/-------------------\ | XXX | \__ | XXX X | __/ \__ | XXX X | __/ \__ | X X | __/ | X X | --------- | X X | --------- __ | X .-.X | __ __/ | X /XXXX | \__ __/ | .-.X XXXX/ | \__ / | /XXXX `""´ | \ | XXXX/ | | `""´ | \-------------------/ LA CAJA DE MUSICA LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO ============================================================================ LCDM: #725 junio 2006 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM ---------------------------------------------------------------------------- * Pendragon y Believe * Clasificaciones porgresivas * IBIO actualidad * Mas_colaboración_en_la_LCDM * After Crying en activo * HOMBRE_VI * Letras de Hawkwind * el 1ro. de CARPE DIEM * el 2do. de PRESENT * Manticornio actualizado * Ummagumma en Lima - nota de la prensa peruana * noticias de PLACKBAND * Nice - "Five bridges" (1970) * Paatos : Silence_of_Another_Kind * noticias de ROCKET SCIENTISTS * TANGERINE DREAM "Phaedra" ---------------------------------------------------------------------------- Autor: agustin Asunto: Pendragon y Believe Hola listeros, En el último número de la Caja, Cesar Augusto Palombo manifestaba su contrariedad por las malas críticas que, según dice, está teniendo Believe. Dice que parece que hubiera habido un crack, según esas críticas, entre este Pendragon y el anterior a Believe. Yo, la verdad no he escuchado ni leído ninguna de esas malas críticas, de hecho en progarchives.com se le da una puntuación de 3,81 sobre 5 (7,62 sobre 10), que no está nada mal. Como recién llegado al "club de fans" de Pendragon he de decir que Believe me encanta. Yo le pondría un 8 sobre 10. De hecho fue la escucha de este álbum lo que me llevó al concierto que dieron en Madrid. Para mi ha pasado ya a engrosar la lista de mis discos preferidos, lo que no me había ocurrido, hasta ahora, con otros trabajos de neoprog anunciados a bombo y platillo, como marbles de Marillion o Dark Matter de IQ. Este Believe me ha hecho sentir sensaciones parecidas a cuando escucho un disco de Génesis de los clásicos, salvando las distancias. Y con esto no quiero decir que copien a Génesis, porque tienen su propio sonido, sino que recuerdan su calidad, su originalidad, su sensibilidad. Los temas "progresan", no como en marbles, que suena todo igual, con la misma linealidad y monotonía que el sonido de la lluvia o el tráfico de una carretera, o como en paradox hotel que, siendo agradable la música, se hecha en falta ese especie de viaje o recorrido por las sensaciones y las emociones, con contrastes, con melodías llenas de sensibilidad unos momentos, con carácter otros momentos, con transiciones... Es como si los temas se encadenaran o transitaran unos en otros. Entre pista y pista no hay interrupción y, si la hay, es sólo un suspenso de la música, un silencio. Hacía tiempo que no sentía esto en algo nuevo, fresco, recién descubierto. Hay un gran sentimiento en Believe y sin embargo no empalaga, hay dramatismo. Se dice que Pendragon suena como Pink Floyd o, incluso como Génesis, pero no es cierto. Hay momentos en que recuerdan a PF, hay momentos que recuerdan a Génesis, pero sólo son momentos, tienen su propio sonido. Por lo que voy escuchando de Pendragon, este disco no desmerece en nada de los anteriores y, no te despistes, no vaya a estar entre los mejores. A mi es el que más me gusta de los que he escuchado por ahora. Saludos Agustín Sardón Bilbao ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Clasificaciones porgresivas Vuelvo a escuchar después de algún tiempo a algunos discos de The Doors, y antes de que os precipitéis permítame argumentar que el hecho de ser populares aun en estos tiempo y ser norteamericanos no les quita el derecho de ser puestos en alguna corriente progresiva. Pero les contare de unos discos de ellos que me llamaron la atención, el primero es: The soft parade de 1969.- Después de tres exitosos discos realizan este LP que contiene un solo sencillo, rompe en cierto sentido con los parámetros psicodélicos para adentrarse a aventurar con otros estilos y géneros, entre ellos el blues un poco de Jazz y hasta influencias Country, este es el disco menos comprendido por sus seguidores, pero por nada podremos decir que es un disco mediocre tiene muchos arreglos interesantes entre los cuales unos semejantes a los de las grandes bandas norteamericanas, se pueden escuchar también algunos semi orquestales en "Wishful sinful". Todas la canciones son buenas pero una de las mas interesantes para el publico progresivo seguramente seria la cerradora del album "The soft parade" que dura 8:40 minutos. Un disco que merece ser considerado si se quiere investigar acerca del llamado Proto-Prog. El otro es, L.A woman de 1971.- Este el ultimo LP que The Doors grabaron con Morrison, y tuvo mayor aceptación entre los fanáticos que sus dos anteriores Lps, esto debido a sus tres sencillos, no obstante el resto del álbum es difícil de escuchar tras las primeras oídas, algo que llama la atención es que la voz de Jim Morrison se escucha distinta a la de otos discos esta vez mas áspera y un poco ronca, este detalle es para mi gusto placentero, de tal manera, que si hubiera nacido en Italia seria competitivamente aceptado en el movimiento progresivo. El album cuenta con fuertes influencias de blues y experimentan con sonidos nuevos. De igual manera, las canciones son de gran calidad una de mis favoritas es "The Wasp (Texas Radio And The Big Beat)" por su gran originalidad y el elemento de los teclados siempre presente en las canciones de The Doors. Cabe mencionar que los integrantes ejecutan extraordinariamente sus instrumentos, y es magnifica la combinación de la guitarra y el teclado. Después del extraordinario éxito de Light My Fire en sus inicios, se lanzan a la fama y el grupo se convierte en uno de los más populares y trillados de Estado Unidos. Pero sus últimos trabajos son los más interesantes por el hecho de que pueden considerarse como ejemplos de Proto-Prog. Antes de afirmar que si son o no progresivos analicemos lo siguiente: - Su nombre lo toman de un libro de Aldous Huxley. - El espíritu poético y de protesta de Jim Morrison esta presente en numerosas canciones. - Tanto su tecladista Ray Manzarek, como su guitarrista Robbie Krieger son unos virtuosos de sus Instrumentos. - Sabían ustedes que el grupo ELP originalmente se iba a llamar HELP, esto por que el trío había planeado junto con Jimi Hendrix hacer una banda, mismo guitarrista que en un principio participara en la corriente musical de The Doors. De cualquier forma The Doors no alcanza la evolución progresiva por completo, hubiera sido necesario haber fusionado su estilo de música con algo más sinfónico para incluir sus discos en la corriente de rock progresivo sinfónico, o haber fusionado con el Jazz para incluirlos entonces en Prog-fusión u otro genero que contenga jazz, etcétera..... Por este motivo es Proto-Prog. Que hubiera sido de haber continuado los Doors en la época de oro del Rock progresivo, ?Lo hubieran captado? ?Hubieran hecho una obra de Rock Progresivo? ?Por que considerar a Pink Floyd, Moody Blues, o Mars Volta, como progresivos y no a The Doors? Voy a hacer una pregunta abierta a mis compañeros de la caja: ?Que acaso todo lo que la gente considera progresivo, nos tiene que gustar a los fanaticos progresivos? Yo por ejemplo no me gusta mucho Porcupine tree, no me llama la atención Kate Bush, y considero que algunas canciones de Pink Floyd son fastidiosas (no todas), por mencionar a algunos grupos. Osvaldo D. Martínez. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Juan Mellado" Asunto: IBIO actualidad Hola Información extraida de la web de IBIO: "Hacia Noviembre comenzábamos con las mezclas del disco y lo que pensábamos que nos llevaría poco tiempo se ha convertido en un árduo trabajo. Todo este retraso se debe a que hemos decidido realizar una grabación del disco en 5.1. Por lo tanto cuando el cd vea la luz irá compuesto por un cd de música normal y corriente y un DVD de sonido en 5.1. Como siempre tan sólo hay que indagar un poco por el menú para que sepais todo acerca de iBiO". http://www.grupoibio.com ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Juan Mellado" Asunto: 3A_Mas_colaboración_en_la_LCDM Hola Te gustaría participar en La Caja deMúsica? Hey cajer@s Os gustaría participar en La Caja de Música?, escribir un mensaje con tu opinión, comentarios, vivencias, gustos musicales, descubrimientos, critica de un disco, de un concierto, etc.. ? Que no sabeis como ? PUES ES MUY FÁCIL !!! Tan solo tienes que enviar un mensaje a Jose Manuel Inesta poniendo en Asunto LCDM: seguido del titulo de tu mensaje y ya esta !!! y a esperar que se publique. Venga anímate !!! salu2 de un cajero mas. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Juan Mellado" Asunto: After Crying en activo Hola Los proximos 24, 25 y 26 de junio 2006 se celebra un festival en Budapest, donde el dia 24 de junio Csaba Vedres y After Crying actuaran en una iglesia junto con otros grupos de musica clasica y folk. Al dia siguiente actua Atila Kollar con la The Musical Witchcraft. La mejor noticia es que After Crying siguen vivos !!! Salu2 Juan ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: 3A_HOMBRE_VI HOLA CAJEROS, LES SALUDA CESAR MENDOZA. Me permito informar un poco sobre la banda argentina de progresivo instrumental HOMBRE VIEJO. El grupo esta formado por -- Pablo Stimolo (Guitarra), Fabricio Rodríguez (Bajo), José Ligorria (Teclados) y Gabriel Ros (Batería). El grupo se mantiene activo. De hecho, su mas reciente concierto esta programado para la noche del sábado 17 del presente, en el Orlando Bar Pasaje Agredo 175 - Al costado del Registro Civil de Av. Colón, en su ciudad de Córdoba. La pagina web del grupo esta ubicada en www.hombreviejo.com La pagina incluye fotos y archivos de audio parciales de su repertorio. En el enlace http://www.rockencordoba.com.ar/ver_banda.php?id 7 se podra escuchar samplers mas completos de su material. Aquí me despido hasta una nueva ocasión. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Jorge Padilla L" Asunto: Letras de Hawkwind Hawkwind : "Hawkwind" Letras. Hawkwind. Hawkwind. Viento de halcón (Dumpy's Rusty Nuts) En la plenitud del tiempo, La Profecía debe cumplirse, Los Halcones regresan a devastar la Tierra. Las Fuerzas Oscuras serán flageladas, La Paz será para todos, Pues no está escrito Que la espada sea la llave al Cielo y al Infierno. Hace muchos años nacieron, En Ladbroke Grove se engendraron; El reino del Halcón pronto proyectará Sus alas plateadas sobre ti. Hawkwind, Hawkwind, es el verso, Maestros del Universo Llévame a la era del rito De la paz y el amor eternos. Para protegerte de un Ataque Sónico Los Ángeles de la Vida te harán volver A Utopía con su unidad nuclear, Así podrás estar en el paraíso. Hawkwind, Hawkwind, es el verso, Maestros del Universo…… Explorando el espacio, anochece, La pista de aterrizaje en tu mente. Atacando al Señor de la luz a 451º Fahrenheit. Hawkwind, Hawkwind, es el verso, Maestros del Universo…… Standing on the Edge Nos hallamos al borde Al borde del tiempo Y es oscuro, muy oscuro ahí Estamos perdidos, destrozados Somos la crueldad Somos soldados al borde del tiempo Y estamos hartos de amar Dónde están nuestros hijos? Dónde están nuestros padres? Dónde nuestro deseo? Y hace frío, mucho frío al borde del tiempo Dónde está nuestro júbilo? Dónde nuestra esperanza? Dónde está nuestro fuego? Hace frío, mucho frío al borde del tiempo Estamos perdidos, olvidados Somos inmortales Somos soldados al borde del tiempo Veteranos de mil batallas psíquicas Somos soldados al borde del tiempo Víctimas de la verdad brutal Somos soldados a la orilla del tiempo Y estamos hartos de amar Warriors Somos guerreros al borde del tiempo Somos la guadaña de la humanidad, que barre así y asá Y derriba al enemigo como a la maleza Somos la espada de la humanidad que extrae las raíces dondequiera que crezcan Somos el fuego de la humanidad que reduce a cenizas los desperdicios Somos el viento que se lleva las cenizas Sin dejar rastro alguno Destruiremos a aquellos que son enemigos Pero primero debemos saber quienes son Y los enemigos son los demonios que se ocultan en nuestras mentes Y que nos vuelven infelices, Que nos hacen miserables Somos los guerreros al filo del tiempo Somos veteranos de una verdad brutal Somos los perdidos Somos los extraviados Somos los traicionados............... Warrior On The Edge Of Time Estamos parados al borde Al borde del tiempo Somos los guerreros al filo del tiempo Caminamos a la par del horror Cabalgamos con la muerte Somos los guerreros al filo del tiempo Sobre desiertos de cristales ponzoñosos Donde gritan las torres arrasadas Marchamos hacia nuestro agonizante sol escarlata Muerte! Muerte a la vida! Muerte! Muerte al tiempo! A todo traemos la dulce destrucción Con nuestra armadura de brillo deslumbrante Y nuestros timones secretos y horrendos Somos los ángeles de nuestra ruina Y escalamos montañas de obsidiana En nuestra espantosa búsqueda final Cruzamos lagos que gritan de dolor a nuestro paso Muerte a todo lo viviente! La bendita muerte purificará el mundo! Muerte, es nuestra ley! Muerte, nuestra única alegría Somos los guerreros al filo del tiempo Muerte al agua, al aire, al fuego Muerte a la luz, a la tierra, al sonido Muerte a la ira, al amor, a la tristeza Muerte a la muerte... al tiempo... al espacio Y los caballos y jinetes muertos Buscan los últimos refugios de la vida La vida nos traicionó y la matamos Cuerpos trenzados en la batalla Danzando al filo del tiempo Hace frío al borde del tiempo Mucho frío al borde del tiempo Trad.: Jorge Padilla L Junio 2006 ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: el 1ro. de CARPE DIEM CARPE DIEM: “En Regardant Passer le Temps” (1975) Temas 1. Réincarnation 2. Jeux du Siècle 3. Voyage du Non-Retour 4. Publiphobie Integrantes - Gilbert Abbenanti: guitarras - Christian Trucchi: teclados, canto - Claude-Marius David: flauta, saxo soprano, percusión - Alain Berge: bajo - Alain Faraut: batería, percusión Habiendo conocido a Carpe Diem a través de su segundo (y a la postre, último) disco “Cueille le Jour”, ha sido para mí una gratísima sorpresa y una reveladora perspectiva el continuar mi investigación progresiva con este excelente disco debut “En Regardant Passer le Temps”. En efecto, reconocí en este repertorio ese lirismo raro y casi espacial que inunda la casi totalidad de las ideas melódicas y que también marca las interacciones inteligentemente organizadas entre los músicos. Lo que me llamó la atención fue el despliegue de energía vertido por el ensamble, el cual resulta varias veces rayano con lo áspero, creando un aura psicodélicamente oscura que nos puede hacer recordar perfectamente a los momentos más sombríos de los primeros discos de Pulsar y el primero de Asia Minor, y yendo más atrás, incluso a los momentos más densos de los clásicos “Lizard” y “Islands” de King Crimson. Es sin duda el aporte de David, mayormente en el saxo, el elemento más saltante a través de las trayectorias dialógicas que el trío de guitarra-teclado-viento traza en el desarrollo de los motivos; claro, para nada quiero desestimar el buen gusto y sensibilidad de Abbenanti en sus solos, ni tampoco la capacidad de Trucchi para ejecutar mil y un fraseos y orquestaciones (en buena parte, bajo la influencia del insigne Pete Bardens) que mantienen un núcleo claro y oportuno dentro de las expansiones melódicas. Mientras tanto, la sólida base rítmica Berge y Faraut, amalgamada a partir de la mezcla entre lo rockero y lo jazzero, ayuda a mantener una fuerza consistente a través de la mágica exuberancia de las expansiones melódicas en proceso. La pieza más corta, ‘Réincarnation’, que no llega a los 4 minutos de duración, es la que abre el disco. La onda de esta pieza es notoriamente espacial, dando la impresión de que aquí vamos a encontrar algo más afín a Gong o al Soft Machine c/ Wyatt que a Genesis o Yes. Este jam se siente en verdad muy corto cuando llega el fade-out, pero bueno, las cosas se ponen eventualmente más coloridas y envolventes con las tres piezas siguientes, las mismas que encajan perfectamente dentro de la descripción general vertida en el párrafo anterior. ‘Jeux du Siècle’ es una suite de casi 13 minutos de duración, que comienza con un acento patentemente lírico: esa flauta pastoral que se explaya con delicadeza sobre los evocadores arpegios de teclado crean un preludio muy efectivo a la hora de plasmar un ambiente onírico. Para cuando llegamos al segundo minuto, las cosas están instaladas sobre una base más pomposa y potente: lo pomposo está bastante medido, eso sí, y no es usado como un recurso para esconder o reemplazar lo melódico, sino para darle una dimensión más estilizada. A partir del sexto minuto encontramos algunos elementos cósmicos, que yo encuentro un tanto cercanos a los momentos más etéreos de Genesis y el Pink Floyd post-“Meddle”. El clímax final, desarrollado a través de los dos últimos minutos, perpetúa este lado cósmico con notable esplendor. Tan impresionante como me pareció esta primera mitad, admito que en lo personal me parece que lo más brillante de “En Regardant...” está en la segunda mitad. “Voyage du Non-Retour” se establece bajo un parámetro similar al de tema precedente, pero en su conjunto me parece más logrado en lo que se refiere a la integración interna de los motivos y variaciones que se van sucediendo. ‘Publiphobe’ concluye el disco poniéndole una guinda progresiva de alto calibre. Casi pegado a la breve sección cantada de cierre del tema anterior, ‘Publiphobe’ emerge como una tormenta distinguida y exquisita de sonoridades progresivas, realizada a punta de una potencia compartida equilibradamente por los cinco músicos. Incluso la dupla rítmica opera como un elemento de creatividad influyente dentro de la riqueza melódica del tema. Ya sea al unísono, o complementándose mutuamente a través de líneas diversas centradas en notas comunes, la cosa es que el quinteto opera con una compacidad increíble. No se nota un espacio vacío, por mínimo que sea, en ninguna de las secciones ni tampoco en el tránsito de una a otra. El aura melancólica de las partes cantadas recibe parte de su fuerza expresiva de la frenética obertura instrumental que le precede, al modo de una huella marcada a fuego lento. El interludio es otro momento clave de esta pieza: trabaja con una tensión evidente, pero sin dejar que ésta explote a pesar del despliegue de polenta emanado por la guitarra y el saxo: la tensión se mantiene contenida dentro de un equilibrio misteriosamente trazado por las pinceladas sonoras que se van sucediendo. El coqueto motif de apertura reemerge para cerrar el tema y el disco redondamente. En fin, resumiendo puedo decir que “En Regardant Passer le Temps” es un delicioso y ejemplar compendio de pugnas dialécticas entre la delicadeza de la imaginación musical y la contundencia de su enérgica concreción respectiva – el nombre de Carpe Diem tiene bien merecido un sitial de honor dentro del parnaso progresivo francés de los 70s. !Una joya absoluta para coleccionistas exigentes! César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: el 2do. de PRESENT PRESENT: “Le Poison qui Rend Fou” (1985) Temas 1. Le Poison qui Rend Fou – Part 1: Ram Ram Va Feire “Pif Paf” 2. Ersatz 3. Le Poison qui Rend Fou – Part 2: Didi Dans Ta Chambre! 4. Samana Integrantes - Roger Trigaux: guitarras, piano - Alain Rochette: pianos, sintetizador - Daniel Denis: batería, percusión - Ferdinand Phillipot: bajo Colaboradora - Marie-Anne Pollaris (voz) El ahora quinteto belga Present prosigue su camino de reciclaje de la herencia de Univers Zero con un segundo disco tan estupendo como su impresionante debut “Triskaidekaphobie”. “Le Poison qui Rend Fou” mantiene la misma esencia densa y siniestra RIO, algo para lo cual aporta la presencia de la cantante Marie-Ann Pollaris con sus vocalizaciones enigmáticas y embrujadoras; es una pena que sus intervenciones sean tan esporádicas, como colaboradora invitada, pues de lo contrario tal vez este repertorio hubiera contado con un matiz especial de particular relevancia. A fin de cuentas, no quiero utilizar este factor como objeto de crítica, pues el disco me parece estupendo tal como está. En todo caso, se nota un cierto realce de lo jazzero en el comportamiento de la sección rítmica (conformada por el genial Daniel Denis y el nuevo integrante Ferdinand Phillipot), pero el núcleo de la columna vertebral del sonido grupal sigue patentemente orientado hacia la creación de oscuridad desafiante al modo de un ambiente propicio para el exorcismo de los demonios interiores. Otra cosa que ese nota es un énfasis en el despliegue de fuerza sonora en las porciones más tiradas hacia lo rockero – especialmente en las intervenciones de guitarra –, pero como dije antes, se trata de una diferencia de grado, que no de esencia artística. La primera parte de la suite homónima abre el disco con unas contundentes pinceladas de guitarra muy frippianas, las cuales abren el camino para el desarrollo de la ilación de varias secuencias sostenidas sobre disonantes y minimalistas juegos de acordes a piano, sobre los cuales la guitarra flota varias veces como una opresiva nube de inquietud. La dupla rítmica de Denis y Philippot es simplemente magnífica – pocas veces encontraremos a un Denis haciendo tanta gala de su fibra e ingenio como arquitecto rítmico, incluyendo a los discos de Univers Zero. En el minuto 11ero. emerge un pasaje de piano hermoso, que reposa sobre un clima emocional sereno... aunque más justo sería decir que engañosamente sereno, pues cuando unos espartanos acordes de guitarra entran para dejar al ensamble regresar al espectro sonoro, nos reencontramos con la sombría inquietud de antaño, solo que esta vez portando un aura más reflexiva que propiamente opresiva. Los últimos 40 segundos son llenados por el reprise del primer motif. El disco sigue con ‘Ersatz’, una muestra de ingeniosa mezcla entre el crimsonismo ochentero y el jazz, desplegado a través de unos medidos 5 minutos. Atención a la clase y pulcritud de Denis: este tipo de genio hay que oírlo detenidamente para creerlo. Lo jazzero se apodera de la escena en la coda que ocupa los últimos 20 segundos. Se trata de un interludio bastante oportuno entre las dos partes de la suite homónima. La segunda parte se expande sobre un clima notoriamente circense, aunque claro, las coordenadas musicales que marcan la esencia de Present los llevan a crear un ambiente propio de un festival macabro en el cual los artistas están dispuestos a sacar a la luz los más profundos temores del ser humano y burlarse insolentemente de ellos. En esta pieza, la tendencia orquestada del ensamble sale a relucir de una manera más imperiosa que en el repertorio precedente – la total fluidez con la cual los instrumentos van aportando sus elementos particulares dentro del todo da como resultado una amalgama sonora compactamente integrada en su estructura interna. Los retazos entrecortados y oscuro de guitarra y bajo de la sección de cierre hubieran llenado de orgullo al King Crimson de la etapa del “Starless and Bible Black” y “Red” – en lo personal, hubiera preferido un desarrollo más ‘brutal’ del clímax y no un fade-out tan repentino, pero bueno, se trata de un buen final. En fin, la pieza final ‘Samana’ aligera un poco las cosas con una disposición más jovial durante sus primeros dos minutos y medio: luego, las cosas se ponen más acorde con los pasajes más solemnes de la 1ra. parte de ‘Le Poison qui Rend Fou’, alternando éstos con otros pasajes más juguetones. El último medio minuto contiene un motif sereno, crepuscular, que huele a despedida. Esta pieza es donde Present exhibe su máxima expresión de refinamiento en lo que respecta a este disco. Tenemos, pues, en “Le Poison qui Rend Fou”, un ítem valiosísimo dentro de la tradición progresiva RIO, una pieza de colección que no envejece, sino que incluso pareciera ganar brillo con el paso de los años. Es todo un logro artístico el que una banda aun activa como es Present pueda mirar atrás hacia su catálogo más antiguo y percibir con orgullo la vitalidad que aun se destila a través de sus diversos entretejimientos sonoros. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Manticornio actualizado HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. Aquí transcribo la lista de nuevas informaciones correspondientes a la última actualización del e-zine progresivo mexicano Manticornio. Como siempre, visita obligada al sitio www.manticornio.com " junio 18, 2006: sección Artistas: ADVENT + Cantus Firmus. ALTAIR: Altair. Robert BÉRIAU + Falling Back to Where I Began. DREAM ARIA + In the Wake. EQUINOX. FINISTERRE: In Ogni Luogo. FISH: Return to Childhood. FLOWER KINGS: Paradox Hotel. FRENCH TV: This Is what We Do. GARGAMEL + Watch for the Umbles. IONA: Live in London (DVD). JADIS + Photoplay. LIZARD: Spam. LA MÁQUINA DE HACER PÁJAROS: Películas. THE MOODY BLUES: To Our Children’s Children’s Children + Every Good Boy Deserves Favour. NIACIN. PERIGEO: La Valle dei Templi. PICCHIO DAL POZZO: Picchio dal Pozzo. POOR GENETIC MATERIAL + Spring Tidings. SAGA: Trust. SANDSTONE. SOTOS + Platypus. TEMPEST: The Double Cross. VANGELIS: Opera Sauvage + See You Later. VIIMA + Ajatuksia Maailman Laidalta. actualización de entradas anteriores: ALTAIR: Fantasías y Danzas. FISH. FRENCH TV. MM CIRCLE: Sibylle. sección Entrevistas: con Antonio, Ernesto, David, Alejandro, integrantes de CRUZ DE HIERRO. con Manoel MACÍA, guitarrista y miembro fundador de GALADRIEL. sección Instrumentos: Fairlight CMI. Vocoder. Yamaha CS-80. en el tintero (próxima actualización): EQUINOX: Equinox + Spirits of Freedom. KATAGORY V + The Rising Anger. LIBERTY N' JUSTICE + Soundtrack of a Soul. PROTOTYPE + Continuum. BRUMA + Tiempos de Agua. " ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Ummagumma en Lima - nota de la prensa peruana HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. Aquí transcribo una nota publicada en el diario limeño El Comercio sobre la próxima actuación del grupo argentino tributo a Pink Floyd UMMAGUMMA en la capital peruana. Para este evento, el grupo contará con un invitado de lujo, el genial saxofonista de jazz y jazz-fusión Jean Pierre Magnet, bastante curtido en el medio peruano, y con una trayectoria tan extensa como versátil. " OTRO LADRILLO EN LA PARED El saxofonista Jean Pierre Magnet y la banda argentina Ummagumma unirán talentos para rendirle tributo al mítico grupo inglés el concierto es el 24 de junio en el teatro Peruano-Japonés Suena muy bien. Un homenaje a Pink Floyd en las manos de Ummagumma, banda argentina que no solo ajusta las piezas hacia una interpretación fidedigna de los temas del grupo británico, sino que gusta de presentar elementos visuales representativos de sus conciertos en escena. Y, por si fuera poco, la presencia de Jean Pierre Magnet en el saxo. ?Cuándo y dónde? Anote: el 24 de junio en el teatro Peruano-Japonés. Si bien el músico peruano está muy identificado con el jazz y con el formato de las grandes bandas, no es un secreto su comienzo como integrante de los legendarios Traffic Sound. Adicionalmente, Magnet es un frecuente invitado en los conciertos del combo progresivo Frágil. De Ummagumma se conocen excelentes adjetivos calificativos. Están considerados entre los mejores grupos de tributo a Pink Floyd a nivel internacional, lo que ya es decir bastante. Juntos, Magnet y Ummagumma realizarán un frondoso espectáculo de dos horas y cuarenta minutos de duración, en el que despacharán canciones como "Shine on you Crazy Diamond", "Comfortably Numb", "Wish you Were Here", "Money", "Another Brick in the Wall", "Breathe" y "Hey You", entre otras. Una presentación que llega gracias a las gestiones de Vade Retro Producciones y Taggal. DESDE EL SUR Para conocer mejor a Ummagumma diremos que se fundó en 1998, en Buenos Aires, Argentina. El nombre del grupo fue tomado del magnífico álbum doble que la banda --que por ese entonces formaban Roger Waters, David Gilmour, Rick Wright y Nick Mason-- lanzara en 1969, con notables versiones de temas como "A Saucerful of Secrets", "Careful With That Axe, Eugene" y "Astronomy Domine". Ummagumma está integrado por seis músicos: Jorge Marchini (voz y teclados), Juan Verta (guitarra), Federico Cassola (guitarra). Ariel Moscatelli (teclados), Alejandro Iglesias (bajo) y Lucas Hernández (batería). Además, en los coros, Valeria García, Paula Carou, Maia Orihuela y Gabriela Gutiérrez. En sus conciertos el grupo intenta abarcar todas las etapas de Pink Floyd, del primer al último disco. Suele dividir sus show en dos segmentos, con intervalos de quince minutos. "Tratamos de armar una lista de temas que agrade a todos, desde el fanático de Pink Floyd hasta el que solo conoce sus clásicos", ha dicho el tecladista Ariel Moscatelli. Sobre el escenario no se guardan nada y es costumbre que sorprendan con parafernalia multimedia: proyección de videos en una pantalla circular, juegos de luces móviles y láser, elementos que intentan asegurar una atmósfera evocativa de lo que Pink Floyd logra visualmente en vivo. Mientras, en Lima, Jean Pierre Magnet ya ensaya los temas que Ummagumma le ha enviado vía correo electrónico. El concierto sí que promete. " ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: noticias de PLACKBAND HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. La gente de la banda holandesa PLACKBAND está en planes de promocionar la salida a la venta de su DVD y CD en vivo "Visions". La estrategia incluye una mini-gira por Bélgica, el Reino Unido y su país natal. Para esta ocasión, el grupo contará con dos vocalistas, Karel Messemaker y Koos Sekreve. Además, el repertorio incluirá un par de temas viejos que nunca habían llegado a ser tocados en vivo anteriormente -- tengamos en cuenta que el grupo se fundó en 1978, y que hasta el asentamiento de la tecnología de audio digital, PLACKBAND nunca tuvo ocasión de ver plasmado su trabajo en el mercado musical. Hoy por hoy, "After the Battle" debe ser recordado como un 'clásico postergado' del neoprog europeo. En fin, aquí transcribo la lista de conicertos programados por la banda .- 16 de setiembre: Loose End, Reeuwijk, Holanda 28 de setiembre: P60, Amstelveen, Holanda 11 de noviembre: Classic Rock Society, Rotherham, Reino Unido 2 de diciembre: Spirit of 66, Verviers, Bélgica 8 de diciembre: Het Kasteel, Alphen a/d Rijn, Holanda Aquí me despido hasta una nueva ocasión. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Nice - "Five bridges" (1970) The Nice : "Five bridges" (1970) 01. Fantasia 1st bridge (06:08) 02. 2nd Bridge (04:01) 03. Chorale 3rd bridge (03:30) 04. High level fugue 4th bridge (01:01) 05. Finale 5th bridge (03:28) 06. Intermezzo Karelia suite (09:01) 07. Pathetique [Symphony No.6 3rd movement] (09:22) 08. Country pie/Brandenburg Concerto No. 6 (05:40) 09. (I'm not) One of those people (03:08) - KEITH EMERSON: Hammond organ & Grand Piano - LEE JACKSON: Vocals, bass - BRIAN DAVISON: Drums - LONDON SINFONIA ORCHESTRA: Orchestra (conducted by Joseph Eger) THE FIVE BRIDGES SUITE (pistas 1-4) compuesta & orquestada por Keith Emerson, con letras de Lee Jackson. La pieza fue grabada en directo en Fairfield Halls (Croydon, UK). Pistas 5 a 7: grabadas en directo en el Fillmore East (New York), y adaptadas para orquesta por Keith Emerson & Joseph Eger. ONE OF THOSE PEOPLE: grabada en los Estudios Trident de Londres. THE NICE es una de las agrupaciones surgidas a finales de la década de los 60's más decisivas e importantes para el desarrollo de lo que hay denominamos rock progresivo sinfónico, por varios motivos: además de ser la gran tarjeta de presentación del compositor y todoterreno de los teclados Keith Emerson (más conocido a partir de los 70's con el poderoso trío Emerson, Lake & Palmer en donde desarrollará el discurso musical aquí preludiado, junto a las notables personalidades de Greg Lake y Carl Palmer), fue uno de los grupos que más apostó por el acercamiento del rock (con acentos de una psicodelia refinada) a otras corrientes, como el jazz y sobre todo a la música clásica (a través de sus espectaculares y peculiares versiones de compositores clásicos como de nuevas composiciones realizadas a partir de parámetros clásicos y acompañados por orquesta). Este último aspecto es la tónica dominante en este trabajo, su cuarto y último álbum concebido como tal, en donde aparece como punto fuerte la grabación de una larga suite para grupo y orquesta en directo (tras la disolución del grupo en 1970 se editaría un año después el directo "Elegy", testimonio discográfico final del grupo). El primer álbum de NICE, "The thoughts of Emerlist Davjack", fue editado en pleno contexto psicodélico (1967), y ya presentaba notables ecos de la estética de la música académica en cuanto a instrumentación ("Thoughts of Emerlist Davjack") o en sus patrones estructurales (la concepción de "Rondo", pieza instrumental basada en el "Blue rondo a la turk" de Dave Brubeck, que además de ser uno de los temas más interpretados por Emerson en sus conciertos, contenía varios guiños musicales, como la mención a la Toccata y Fuga en Re menor de JOHANN SEBASTIAN BACH). También en otras piezas no recogidas en el álbum original (aunque sí en sus re-ediciones) se puede ver la influencia de la música académica, como el single "Diamond hard blue apples of the moon" o la versión de "America", composición de Leonard Bernstein para la obra de teatro musical de 1957, "West side story", posteriormente adaptada al cine con gran éxito en 1961; tras este trabajo, el segundo álbum de los NICE, "Ars longa vita brevis" (1968) pondría de relieve esta faceta de acercamiento al canon clásico por las dos vías antes expuestas: por un lado se incluye una versión del "Intermezzo" de la suite Karelia, op.11, del compositor finlandés JEAN SIBELIUS (1893); por el otro, la monumental pieza "Ars longa vita brevis", concebida como obra para grupo y orquesta y dividida en 4 movimientos, más un preludio y una coda e incluyendo un arreglo del Allegro Moderato inicial del Concierto de Brandenburgo Nº3 de JOHANN SEBASTIAN BACH (1721). Esta pieza constituye uno de los puntos de partida de los posteriores desarrollos progresivo sinfónicos afines a las estructuras "academicistas" de muchos grupos (como algunos trabajos posteriores de Deep Purple, Camel o Focus, por citar unos pocos). Además, en la propia evolución de Keith Emerson se podría trazar una línea evolutiva con sus trabajos más representativos para grupo y orquesta (sin contar las obras realizadas para "Works", "Works II" y similares: "Ars longa vita brevis" (1968) "Five bridges" (1969-1970) "Pictures at an exhibition" (1970-1971) En el tercer disco de NICE, homónimo de 1969, el trío trabaja más en una línea jazzística y cercana al blues, aunque nunca deja de lado esa absorción de la producción clásica (sin ir más lejos, el tema "Diary of an empty day" estaba basado en la "Symphonie espagnole para violín y orquesta en Re menor, op.21" -1874-, de Edouard Lalo). Sin embargo, será en este "Five Bridges" en el que todas las ideas y avances que THE NICE fue presentando en sus álbumes, cristalizarían con gran coherencia y cohesión. FIVE BRIDGES SUITE (los 5 primeros cortes del álbum) es una monumental obra dividida en 5 partes que juega con la idea simbólica del "puente" musical de diversas formas. La composición de la obra parte de un encargo para el Festival de las Artes de Newcastle en 1969, y en ella se demuestran, una vez más, los amplios conocimientos teóricos de Emerson, en cuanto a composición, armonización y orquestación. Los textos de Lee Jackson hacen referencia a sus memorias y recuerdos sobre su Newcastle natal, en donde había cinco puentes que atravesaban el río Tyne. El tratamiento estructural de esta obra es realmente interesante, dejando entrever la complejidad y el desarrollo de ideas que Emerson llevaría más tarde a cabo junto a Greg Lake y Carl Palmer. La pieza, en su conjunto, constituye una de las grandes cimas creativas de THE NICE (junto con la ya mencionada "Ars longa vita brevis", dentro de ese estilo más grandilocuente). Veamos más detenidamente las partes que la componen: 1) 1st Bridge: Fantasia _---_ La Fantasía es una forma libre de composición, sin un rumbo esquemático determinado y que en buena manera viene determinada por la improvisación del compositor, parecida a la Toccata. En este caso, Emerson propone un primer puente entre la estética del Barroco temprano junto a otras ideas más contemporáneas sobre el cual se construye este primer movimiento. En la parte final hay una alternancia entre las partes solistas del piano y de la orquesta, parecido al tratamiento de un concierto orquestal. 2) 2nd Bridge _---_ El segundo puente busca combinar los recursos sinfónicos dentro de diferentes ritmos e improvisaciones más cercanas al rock, alternando pasajes más sinfónicos con otros de grupo (y la voz de Jackson). De alguna manera estos puentes vienen a simbolizar un intento de hibridación estilística entre la música clásica y la popular. 3) 3rd Bridge: Chorale _---_ en este caso, el tercer puente se construye mediante las improvisaciones pianísticas con aires jazzísticos, intercaladas entre las diversas secciones del bellísimo pasaje coral cantado por Lee Jackson (uno de sus mejores momentos vocales), en un registro muy suave y sobre progresiones orquestales. 4) 4th Bridge: High Level Fugue _---_ musicalmente el discurso aquí lo basa Emerson en las concepciones estilísticas de Friedrich Gulda, pianista muy polifacético apodado como "el terrorista del piano" por los círculos académicos al incluir en sus inspiraciones compositivas recursos más propios de la música popular (sobre todo del jazz). Su pieza "Prelude and fugue", de 1965 (reinterpretada por el trío Emerson, Lake & Palmer en su box-set de 1993 "Return of the manticore") muestra diversas vías constructivas de tratamientos fugados a la manera de JOHANN SEBASTIAN BACH pero utilizando parámetros jazzísticos (algo que también harían músicos como Dave Brubeck, Claude Bolling o Stephane Grappelli dentro del jazz). Emerson sigue esta línea con influencias de los fraseos y las técnicas del jazz o del boogie-woogie (a la manera de sus continuamente homenajeados Meade "Lux" Lewis o Jimmy Yancey). El "puente" aquí utilizado desarrolla un concepto mucho más complejo, según el propio Emerson. Está basado en el High level bridge de Newcastle, un puente en el que hay dos niveles: uno superior, para que pasen los trenes y otro inferior para los coches. Emerson desarrolla un contrapunto entre ambas manos, de forma que la mano derecha representa el nivel de los trenes y la izquierda el de los coches, encontrando en Brian Davison y su tratamiento percusivo de los platos de la batería, la idea del efecto del río (cada vez más contaminado) chocando contra el puente. "El progreso destruye la naturaleza" es el significado esencial implícita en este breve boogie-jazz fugado para trío. 4) 5th Bridge: Finale _---_ recapitulación del segundo puente, pero esta vez adaptada para el grupo junto a un quinteto de instrumentistas de viento metal, enriqueciendo su dinámica y componente rítmico (y con una armonización final que le da un carácter muy conclusivo). El lenguaje estético por el que se mueve la música orquestal y con ecos más "académicos" de Emerson suele ser por el ámbito neoclásico europeo y post-romántico (con énfasis también en la música de carácter nacionalista), además del gusto por compositores norteamericanos, en muchas ocasiones cercanas al folk y al jazz. "Five Bridges" se completa con las interpretaciones en directo de INTERMEZZO KARELIA SUITE para grupo y orquesta (pieza del compositor finlandés JEAN SIBELIUS que ya había sido grabada en el disco "Ars longa vita brevis" de 1968 sin orquesta) y de PATHETIQUE (SYMPHONY Nº6 3rd MOVEMENT), del compositor ruso PYOTR IL'YICH TCHAIKOVSKY, original de 1893, en versión para grupo y orquesta (la versión del disco en directo "Elegy", que saldrá editado en 1971, incluye una interpretación sólo para grupo). Los otros temas son un medley tan explosivo como el de COUNTRY PIE (de BOB DYLAN, extraído de su trabajo "Nashville skyline" de 1969) con el Allegro inicial del Concierto de Brandenburgo Nº 6 de JOHANN SEBASTIAN BACH (1721), como interludio instrumental central, mientras que ONE OF THOSE PEOPLE es una canción con tintes psicodélicos y mucho trabajo de Hammond. En cuanto a las ediciones discográficas de este trabajo hay mucha disparidad entre ellas. Para empezar, no todas incluyen una buena distribución por pistas de la suite "Five Bridges" (como en el caso de la edición en CD de Virgin Records, que presenta el primer movimiento entre la pista 1 y la pista 2, aunque en el álbum adscriben el título "1sr bridge & 2nd bridge" a la pista 1 y "3rd bridge" a la segunda; la pista 3 es en realidad el "2nd bridge" y no el "4th bridge" como ponen en el CD. Por último, en la pista "5th bridge" se juntan el tercero, el cuarto y el quinto). Sí está bien la distribución en la edición de Mercury Records, en donde juntan piezas de "Five Bridges" y "Elegy" (aunque se quedan temas en el tintero, como "Country pie" o "One of those people"). Lo mismo pasa, exactamente, con la edición posterior a la disolución del grupo titulada "Keith Emerson with the Nice". La edición de Virgin Records incluye algunos bonus track de la primera época de THE NICE, extraídos del recopilatorio "Autumn 67-Spring 68" (consistente en remezclas de canciones del primer disco de NICE, con la formación de cuarteto y que se completa con los bonus tracks de la edición en Virgin del disco en directo "Elegy"), incluyéndose la versión single de "America" y la versión adicional de "Diary of an empty day" (originalmente aparecida en su tercer álbum de 1969). Por problemas con la discográfica, "Five Bridges" salió el mercado un año después de su grabación, en 1970, momento en el que Keith Emerson ya estaba más implicado en el trabajo con ELP que con THE NICE. No obstante, este trabajo es uno de los más representativos de la agrupación THE NICE (en cuanto a su vertiente menos psicodélica y más sinfónica), además de ser una obra de gran importancia histórica en cuanto al desarrollo del género y por ser uno de los intentos más importantes en aunar la música popular con la académica (véanse tan sólo la suite homónima y el desarrollo de la idea del "puente" como vehículo de hibridación estilística entre ambos ámbitos, o el medley Bob Dylan/J.S. Bach, que refleja muy bien este fenómeno expuesto anteriormente). En resumen, una obra muy importante y muy recomendada. Un saludo para tod@s y en especial a Pedro Campillo, a quien le deseo mucha suerte con el concierto de Neal Morse y todo mi apoyo (aunque yo no me podré escapar). Eduardo García Salueña www.senogul.tk www.cuac.tk ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "ezequiel beyrouti" Asunto: 3A_Paatos 3A_ 93Silence_of_Another_Kind 94 Paatos: “Silence of Another Kind” (Insideout music, 2006) Temas: 1. Shame 2. Your Misery 3. Falling 4. Still Standing 5. Is That All 6. Procession of Fools 7. There Will Be No Miracles 8. Not a Sound 9. Silence of Another Kind Integrantes: - Stefan Dimle: Bass - Huxflux Nettermalm: Percussives, saw, Lubopipe, programming and backing vocals - Petronella Nettermalm: Vocals and cello - Peter Nylander: Guitars and backing vocals - John Wallén: Keyboards, Saphirus bass and backing vocals Con la edición de su primer álbum “Timeloss” (2002), estos suecos prometían pelear por un lugar en el podio de la escena escandinava surgida en los años noventa con bandas como los míticos Anglagard (me emociono con sólo escribir ese nombre). Pero dos años más tarde, con “Kallocain”, la banda se alienaba a sí misma de aquel romanticismo “vintage” y se mostraba decidida a abordar una propuesta musical más moderna. Y finalmente en este “Silence...”, recorren caminos similares al segundo emprendimiento. Pero mientas que “Kallocain” aún conservaba un grado muy respetable de sutileza e incluso aportaba un mayor caudal de tensión (por ejemplo en “Gasoline” o “Reality”), el disco que nos ocupa se decide casi completamente por las estructuras simples y los estribillos pegadizos. En mi opinión (que podría ser errónea debido a mi desconocimiento de agrupaciones de post-rock, trip hop, y otros estilos “vanguardistas” actuales) el sonido del Paatos 2006 está muy influenciado por los The Gathering actuales en cuanto a melodías vocales y sobre todo la voz de Petronella Nettermalm suena bastante similar a la de Anneke Van Giersbergen (como en “Still Standing”). De hecho ambas bandas compartieron una gira el pasado año y el guitarrista de The Gathering aparece acreditado como fotógrafo en el booklet. Con todo, el dramatismo propiamente progresivo aparece por momentos en “Falling”, “Is That All”, y más que nada en “Not a Sound”. El resto son buenas canciones, incluso “There Will Be No Miracles”, lo más popero y accesible de toda la discografía del grupo hasta la fecha. En lo personal, no espero que vuelvan a hacer un disco como “Timeloss” (que es uno de mis favoritos de los que conozco de la escena escandinava), pero no pierdo las esperanzas de que le encuentren la vuelta a su propuesta y, sin dejar de sonar actuales, logren el nivel de exquisitez tonal que se espera de una banda de rock progresivo como lo hizo Anekdoten en el monumental “Gravity”. Ezequiel Beyrouti (nurserycrimson@hotmail.com) ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: noticias de ROCKET SCIENTISTS HOLA CAJEROS, LES SALUDA CESAR MENDOZA. La gente del combo ROCKET SCIENTISTS vuelve a la actividad. Mark McCrite (guitarrista y cantante), Erik Norlander (teclista) y Don Schiff (stickista) vuelven a la carga con la grabacion y produccion del que sera su proximo disco "Revolution Road", un trabajo en el cual seguiran explorando su mezcla de estructuras melodicas bien definidas y virtuosismo instrumental bombastico. Tras la partida de quien fuera el baterista de este grupo Shaun Guerin (tambien corista, ademas de miembro de otros proyectos y prolifico solista y musico de sesion), Gregg Bissonette integrara este grupo en su reemplazo, el cual se extendera a quinteto con la incorporacion de un segundo vocalista, David McBee. Este tipo McBee proviene de una amplia trayectoria dentro de lrock duro, lo cual le permite aportar un interesante contraste con el estilo vocal de McCrite. Por lo pronto, ROCKET SCIENTISTS se ha propuesto el 23 de setiembre como fecha de salida al mercado de este disco, lo cual quiere decir que las cosas van a buen ritmo. Aqui me despido hasta una nueva ocasion. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: TANGERINE DREAM "Phaedra" TANGERINE DREAM: “Phaedra” (1974) Temas 1. Phaedra 2. Mysterious Semblance at the Strand of Nightmares 3. Movements of a Visionary 4. Sequent C’ Integrantes - Edgar Froese: mellotron, guitarra, bajo, sintetizador VCS3, órgano - Chris Franke: sintetizadores Moog y VCS3, órgano - Peter Baumann: órgano, sintetizador VCS3, piano eléctrico, flauta Éste fue el disco que puso a Tangerine Dream en el mapa del negocio musical, llamando la atención de buena parte del público progresivo o amante de la psicodelia que quería verse sorprendido por algo innovador e inaudito. Aunque para entonces TD no era ni mucho menos una banda de novatos, podemos ver en perspectiva que su propuesta musical había alcanzado un punto específico de madurez estilística. Siguiendo por la senda de pinceladas sonoras etéreas y fluidamente amalgamadas que se concretizó tan inteligentemente en “Atem”, “Phaedra” exhibe una maduración de esta misma veta sonora reciclándola a través de un juego de coloridos sutilmente desplegado. A mí me produce siempre la sensación de que lo sombrío queda muy bien en este disco, filtrado a través de una aureola nebulosa de misterio. Las primeras nubes sonoras que emergen en el inicio de la pieza monumental que da título al disco son como efluvios líquidos que delinean círculos efímeros en el agua, hasta que la amalgama de sintetizadores se condensa a lo largo de una base secuenciada de VCS3, algo que nace desde ya como parte del sonido propio de TD. Dicha base secuenciada opera como un sólido paisaje de fondo para los retazos de sintetizador, mellotron y efectos de guitarra que van sucediéndose y/o arremolinándose; incluso hay un breve pasaje de guitarra y bajo que momentáneamente reemplaza a la secuencia de VCS3. Es como una tensión creciente que se va asentando sin causar estropicios ni revuelos, pero que apunta a un desenlace inevitable. Esta tensión se acrecienta desde su propia implosión, dando así la impresión de un misterio que se agota en su propio interior, al cual nosotros solo podemos acceder por algunas señas “indirectas”... hasta que la secuencia de base se duplica y triplica en un clímax etéreo poco antes de llegar al décimo minuto y medio. Estos 620 segundos iniciales de ‘Phaedra’ conforman uno de los momentos más prototípicos de TD. Los seis minutos restantes suenan como un duelo rendido a la memoria de las víctimas de un drama, en un lamento vertido a las orillas del mar en medio de los ruidos de las gaviotas y unas lejanas campanas de iglesia – los colores del mellotron le dan un aire innegablemente solemne a este momento de profunda melancolía. El rol protagónico del mellotron se acrecienta inmensamente en la siguiente pieza, otro monumento que lleva por título ‘Mysterious Semblance at the Strand of Nightmares’ – 10 minutos y medio de hipnotismo sutilmente delirante, un viaje onírico que esconde tras de sí el peligro de caer en un precipicio de oscuridad siniestra, pero que mientras tanto nos conduce a través de un ensueño flotante lleno de una extraña magia. Este viaje mellotronesco es guiado por Froese, autor del tema. Los efectos de sintetizador en el trasfondo suenan a una mezcla de torrente marino con brisa de levante, saliendo a ratos al frente cuando simulan una espiral de tornado. Esto es lo más cercano al “Atem”, en efecto, hasta que pasamos el minuto 5 y las cosas adquieren brevemente un matiz más orquestal, casi como un anuncio oficial de lo que ha de venir en los dos siguientes discos, “Rubycon” y “Ricochet”. En los últimos 3 minutos tenemos una variación del motivo inicial, adaptada a las coordenadas introducidas por el breve interludio que acabamos de mencionar: se nota que la intensidad de la pieza ha subido, pero ello ha sucedido sin darnos cuenta. ‘Movements of a Visionary’ trae también algo de la inquietud un tanto áspera del lado B del disco “Atem”, pero porta un aura más estilizada, muy acorde con el TD maduro y bien asentado que se nos muestra aquí. De hecho, las cadencias aleatorias de los primeros 90 segundos operan como una preparación para la emergencia de una secuencia de VCS3: el trío está decidido a seguir explorando la veta del ‘Phaedra’, esta vez concentrándose en la solemnidad espiritual evocada a través de los acordes de órgano que brotan cuales espejismos, y esas notas de piano eléctrico que se dejan adornar por sus propios ecos. La breve pieza ‘Sequent C’, compuesta por Baumann, es un soundscape de flautas, reciclado a través de efectos de consola a fin de sonar distante, casi irreal, como un sueño que se desvanece en algún agujero negro de nuestra conciencia. En fin, tenemos en “Phaedra” una joya absoluta de la música electrónica en su periodo de inicial madurez, así como un clásico del krautrock basado en el minimalismo electrónico – éste es el disco que inaugura una nueva manera de entender la vanguardia progresiva, así como la quintaesencia robustamente afirmativa de Tangerine Dream. César Mendoza ----------------------------------------------------------------------------