente definidos por las características de cada instrumento. En cuanto a si tenemos formación académica, habría que aclarar algunos puntos. En el sentido estrictamente “académico-institucional”, quien tiene esa formación es Damián, que ha estudiado en el conservatorio y que actualmente está haciendo la licenciatura en el IUNA (Instituto Universitario Nacional del Arte). En cuanto a los demás, tenemos formación académica, en el sentido de que hemos estudiado música “clásica” o “académica” en forma particular. Eduardo toca guitarra española y abarca un repertorio desde el renacimiento al siglo XX. Nacho, además de estudiar batería, estudió guitarra un tiempo y luego flauta travesera. Yo estudio aún análisis y composición en estilo, desde el barroco a lo contemporáneo. Hay una clara utilización de formas y técnicas barrocas y clásicas en “Ciudad”: “Plaza Mayor” es, básicamente, una especie de forma de allegro de sonata. “Pasacalle” y “Fugazzetta” son, respectivamente, una passacaglia y una fughetta; los títulos aluden humorísticamente a las formas. “Ferrocarril” también retoma la idea de sonata, pero es más bien jazzero y tiene una improvisación en su desarrollo. César: Pasamos ahora a un tema de corte político-cultural vinculado a tu contexto inmediato. Recientemente se promulgó en tu país una Ley del Músico o algo parecido, según tengo entendido (corrígeme si me equivoco). Esta Ley ha despertado mucha controversia, especialmente entre los músicos de vanguardia. ?Cuál es tu opinión sobre esta Ley? Luis: Me resulta realmente interesante la pregunta, aunque no es muy fácil de responder. En realidad la Ley del Músico a la que te refieres finalmente fue anulada. Desde mi punto de vista sería necesario sancionar una ley diferente, aunque habría que debatirla. La Ley del Músico, tal como estaba planteada, era inútil, porque pretendía avanzar sobre un aspecto muy discutible y relativo con respecto a la música, y esto era decidir mediante un jurado quién era músico y quién no lo era. De más está decir que se podría objetar la probidad del jurado, pero más allá de eso, no se puede dictaminar quién es músico y quién no lo es, por más que no nos guste lo que haga. Por otro lado, la ley obligaba a afiliarse al sindicato para poder trabajar, además de que en la elaboración del proyecto no se llamó a los músicos al debate. Finalmente hubo una convocatoria hecha por varios músicos para frenar la ley, y así sucedió. De todos modos sigue habiendo un vacío legal. Después de la tragedia ocurrida en "República Cromagnon" hay grandes problemas para habilitar espacios para los conciertos. Los escasos lugares que cuentan con la habilitación se abusan de los músicos. Ante esta situación, el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires prometió armar un circuito de rock para este 2006 (Tanger se inscribió en él), pero no se hizo nada. Fueron sólo promesas. Bueno, con algunas vinculaciones políticas o siendo alguna figura de cierto renombre se puede acceder a algunos espacios. Pero para el underground la situación es pésima. César: Esta pregunta la hago siempre que estoy a punto de terminar. ?Hay algo que quieras añadir?, ?tal vez la respuesta a una pregunta que hubieses querido que se formulara en esta entrevista? Luis: Solamente quiero agradecerte por esta entrevista y por toda la difusión que has dado a nuestra banda y a tantas otras. Además quiero pedirle al público que se anime a ir a los conciertos, a escuchar y a comprar los discos de las bandas menos conocidas. Es la única manera de poder sostener nuevos proyectos y de permitir que se genere nueva música sin las presiones habituales del mercado, que cada vez está excluyendo a más músicos y oyentes. Gracias por tu tiempo, una vez más, y una infinita suerte para Tanger en sus próximos proyectos. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Juan Mellado" Asunto: KATATONIA: "The Great Cold Distance" (2006) KATATONIA: "The Great Cold Distance" (2006) Discografica: Peaceville Temas: 1. Leaders (4,20) 2. Deliberation (3,59) 3. Soil's song (4,11) 4. My twin (3,40) 5. Consternation (3,50) 6. Follower (4,45) 7. Rusted (4,20) 8. Increase (4,19) 9. July (4,44) 10. In the white (4,53) 11. The itch (4,19) 12. Journey through pressure (4,20) Musicos: - Jonas Renkse - Vocals - Anders Nystrom - Guitar - Fredrik Norrman - Guitar - Mattias Norrman - Bass - Daniel Liljekvist - Drums KATATONIA es un grupo sueco que comenzó su carrera allá en 1991 practicando un Doom parecido a los primeros Anathema mezclado con Death Metal. En sus ultimos trabajos han prescindido de los guturales y han adquirido un parecido razonable con grupos como los últimos OPETH, TOOL, ANATHEMA o incluso lejanamente a PORCUPINE TREE, especialmente en los arreglos y atmosferas de los teclados ... y es que es inevitable escuchar "The Great Cold Distance" y no acordarse de Ghost Reveries (sin los guturales) y Damnation de Opeth. Un trabajo muy compacto, bien producido con un sonido limpio que transmite un climax de oscuridad, agobio y melancolía a través de unos temas densos y pausados con la excelente voz de Jonas Renkse... pero ojo, el componente agresivo de los riffs guitarreros y ese ritmo Dark Metal siguen estando muy presentes durante casi todos los temas. Yo destacaría DELIBERATION por su rítmica y melodía, el acelerado, contundente y agresivo LEADERS y el que ha sido primer single MY TWIN, también se debe mencionar los temas agresivos como "COSTERNATION" y "RUSTED", este con una melodía pegadiza... los cuales conviven perfectamente con los mas melódicos, por ejemplo SOIL'S SONG, muy OPETH y con teclados que suenan a PORCUPINE TREE. El álbum decae un tanto en su tramo final, quizás se repiten demasiado las estructuras o simplemente que superar esos 7 temas iniciales es harto difícil. En definitiva, KATATONIA se une al desenchufe y progresividad de grupos como OPETH o ANATHEMA.... si pensasteis alguna vez como sonaría el GHOST REVERIES de Opeth o soñabais con una continuación del DAMNATION, este "THE GREAT COLD DISTANCE" os satisfará de pleno. Puntuacion: 7.5/10 Salu2 doomatmosfericosprogresivos © Juan Mellado Progjuan@hotmail.com ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Insigne "Girociclo" INSIGNE: “Girociclo” (2005) Temas 1. Isma’s Girada 2. Caribe 3. Retorno al Trabajo 4. Vacaciones en Rucandial 5. A Veces la Duda Integrantes - Nahím Cobo: teclados, bandoneón - Carlos “Charly” Pérez: batería, percusión - Ismael Fikri: guitarras - Fernando Delgado: bajos, percusión Colaboradora – Estíbaliz Remiro Perlado (flauta en 2 y 4) Un disco muy interesante es éste de Insigne. “Girociclo”, segundo trabajo de este grupo instrumental de Santander que fue editado en el año 2005, constituye un agradable descubrimiento tardío en mis siempre inquietas averiguaciones melómanas. El sonido del grupo se basa principalmente en la expansión de energía y robustez a través de una mezcla de variantes bastante lograda. Prog sinfónico, prog metal, jazz-rock, fusión, psicodelia, incluso elementos humorísticos propios del circo: todo ello conjugado en temas que transmiten una natural fluidez a través de sus cambios de motivos, ritmos y ambientes. El tenor predominante es intenso y sombrío, lo cual se debe a la recurrencia de veces en que la guitarra emerge de forma aguerrida y al despliegue de fuerza de parte de la sección rítmica, pero esta predominancia no implica para nada algo avasallador. Por el contrario, el grupo siempre deja amplio espacio para la inclusión de variantes interesantes que muchas veces funcionan de manera magistral. En no poca medida es el multicolorido de los aportes provistos por los teclados de Cobo los que operan como vehículo nuclear del despliegue de diversidad. La pieza de apertura ‘Isma’s Girada’ ofrece un equilibrio bastante bien balanceado entre polenta rockera y complejidad progresiva, un equilibrio pertinentemente sazonado con texturas góticas – en este sentido, me recuerda a la ya difunta banda italiana A Piedi Nudi, pero que conste que solamente uso esta referencia como aproximación descriptiva. Luego viene ‘Caribe’, el cual comienza con una ambientación más lánguida y lírica, con esos ensoñadores acordes de piano eléctrico, y sobre todo, la entrada de la flauta (cortesía de la invitada Estíbaliz Remiro), la misma que inmediatamente después traza la línea melódica principal. Entre esta sección inicial y su reprise final emerge un interludio en el cual se marca una intensificación de la intensidad progresiva sobre una base rítmica que transita entre el rock duro y el funky-rock. También incluye una breve serenata circense en 3/4, al modo de una travesura musical bastante juguetona, guiada al alimón por la flauta y el bandoneón. Con sus cerca de 10 minutos de duración, ‘Retorno al Trabajo’ es el tema más extenso del disco, y también el más ambicioso en cuanto a complejidad estructural. Comenzando con etéreas frases de piano eléctrico que van ocupando el primer minuto y tres cuartos, el grupo va entrando de lleno en una sección lenta que gradualmente va aumentando su densidad hasta llegar a una sección más propiamente afín a lo metalero. Según los propios parámetros estéticos del grupo, no es de extrañar que esta sección se expanda de manera pluriforme, introduciendo cosas jazzeras en el ínterin, y luego jugando con la alternancia entre pasajes de fastuosidad progresiva estandarizada y otros cargados de potencia prog metal con matices góticos. El tema concluye con la sección lenta que había establecido el tránsito entre la introducción de piano eléctrico y el cuerpo principal. ‘Vacaciones en Rucandial’ establece alternancias entre el jazz-rock y la psicodelia: el primero de estos factores permite a la sección rítmica jugar con un swing más sutil de lo usual y a Fikri articular su faceta más sensible durante su primer solo. Las irrupciones de los segmentos más fuertes permiten al grupo jugar, una vez más, con su dinámica más aguerrida, amén de jugar con la sorpresa de lo circense por unos instantes. La flauta vuelve a regalarnos su lirismo durante la segunda porción jazzera y para el clímax rockero. En fin, ‘A Veces la Duda’ cierra el disco con una cadencia psicodélica distante, familiarizada con los patrones de la vanguardia post-rock, aunque también recordándome un poco al PF clásico en cierto sentido. La guitarra se manda con unos fraseos perturbadores que suenan casi “surrealistas”. Es una pena que sus 37 ½ minutos de duración no permitan al disco darle más espacio al ensamble de Insigne para que sigan explorando la unidad de diversidades sonoras que ellos están tan interesados en explotar. Como balance general, “Girociclo” resulta una propuesta interesante dentro de la actual vanguardia progresiva española – una propuesta que puede seguir dando para mucho si se va traduciendo en una amalgama sonora cada vez más compacta. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: RWR1YXJkbyBHYXJj7WEgU2FsdWXxYQ Asunto: Nuevo disco de Senogul Hola a tod@s. Muchos de vosotros ya conocéis nuestro mini CD autoeditado, el "Tránsitos", grabado por nuestros propios medios. Hace ya bastantes meses nos embarcamos en el proceso de grabación de un primer álbum en un estudio profesional, incluyendo, además de la regrabación en estudio de los temas del Tránsitos, otras seis nuevas composiciones. Tras numerosos avatares ya os puedo confirmar, con orgullo, lo siguiente: - Nuestro álbum está finalizado y actualmente estamos acabando de realizar las mezclas para que entre en proceso de masterización. Estamos muy satisfechos con el sonido conseguido y con la ejecución (tanto nuestra como la de numerosos colaboradores que han estado a nuestro lado). - El disco tendrá saldrá editado bajo el amparo discográfico de MYLODON RECORDS, sello chileno de música progresiva y de vanguardia, que incluye en su catálogo, entre otros, a grupos como Omni, Evolution, Cast o Jaime Rosas Cuarteto, y a distribuidoras tan importantes como Musea, Galileo, Cuneiform o Margen Records (aquí en España). Por estos circuitos se podrá conseguir el disco. Nosotros no lo venderemos directamente, aunque sí podríais conseguirlo en nuestros conciertos. La fecha prevista para que salga el disco es de Enero de 2007. A partir de entonces nos dispondremos a presentar nuestro trabajo en directo por todos los puntos geográficos posibles. Asímismo, estamos trabajando en una nueva actualización de la web que se verá culminada cuando salga el disco al mercado. Aprovecho también la ocasión para recordaros la dirección web de nuestro myspace: www.myspace.com/senogul y nuestra dirección de contacto para lo que sea menester (información, contratación, etc): senogul@gmail.com Muchas gracias por todo. Un abrazo Eduardo García Salueña ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: SINFO PROG LA PLATA 2006 HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. A comienzos de diciembre tendrá lugar la 4a edición del SINFO PROG LA PLATA, correspondiente al presente año 2006. El cartel de este evento está conformado por los siguientes grupos: CAAMORA (Inglaterra) - ÜNDER LINDEN - ARKHAM - KUN (La Plata) - CHANETON (Cap. Fed.) Hablando de CAAMORA, se trata de un nuevo proyecto musical liderado por Clive Nolan. CAAMORA tendrá más actuaciones en Argentina aparte de este festival. El día será el sábado 2 de Diciembre, y el local será el Auditorio Colegio San Cayetano (Calle 29 entre 43 y 44 La Plata), comenzando a las 21:00 Precio de las entradas anticipadas: $ 10, en las tiendas Eco Music, Staff Video, Jason Rock (todos estos en La Plata), y The Factory (Galería Quinta Avenida - Sta Fe y Talcahuano, Loc. 39). Más información puede hallarse en el sitio http://www.sinfoprog.lumenan.com.ar/ Aquí me despido hasta una nueva ocasión. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: ART ROCK RIO 2006 HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. El festival Art Rock Rio 2006 está a punto de tener lugar. El cartel es como sigue.- Viernes, 10 de noviembre: EXSIMIO (Chile) FLOR DE LOTO (Perú) Sábado, 11 de noviembre: SPIN (Brasil) AMAGRAMA (Argentina) Ambas sesiones están programadas para las 9 de la noche. El local es el Teatro AMF Unimed, Niterói, Rio de Janeiro. Más información: http://www.rocksymphony.com/outros_produtos.asp?select 3 Aquí me despido hasta una nueva ocasión. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: trivia de Steve Hackett, circa "Please Don't Touch" HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. Aquí envío una trivia de Steve Hackett sobre sus pininos como solista, más exactamente, la etapa de su segundo LP “Please Don’t Touch”. Steve Walsh, de Kansas, cantó en ‘Narnia’ y ‘Racing in A’. El baterista invitado para estas piezas también pertenecía a un grupo norteamericano. ?Cuál era? [Nota del Cajero: R: al *mismo* grupo norteamericano; Phil Ehart :-) ] ?Quién puso la voz para la versión single de ‘Narnia’? Seguimos con ‘Narnia’. Los acordes iniciales de guitarra de 12 cuerdas estaban en la cabeza de Hackett desde sus primeros tiempos como miembro de Genesis. Un amigo suyo, también músico de la movida progresiva, le sugirió que hiciera una canción completa a partir de dichos acorde,s cosa que se cristalizó en 1978. ?Quién era este amigo? ?Cuál de las piezas que luego fueron a parar al LP “Please Don’t Touch” fue originalmente rechazado por miembros de Genesis durante la etapa de gestación del “Wind & Wuthering”? ?Cuál modelo por entonces novedoso de guitarra introdujo Hackett en su disco “Please Don’t Touch? Y en contraste, ?cuál instrumento medieval (inspirado en otro primigenio de la Antigua Grecia) aparece también en el disco en cuestión? Antes de su actuación en el estudio de Radio Bremen, recogida en el DVD “Spectral Mornings”, ?cuántos conciertos había dado Steve Hackett con su banda? Respecto a este disco “Please Don’t Touch”, ?qué conexión hay entre Steve Hackett y Peter Hammill? Antes de tocar en la banda de Hackett, el teclista Nick Magnus había sido miembro sucesivamente de las dos bandas progresivas llamadas... Inmediatamente después de su participación en la banda de Hackett, el baterista John Shearer tocó para la leyenda del rock clásico... ?Qué tema del repertorio de Hackett tocó el bajista Dik Cadbury durante su audición? ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Entrevista a Luis Alberto Vergara de AISLES ENTREVISTA A LUIS ALBERTO VERGARA, DE AISLES, Octubre 2006 Aisles es un grupo chileno cuyo disco del 2005 “The Yearning”, editado por el sello Mylodon Records, ha sido bastante celebrado en varios sitios de Internet, especialmente por la complejidad y variedad de las composiciones, enmarcadas dentro de una línea prog sinfónica. Su disco está también reseñado en la sección ‘Discos’ de La Caja de Música, dicho sea de paso. En esta ocasión, Luis Alberto Vergara, uno de los teclistas del grupo, nos brinda algo de su tiempo para concedernos la presente entrevista. Cabe añadir que Luis Alberto es uno de los principales compositores y también está a cargo de la parte visual del grupo en cuestión. César: Para empezar, gracias por brindar tu atención a LCDM. En comparación con el año 2005, ?cómo ha sido el año 2006 para Aisles en cuanto a actividades? ?Ya se están proyectando para un nuevo futuro disco? Luis V.: A lo que mas estamos enfocados en este momento es sólo a la composición . Estamos elaborando material para el segundo disco, y ya tenemos el material grueso. Esperamos pronto terminar todas los temas a nivel estructural para trabajar en el sonido y los arreglos del mismo César: ?Mantiene Aisles amistad y contactos con otros grupos de la escena progresiva y experimental de su país? ?Tal vez con bandas de otros países? Luis V.: No por ahora. Nuestro acercamiento a la música progresiva es en una manera bastante íntima, es decir, preferimos concentrarnos en nuestro trabajo más que estarnos viendo en el mapa de grupos del estilo. Fuera de esto, el estilo que dimos forma fue por acercarnos a un lenguaje que podía abrazar en ese entonces las inquietudes musicales de los integrantes, lo cual no significa que sigamos identificándonos y haciendo música que necesariamente se asocie a los grupos progresivos, es decir, creo que nuestro grupo y los grupos de esta tendencia deberían concientizarse de manera más profunda que el ser un grupo progresivo no debería parecerse necesariamente a la camada de la mayoría de grupos encasillados en esta tendencia, sino, como dice la palabra, la capacidad de progresar ya sea conceptual, musicalmente (rítmica y melódicamente) y sonoramente, y aunque suene contradictorio, estilísticamente hacia lugares nuevos en donde apreciar esta música sea una experiencia evolutiva y no al revés. En este mismo punto puedo decir que nuestra búsqueda fuera de transmitir, evocar, y todos los similares de comunicar que es la premisa básica del arte, nos interesa generarla desde un punto incorruptiblemente personal, que es lo que sabemos que nos ayudará a que tome un carácter único desde el contenido hasta su forma. Es una tarea que recién empezamos y creo que es uno de nuestras motivaciones principales para seguir avanzando. Quizás si tuviéramos estos puntos resueltos no necesitaríamos más discos para continuar la búsqueda, pero creo que tenemos bastante camino hacia delante. César: Llama la atención que Aisles edifique su sonido sobre las interacciones de dos guitarristas y dos teclistas, sin por ello hacer que el sonido sea recargado. ?Cuál fue la estrategia para lograrlo? Luis V.: Supongo que es el enfoque en transmitir desde una unidad como lo es una canción, desde ese enfoque todos lo instrumentos se ponen al servicio de lo que pretende el tema en sí, es decir la idea, y cada parte se tiene que limitar a aportar solo en el sentido de lo que quiere decir la canción ni mas ni menos. Tratamos de mantener los egos lo más controlados posibles para no decir por decir, es como cuando en la orquesta queda sólo un ínfimo sonido de oboe y todo ese potencial de polifonía queda en nada, y es que en ese momento no hay para la composición ninguna otra alternativa de representar ese hipotético sentido de serenidad o vulnerabilidad, y la orquesta lo entiende y respeta. César: Siento que el lirismo es uno de los rasgos esenciales de las composiciones y las letras de “The Yearning”. ?Coinciden con esta apreciación? Luis V.: Bueno, sí es cierto. Supongo que también fue por tomar una forma que pudiese hablar con más cercanía los temas tratados en el disco, en ese caso eran temas relacionados con los deseos espirituales del hombre enmarcados siempre en sus circunstancias materiales y encontramos en lo poético la herramienta más adecuada. Algo tan simple como buscar una sonoridad de palabras que representen con asertividad nuestras ideas y conceptos. De todas maneras lo entendemos como un acercamiento a lo que se quería decir Y no es necesariamente así como el estilo musical en el disco, una constante de todos nuestros futuros discos. El lirismo también tiene un doble filo a la hora de concienciar y ocuparlo como herramienta cultural. César: ?Cuáles han sido las influencias musicales más directas y explícitas en el estilo de Aisles? Luis V.: Creo que el primer disco tomo de manera natural una sonoridad sinfónica progresiva aunque no todos los integrantes lo tenían como primera influencia. También había gustos por grupos como Depeche Mode, Radiohead, J. M. Jarre, Vangelis, Mike Olfield , y por el lado de la fusión, Mike Stern, J. L.. Ponty, Pat Metheny, Jan Garbarek,, Pedro Aznar, pero que no se vieron reflejados por la razón de consensuar un lenguaje en común entre todos. Y este lenguaje fue dirigido más por el gusto por la música clásica sinfónica así como por grupos excelentes progresivos como Pink Floyd, King Krimson, Queen , Genesis, yes, Rush, The Mahavishnu Orchestra, Marillion, y bueno, también curiosamente nos relacionaron en las críticas con grupos progresivos que nunca habíamos escuchado antes. César: ?Algunos o todos los miembros de Aisles tienen formación académica? Luis V.: Fuera de tomar algunas clases particulares todos al momento de hacer el primer disco éramos autodidactas, hoy en día Germán, uno de los guitarristas, le ha dado importancia a tomar clases de manera mas formal estudiando con un buen profesor de jazz. César: ?Cuáles fueron los retos más notables que encontraron cuando empezaron a abordar la creación de los temas más largos de “The Yearning”? Luis V.: Creo que fue el hecho de saber que teníamos fragmentos que eran de la canción pero que no estaban integrados aun y había que ver la manera de integrarlos de una manera ya no lineal, pero que aun así fuera un resultado natural y narrativo. César: ?Te animas a dar alguna definición o definiciones de rock progresivo? Luis V.: Rock fundado en décadas pasadas (el de ahora es neo-prog), con bases rítmicas melódicas complejas basadas en estructuras clásicas y sinfónicas ……. …. Mejor prefiero proponerlo como: Lenguaje dentro de la música que trata de replantear su propio discurso y trascender al mismo. Me gustaría creer que el rock progresivo es el que menos le importa estar fuera del mismo. César: En fin, ?tienen algo más que añadir? ?Tal vez la respuesta a alguna pregunta que viesen querido que se formulara en esta entrevista? Luis V.: No realmente, sólo agradecer . Y decir que la difusión y la voluntad por difundir grupos como lo hace “La Caja de Música” es la segunda fase para que se alimenten los hilos colectivos de pensamientos que van enriqueciendo la cultura y haciendo más chico el trecho entre toda esa otra cultura desechable que nos inunda hoy en día en todos los medios masivos dirigidos por el lucro y no el espíritu. César: Gracias por tu tiempo. Toda la suerte del mundo para Aisles en sus futuros proyectos. Gracias a ti, César, por la oportunidad de poder llegar a tu interesante público. Sírvanse todos visitar la página del grupo en www.aisles.cl César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: el 1ro. de Octopus [Chile] OCTOPUS: “Octopus” (2004) Temas 1. Litio 2. Z.0 3. Panning in Tempo out 4. Ignición 5. Claroscuro 6. Pasajes 7. Colores 8. O/zon Integrantes - Braulio Aspé: bajo - Fernando Daza: guitarra - Jorge Benavides: guitarra - Cristóbal Orozco: batería Con su disco debut homónimo del 2004, el ensamble instrumental chileno Octopus entró de lleno en el mercado discográfico con su propuesta musical, basada en un suministro fiero y potente de prog metal a través de los filtros de la inteligencia y el ingenio, fomentando así el uso fluido de variantes dentro de su compacto vendaval sonoro. Yo empecé a conocer a este grupo a través de su disco “Bonsai”, de este año, y ahora debo decir que me sorprende muy gratamente que la banda tuviera desde sus inicios una visión clara y decidida acerca de su propia visión musical. Las huellas de bandas de altas dosis técnicas como Dream Theater, Spiral Architect y Fates Warning, así como de la tradición hard rock, se hacen sentir plenamente en el sonido de Octopus, mas también podemos notar la sólida presencia de elementos psicodélicos (p.e., el KC contemporáneo) y de jazz-rock moderno (p.e., Attention Deficit, Gordian Knot) perfectamente integrados en el bloque sonoro. Así pues, el estilo resultante emerge como una confluencia de robustez y dinamismo. El tema ‘Litio’ abre el disco con un despliegue medido de polenta rockera, siendo así que los efluvios pesados irrumpen impíamente en los minutos finales para crear un clímax intenso y llamativo. El tema siguiente ‘Z.0’ mantiene el momentum expansivo con su garra contundente. ‘Panning in Tempo out’ se concentra más en climas psicodélicos marcados por armonías discretamente crimsonianas, siendo así que lo metalero surge solamente en algunos impetuosos interludios. El manejo de los contrastes es bastante pulcro, y en este sentido, la impoluta versatilidad de la sección rítmica sirve de bastante ayuda. Para ‘Ignición’ la banda vuelve a subir los decibeles de potencia, sin por ello caer en demostraciones monolíticas de fuerza. Los cambios de ritmo, motivo y ambiente se van sucediendo con orden y claridad de ideas. Este mismo diagnóstico se puede repetir perfectamente para ‘Pasajes’ (tal vez la pieza más explícitamente explosiva del disco aparte de ‘O/zon’). En medio se coloca ‘Claroscuro’, cuyo núcleo primariamente jazz-rock permite a la banda explorar texturas y un swing diferentes, aunque metiendo sus ocasionales interludios prog metal en ciertos pasajes y en el clímax extendido del último minuto y cuarto. ‘Colores’ se organiza sobre sazones de Latin-jazz bastante coquetos, a partir de los cuales el cuarteto explora sus inquietudes de corte jazz-rock con juegos de sutilezas bien armados. En todo caso, un breve apartado prog-metal entra como un fiero trueno en medio del clima general del tema, que es muy distinto. El disco concluye con la pieza más extensa, ‘O/zon’, la cual dura 8 minutos y 50 segundos. El segmento inicial es bastante etéreo, casi espacial se podría decir. Recién a los 3’15” la banda construye una sección contundentemente pesada sobre el compás de 7/8 con el que el baterista estaba jugando desde un rato antes. Los riffs y juegos armónicos vertidos por las dos guitarras tienen bastante gancho, el cual se incrementa con los ágiles solos que van emergiendo sucesivamente. A partir del minuto 5’30” las cosas se ponen un poco más frenéticas e intrincadas en un salvaje interludio que dura casi 2 minutos antes de que surja el motivo final. Tras un silencio de dos minutos, suenan dos guitarras contrapunteándose en un ejercicio inocultablemente crimsoniano. En poco menos de una hora, Octopus logró afirmar una posición sólida dentro de la vertiente prog metal desde su discreto rincón del sur de América. Ciertamente, la obra de este grupo es meritoria de un reconocimiento como Dios manda, siendo este disco debut y el siguiente “Bonsai” (del 2006) sendas pruebas irrefutables de ello. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: DIXIE DREGS 1981 DIXIE DREGS: “Unsung Heroes” (1981) Temas 1. Cruise Control 2. Divided We Stand 3. I'll Just Pick 4. Day 444 5. Rock & Roll Park 6. Attila the Hun 7. Kat Food 8. Go for Baroque Integrantes - Steve Morse: guitarras eléctricas y acústicas - Andy West: bajos con y sin trastes - Allen Sloan: violines eléctrico y acústico - Rod Morgenstein: batería, percusión - T Lavitz: pianos acústico y eléctrico, órgano, sintetizadores, clavinet, saxo Tras cuatro discos oficiales y un debut independiente, la gente de Dixie Dregs ya tiene una esencia musical claramente marcada y sustancialmente definida. Lo suyo es música para pasarla bien sin dejar el colorido y la eficacia técnica, o para decirlo al revés, crear música ingeniosa que requiera de talento y exquisitez para su ejecución pero sin llegar a exuberancias extremas ni pirotecnias alucinadas. Se siente en la manera en que los músicos se dejan llevar por las ideas musicales gestadas por Steve Morse – esta gente hace música pensando en transmitir íntimamente al oyente la buena onda que los instrumentistas comparten entre sí comunalmente. “Unsung Heroes” es el segundo disco de Dixie Dregs con el teclista T Lavitz en sus filas. Desde que Lavitz reemplazó a Parrish, se nota que el sonido DD se hace más elegante en la forma, aunque el fondo esencial sigue intocable. Jazz-rock melódico confluyendo con cadencias de country-rock y hard rock, y también con algunas tenues sazones de rock sinfónico estilizado: ésta es la eficaz y atractiva receta de DD. ‘Cruise Control’ y ‘Divided We Stand’, dos de las piezas más celebradas de toda la trayectoria de los Dixies, son las que abren el disco. La primera ofrece su gancho y energía de una manera bastante directa, ostentando su llamativa vibración, mientras que la segunda exhibe coquetos colores jazzeros sobre una grácil cadencia rítmica en la cual se cruzan el country y el blues-rock. Más adelante aparece ‘Kat Food’, otro tema favorito de los fans de DD, un fino ejercicio de jazz-funky (solo de bajo incluido). Con ‘I’ll Just Pick’ nos encontramos a la banda explotando su vena country según sus parámetros estilizados, amén de un obvio buen humor. Vale. Bajando un poco el ritmo y pasando a algo más introspectivo y sereno, ‘Day 444’ emerge como una bella pieza en la que el motivo principal logra crear un clima evocativo y envolvente: las armonías iniciales de guitarras acústicas marcan el sendero sobre el cual el violín, el piano y la guitarra eléctrica (atención a ese solo del final...) irán creando y recreando los matices sucesivos. Tengo que repetirlo, se trata de un tema bastante bello, siete minutos de sencillo deleite. ‘Rock & Roll Park’, por otra parte, se va de regreso hacia lo extrovertido de manera afín a ‘Cruise Control’ – incluye un solo de saxo a cargo del teclista T Lavitz. ‘Attila the Hun’ es otra pieza alegre, aunque esta vez con un mayor predominio jazzero. Sloan ofrece aquí uno de sus mejores solo de violín, y lo mismo podemos decir de Lavitz respecto a su breve pero impactante solo de sintetizador que aparece en el medio. El último solo es de Morse, quien aprovecha el momento para lucirse en fraseos veloces y limpios antes de plasmar texturas a contrapelo con las últimas líneas de violín. La pieza de cierre es ‘Go for Baroque’, con una introducción ejecutada a dúo en guitarra clásica y violín, uniéndose al poco rato el piano y el bajo – tal como indica el título, se trata de una composición creada al modo de una fuga barroca. Sloan sabe apropiarse de las ideas de Morse y convertir a su instrumento en el artífice de las concreciones potenciales de tales ideas: este epílogo lo demuestra mejor que ningún otro tema del disco. “Unsung Heroes” es, ante todo, un disco ameno y agradable, dispuesto a ser disfrutado con entusiasmo por los amantes del jazz de raigambre norteamericana. El dinamismo de la sección rítmica y la versatilidad espléndida de Steve Morse son los dos pilares sobre los que se asientan las mayores virtudes de la música de los Dixies, una música que brota del espíritu común creado por los músicos con total naturalidad. César Mendoza [Dedico esta reseña a Iván y Alfredo, de “El Taxi de Lucy Smith”] ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Kotebel "Structures" KOTEBEL: “Structures” (1999) Temas 1. Structure 1 2. Structure 2 3. Structure 3 4. Structure 4 5. Structure 5 6. Structure 6 7. Structure 7 Carlos Plaza Vegas: teclados, bajo, percusión midi, secuenciador, arpa Colaboradores – Omar Acosta (flauta, EW5), Carlos Franco (percusión), Adriana Plaza (pandereta) Con el disco “Structures”, Kotebel inició su trayectoria discográfica, la misma que ha ido cosechando elogios en varios e-zines y foros progresivos a lo largo de los años. Dos de las razones más recurrentes para las reseñas positivas que ha ido recibiendo Kotebel a lo largo del nuevo milenio son el empleo colorido de la inspiración musical vertida en las composiciones de Carlos Plaza y el sentido de exquisitez ejercido en los arreglos de dichas composiciones. Ya desde este disco debut, que está casi íntegramente basado en las labores de Plaza en los teclados y percusiones programadas, estas cualidades brillan a punta de ingenio y creatividad. Los siete temas de “Structures” conforman un catálogo de belleza y elegancia, estupendamente recicladas a través de efectivas líneas melódicas, pulcros ambientes sinfónicos, adornos sorpresivos naturalmente engarzados en el desarrollo de los motivos y una sensibilidad peculiar que el uso de la tecnología no puede ni pretende ocultar. Los dos primeros ‘Structures’ portan una mezcla de Anthony Phillips, Mike Oldfield (en su faceta de teclista) y Rick Wakeman por el lado que podemos llamar “más netamente progresivo”, incorporando también tonalidades y cadencias propios del jazz-fusión melódico, aunque en un nivel más sutil (en cuanto a este detalle, el estilo de Plaza me recuerda un poco al del Jan Hammer de los 70s, y por eso también, a Kit Watkins en su lado más reposado). Con estas dos piezas escuchadas de corrido, el oyente empático puede sentirse compenetrado con el lirismo elegante y espiritualidad mágica que Plaza sabe trasladar tanto sobre las bases de piano como sobre las orquestaciones y solos de sintetizadores. Con ‘Structure 3’ escuchamos por primera vez a la flauta de Omar Acosta, la cual logra añadir una cadencia bucólica a la bien instaurada amalgama melódica-armónica de teclados: sólo con el fin de mencionar referentes descriptivos, diré que esta pieza me suena como una mezcla de Wakeman y Lito Vitale. Los motivos recurrentes y sus variantes no aburren a pesar de extender sus expansiones en un transcurso de 8 minutos, y en buena parte eso se debe al efectivo candor transmitido por la flauta. El cuarto ‘Structure’ es el más breve: su ambientación serena y lánguida nos remite a una cercanía al prototipo del “new age”. ‘Structure 5’ es el tema más largo, ocupando un espacio de casi 11 ½ minutos. El ambiente general (casi siempre con un ritmo medio lento) se sostiene principalmente sobre un tempo de tres cuartos, muy típico del folklore criollo sudamericano. Este hecho y la aparición de la flauta en ciertos pasajes ayudan a Plaza a crear aquí una vía intermedia entre la fastuosidad propia del rock sinfónico y la vibración bucólica del folklore latinoamericano. Una vez más, tenemos aquí un juego de expansiones a partir de ciertos motivos básicos, creando un aura envolvente en torno al espíritu del oyente. ‘Structure 6’ comienza con pomposas cortinas cósmicas de sintetizador antes de revelarse casi de inmediato como la pieza con más polenta del disco: en este sentido me recuerda al Rick Wakeman del “No Earthly Connection”, aunque manteniéndose en su propio estilo. Al llegar el quinto minuto, tenemos un “falso” clímax que da lugar al pasaje final, un segmento lento en el que la flauta vuelve a asumir un rol protagónico. El último ‘Structure’ también resulta marchoso en su sección inicial, pasando luego del segundo minuto y medio a otro pasaje distinto, más ceremonioso, el cual se divide entre segmentos de corte onírico y otros más fastuosos. El último minuto se completa con un reprise del motivo inicial. En fin, “Structures” es el disco que abrió el camino para la concreción y desarrollo de la visión musical de Carlos Plaza. A pesar de no contar con las ventajas de una instrumentación más rica e intensa que sí aparece en sus discos posteriores, al igual que cualquiera de éstos “Structures” muestra a Kotebel como lo que es, una importante fuerza creativa dentro del rock sinfónico de nuestros días. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: JOSE_FRANCISCO_CORTÁZAR Asunto: PLEASE ES DURO TENER QUE DEFINIR CON LA MARCA ROCK PROGRESIVO O ROCK SINFONICO UN TIPO DE MUSICA, QUE COMO TU MUY BIEN DICES HACIAN TUS BANDAS PREFERIDAS, QUE POR CIERTO TAMBIEN HAN SIDO, SON LAS MIAS. TENGO QUE RECONOCER QUE PASE MI ADOLESCENCIA ENTRE LOS AÑOS 74 75 CON SOBREDOSIS DE AUDICIONES DE E.L.P.,YES ,GENESIS, PINK FLOYD KING CRIMSON Y POSTERIORMENTE JETHRO TULL. LED Z. DEEP P. ETC ETC....... EVINDETEMENTE ES ALGO QUE DEJA UNA MARCA DE POR VIDA . SOBRE TODO PORQUE ES UNA EXPERIENCIA UNICA PASAR LAS CALUROSAS TARDES DE VERANO CON UN TOCATA MONO ,SI MEDIAR PALABRA CON UN PAR DE AMIGOS,LAS VENTANAS CERRADAS, EN PLENA OSCURIDAD, ESA MUSICA QUE ME ATRAPABA DIA TRAS DIA, Y QUE ME HACIA DESCUBRIR UNIVERSOS TOTALMENTE INCREIBLES....CON SOLO CERRAR LOS OJOS. SON MIL Y UNA SENSACIONES MIL Y UNA VECES MAS INTERESANTES QUE CUALQUIER COSA QUE SE PUDIERA VER EN AQUELLA EPOCA POR LA CALLE. HORAS DE INAMAGINACION ,CUENTOS Y SUEÑOS DESCUBRIENDO LOS SONIDOS MAS FANTASTICOS QUE JAMAS NADIE SE HUBIERA INMAGINADO,ADEMAS DEL ESFUERZO MENTAL QUE REQUERIA SU COMPRENSION ARTISTICA EL DERROCHE DE INMAGINACION Y DE MAS COSAS....QUE ESTOS SEÑORES,PILARES DE LA MUSICA QUE TU LLAMAS MOSTRARON DURANTE JUSTAMENTE ESOS AÑOS DE ABSOLUTA CREATIVIDAD. LO SIENTO PERO ESO SE QUEDA AHI LE DUELA AQUIEN LE DUELA. TENGO CASI 50 TACOS Y HASTA AC/DC SON SINFONICOS SI LOS PONES A MENOS REV. ME HA PARECIDO MUY INTERESANTE TU APRECIACION SOBRE ESOS DISCOS DESPLAZADOS UN SALUDO Y VER SI NOS VEMOS EN DIRECTO........................................ ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Jose M. Iñesta Asunto: CosesNostres] RC2 en directo - Apolo [2] Hola a todos. Les adjunto un recordatorio, en especial (pero no solo) para los de Barcelona y alrededores. Un saludo --------------------------------- Solo recordarles nuestro concierto en Apolo [2] este sábado 4 de noviembre a las 19:00 hs, en caso que alguien se quiera acercar: RC2 de la mano de Deria Musica se presenta en directo este sábado 4 de Noviembre a las 19:00 horas en la Sala Apolo [2] donde además grabaremos escenas para el video clip de uno de los temas de nuestro próximo disco. La entradas se venderán en preventa en Overstocks (Calle Tallers nº 9) y directamente a través de nosotros a un costo de 6 euros, en taquilla serán 10 euros. La compra de entradas en preventa es importante para la banda porque es la única manera de ayudarnos realmente si asisten al concierto, al comprar en la taquilla el día del evento, todo lo recaudado será para la sala, por ello es tan importante que adquieran las entradas en preventa. Es una excelente oportunidad para vernos en directo por última vez en el 2006 en una excelente sala con un gran sonido y junto a dos fabulosas bandas. Esperamos verles por allí, Rafael www.myspace.com/rc2prog www.rc-2.com E-mail: rafael@rc-2.com ----------------------------------------------------------------------------