/-------------------\ | XXX | \__ | XXX X | __/ \__ | XXX X | __/ \__ | X X | __/ | X X | --------- | X X | --------- __ | X .-.X | __ __/ | X /XXXX | \__ __/ | .-.X XXXX/ | \__ / | /XXXX `""´ | \ | XXXX/ | | `""´ | \-------------------/ LA CAJA DE MUSICA LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO ============================================================================ LCDM: #732 agoto 2006 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM ---------------------------------------------------------------------------- * Mas novedades del prog español * Congreso * Mike Oldfield -- gira alemana en diciembre * BRIGHTEYE BRISON "Stories" * Hexatónica presenta su disco debut - 11 de agosto * encuentro chileno del Chapman Stick - 4 de agosto * Echolyn : As_The_World (reedición) * Miriodor - "Rencontres" (1998) * Madame Claus en vivo - 2 de setiembre * CERVELLO "Melos" * GERARD "Sighs of the Water" * La Godoy y Animapectus - Entradas Anticipadas a la Venta * Zero Hour - nuevo disco y otras novedades * XINEMA: "Basic communication" (2006) * Fernández_Ledesma La_Paciencia_de_Job * GARDEN WALL "Towards the Silence" * Jon Theodore deja The Mars Volta ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Jose_Manuel_Iñesta Asunto: Mas novedades del prog español Hola a todos Me han llegado más novedades que paso a comentarles. * Por un lado está el que será el nuevo disco de DRACMA, una banda si no histórica sí desde luego veterana pues su primer disco fue en 1994, el segundo en 1996 y están ahora trabajando en el tercero. En Diciembre entrarán en el estudio para grabar y mezclar dicho disco partiendo de más de 90 minutos de música que tienen ya producidos por el dúo Jordi Amela + Jordi Prats. Lo que se puede adelantar es que el CD se llamará UBUD, hay un tema conceptual (dividido en 8 temas) que da nombre al CD con una duración de 40 minutos. Los miembros del proyecto en la actualidad son, Jordi Amela – Teclados / Programación Jordi Prats- Guitarras Roger Vilageliu – Bajo Eduardo Camblor – Bateria Indigo – Voz y letras Más información en www.dracmamusic.com * Por otro lado, la banda PSICOTROPIA está preparando también el lanzamiento oficial de su segundo disco Grog con Luna Negra y Musea. A este disco le va a acompañar un DVD grabado en directo y videoclip dirigido por el director de cine y cajero Norberto Ramos del Val. Mas informacion al respecto desde la propia banda: -------------------- Ya está disponible el trailer del nuevo videoclip de Psicotropia dirigido por Norberto Ramos, que será lanzado a los medios oficialmente el 15 de septiembre. Podéis descargarlo pinchando en este link: http://www.psicotropia.com/psicotropia_vy_teaser.rar o verlo directamente en YouTube: http://www.youtube.com/watch?v ieBQcYQdcOI "Vÿ" es el primer single del disco Grog, que será publicado de manera oficial el próximo otoño. Muy pronto, estrenaremos nueva web, anunciaremos conciertos y muchas más noticias. !Larga vida al Grog! -------------------- Seguiremos informando Jose Manuel El Cajero.- ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: 3A_Congreso_ CONGRESO: “Para los Arqueólogos del Futuro” (1989) Temas 1. El Trapecista 2. Un Sueño Perdido 3. En Todas las Esquinas 4. Para los Arqueólogos del Futuro 5. Ese Día... 6. Canción por Encargo 7. Chatarras y Cacerolas 8. Cacharpaya 9. Hasta en los Techos 10. En la Matiné 11. Cumbia Integrantes - Francisco Sazo: voz, textos - Hugo Pirovich: flauta traversa, percusión, voz - Jaime Atenas: saxos - Ricardo Vivanco: marimba, cueros, percusión - Fernando González: guitarra eléctrica - Jaime Vivanco: piano, sintetizadores - Patricio González: cello, charango - Jorge Campos: bajo eléctrico, contrabajo - Sergio González: batería, composición Mientras avanzaban los años 80s, el grupo chileno Congreso seguía manteniendo su buen renombre dentro de la escena fusión de su país a la par que iba ahondando en sus exploraciones jazzeras en ideas compactas, igualmente sólidas en cuanto a las piezas más patentemente pegadizas como en las más aventureras. El sonido de Congreso es una confluencia en el sentido más literal de la palabra, y el buen oficio de sus elementos individuales permite que dicha confluencia se traduzca en una amalgama armónica a través de su patente policromía y coherente a través de su diversidad. Al igual que los discos precedentes desde inicios de los 80s, Congreso se muestra bastante concentrado en el manejo de ritmos y cadencias de raigambre afro-latina y tropical, lo cual les ayuda a mantener una vibración de buena onda y carácter festivo en las composiciones y arreglos de los temas, independientemente del hecho de que las letras se centren mayormente en asuntos serios de corte social. Las vibraciones positivas y exaltadas empiezan encontrando encarnaciones apropiadas en ‘El Trapecista’ (una apertura con bastante gancho), ‘En Todas las Esquinas’, ‘En la Matiné’ y el juguetón instrumental ‘Ese Día...’. Más adelante, en ‘Hasta en los Techos’, otro soberbio instrumental, nos reencontraremos con esta misma aureola juguetona. Estos dos instrumentales simbolizan a la perfección el alucinante afiatamiento entre la batería de Sergio González y le bajo de Jorge Campos, así como el dinamismo tan peculiar y efectivo del cual hace gala el percusionista Ricardo Vivanco al servir de puente entre la dupla rítmica y el resto del ensamble. El penúltimo de esta trilogía es uno de esos clásicos definitivos de la historia de Congreso, y tiene, además, la peculiaridad de que algunas estrofas están cantadas en la lengua africana lingala – como para dejar más en claro las cosas, una breve sección de danza africana funge de epílogo para la canción en cuestión. Por su parte, el instrumental ‘Un Sueño Perdido’ indaga en la faceta más introspectiva de la banda: el piano de Vivanco y las medidas florituras de saxo soprano entran como directrices para los aportes provistos por los demás instrumentos. ‘Canción por Encargo’ y la canción homónima guardan también una inocultable aura melancólica, aunque se nota un colorido más exaltado en su núcleo melódico y arreglos percusivos – bellas piezas tratadas a través de un sutil manejo de texturas propiamente fusionescas, y tal vez, dos de las más notables del disco. ‘Chatarra y Cacerolas’ es la pieza más bizarra del disco: se trata de un ejercicio percusivo concreto de un minuto y medio de duración, en base a la instrumentación aludida en el título. Este ejercicio ofrece un puente de ocurrencia aleatoria entre dos temas construidos con delicadeza y sobriedad patentes, la antes mencionada ‘Canción por Encargo’ y la balada ‘Cacharpaya’, en la cual lo etéreo y lo meditativo confluyen fluidamente con elementos del folklore criollo chileno. El instrumental ‘Cumbia’ cierra el disco como algo más que eso: en un margen de menos de 3 minutos hallamos una intensa mezcla de cumbia, salsa y Latin-jazz de corte bossanova, la cual provee un coherente broche de cándida alegría al disco. “Para los Arqueólogos del Futuro” es una de las obras más distinguidas dentro de la trayectoria de Congreso, y ciertamente constituye una de las muestras más exquisitas de la escena fusionesca iberoamericana de los últimos 20 años. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Mike Oldfield -- gira alemana en diciembre HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. A continuación transcribo la lista de conciertos que Mike Odlfield tiene planeados para su próximo periplo en tierras alemanas .- 1.12.2006, 20.00, Hamburgo, Color Line Arena 2.12.2006, 20.00, Hamburgo, Color Line Arena 3.12.2006, 18.00, Hannover, TUI Arena 5.12.2006, 20.00, Erfurt, Messehalle 7.12.2006, 20.00, Munich, Olympiahalle 8.12.2006, 20.00, Munich, Olympiahalle 9.12.2006, 20.00, Munich, Olympiahalle 10.12.2006, 14.00, Munich, Olympiahalle 12.12.2006, 20.00, Bremen, AWD Dome 13.12.2006, 20.00, Dortmund, Westfalenhalle 14.12.2006, 20.00, Düsseldorf, Dome in Rath 15.12.2006, 20.00, Colonia, Kölnarena 16.12.2006, 20.00, Colonia, Kölnarena 17.12.2006, 18.00, Oberhausen, König Pilsener Arena 19.12.2006, 20.00, Mannheim, SAP Arena 20.12.2006, 20.00, Stuttgart, Schleyerhalle 21.12.2006, 20.00, Frankfurt, Festhalle 22.12.2006, 20.00, Frankfurt, Festhalle Las actuaciones programadas para los días 8, 9, 13, 16. 21 y 22 aun están por recibir su confirmación definitiva, pero bueno, la cosa se avecina bastante ocupada para el maestro Oldfield ad portas de las próximas Fiestas Navideñas. Aquí me despido hasta una nueva ocasión. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: BRIGHTEYE BRISON "Stories" BRIGHTEYE BRISON: “Stories” (2006) Temas 1. Stories 2. Patterns 3. Isolation 4. The Battle of Brighteye Brison 5. Elenah 6. Late 7. Life Inside 8. All Love 9. We Wanna Return 10. Stories (Reprise) Integrantes - Linus Kåse: teclados, voz, saxofón - Johan Öijen: guitarras - Kristofer Eng: bajo, pedales bajos, theremin, flauta, voz - Daniel Kåse: batería, percusión, voz, trompeta - Per Hallman: voz, ingeniería de sonido Segundo CD oficial del grupo sueco Brighteye Brison y el primero como quinteto, “Stories” conforma una de las sorpresas progresivas escandinavas más notables en este año 2006, teniendo en cuenta que el disco de Gargamel está muy en boca de todos y que hay bastante expectativa por el próximo disco de White Willow. Pero en fin, la música de Brighteye Brison no apela a la aspereza emocional y drástica de los primeros ni tampoco a la vibración sombría de los segundos, sino a una sustancialidad melódica bien definida, llena de patente candidez y frontal emotividad. Aunque el sonido del grupo tiene cierta rugosidad, semejante a la de Fruitcake y a sus añejos paisanos de Kaipa, sus ideas melódicas y los arreglos de las mismas - incluyendo los arreglos corales - asimilan claramente las influencias de Kayak, el Yes del “The Yes Album”, y personalmente, me recuerda también a England y a la faceta más progresiva del Supertramp clásico. También puede sonar cercano a The Flower Kings, aunque con un grado mucho menor de pretensión y sofisticación. Casi todos los temas del repertorio siguen una ilación continua, lo cual ayuda a realzar la naturaleza conceptual del disco. El disco se abre con la secuencia de ‘Stories’ y ‘Patterns’, la misma que pone las cartas estilísticas del grupo sobre la mesa de modo directo, especialmente en lo que se refiere a su faceta más fastuosa. Piezas posteriores como ‘Isolation’ y ‘Late’ muestran a la banda acercándose más propiamente al pop progresivo a lo Kayak; la segunda de éstas viene precedida por una hermosa serenata breve de piano titulada ‘Elenah’. Entre ‘Patterns’ y ‘Isolation’ se sitúa ‘The Battle of Brigheye Brison’, uno de los temas más épicos del disco, y EMMO, uno de los picos creativos del mismo. A través de sus casi 7 minutos de duración, esta pieza exhibe unos ambientes oscuros muy raros dentro de la visión musical de la banda, pero en verdad bastante efectivos. Hay secciones bizarras tales como un soliloquio sobre un trasfondo disonante y un interludio instrumental ejecutado según un patrón de hard-prog y power metal, seguido por otro de carácter renacentista en el cual el órgano y la trompeta llevan la voz líder – toda esta diversidad, por extraño que parezca, encaja muy bien dentro del espíritu global de la pieza. ‘Life Inside’ es una balada power-progresiva que, en su segunda mitad, incluye un hermoso interludio construido sobre agudos arpegios de piano, semejantes a una llovizna musical, arropada por ásperas capas múltiples de mellotron (coros y cuerdas) y magníficos retazos de Moog. ‘Life Inside’ es otro pico del disco, y lo que hace que las cosas sigan interesantes para el melómano progresivo es que a continuación viene ‘All Love’, que a través de sus 9 minutos de extensión, incluye una interesante diversidad de ideas: un motivo inicial impregnado de lirismo bucólico mezclado con sinfonismo sencillo, una sección de corte casi circense iniciado por un motivo de marimba que al poco rato se transforma en un paisaje cinematográfico romántico, y luego una retoma más fastuosa del motivo inicial. La secuencia de los dos temas finales, ‘We Wanna Return’ y ‘Stories (Reprise)’ retoman el espíritu (más algunos motivos) de los dos primeros, cerrando circularmente el trabajo. Concluyendo, tenemos en “Stories” un disco muy agradable y elaborado con buen oficio. El espíritu retro, la sensibilidad melódica cercana en varias ocasiones al pop y el carácter mayormente accesible de las ideas musicales no lo convierten en un prodigio del progresivo que busca expandirse a través de nuevas fronteras, y mucho menos lo hacen destacar por algún rasgo perturbador o desafiante. Pero lo que sí hace es poner en evidencia la potencialidad del ensamble sueco Brighteye Brison por darle nuevos bríos al progresivo sinfónico europeo, siguiendo bien de cerca sus raíces primarias. Recomendable especialmente para los amantes incondicionales y tercos del progresivo sinfónico de cosecha clásica, y en especial, para todos lo que gustan, de vez en cuando, de disfrutar de música bien hecha a partir de clichés reconocibles. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Hexatónica presenta su disco debut - 11 de agosto HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. El grupo argentino HEXATÓNICA hará prontamente la presentación discográfica de su trabajo debut “Formas”. La fecha programada es el 11 de agosto próximo, y el lugar es el Teatro Empire (dirección: Hipólito Irigoyen, 1934). La hora de inicio del evento es a las 9.30 PM Aquí me despido hasta una nueva ocasión. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: encuentro chileno del Chapman Stick - 4 de agosto HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. La difusión del Chapman Stick sigue expandiéndose a través de diversas latitudes del mundo. En Chile habrá próximamente una clínica sobre dicho instrumento. Aquí transcribo el anuncio .- " Este viernes 04 de Agosto a las 21:30 Hrs. en la sala Jofré se realizará el encuentro chileno de Chapman Stick, se dará a conocer el origen del instrumento, su técnica y se podrá escuchar en vivo el trabajo de los primeros stickistas chilenos. Se presentarán: Silvio Paredes (Los Mismos, Electrodomésticos) Cristián Larrondo (Mar de Robles) Francisco Rafart Coordenadas: Viernes 04 de Agosto 21:30 Hrs. Sala Jofré General Jofré 386 (Entre Portugal y Lira) Entrada general $2.000 " ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "ezequiel beyrouti" Asunto: Echolyn 3A_ 93As_The_World 94_ 28reedición 29 Echolyn: “As The World” (1995, Sony Records/ 2005, Velveteen Records) Temas (CD de audio): 1. Always The Same (0:36) 2. As The World (4:50) 3. Uncle (6:54) 4. How Long I Have Waited (4:43) 5. Best Regards (4:11) 6. The Cheese Stands Alone (4:48) Letters: 7. Prose (1:45) 8. A Short Essay (4:34) 9. My Dear Wormwood (3:34) 10. Entry 11.19.93 (5:33) 11. One For The Show (4:31) 12. The Wiblet (0:47) 13. Audio Verite (4:27) 14. Settled Land (5:42) 15. A Habit Worth Forming (4:29) 16. Never The Same (7:54) Temas (DVD con la presentación en vivo del álbum): 1. Intro 2. Uncle 3. A Short Essay 4. My Dear Wormwood 5. Hear I Am 6. 21 7. The Cheese Stands Alone 8. As The World 9. Interview – Ray & Brett Integrantes: - Brett Kull: guitars, vocals - Paul Ramsey: drums - Ray Weston: vocals - Chris Buzby: keyboards - Tom Hyatt: bass Tomando como excusa la relativamente reciente reedición de “As The World”, me permito reseñar este gran disco de Echolyn (señalado usualmente como su obra cumbre). Éste es el álbum definitivo de la primera etapa del quinteto (y en mi opinión supera a su anterior obra maestra “Suffocating The Bloom”) en el cual logra pulir por completo una propuesta musical que bebe de las fuentes de Gentle Giant y Yes principalmente, con algo del Kansas de “Leftoverture” en la intención notoriamente romántica que manifiesta en los momentos más reposados. Propuesta que, no obstante lo dicho, tiene rasgos muy propios, evidentes sobre todo en la forma en que la banda encara las partes más fuertes. Esta síntesis entre lo aguerrido y lo romántico, a lo que se añade un perceptible toque humorístico, es lo que define la personalidad de la agrupación. En este aspecto, resulta de vital importancia la labor de Ray Weston, cuyas enormes dotes técnicas como vocalista (caudal y versatilidad) se ven opacadas por una expresividad y un carisma verdaderamente conmovedores. Esto se aprecia de mejor modo en el concierto que acompaña el presente relanzamiento, así como también los contrastes que ofrece la música del ensamble (los momentos más duros se muestran aquí menos contenidos). Estando conformado por piezas de corta/mediana duración (la más larga roza los ocho minutos) y ostentando un gancho notorio en los estribillos, el disco no pierde en ningún momento su carácter de obra de rock progresivo sinfónico. Me explico: el gancho no se debe a simpleza o repetición, sino a la inspiración compositiva que evidencian, por ejemplo, las complejas y hermosas armonías vocales. Por otra parte, la corta duración de las piezas no impide que éstas se desarrollen. Un perfecto ejemplo de esta idea es el tema que da nombre al álbum: su primer minuto y medio le basta al grupo para exponer la estructura “estrofa/estribillo” y repetirla una vez, reservándose el tiempo restante para explayarse en una seguidilla de ideas musicales de la más pura índole progresiva, tan deliciosa para oídos curtidos como desconcertante para no habituados; al igual que en el resto de las canciones la duración le alcanza al quinteto para desarrollar recursos que incluyen contrastantes variaciones de tono sin hacer peligrar la redondez compositiva. Con este álbum, Echolyn logró su primera (y hasta el momento única) edición por un sello discográfico multinacional. Si bien desconozco la historia en profundidad, no me es difícil adivinar que las expectativas y los logros comerciales estuvieron separados por la realidad de un mercado hostil hacia expresiones musicales con la estilización y la sofisticación que muestran obras como “As The World”. Sin embargo no se puede negar que la agrupación tenía ya desde aquel entonces (además de la brillantez compositiva que he descrito más arriba y de una admirable pericia instrumental) una visión muy clara de sus metas artísticas, visión que impregna las estrofas de canciones como “As The World”, o “The Cheese Stands Alone”. De todas maneras este episodio en la carrera del quinteto no sería obstáculo para que, años más tarde, una versión menos soñadora y más desengañada de Echolyn nos deleitara con posteriores obras maestras. Pero esa es otra historia. Ezequiel Beyrouti ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Miriodor - "Rencontres" (1998) Miriodor : "Rencontres" (1998) 01. Échec et mat (04:53) 02. Les passants (05:43) 03. L'allée des martyrs (10:15) 04. Brouillard (09:06) 05. Rencontres (07:47) 06. La maison-dieu (08:52) 07. Lac d'orguell (04:40) 08. L'expatrié (07:08) 09. L'homme fangeux (05:25) 10. Égrégore (07:31) - FRANÇOIS ÉMOND: flûte, violon, synthétiseur, piano électrique, clarinette, chant - PASCAL GLOBENSKY: Piano électrique, guitare 12 cordes, basse - SABIN HUDON: saxophones soprano, alto et ténor - RÉMI LECLERC: batterie, percussions - MARC PETITCLERC: synthétiseur, orgue, basse, piano électrique - DENIS ROBITAILLE: basse, guitare électrique, stick, chant 03, 07, 08 & 10 grabados en los estudios Les Leclere de Quebec (23-25 de marzo de 1984) 01, 02, 06 & 09 grabados en los estudios Les Leclere de Quebec (21-23 de mayo de 1984) 04 & 05 grabados en los estudios Les Démons de Bullion de Montreal (4-6 de enero de 1985) Este es el primer álbum de los canadienses Miriodor, agrupación inclasificable nacida en 1980 cuya propuesta instrumental se acerca, desde diversos puntos, a la música de cámara contemporánea con influencias del folklore (sobre todo del Este), el jazz (cercano a las experiencias más libres e improvisadas) y al panorama de las músicas progresivas, en relación especial con la estética y complejas estructuras de la Escena Canterbury y el RIO, pero todo ello aderezado con un carácter melódico intrínseco que le otorga una fuerte coherencia a su propuesta. El álbum original (lo que en esta edición serían las pistas que van desde el inicio hasta la 06, ésta incluida) vio la luz en 1985, en una edición autoproducida limitada de 500 copias en LP y no ha vuelto a ver la luz hasta que Cuneiform Records la incluyó en su catálogo en 1998. El resto de piezas (de la 07 a la 10) han sido extraídas y digitalizadas a partir de un cassette grabado durante las sesiones de gestación del álbum, y han visto por primera vez la luz en este álbum, a partir de las mezclas realizadas por Sabin Hudon en diciembre de 1996. El discurso musical de Miriodor en este trabajo (en formación de sexteto, la cual se verá abandonada en sus siguientes trabajos ya en formato trío, y posterior cuarteto con invitados), se verá muy marcado por los frecuentes contrastes de tempo, el color tímbrico otorgado por un amplio número de instrumentos de diversas familias y el trabajo melódico aderezado con buenos momentos improvisatorios. El grupo irá evolucionando y buscando nuevos caminos más experimentales a través de sus siguientes trabajos, por cierto, bastante espaciados: MIRIODOR (1986); THIRD WARNING (1992); JONGLERIES ELASTIQUES (1995); MEKANO (2001) y PARADE (2005). Para muchos MEKANO constituye su gran cima creativa, sintetizando una variada y entretenida visión del grupo, mostrando buenos desarrollos. PARADE, su último trabajo hasta la fecha, incluye un bonus CD que recoge su magnífico trabajo en directo, concretamente el reflejado en el NEARFest de 2002. El presente álbum se abre con ÉCHEC ET MAT, composición oscura con múltiples idas y vueltas a diferentes motivos temáticos. Cuenta con un aire a formaciones como King Crimson y Mahavishnu Orchestra muy patente, sobre todo en los acordes de guitarra y en las frases de violín, con ritmos muy salvajes, toques de jazz-rock y a veces incluso cercanos a la primera época de Gwendal; LES PASSANTS juega con disonancias expresivas entre cromatismos más orientales y diatonismos más occidentales, cercanas a algunas experiencias de Nuevas Músicas Instrumentales de los años 80's, como Shadowfax (con esos toques inconfundibles de saxofón), y al jazz-rock de formaciones como Passport o los Soft Machine con Karl Jenkins; L'ALLÉE DES MARTYRS es la pieza más densa y larga del disco, pasando de los 10 minutos. Comienza y acaba con un épico pasaje interpretado con un órgano de Iglesia (concretamente, el de la Capilla del Pétit Seminaire de Quebec), el cual da paso a unas secciones que alternan entre medios tiempos melancólicos con otros más oscuros y acelerados. Este tema, junto con el total del disco, me recuerda mucho a pasajes del ESCENES de los catalanes Gotic, por su variedad de influencias, riqueza tímbrica y el predominio de los vientos, no lo puedo evitar; el álbum prosigue con BROILLARD, incursión en terrenos cercanos a los universos de grupos como Magma, con pasajes hipnóticos y repetitivos, con atmósferas oscuras y toques jazzísitcos; RENCONTRES, persiste en los pasajes intrincados con acordes abiertos y sus frecuentes contrastes de tempos (incluida la acelerada borrasca progresiva central), con ecos de King Crimson y algo de Weather Report (época Pastorius); LA MAISON-DIEU era el tema que cerraba el álbum original de 1985, con pasajes vocales armonizados que me vuelven a traer a la mente a las voces de Magma (además de las referencias y proximidades lingüísticas) y salvajes interludios instrumentales muy cerebrales, alternando con otros más sinfónicos. El resto de piezas constituyen un complemento muy interesante al ser un material concebido paralelamente a la gestación del álbum, con la misma formación y una calidad de sonido muy buena, por lo tanto todo un acierto su inclusión en esta edición: LAC D'ORGUEIL es un medio tiempo con un aire jazzístico en donde se alternan diversos solos con un fuerte carácter melódico y dramático; L'EXPATRIÉ tiene un claro carácter melancólico con una pegadiza melodía de los instrumentos de viento, para después profundizar en otros pasajes ya más oscuros y con contrastantes cambios de tempo; L'HOMME FANGEUX presenta un cierto caos de líneas instrumentales cercanos a King Crimson, con acentos sincopados jazz-rockeros, que acabarán derivando en una inquietante melodía que alcanza desarrollos más sinfónicos; cierra el disco ÉGRÉGORE, tema vocal cuyos ornamentos de la flauta, melodías y armonías me recuerdan mucho a la escena Canterbury, con sus frecuentes cambios sorpresivos y humorísticos intermedios. En general, este es un muy buen disco y exponente de los inicios musicales de Miriodor, quienes obran con gran gusto musical y calidad instrumental. Muy recomendables para amantes del RIO más amable y del Canterbury más salvaje, con un cierto toque sinfónico aún reminiscente. Un saludo para tod@s Eduardo García Salueña www.senogul.tk www.cuac.tk ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Madame Claus en vivo - 2 de setiembre HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. El sábado 2 de setiembre a las 22:00 hs en "El Zaguán" (Colombres 1669) , Madame Claus tocarrá en vivo. " Con la presencia de Daniel Volpini en percusión, Jorge Senno en guitarras, Francisco Da Rosa en saxos y flauta y el coro UTN como invitados, Madame brindará un show largo e intenso con mucho material nuevo. El valor de las entradas será de $10 en puerta y $8 en forma anticipada. Las anticipadas las conseguís en DiscOver, Florida 537, Galería Jardín 1º piso local 441. Podés reservar tu entrada con un mail a madameclaus@sachem.com.ar Madame Claus agradece el apoyo de: La Lectora de Vinilo - FM Palermo 94.7 - Lunes 21a 22 hs - www.fmpalermo.com.ar El Retorno del Gigante - FM Patricios 95.5 - Lunes 22 a 23 hs - www.fm955.com.ar La Tierra Progresiva - FM SOS 105.1 - Martes 22 a 23 hs - www.fmsos.com.ar Las gambetas de René - FM Palermo 94.7 - Miércoles 23 a 00 hs - www.fmpalermo.com.ar Zona Rock - FM RCT 94.1 - Miércoles 19 a 22 hs - http://200.32.5.228:8290/ Mellotronweb - www.mellotronweb.com.ar La Otra Música - http://la-otra-musica.blogspot.com " ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: CERVELLO "Melos" CERVELLO: “Melos” (1973) Temas 1. Canto del Capro 2. Trittico 3. Euterpe 4. Scinsicne (T.R.M.) 5. Melos 6. Galassia 7. Affresco Integrantes - Antonio Spagnolo: bajo, guitarras acústicas de 6 y 12 cuerdas, pedales bajos, flauta dulce, voz - Giulio D'Ambrosio: saxos tenor y contralto, flauta, voz - Corrado Rustici: guitarra solista, flauta dulce, vibráfono, voz - Gianluigi Di Franco: voz solista, flauta, percusión - Remigio Esposito: batería, vibráfono percusión Siguiendo el modelo de sus compatriotas de Osanna (y de rebote, empapándose también de ciertas influencias de King Crimson y VdGG), el grupo italiano Cervello hizo un aporte muy interesante a la escena progresiva de su país con “Melos”, su único disco. Las semejanzas con Osanna son bastante palpables, tal como se nota a través de los siguientes rasgos: el convincente uso de riffs y punteos de guitarra, la mezcla extraña pero efectiva de rock pesado, jazz-rock y sensibilidad melódica, los arreglos traviesos y constantes de flauta y saxo, los abiertos contrastes entre las secciones eléctricas y las acústicas, amén del registro tenor nasal del vocalista principal. El sonido encarnado por el ensamble se siente un poco rústico (de modo semejante al de Jumbo y De De Lind), pero el resultado final de los arreglos y el despliegue de energía se erigen como dos cualidades esenciales para la valía artística de “Melos”. A falta de teclados, el saxofonista Giulio D’Ambrosio usa capas múltiples de saxo (a lo David Jackson) a fin de crear orquestaciones de fondo en algunos pasajes calculadamente dramáticos. Y en fin... para completar el vínculo con Osanna, resulta que el guitarrista de Cervello es hermano menor del de Osanna, Danilo Rustici. ‘Canto del Capro’ da inicio al disco con un tenor psicodélico misterioso y claroscuro, el cual recién a los tres minutos aterriza en un atractivo motivo de 5/4 sostenido sobre una base hard: en todo caso, a mí me parece que el fade-out llega demasiado pronto, pues el jam final podía dar para más. ‘Trittico’ sigue a continuación, mostrando una de las partes más complejas y multicolores del disco: esta pieza encarna a la perfección el contraste entre lo bucólico y lo eléctrico, que tal como mencionamos, es una de las deudas artísticas más notables que Cervello tiene para con Osanna. ‘Euterpe’ pone más énfasis en lo bucólico: el modo en que los arpegios coordinados de guitarra eléctrica y acústica sostienen las florituras de flauta y saxo, y luego, el solo de guitarra, permiten sostener un aire de reflexión, aunque para nada languidez. Esta pieza irradia una verídica potencia rockera que se superpone a sus texturas de base acústica. ‘Scinsicne (T.R.M.)’ es tal vez la pieza más tenebrosa del disco. Comienza con una intro onírica, en la cual flotan las líneas de flauta, los adornos de guitarra en sus notas más agudas y los toques de vibráfono; luego sigue una sección cantada situada en los parámetros del prog duro y jaezado típico del grupo, para terminar con un epílogo instrumental disonante en el cual el saxo y la guitarra ofrecen un duelo tan parco como envolvente. Éste es mi tema preferido del disco, y en este caso también me pasa por la cabeza que una expansión más minuciosa sobre las ideas musicales expuestas en ‘Scinsicne’ hubiera servido para sacarles mejor provecho. Una vez más, el vibráfono entra en acción como instrumento vital de introducción en el tema homónimo: la entrada de la flauta y el compás lento nos hacen evocar a lo ofrecido en las partes más tranquilas de ‘Euterpe’. Luego las cosas suben un poco de intensidad para dejar paso a un final épico que apela a una monotonía efectista. ‘Galassia’ comienza retomando los climas oníricos de ‘Trittico’, aunque el tenor bucólico está más claramente emparentado con ‘Euterpe’ y ‘Melos’. En todo caso, las intervenciones de guitarra eléctrica y la emergencia de una sección pesada en el final sirven para darle un cierre explosivo al asunto. La última pieza consiste en una breve balada acústica. En fin, tenemos en “Melos” una pequeña joya escondida dentro de la muy prolífica tradición progresiva italiana de los 70s: Cervello es un ítem recomendable para los coleccionistas de música progresiva procedente de esta región del mundo, así como para los amantes de la vertiente hard del mismo género. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: GERARD "Sighs of the Water" GERARD: “Sighs of the Water” (2002) Temas 1. Sighs of the Water 2. From the Deep 3. Pain in the Bubble 4. Keep a Memory Green 5. Cry for the Moon 6. Aqua Dream Part One: Aqua Dream 7. Aqua Dream Part Two: Spring [bonus track] Integrantes - Toshio Egawa: teclados - Atsushi Hasegawa: bajo - Matsuhiro Goto: batería, voz Colaboradores – Jean Nakaji (voz en 4 y 6), Mika Nakajima (voz en 4) Mientras el nuevo milenio seguía adelante, el ensamble japonés Gerard seguía haciendo lo propio con el disco “Sighs of the Water”. Egawa sigue destacando como un pulido y enérgico ejecutor de fastuosas tormentas sonoras en su arsenal de teclados. El tema homónimo que abre el disco muestra un vendaval lleno de elegancia y calculado frenesí: los teclados se esparcen a través de orquestaciones, sonidos semejantes a corneta, clavicordio y guitarra, con una fluidez pasmosa. Las diversas ideas melódicas que se van sucediendo muestran un trabajo de arreglo bien logrado en su ilación. Como si quisiera mostrar que su rol en la banda va más allá de ser una simple comparsa del ego emersoniano de Egawa, el siguiente tema ‘From the Deep’ comienza con una poderosas líneas de bajo, aunque los teclados se le unen casi instantáneamente. Esta pieza está más cercana a las pautas estandarizadas del rock duro – el baterista Goto presta su canto mientras va sosteniendo el pilar rítmico con un estilo en el que se cruzan las influencias de Ian Paice y Terry Bozzio. La presencia de secciones lentas en algunos momentos ayuda a dar rienda suelta al lirismo latente en los motivos melódicos: ello se hace más evidente en el pasaje lento con el cual concluye el tema. La fastuosidad encendida vuelve a brotar en ‘Pain in the Bubble’, añadiendo en esta ocasión un aura un tanto tétrica: es como un Goblin que aumenta su volumen a niveles de ELP, o también, si resulta mejor, podemos notar una cercanía con Ars Nova. ‘Keep a Memory Green’ es una balada power progresiva en la cual el grupo experimenta, a su manera, con lo emocional y lo dramático. El estilo romántico del vocalista invitado Jean Nakaji y los discretos adornos operáticos de Mika Nakajima, otra invitada, se convierten en los mensajeros principales de la cadencia sentimental de esta pieza. El uso de teclados sonando como órgano de iglesia, flauta y orquesta de cuerdas ayudan al tema a preservar la fastuosidad inherente al estilo del grupo, y a la vez, darle un matiz especial de color al asunto, cercano al new-age en cierta medida. ‘Cry for the Moon’ nos devuelve a la explosividad contundente y estilizada que tan buenos réditos dio en el tema de apertura: en todo caso, la voz rasposa de Goto le da un aire adicional muy bizarro al tema, como si se sazonara el ambiente general de la pieza con algo de black metal. No estoy seguro de que este truco funcione al 100 %, pero menos mal que las partes cantadas son pocas. Eso sí, los vericuetos instrumentales están muy bien logrados, portando ese fuego extravagante tan propio del trío. Una mención especial va para las exóticas líneas de sintetizador que emergen en alguna parte de la segunda mitad de la pieza: esos quiebres arábigos proporcionan una magia especial al interludio de ‘Cry for the Moon’. Las dos últimas piezas del disco son sendas partes de la idea ‘Aqua Dream’, que ocupa el último cuarto de hora del disco - curiosamente, la segunda de estas partes es un bonus de Musea. Aquí el lirismo de Gerard sale a flote nuevamente, retomando en cierta medida la aureola romántica de ‘Keep a Memory Green’, pero ante todo explorando el lado más medido del sinfonismo pomposo. El bajo de Hasegawa se luce aquí con mayor patencia, y ello sirve para evitar que el sonido grupal caiga en lo edulcorado. ‘Aqua Dream’ tiene mucho de banda cinematográfica, y también porta ese aire especial que tienen varios de estos grupos retro de la escena japonesa (como Mugen, Ars Nova y Midas). La segunda parte es la más larga, y no solo es la más intrépida, sino que también muestra a la sección rítmica haciendo algunas cadencias de corte jazz fusión en medio de la rimbombancia sinfónica del tema, lo cual permite mostrar como nunca antes en el disco lo relevante que es la bien afiatada dupla rítmica para Gerard en bloque. ‘Aqua Dream’ es un broche de oro alucinante para “Sighs of the Water”, el cual ha de ser considerado como uno de los discos más relevantes dentro del sinfonismo de raigambre añeja de nuestros tiempos. Gerard demuestra, una vez más, que merece estar en un sitial muy alto dentro de la escena progresiva actual: ya lo está en muchas maneras, a juzgar por la convocatoria que provoca su nombre dentro de los carteles de los diversos festivales que año tras año se organizan alrededor del mundo. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: José_Luis_Castaño_Kan Asunto: La Godoy y Animapectus - Entradas Anticipadas a la Venta Tenemos a disposicion de ustedes las entradas anticipadas para el concierto que dara La Godoy Cruz Band junto a Animapectus, el proximo dia Jueves 10 de Agosto a las 20:00 hs en Loca Bohemia, Avda. La Plata 927, Capital Federal. Las mismas tendran un costo, hasta el dia previo, de $ 6.- (no incluye consumision) El dia del Show, en puerta, el costo sera de $ 8.- Para ir agilizando y asegurarse la entrada anticipada a menor costo, pueden escribirme a jlcasta@speedy.com.ar o a lagodoy@speedy.com.ar Esa noche La Godoy interpretara nuevos temas y versiones de los clasicos de nuestro Rock Argentino Animapectus hara su presentación en sociedad, demostrando su cuidadoso trabajo de mucho tiempo. Y para el final, una sorpresa de aquellas.... Los esperamos, La GCB www.lagodoy.com.ar ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Zero Hour - nuevo disco y otras novedades HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. La gente de ZERO HOUR, excelente grupo norteamericano de progmetal, sigue adelante dentro del negocio musical. Con el nuevo vocalista Chris Salinas integrado dentro del cuarteto, el nuevo disco “Specs of Pictures Burnt Beyond” está en el horno, dispuesto para su salida al mercado a inicios de octubre próximo, a través del sello Sensory. La lista de temas del disco en cuestión es como sigue: 1. Face the Fear - 2. The Falcon's Cry - 3. Embrace - 4. Specs of Pictures Burnt Beyond - 5. Zero Hour - 6. I Am Here - 7. Evidence of the Unseen También tienen programadas unas presentaciones en vivo.- 26 de agosto, 8.00 PM – Zero Hour y Omissa en Bourbon Street, Concord (California) 27 de agosto, 12.00 PM – Power Prog West, Los Angeles 16 de septiembre, 5.30 PM, ProgPower VII, Atlanta (Georgia) Para más información, visitar la página web de Zero Hour (http://www.zerohourweb.com), así como su blog de Myspace (http://www.myspace.com/zerohourband). Aquí me despido hasta una nueva ocasión. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "marcelo V" Asunto: XINEMA: "Basic communication" (2006) XINEMA: "BASIC COMMUNICATION" (2006) Xinema es una agrupacion sueca cuyo segundo album, "Basic Communication", fluctua entre el art rock, el neo progresivo y el AOR. Consta de 14 tracks (correspondientes a cinco temas, algunos subdividos) en los que un oido progresivo no encontrara demasiado virtuosismo ni riesgos ni elaboracion, pero si mucha emotividad y melodias muy bonitas. El disco es muy facil de escuchar y transita por caminos muy conocidos, con pocos momentos duros y bastante sencillez. Los instantes mas logrados, segun mi criterio, son aquellos en los cuales el sonido se torna intimista y mas calido. Xinema suena como una combinacion entre Asia (claro que nunca tan elemental) y el Marillion de la era Hogart y, si las pretensiones del oyente no son mas que las de pasar un momento agradable con musica simple y linda, es una buena opcion. marceplus@hotmail.com ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: 3A_Fernández_Ledesma_ 22La_Paciencia_de_Job 22 JOSÉ LUIS FERNÁNDEZ LEDESMA Y MARGARITA BOTELLO: “La Paciencia de Job” (2006) Temas 1. Leyenda 2. Naufragio 3. Jardín de los Senderos 4. Palabras como Astros 5. No Te Pude Contestar 6. Los Jueces del Mundo 7. Vidas Atrás / Noche 8. Donde Nadie 9. Paciencia Infinita - José Luis Fernández Ledesma: guitarras acústicas y eléctrica, pianos clásico y eléctrico, sintetizadores, laúd, vihuela, flauta, armonio, percusión, ocarina, melódica, darbuka, xilófono, instrumentos étnicos mayas, voz, procesos electrónicos - Margarita Botello: voz, piano, santur, armonio, percusión, ocarinas, kalimba, sintetizador Colaboradores – Gustavo Albarrán (corno francés en 1), Juan Carlos Ruiz (fagot en 1), Hugo Santos (bajo en 4), Carlos Bonequi (batería en 5 y 6), Alejandro Sánchez (violín en 6 y 8), Eduardo Meléndez (saxo barítono en 6 y 8), Vitali Roumanov (cello en 7), David Ball (fagot en 9), Ramón Nakash (violín en 9) Tenemos aquí la nueva oferta musical del prolífico y talentoso multiinstrumentista mexicano José Luis Fernández Ledesma, en asociación con Margarita Botella. “La Paciencia de Job” es un disco basado en atmósferas y ambientes, mayormente de corte minimalista, coqueteando con el RIO en varios momentos, y cómo no, también incorporando sonidos étnicos, aleatoriamente rescatados de la campiña y los desiertos de México, o los desiertos de Arabia, o las estepas de África Oriental. La línea de trabajo de “La Paciencia de Job” está bastante emparentada con “Sol Central”, pero que conste que no se trata de un mero sucedáneo del mismo. Lo onírico marca la esencia definitiva del material contenido en este disco: la apuesta es por la apelación a la misteriosa belleza de aquellos confines de la realidad en los cuales la vigilia y el ensueño se entrelazan y confunden. Los coloridos sutiles y envolventes de ‘Leyenda’ portan el candor de un amanecer en una tierra de fantasía: hasta ahora no imaginaba cómo algo puede sonar tan perturbador y tan candoroso a la vez. Buena entrada. La sensación de estar vagabundeando a través de los brumosos linderos del limbo es evocada contundentemente en ‘Naufragio’. Poco antes de llegar al quinto minuto, las nubes se disipan, permitiendo que el piano traiga algo de luz de un plácido atardecer otoñal... hasta que, un minuto después, la niebla vuelve. La aureola del limbo sigue presente en ‘Jardín de los Senderos’ y ‘Palabras como Astros’. Ambas piezas contienen unos ornamentos sonoros un poco más diversos que ‘Naufragio’, siendo así que la segunda se enfila hacia caminos más intensos debido al uso de cadencias tribales: el canto de Botella emite un poema de Vicente Huidobro, con lo cual el tema adquiere aires de solemnidad. Precisamente son esos timbres telúricos del tema los que proporcionan una suerte de preludio a la secuencia de los dos siguientes temas, donde la dupla Fernández Ledesma – Botella trabaja la faceta más explosiva de su visión musical. En ‘No Te Pude Contestar’ surge la batería por primera vez, con la cual se crea una secuencia sincopada sobre la que fluyen la instrumentación y el canto, de manera en cierto sentido semejante al Can del “Future Days”. ‘Los Jueces del Mundo’ también tiene una base de batería, pero esta vez el frenesí exótico es cambiado por la parsimonia fúnebre, patente tanto en el compás como en los sonidos de teclados y efectos. Margarita Botello registra su canto en torno a las recientes debacles armamentísticas con un oportuno sentido del drama, mientras que el violín y el saxo barítono parecen emular los quejidos postreros de multitudes agonizantes en medio de llamas y escombros; los arreglos corales de la parte final resultan bastante efectivos a la hora de transmitir el escalofrío apocalíptico del dolor humano – muy a lo Art Bears, aunque más fastuoso en esta ocasión. La dupla ‘Vida Atrás / Noche’ comienza con una sección de base tribal sobre la cual suenan soliloquios e instrumentos bizarramente procesados a través de manipulaciones de cintas, creando un clima crecientemente lunático. Después, mientras la base tribal se va desvaneciendo, surge una serie de cortinas de teclado y efectos de guitarra en una amalgama acentuada por el cello: lo solemne reemplaza a lo lunático, e incluso se hace más imponente cuando entra el piano de cola en acción para acompañar al cello. ‘Donde Nadie’ es la pieza más breve del disco, elaborada con texturas de inspiración arábiga bien conducidas por el trío de voz, violín y saxo barítono. Finalmente, ‘Paciencia Infinita’ retoma de manera frontal la aureola de ensueño crepuscular que había predominado imponentemente a lo largo de las cuatro primeras piezas: el piano surca a través de esta pieza como una corriente serena a la cual se unen momentáneamente el fagot, la guitarra y el canto de Botella. Este disco es distribuido por Musea, y ciertamente es de aplaudir que este sello francés se haya preocupado genuinamente por otorgarle un espacio a un trabajo tan abiertamente situado sobre el filo más experimental de la música contemporánea vanguardista. “La Paciencia de Job” es un catálogo de ingenio puro en la creación de atmósferas y manejo de timbres y texturas, una línea de trabajo a la cual ya nos tiene acostumbrados el dúo de Fernández Ledesma y Botella, y que se instaura nuevamente como uno de los pilares incuestionables de la vanguardia musical radical. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: GARDEN WALL "Towards the Silence" GARDEN WALL: “Towards the Silence” (2004) Temas 1. Please Wait... Forgetting... 2. Caesura 3. Luna 4. Oxymoron 5. Bottom 6. 4 7. Inadeguato 8. Tome' 9. Cursed Nature (For Caligola) 10. Der Stille Entgegen Integrantes - Alessandro Seravalle: voz, guitarras, teclados, guitarra e-bow - Camillo Colleleuori: batería - Raffaello Indri: guitarras, guitarra sintetizada - Pino Mechi: Chapman stick Colaborador – Alessandro Stornelle (guitarra semi-acústica solista en 8) Con éste, su sexto trabajo discográfico, el combo italiano Garden Wall reitera y refuerza la vibración radicalmente metálica y perturbadoramente agresiva que ha convertido desde los tiempos de “Chimica” (y anticipado desde “The Seduction of Madness”) en su vía musical propia. “Towards the Silence” es un disco que irradia una magia frenética y oscura, pletórico de electricidad visceral, la misma que Seravalle asume como un sacerdocio a la hora de dirigir la línea musical del grupo. Sus tres cómplices operan juntos como una fuerza sonora compacta. Los múltiples e incesantes juegos de disonancias que son ejecutados por el trío de dos guitarras y stick se insertan dentro de unas coordenadas sonoras en las cuales confluyen el thrash metal, el crimsonismo, el doom, el RIO y el prog metal técnico, con un predominio (no absoluto) de lo metalero, dentro de la mezcla resultante. Imaginemos una cruza de Cynic, King Crimson noventero, Mr. Bungle, la faceta más compleja de Tool, más algunas sazones del aspecto más torturado de Present. El baterista Colleleuori mantiene un impresionante nivel de destreza y potencia a la hora de sostener los vendavales sonoros de sus compañeros y marcar los intrigantes cambios de ritmo que van emergiendo durante el camino. El disco comienza con una breve introducción de stick y guitarra acústica titulada ‘Please Wait... Forgetting...’, la cual anticipa con sus extraños arpegios el clima perturbador que se va a extender hasta el final del disco. Las dos siguientes piezas, ‘Caesura’ y ‘Luna’, exhiben la marca de perturbación opresiva, hiriente e incandescente que opera como regla general: con sus duraciones de 8+ y 9+ minutos respectivamente, ambos temas crean y realzan vendavales metálicos estructurados sobre raras progresiones de acordes, riffs infernales y estructuras complejas. ‘Oxymoron’ tiene un inicio de psicodelia crimsoniana sutil, pero luego termina aterrizando en una de las secciones más salvajemente abstrusas del disco, como si el grupo quisiera tratar de sonar más a punk que a metal en los pasajes eléctricos. ‘Bottom’ es el tema más largo del disco, con sus 10 ½ minutos de duración: los pasajes más relajados se articulan bajo un esquema de jazz rock (a propósito, el guitarrista líder Indri aprovecha estos momentos para emular a Metheny), sobre cadencias rítmicas delicadamente armadas... y una vez más, las cosas se ponen realmente fieras cuando lo metalero entra a tallar. La sección final emite una onda de pop-rock psicodélico muy a lo “indie”. ‘4’ ofrece una recapitulación de los diversos matices predominantes que se hicieron presentes en los cuatro temas anteriores, incluso portando unos aires inconfundibles a lo King Crimson del “The Construkction of Light”: casi puede ser considerado como la canción emblema de “Towards the Silence”. ‘Inadeguato’ incorpora alternancias entre metal técnico y funky en su estructura rítmica, siendo así que el vendaval usual se atenúa de modo tal que el grupo concentra su polenta en la capacidad de mantener el momentum del ritmo contagiante y los duetos de guitarra. Algo similar sucede en el comienzo de ‘Tome’’ (el título original está escrito en letras griegas), pero las cosas pronto cruzan la frontera del thrash metal, una vez más. Y por enésima vez se reitera esto en ‘Cursed Nature’, aunque esta vez solamente como interludio de una pieza más tirada hacia el jazz-rock psicodélico – esta vez la primera guitarra absorbe la influencia de un Holdswroth. ‘Der Stellen Entgegen’ cierra el disco con tres minutos de soundscapes de guitarra sintetizada adornados con toques de piano, con lo cual se da un broche cósmico al disco: inesperado, e interesante también. “Towards the Silence” es un disco contundente y fatal, una obra que reafirma la personalidad ya madura que Garden Wall vino gestando dentro del mundo progresivo por un espacio de doce años. Lejanos están los días del sinfonismo estilizado de “Principium” y de la fastuosidad de “Path of Dreams” – “Towards the Silence” encarna el sello propio de Garden Wall, por chocante que pueda resultar a varios melómanos progresivos. Y no es de extrañar, pues este disco está diseñado para ser chocante. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Jon Theodore deja The Mars Volta Hola cajeros, les saluda César Mendoza. Mientras su nuevo "Amputechture" empieza a asentarse dentro de la serie de ofertas de rock experimental de este año, resulta que el baterista de THE MARS VOLTA Jon Theodore abandona la banda. Blake Fleming, un viejo conocido del grupo, reemplazará a Theodore: dadas su desenvoltura, solidez y precisión técnica, podemos decir que la sección ríimica del grupo no sonará igual tras su partida. Aquí me despido hasta una nueva ocasión. ----------------------------------------------------------------------------