/-------------------\ | XXX | \__ | XXX X | __/ \__ | XXX X | __/ \__ | X X | __/ | X X | --------- | X X | --------- __ | X .-.X | __ __/ | X /XXXX | \__ __/ | .-.X XXXX/ | \__ / | /XXXX `""´ | \ | XXXX/ | | `""´ | \-------------------/ LA CAJA DE MUSICA LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO ============================================================================ LCDM: #692 diciembre 2005 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM ---------------------------------------------------------------------------- * Theremin, An Electronic Odyssey * Azteca - Azteca (1972) * Manning - One Small Step... (2005) * algunas impresiones sobre la Clinica de Billy Sheehan * Salutaciones Decembrinas * Nuova Idea "Clowns" * ZAO "Kawana" * el 3ro. de SUPERSISTER * Algo mas sobre Wobbler * regalo de navidad para la lista... 2-3 CDs gratis * Pendragon "Believe" 2005 * MUGEN_ The_Princess_of_Kingdom_Gone * valoraciones si o no? * mis favoritos del 2005 [lista ampliada y definitiva] * RD Laing * Nuva obra audio visual ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Alberto_Albas Asunto: Theremin, An Electronic Odyssey Hola Amigos cajeros, He tenido la ocasion de ver el documental 'Theremin: An Electronic Odyssey', que narra la vida y milagros de Leon Theremin, el inventor de este peculiar instrumento. Para los no iniciados, recordar que un Theremin es un instrumento musical que se toca sin contactar con el, mas concretamente moviendo las dos manos alrededor de dos antenas, una de las cuales controla el volumen del sonido y la otra el tono. Recientemente este instrumento esta siendo utilizando por grupos como Radiohead, Mercury Rev, Stereolab, Monster Magnet, y un largo etcetera que incluye grupos progresivos como Spock's Beard o Djam Karett. Un famoso 'Thereminista' es Jean Michel Jarre que lo solia tocar en sus multitudinarios conciertos de los 80-90 y en los 70 Led Zeppelin entre muchos otros lo utilizaban en el escenario. Recomiendo efusivamente este documental (puede conseguirse el DVD por internet), especialmente a aficionados a los primitivos instrumentos electronicos. Hay una historia humana detras de la invencion, que este documental revela y que resulta asombrosa. Resulta que en los anos 20 en la union sovietica el instrumento toma fama y las autoridades de su pais le dan permiso para promocionarlo internacionalmente, pero Theremin se queda a vivir en los USA, donde cobra una enorme popularidad. Llegados los anos 40 las autoridades sovieticas envian a agentes del KGB en una increible operacion que aun es informacion clasificada, para raptar a Leon Theremin de su oficina en el mismo centro de New York y llevarlo de vuelta a la union sovietica. Una vez alli Leon se ve obligado a trabajar durante decadas en actividades de espionaje, aplicando sus conocimientos electronicos que por ejemplo le habian llevado a construir un prototipo de television en color. En concreto Leon se ve obligado a desarrollar un aparato para poder limpiar de ruido las cintas con grabaciones de espionaje durante la epoca de la guerra fria. El documental tambien habla de algunos de los musicos de rock que lo han utilizado (aparecen por ejemplo Brian Wilson de los Beach Boys) y tambien aparece bastante Robert Moog, que como es sabido, antes de construir su propio sintetizador empezo su carrera construyendo Theremines. Tambien se comenta su uso en el cine de terror y ciencia ficcion de los anos 50-60, donde se utilizo para crear ambientes inquietantes y tenebrosos. Tambien se muestran otros instrumentos desarrollados por Leon como un particular Theremin que era tocado por el cuerpo de una bailarina (al bailar se generaban las notas musicales dependiendo de los movimientos corporales) o un cello electronico de aspecto bastante peculiar. Tambien es resen~able el retrato humano de los personajes que aparecen. Realmente uno de los mejores documentales relacionados con la musica que he tenido ocasion de ver. Saludos, Alberto Albas. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Azteca - Azteca (1972) AZTECA : "AZTECA" (1972) 01. - La piedra del sol (01:13) 02. - Mamita linda (03:43) 03. - Ain't got no special woman (05:58) 04. - Empty prophet (05:22) 05. - Can't take the funk out of me (04:26) 06. - Peace everybody (04:34) 07. - Non pacem (06:40) 08. - Ah! Ah! (03:24) 09. - Love not then (05:01) 10. - Azteca (04:38) 11. - Theme: La piedra del sol (01:53) MUSICOS: - PETE ESCOVEDO: Vocals - COKE ESCOVEDO: Timbales - VICTOR PANTOJA: Conga drums, vocals - GEORGE MORIBUS: Electric piano - FLIP NUN~EZ: Organ - GEORGE DeQUATTRO: Piano, clavinet - PAUL JACKSON: Bass, vocals - LENNY WHITE: Drums, vocals - JIM VINCENT: Guitar - NEAL SCHON: Guitar (3,5,6) - JULES ROWELL: Valve trombone - TOM HARRELL: Trumpet - BOB FERREIRA: Piccolo, tenor sax - MEL MARTIN: Saxophones, flute, piccolo - ERROL KNOWLES: Vocals - WENDY HAAS: Vocals - RICO REYES: Vocals COMPOSITORES: - TOM HARRELL & LENNY WHITE (1,11) - JIM VINCENT & TOM DONLINGER (2) - RICO REYES, MARK PEARSONS, TOM HARRELL (3) - JIM VINCENT & RICK CANOFF (4) - PAUL JACKSON (5) - GEORGE DeQUATTRO & PETE ESCOVEDO (6) - FLIP NUN~EZ (7 & 9) - TITO PUENTE & PETE ESCOVEDO (8) - AL BENT (10). Azteca es una agrupacion de rock con notables influencias de la musica latina y de la carga solistica del jazz, aderezado con la estetica underground del movimiento post-psicodelico y acido americano, junto con algunos toques del folklore local. La influencia mas directa es la de grupos como Santana o El Chicano, bandas en donde conviven musicos mexicanos, cubanos y de EEUU proporcionando una singular mezcla musical. En este caso, Azteca esta capitaneada por Pete y Coke Escovedo (este ultimo ya fallecido), dos importantes nombres de la mixtura de lo latino con otras musicas urbanas, como ya lo mostraron en su agrupacion de fines de los 60s Escovedo Brothers Latin Jazz Sextet, junto con su hermano Phil al bajo. Coke Escovedo participaria en albumes de Santana tan importantes como su primer trabajo homonimo (1969), "Santana III" (1971) o el "Live" con Buddy Miles, ademas de trabajar con otros autores de la talla de It's a Beautiful Day, Boz Scaggs o Herbie Hancock; Pete, por su parte, tambien reforzaria los shows en directo de Santana, participando en albumes como el "Moonflower" (1977) o "Inner secrets" (1978), y junto a otras grandes figuras del jazz como Billy Cobham, Carl Tjader, Tito Puente, Herbie Hancock o Mongo Santamaria. El resto de musicos participantes tambien serian de gran relevancia, como Paul Jackson (futuro integrante de los Headhunters de Herbie Hancock), Lenny White (miembro de la banda de jazz fusion Return To Forever) o Neal Schon (futuro miembro fundador de la banda de rock Journey). Basicamente la banda establece un nexo directo con Santana, por donde pasan en algun momento practicamente todos los integrantes de Azteca. El grupo saco dos discos en los 70: "Azteca" de 1972 y "Pyramid of the moon" de 1973, con el paso de nuevos musicos como el reputado pianista de jazz Mike Nock o el entonces jovencito Terry Bozzio (quien no llegaria a grabar con ellos). Poco despues la banda se separa volviendo a reunirse en 1994 de la mano de Paris Escovedo (hijo de Coke) para dar algunos conciertos, aunque finalmente los musicos se disgregarian para realizar otros proyectos, como por ejemplo Nation of Aztlan (basado en las investigaciones sonoras de este tipo de agrupaciones que gustan de la fusion con lo latino), quienes entraron a principios de ano a trabajar en una grabacion de estudio, capitaneados por Victor Pantoja. El primer disco de Azteca presenta un coctel de diversas esteticas musicales, como las bandas de rock acido con influencia del jazz latino (Santana, Sapo), el funk (Earth, Wind & Fire, Banda Black Rio, Grandmaster Flash & The Furious Five), los grupos de jazz soul con desarrolladas lineas de metales (Blood, Sweat & Tears, Tower of Power o los espanoles Alcatraz) y las improvisaciones del mundo jazzistico (sobre todo de las fusiones del jazz-rock a partir de Miles Davis). Sus elementos mas caractersticos son la importante preponderancia de los arreglos percusivos (sobre todo congas, claves y timbales) en consonancia con las texturas de los vientos, la alternancia de lenguas inglesa-hispana y la alta potencia ritmica del bajo y la bateria. Vamos a ver con mas profundidad este trabajo: El album se abre y se cierra con dos piezas instrumentales que contienen un mismo motivo, lo que le da una cierta coherencia musical. No en vano, estas piezas reciben el nombre de "La piedra del sol", que hace alusion a un monumento de la cultura azteca que se piensa que puede ser una especie de calendario solar, lo cual conforma aun mejor esa idea de apertura y cierre del disco (como el ciclo ritual anual que empieza y acaba). Este monumento conforma la portada del disco (transformado con una vision mas colorista, propia tambien del tipo de portadas de Mati Klarwein que tanto pegaban -autor de algunas de Santana o Miles Davis periodo electrico- y con la incorporacion de elementos musicales en los circulos cronologicos de la piedra). - Muchos de los temas del album beben del soul mas electrico aderezado con solos jazzisticos (muy similar a la formula del magnifico primer album de Blood, Sweat & Tears, "Child is father to the man" de 1968 -aunque sin ese toque beatlesco en las ideas-), con fuerte presencia del organo Hammond, guitarra bluesera, voz penetrante y conjunto de metales en buena armonizacion. Es el caso de temas como "Empty prophet" (cantado por Erroll Knowles), el cual presenta un buen desarrollo melodico por parte de todos los instrumentos y una consistente textura conformada por arreglos orquestales, que demuestra que esta gente no era ajena tampoco a lo que hacian agrupaciones como Procol Harum o The Moody Blues, o "Love not then" (cantado por Wendy Haas). - La influencia del funk estuvo muy presente en los grupos americanos de los anos 70s que contaban con seccion de metales (teniendo como referentes, entre otros, a Sly & The Family Stone). Se puede comprobar en piezas como "Ain't got no special woman", cantado por Rico Reyes y con una consistente potencia ritmica aderezada por unos licks guitarristicos con mucho feeling, potentes solos de Hammond y de guitarra electrica (cortesia de Neal Schon) que nos retrotrae al ambito de Santana, junto con un potente cambio en la segunda mitad del tema en donde la descarga latina se hace patente (con las congas, las palmas y los canticos perfectamente entrelazados); tambien es el caso de "Can't take the funk out of me", con la voz desgarrada de Paul Jackson e influencias del James Brown mas salvaje. - La huella de Santana es imborrable tambien en la mayoria de los temas, en donde los elementos latinos se superponen a las estructuras rockeras o jazzisticas. Es el caso de "Mamita linda" y su potente inicio instrumental a cargo de las percusiones, los metales, y el hammond, sobre una progresion dinamica del bajo. Las partes vocales recuerdan mucho al primer periodo de Santana (intercalando frases en castellano y en ingles); "Non pacem" presenta influencias del tropicalismo en algunos pasajes de algunas agrupaciones brasilenas (Os Brazöes o los primeros albumes de Flora Purim, a lo que recuerda la voz de Wendy Haas en algunos pasajes). Este tema es el mas largo del disco y presenta bastantes cambios de tempo (alternando pasajes jazzeros, funk, brasilenos o cubanos); precisamente de Cuba nos llega el tema "Ah! Ah!", a partir de la repeticion de una melodia casi a modo de tumbao sobre el que se va construyendo el son (con una base construida de congas, guiro, bajo, bateria y piano) que tiene un inquietante desenlace atmosferico. - Los arreglos en clave de jazz fusion tambien se muestran a lo largo de toda la obra, corriente cuyo tipo de arreglos poco a poco se estaria extendiendo a varios estilos durante la decada de los 70. Es el caso, por ejemplo, de "Azteca" un tema instrumental con muy buen desarrollo y cambios de tempo, con gran trabajo de la seccion de metales y de las percusiones, sobre las que se suceden diversos solos; "Peace everybody" cuenta con una muy potente introduccion ritmica (que me recuerda irremediablemente al principio de Race with devil on spanish highway, del segundo album de Al di Meola -"Elegant Gypsy" de 1976), para luego adentrarse en terrenos mas funk con interludios jazzisticos. El presente album es muy recomendable para seguidores de la fusion y del jazz rock de los anos 70s, particularmente a los que gustan de las alquimias llevadas a cabo por Santana y musicos similares. Tambien se pueden encontrar ciertas atmosferas etereas derivadas de los trabajos de Miles Davis de 1969 ("In a silent way" o "Bitches Brew"), que despues el propio Santana prodigaria en trabajos como "Caravanserai" (1972) o "Borboletta" (1974) con un mayor refinamiento compositivo. Un saludo a todos los cajeros y cajeras. Eduardo Garcia Saluena Edu "Senogul" www.senogul.tk ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Ferran Lizana i Abat" Asunto: Manning - One Small Step... (2005) MANNING : “ONE SMALL STEP...” (2005) Discografica: ProgRock Records Temas: 1. In Swingtime 2. Night Voices 3. No Hiding Place 4. The Mexico Line 5. One Small Step (Part I - Star Gazing) 6. One Small Step (Part II - For Example) 7. One Small Step (Part III - At The End Of My Rope) 8. One Small Step (Part IV - Man Of God) 9. One Small Step (Part V - A Blink Of The Eye) 10. One Small Step (Part VI - God Of Man) 11. One Small Step (Part VII - Black & Blue) 12. One Small Step (Part VIII - Upon Returning) Musicos: - Guy Manning / vocals, keyboards, acoustic 6/12 & classical guitars, electric guitar, mandolin, bass, drums & percussion, kitchen sink Musicos invitados: - Laura Fowles / saxes, vocals - Gareth Harwood / electric lead guitars - Ian Fairbairn / fiddle - Rick Ashton / additional / bass, backing vocals - Martin Orford / flute (5 & PARTS I-VIII) Desde su inclusion en el, en un principio, proyecto The Tangent (ahora ya convertido en el grupo propio de Andy Tillison, que no parece tener mucho interes en recuperar de nuevo a Parallel or 90 Degrees), Guy Manning goza de la popularidad que siempre se le resistio antan~o. Manning, como buen miembro de Parallel or 90 Degrees (a los que abandono prematuramente para formar esta su propia banda), bebe principalmente de las fuentes de Van der Graaf Generator y Pink Floyd, exactamente como su amigo Andy Tillison. Y asi es como podia apreciarse en anteriores albumes como “Ragged Curtain”. En este nuevo trabajo “One Small Step...”, cambia ligeramente el registro, si bien no en el fondo, si en la forma de expresarse. Debo reconocer, no obstante, que no he podido escuchar los dos anteriores albumes de Manning. “One Small Step...” de alguna forma se mueve por los derroteros del folk progresivo y los cantautores oscuros, tal vez inspirandose en el propio Peter Hammill, pero a menudo tambien nos parece recordar a gente como Jethro Tull, Al Stewart, Steely Dan, Nick Drake o Strawbs. Musica con base acustica, en la que no obstante no falta una larga suite de 31 minutos dividida en ocho partes, que da titulo al album. Algo asi como un cruce entre Jethro Tull y The Waterboys, la suite tiene una buena base, pero creo que se hace algo repetitiva al menos en sus primeros 20 minutos. La parte final se orienta hacia el sonido Pink Floyd, un cambio que refresca el tema y lo hace mejorar. Lo mejor del disco tal vez este en los primeros temas, todos ellos mucho menos ambiciosos que la suite. Ahi esta “In Swingtime”, un tema pop-jazz acustico estilo Steely Dan o Chris Rea con sus buenos arreglos de cuerda, “No Hiding Place” que parece un tema perdido del protoprog de los primeros 70 o la folkie “The Mexico Line”. A mas bajo nivel raya “Night Voices”, un tema simple con un estribillo demasiado previsible. Buen trabajo por parte de Guy Manning, destacando unos muy buenos arreglos y sonido, en el que vuelve a demostrar que fuera de The Tangent sabe valerse por si solo. Valoracion: 6/10 Ferran Lizana (rockomic@vodafone.es, rockomic@hotmail.com) Diciembre 2005 ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: algunas impresiones sobre la Clinica de Billy Sheehan HOLA CAJEROS, LES SALUDA CESAR MENDOZA. El dia jueves 8 del presente diciembre la ciudad de Lima acogio al excelente bajista norteamericano Billy Sheehan en una clinica sobre su instrumento, auspiciada por Yamaha - el evento tuvo lugar en el Centr ode Convenciones del Hotel maria Angola. El evento congrego a una enorme cantidad de gente entre los 17 y 25 an~os de edad, quienes aparentemente eran conocedores del rock duro de las dos decadas pasadas, especialmente Steve Vai y Mr. Big. Comenzo cerca de las 6.30 de la tarde. La clinica siguio la dinamica conversacional, con un ameno Sheehan bien dispuesto a recibir preguntas de parte del publico y responder las mismas con ejemplos sonoros que el creaba en su bajo Attitude, disen~ado por Yamaha bajo su consejo tutelar. Hubo preguntas de todo tipo, desde las mas especificas respecto a tecnicas y trucos hasta otras mas “cliche” (p.e. ?que consejo darias a los grupos para que puedan mantenerse unidos?). Sheehan se esmero de forma muy didactica por exponer cual es su aproximacion personal al slapping, los juegos de arpegios y otras tecnicas de bajo. Dentro de su discurso manejo la nocion de que hay que distinguir claramente entre ensayar y tocar: lo primero es un adiestramiento para ayudar a las manos y dedos a operar de manera mecanica respecto al cultivo de ciertas destrezas con fluidez y velocidad, mientras que lo segundo es, ante todo, una celebracion y diversion. Con ello, quiso decir que tocar bien no significa necesariamente hacer piruetas y adornos todo el tiempo. Otra idea importante para el era la de reafirmar la posicion de bajista como parte complementaria del baterista a fin de que un grupo entero pueda sonar solido y con una base precisa – las parafernalias pirotecnicas deben quedar en un luga adicional, algo asi como cosas que salen a relucir cuando la ocasion lo amerita. El conto que en su primer grupo, Talas, dado que tenia el formato de guitarra-bajo-bateria, y que comenzaron haciendo covers durante sus primeros an~os, el tenia que fungir de guitarrista ritmico o reemplazar los solos de teclado con su bajo a fin de cumplir con las demandas basicas de los temas de otros grupos. Esa fue la base inicial para aprender a expandir el rol usual del bajista dentro de su propia trayectoria musical: el nos sen~alo que su peculiar rigor tecnico era mas un complemento para los estandares del bajista que una alternativa a los mismos. Siempre hay que volver a lo aasico, lo sencillo, aprender a tocar lo sencillo por 10, 15, 20 minutos sin perder el compas. Sheehan tambien puso enfasis en sus desconocimientos sobre teoria musical: el considera prescindible la teoria musical a la hora de crear ideas musicales propias, las cuales, segun el, es preferible que sean trabajadas de forma intuitiva. Al tener en cuenta esta idea expuesta por el, junto a la reafirmacion de la necesidad de mantener una comunion integral entre el bajo y la bateria, yo formule una pregunta sobre cuales trucos y tecnicas fueron particularmente relevantes para el material de Niacin. Poco antes, el habia designado al baterista Dennis Chambers como un musico muy rapido, capaz de mantener un ritmo de trabajo muy veloz de manera muy pareja. Ante mi pregunta, volvio a mencionarlo en relacion con lo que significa mantener un vinculo estrecho con el baterista, pero aparentemente, el apremio del tiempo [mi pregunta era la ultima] no le permitio ir mas alla de nombrarlo como “el mejor musico con el cual haya trabajado jamas”, un musico que “lo llevo a transformar su estilo de forma radical”, mirando hacia el techo, e incluso an~adiendo que gracias a Dennis “el era un hombre nuevo”. Tambien sen~alo que el slapping era el truco mas recurrente en los temas de Niacin. Es una pena que no haya podido explicar mas, pero ya eran las 8.15 y el evento estaba por terminar. En los ultimos 10 minutos hizo un par de solos de bajo, que incluian melodiis de Steve Vai, Mr. Big y Dave Lee Roth, como si estuviera repasando lo mas popular de su trayectoria. Al final, la rueda de firmas para quienes compramos las entradas de 10 $ [otro precio era de 5 $] fue un poco larga, es verdad. Pero bueno, el prospecto de contar con el autografo de este excelso maestro estampado en mi ejemplar del “Organik” (ultimo disco de Niacin, bastante excitante, recomendable para los amantes fervientes del jazz-rock) me hizo mantener la paciencia sin mayores problemas. Cuando eso sucedio, el me reconocio como el que hizo la ultima pregunta – bueno, fue un agradable contacto humano a pesar de lo breve. La musica de fondo que sonaba era precisamente la del disco “Organik” (!que temazos son los tres primeros!, !que manera de empezar un disco de jazz-rock!). Yo pregunte a modo de broma: “?Has escuchado este disco?” El respondio: “Esta sonando ahora”. Uno de los amigos que encontre en la cola llevaba consigo dos discos de Mr. Big y un solista de Sheehan, los mismos que fueron tambien firmados por el cordial bajista. Aqui me despido hasta una nueva ocasion. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Jorge Padilla L" Asunto: Salutaciones Decembrinas Salud y buenos deseos a LCDM y a todos los Cajeros!! Felices Fiestas!! Feliz y Prospero Anyo Nuevo Para Todos!! JPL -Diciembre 2005. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Nuova Idea "Clowns" NUOVA IDEA: “Clowns” (1973) Temas 1. Clessidra 2. Un'Isola 3. Il Giardino Dei Sogni 4. Clown 5. Una Vita Nuova Integrantes - Claudio Ghiglino: guitarras - Giorgio Usai: teclados - Enrico Casagni: bajo, flauta, voz - Paolo Siani: bateria, percusion, voz - Ricky Belloni: guitarras, violin, voz Con su tercer y ultimo disco “Clowns”, la banda italiana Nuova Idea llevo a su maxima expresion la propuesta hard rock progresiva que cultivaban. Su musica es muy compatible con las lineas de trabajo expresadas por sus compatriotas de New Trolls, y en buena medida, tambien con las de otros compatriotas, Il Rovescio della Medaglia. El filo progresivo de este disco reposa mayormente en las afanosas labores del teclista Claudio Usai, asi como en el uso de secuencias de diversos motivos dentro de los confines de cada tema especifico. Mas bien, los guitarreos duales y los cantos rasposos apuntan hacia el lado mas frontalmente rockero de la propuesta de Nuova Idea, la misma que los muestra influidos por Deep Purple, Uriah Heep y, en menor medida, Ten Years After El primer tema comienza con una bizarra introduccion de sintetizadores cosmicos y timpanos, sobre los cuales emerge un arreglo de metales semejante al que aparece en los preambulos de la suite ‘Atom Heart Mother’ de Pink Floyd. El segundo tema, ‘Un’Isola’, que dura 8 minutos exactos, es uno de los mas emblematicos de la pauta artistica general de grupo: las bien articuladas armonias y lineas melodicas de guitarra solista y organo, los potentes y precisos riffs, la alternancia entre pasajes suaves y otros bastante potentes, todo ello se muestra de forma muy consumada aqui. Pero seguramente sea justo afirmar que es en la pieza ‘Clown’ donde lo sintomatico halla su expresion mas fiel. Con sus 10 minutos y ¾ de duracion, esta pieza contiene la estructura mas ambiciosa del disco, incluyendo lineas de violin y vientos, corales infantiles, breves ensambles percusivos, amen de la consabida energia rockera en los numerosos pasajes duros y la estilizada presencia de los teclados de Usai. En este sentido, cabe destacar el hermoso pasaje de organo, muy a lo sacro, que surge a la altura del minuto 6, sirviendo como introduccion para una seccion progresiva melodica muy bien lograda. La ultima pieza sigue por una misma onda mas reposada, ciertamente bucolica. Su ultima mitad esta conformada por una hermosas base de piano clasico, seguida por una serie de capas etereas de sintetizador, la misma que aparece adornada, en sus ultimos instantes, por un reprise del mismo arreglo de metales que habia aparecido al comienzo del primer tema. Este fin circular redondea eficazmente el concepto del disco, el cual de por si guarda un sonido muy compacto y coherente en lo formal. Sin que Nuova Idea llegue a estar a la altura de otras bandas italianas que gestaron obras maravillosas, cuando no magistrales, dentro del genero progresivo durante los 70’s, el hecho es que “Clowns” es un disco bastante atractivo y solvente, el mismo que hara las delicias de todo investigador serio del genero. Cesar Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: ZAO "Kawana" ZAO: “Kawana” (1976) Temas 1. Natura 2. Tserouf 3. F.F.F (Fleurs for Faton) 4. Kabal 5. Sadie 6. Free Folk 7. Salut Robert! [bonus track] Integrantes - François Cahen: pianos acustico y electrico, sintetizador - Didier Lockwood: violin acustico y electrico, violin bajo - Gerard Prevost: bajos electricos, contrabajo - Yochk'o Seffer: saxos soprano y sopranino, canto, piano en 3 - Jean-My Truong: bateria Musicos en el bonus track: Cahen, Seffer, Bill Gagnon (bajo), Christian Saint Roch (bateria), Michel Seguin (percusion) Zao es una de las bandas francesas mas interesantes e intensas de la vertiente mas experimental del movimiento progresivo. Dado que un par de sus miembros fundadores formaron parte de las filas de Magma, ese emblematico combo liderado por el alucinado visionario Christian Vander, muchos e-zines tienden a categorizar a Zao como un grupo Zheul, pero hasta donde llegan mis conocimientos y comprension del progresivo, creo que la onda musical de Zao se encauza mas propiamente por los senderos del jazz avant-garde, combinando las influencias de la magia del Canterbury (principalmente, Soft Machine y la faceta fusionesca de Gong) y la densa vibracion del Weather Report pre-Pastorius, junto a los delineamientos academicistas del RIO que proporcionan un asidero melodico sofisticado a las composiciones. A pesar de las dosis y potencialidades de improvisacion que Zao atisba en su propio horizonte musical, la banda demuestra en todo momento tener un buen gusto lo suficientemente consistente como para prevenirles de cualquier tentacion de exceso de pirotecnia o “enrollamiento”: la preservacion de la sensibilidad musical en la elaboracion de sus ideas compositivas basicas es un factor que ellos convierten en infranqueable. El primer tema de este disco, ‘Natura’, evoca muy bien esta multivoca descripcion que acabo de exponer. La exquisitez con la que interactuan los elementos individuales es inapelable y contagiante en su frenesi, portando un calor especial que en no poca medida debe a los coloridos alucinantes que Seffer y Lockwood crean a traves de sus saxos y violines, respectivamente. La seccion ritmica esta sostenida de manera tan impetuosa y precisa por la ingeniosa dupla Truong-Prevost; en varias ocasiones, este ultimo usa su bajo para realzar algunas secciones melodicas. Mientras tanto, Cahen articula sus teclados al modo de un puente entre lo melodico y lo ritmico – me parecen claros los referentes de Zawinul y, en menor grado, Corea en su estilo personal. ‘Tserouf’ navega por aguas mas tiradas hacia el oleaje de sabor funky, siempre conservando el aura de vanguardia que funciona como nucleo esencial del sonido Zao: el solo de sintetizador resulta tan o mas impacatante que los sucesivos solos de saxo soprano y violin – como sea, la intensidad que proyecta el ensamble como un todo integro es, simplemente, alucinante... con todas sus letras bien puestas en grafia mayuscula. Despues del breve reposo semi-deconstruccionista que otorga ‘F.F.F.’, un dueto de piano y violin donde Seffer se encarga del primer instrumento, el ensamble regresa a su intensidad habitual con ‘Kabal’, tal vez con un gancho un poco mas “directo” que en las dos primeras piezas. ‘Sadie’, por el contrario, nos muestra la faceta mas serena de la banda, proveyendo en su composicion una base armonica candida y agradable, ejecutada por la banda con cristalina sensibilidad. El tema de cierre oficial, ‘Free Folk’, apela tambien a la faceta mas candorosa de Zao, aunque con su notable dosis de densidad a lo Weather Report, lo cual sirve para an~adir un poco de tension al asunto – mencion especial para el particularmente incendiario solo de violin que aparece cerca de la mitad. El tema abre con un arreglo coral extran~o y etereo; los ultimos dos minutos son utilizados para crear un tempo en crescendo hasta una medida explosion final que da pie a un reprise del arreglo coral inicial: incluso en pasajes como este, la banda logra mantener su compacta cohesion. El CD termina con un bonus track, ‘Salut Robert!’, una pieza grabada en vivo con una alineacion ligeramente modificada. Se trata de una pieza frenetica de jazz fusion, donde lo exotico ocupa un lugar relevante merced a la presencia de percusiones latinas en el realce de la seccion ritmica. Solo me queda concluir que “Kawana” es toda una joya imprescindible para todos los amantes del lado jazzero/vanguardista del progresivo: Zao se erige como una de las manifestaciones mas privilegiadas de esta vertiente. Cesar Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: el 3ro. de SUPERSISTER SUPERSISTER: “Pudding en Gisteren” (1972) Temas 1. Radio 2. Supersisterretsisrepus 3. Psychopath 4. Judy Goes on Holiday 5. Pudding en Gisteren (Music for Ballet) Integrantes - Robert Jay Stips: teclados, sintetizador, vibrafono, voz - Sacha van Geest: flautas, voz - Ron van Eck: bajos, voz - Marko Vrolijk: bateria, percusion Con este su tercer disco, la gente de Supersister se consolida como una fuerza progresiva de primer orden dentro de Holanda, no teniendo nada que envidiar a Focus o Finch en lo que a energia e ingenio original se refiere. Sin poseer el alucinante brillo de sus dos obras anteriores (“Present from Nancy” y “To the Highet Bidder”), “Pudding en Gisteren” logra capturar, una vez mas, el esplendoroso virtuosismo y el peculiar humor de la banda. De hecho, este segundo elemento emerge mas realzado que nunca: la paleta musical se extiende mas alla del nucleo de raigambre Canterbury, de acuerdo a las exigencias ludicas del nuevo material. Como siempre, los recurrentes efectos a lo Mike Ratledge que Stips mete en el organo y las limpias florituras de flauta a cargo del ya legendario Van Geest conforman los pilares del sonido propio de Supersister, todo ello sostenido con gracia y frenesi en dosis iguales por Van Eck y Vrolijk. ‘Radio’, un tema cuya letra hace una critica burlona contra la musica facilista, da inicio al disco con un motivo de corte bossanova, delicado y alevosamente ingenuo: la cosa se torna mas intrepida con la exhibicion de psicodelia beat y coros zappianos que tiene lugar durante el ultimo minuto. ‘Supersisterretsisrepus’ es un breve interludio musical que se dobla en reversa, todo ello en menos de 20 segundos, una breve travesura que sirve como preludio a ‘Psychopath’. Esta pieza exhibe algo totalmente ajeno a las alusiones propias de su titulo: se trata de una pieza cantada sobre una amalgama festiva de teclados [piano, organo, clavicordio y mellotron] que parece sacada de un musical de Broadway. La manera tan controlada con la que Stips maneja sus labores de tecladista crea un ironico contrapunto a los mensajes dadaistas de la letra (centrada en retratar las dificultades que implica ahogarse en los delirios psicopatologicos por causa del LSD). Los dos numeros mas largos son los que vienen a continuacion. ‘Judy goes on holiday’, con sus 12 minutos y medio de duracipn, es una pieza bien enrumbada dentro de la linea de trabajo habitual del repertorio mas ambicioso de Supersister - ideas basicas desarrolladas a traves de medidas improvisaciones jazzeras en ejecuciones tan pulcras como excitantes. Esto es justamente lo que tenemos en el motivo principal y su correspondiente reprise. En medio se ubica una seccion cantada mas reposada, sostenida por los sutiles coloridos elaborados en simultaneo por el organo y la flauta. Los ultimos tres minutos estan ocupados por un pasaje doo-wop, con palmas y falsetes incluidos, un recurso alevosamente ridiculo y, por ello mismo, tambien enternecedor a su manera. Por su parte, la pieza homonima, la cual llenaba todos los 21 minutos del lado B del vinilo, se erige en un estupendo maraton musical, menos centrado en lo humoristico, y mas bien destilando una cierta solemnidad, pero no por ello careciendo de alegres vibraciones. El transito por los diversos pasajes y los reprises de algunos de ellos esta hilado de forma magistral. La influencia de la Maquina Suave es la mas descollante (algo no muy raro), aunque tambien hay algunos momentos en los que se siente el aura de ELP, y otros mas en los que la banda explora la psicodelia aleatoria. Me atreveria a decir que es en los pasajes mas bizarros de este disco donde la banda explora con especial fruicion la faceta mas perturbadora de su musica. Supersister era, ante todo, un grupo que aspiraba a divertirse y no ser tomados tan en serio, aunque sin duda, escuchando la maestria que vierten en sus ejecuciones, se tomaban la musica en si misma muy en serio. En resumen, “Pudding en Gisteren” es un disco altamente recomendable para formar parte de cualquier buena coleccion progresiva, algo que de por si podemos decir con justicia acerca de la obra integra de este peculiar grupo. Cesar Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "marcelo V" Asunto: Algo mas sobre Wobbler 0pt">Tan solo una breve referencia al debut oficial de Wobbler, Hinterland. Ya hay varias resen-as en La Caja, muy descriptivas y acertadas, asi que estas lineas son apenas para expresar que me parece el mejor disco de 2005, lejos, y que por fin una produccion contemporanea de RPS logro conmoverme como tantas obras clasicas si lo habian hecho, hace ya bastante tiempo. Hinterland es derivativo y hasta imitativo, pero eso no quita que sea yes">rock progresivo del mejor. Buen 2006 para todos. style "mso-spacerun: yes">yes">style "mso-spacerun: yes"> ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "John doe" Asunto: regalo de navidad para la lista... 2-3 CDs gratis Regalo de navidad - 2 - 3 CDs gratuitos . Cajeros, me encontre con un link maravilloso que creo todos Uds. disfrutaran mucho. Aparte de que de cada banda hay musica para bajar pues es una nueva fuente de conocimiento musical, ya que la mayoria de lo que esta aqui es muy poco comentado Del catalogo todo es muy bueno, luego hay una seccion llamada music room con muchas piezas de diferentes bandas, algunas de CDs inconseguibles o demos de bandas en plena tarea de produccion, que regalazo este ! Salen unos 2 o 3 CDs y segun lei sera actualizada periodicamente con mas musica inclusive de bandas que nunca editaron sus trabajos . La pieza de la banda Ashwave me arranco lagrimas , fenomenal !!!!!! Seguramente saldra bastante que comentar de varias de estas bandas, www.atabalproductions.com Feliz Navidad a todos. Henrique ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Julio Zoppi" Asunto: Pendragon "Believe" 2005 Pendragon : "Believe" (2005) Pendragon representa lo que yo concibo como esencia del sentimiento sinfonico-progresivo en una de las vertientes centrales del genero, la del entrelazamiento de los patrones del rock con diafanas armonias y melodias tonales construidas mediante el sinfonismo artesanal de teclados y guitarras en funcion de transmitir sentimientos. Sin alardes de composicion, estructura, ni con supuestos vanguardismos o no vanguarsismos tonales, mas alla de accesibilidad o hermetismo, oscuridades o claridades, no queriendo decir con esto que el disco no posee virtudes estrictamente tecnicas, que las tiene y muchas. La aclaracion es a proposito de tanto critico por alli que identifica a la oscuridad como exigente de una excelencia y complejidad musical superior a la claridad, juicio para mi absurdo y arbitrario. De primera oida me produjo todo lo que tiene que producirme un disco de rock sinfonico-progresivo, dentro de su particular estilo tan pegado a la articulacion de armonias y melodias pletoricas de claridad, esas que son pura luz aun desde un dejo melancolico, heredero de la tradicion genesiana, floydena y camelida. Aqui se presentan a la altura de su mejor trabajo que para mi era "Masquerade Overture" de 1996. Un disco donde Barret decide parecerse a si mismo a la vez que atreverse a algunas busquedas diferentes, a pura construccion artesanal como es su estilo, sin alardeos de espectacularidad, pero con su corazon despellejado puesto en cada nota o arreglo, donde trasmite esa increible sensacion de bonhomia, pura sencillez y humanidad que contrasta con la arrogancia, la sobreactuacion, la frialdad y la altivez que suelen rondarnos. Hay innovaciones al estilo que no son drasticas pero si logran un eficaz efecto renovador. Es tan un disco de Barret y sus guitarras, que Nolan esta bastante "relegado" a un plano de protagonismo menor que en sus discos anteriores, dedicado aqui fundamentalmente a ejecutar armonias de fondo y colchones, aunque no por ello dejen de brillar sus dosificadas intervenciones en motivos melodicos tipo cajita musical. Los climas habituales de la banda se enriquecen con arreglos corales con reminiscencias orientales o misticas muy bien insertados, con sobriedad y mesura en varias partes del desarrollo del disco. Aparece mas variedad de sonidos en las guitarras, en unas partes luciendo mayor dureza con riffs mas picantes y en otras metiendo arreglos acusticos que van de toques flamenco a jazzies. Todo esto a nivel de condimento y no de plato principal pero con buen resultado en el sabor. Lo que si en este disco Believe si se puede notar en algunos temas es una "Arenizacion" del sonido, pero que tampoco llega a asimilar ambas propuestas para nada, se trata de que aqui Barrey y sus amigos, especialmente el bajista Gee y el baterista Smith se han cargado bastante mas las pilas que en otros trabajos. El comienzo con "Believe" me predispuso muy bien para todo el disco desde la pimera oida, un tema de poco menos de 3 minutos, se le podria llamar una intro que desarrolla varias cosas en ese corto tiempo para de alguna manera crear un clima que se rompe con el arranque del tema 2. Clima de sintes ambientales irrumpen creando magnificencia de fondo, aparecen unos coros misticos, con aires orientales donde una voz femenina vocaliza frases o fonemas en tonos altos. El bello tema culmina con la voz distorsionada de Barret y unos guitarrazos con efectos que quedan flotando en el silencio para que se oiga una frase "and now everybody to the dance floor" y arranque el riff a todo vapor del impecable "No place for the innocent". De pronto la sensacion pasa de aquella fuga mistica celestial a una escena netamente urbana, como estar viajando en un automovil tipo cabriolet a toda velocidad por una avenida con la cara al viento. Una sensacion de aventura emotiva que de la mano de las guitarras picantes lleva este hermoso track a buen puerto. Es notable como me recuerda por momentos a Rush, sobre todo el final instrumental con un solo de guitarra sobre una base de riffs poderosos. El siguiente "The Wisdom of Solomon" intenta convocar unos aires orientales, tras esa guitarra electrica de notas largas que parece contarnos un sentimiento en cada estirada, de pronto lo oriental enfila para el lado del sabor flamenco dominado por las guitarras acusticas y un ritmo contagioso, sencillo pero con gracia. Asi llegamos a la suite "The wishing well" que es el verdadero plato fuerte del disco. La parte a "For your Journey" es un relato del propio Barret bajo fondo de sintetizadores muy apropiados para transmitir una especie de confesion intima. La seccion b "By the sowest" es el climax del disco, memorable tema que ingresa a ocupar un lugar entre mis preferidos de la banda, comparable a "Paintbox" por lo delicioso de las melodias y la emotividad desplegada. Me trae reminiscencias del Arena de "Songs from the lions Cage" o "Pride" pero no por algo en especial, es una sensacion muy personal. La continuidad con la parte c "We talked" proporciona una sorpresa muy positiva para mi gusto: Barret aprieta los dientes y exhibe unos arrestos rockeros, aparecen voces extran~as, Fudge Smith y Peter Gee cuando los pensaba cercanos ya de jubilarse definitivamente de tibios y pacatos, se animan a dar algunos roscazos y le meten ritmos rapidos e intensos a la cosa, lo que nos hacen dudar si nos equivocamos de disco. El segmento final "Two roads" es vivaz y distendido, como una especie de balada rapida siempre con las guitarras de portagonistas casi excluyentes, incluido un extenso solo que cierra el tema. El disco se completa con "Learning Curve" que sobresale por un sabor "latin jazzie ", algunos ritmos variados sobre los que se insertan en el final las melodias de guitarra tipicas de Barret. Muy agradable. La conclusion con "The edge of the world" se construye sobre formas reposadas y francas melodias, tal vez remita a los climas mas pinkfloydeanos de "The window of life". Es un bello final intimista, apela a una especie de sinceramiento interior, muy reflexivo, a manera de conclusion o balance de sentimientos. En definitiva, un disco honesto y valioso en plena epoca de expectativas devaluadas y cansancios del gusto, y me pone bien haberlo disfrutado. Eso si, no hago ningun tipo de recomendacion ni de consejo, apenas puedo con mi propio gusto como para vaticinar el gusto de los demas, que cada uno se haga cargo de su propia experiencia si es que le interesa, pero obviamente que mi vision de gusto y juicio evaluativo es abismalmente opuesta a la de Ferran Lizana por ejemplo quien a mi parecer, sin fundamento alguno y con argumentos de una inconsistencia flagrante -como lo explica el razonamiento preciso y lucido del mensaje del cajero Hernan Bertagni- discrimina a esta banda por el solo hecho de no sentirse identificado con el estilo. Respecto a otras expresiones y bandas puedo tener mayores coincidencias con las opiniones de Lizana (que me temo deben ser accidentales) aunque lo curioso es que si tuviera que calificarlo como critico de rock sinfonico-progresivo le pondria la misma nota que el le pone a "Believe" : 3,50. Saludos JULIO ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: MUGEN_The_Princess_of_Kingdom_Gone MUGEN: “The Princess of Kingdom Gone” (1988) Temas 1. The Princess of Kingdom Gone Part I: The Arbor on the Garden Part II: The Feast Part III: The Ghost of NARCISSUS Part IV: The Woodruff of Love 2. The Lady of Shalott 3. Legend of the Forest 4. Dazzling Ligeia 5. Black Panther 6. Trident Rock 7. Una Donna Integrantes - Kazuo Katayama: bateria, percusion - Shoehi Matsuura: bajos, pedales bajos - Takashi Nakamura: voz - Katsuhiro Hayashi: teclados Colaboradores – Taku Fuji (guitarras en 1, 4 y 5), Kazue Akao (voz en 3) “The Princess of Kingdom Gone” fue el tercer y ultimo trabajo discografico de Mugen, una banda japonesa cuya linea de trabajo se basaba en una condensacion entre el candor melodico y academicista del sinfonismo mas “riguroso” y la amabilidad bien estructurada del neo-prog estandarizado. La labor del teclista Hayashi, maximo creador del grupo, se erige en el centro neuralgico de la amalgama sonora gestada por el ensamble. El disco abre con la suite cuatripartita que le da titulo, la misma que ofrece una bien elaborada secuencia de diversos motivos y ambientes: en los pasajes mas serenos, el sonido del grupo se aproxima a la faceta mas intimista del Genesis y Camel clasicos, mientras que en los mas bombasticos la cosa se pone mas relacionada con la herencia del Rick Wakeman setentero y el UK con Bozzio. Hay un par de motivos centrales que reaparecen en la ultima seccion, creando asi un referente de unidad interna. ‘The lady of Shalott’ suena a una mezcla de vals sinfonico y cancion cortesana renacentista: la inspirada linea melodica de base explota muy bien esa vena evocativa aludida en el compas y estructura del tema. Las siguientes tres piezas son las que me resultan menos interesantes del disco en lo personal, pues se hacen un poco melosas: es en estas mismas piezas donde la tendencia neo de Mugen sale al frente a todo color, pero dado el buen gusto con que el grupo las despacha, tampoco llegan a ser desastrosas ni mucho menos. De todos modos, ‘Trident Rock’ nos devuelve el esplendor que ya habia surgido en los pasajes mas energicos de la suite homonima. En fin, el disco cierra con ‘Una Donna’, una bella balada progresiva donde los teclados le brindan un aura enson~adora, casi onirica: aqui, Mugen trabaja en el lado mas amable de sus propuesta sin caer en lo meloso. Este es, ciertamente, un bonito epilogo para un disco que, sin ser una maravilla consumada, podra muy bien hacer las delicias de los acerrimos amantes del progresivo sinfonico, y en especial, el sinfonismo moderno. Japon es un pais prolifico en bandas de rock progresivo y/o experimental, y Mugen me parece una de sus bazas mas relevantes dentro del terreno sinfonico durante los 80’s. “The Princess of Kingdom Gone” es, ante todo, un disco muy agradable, hecho con mucho oficio y buen gusto. Cesar Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Edgardo Escribano Asunto: valoraciones si o no? Hola a todos: Hace algun tiempo un poco borrado...pero bueno. Entiendo perfectamente cual es la intencion de Ferran, por nombrar uno de los que hace resen~as, pero podria ser tambien Juan. La realidad es que gustos son gustos y a partir de ello, las "calificaciones" pasan a ser una cosa tambien influenciada por el gusto...lo mas importante es que gracias a que alguien se toma el trabajo de escuchar un disco y tiene ganas de perder parte de su tiempo en hacer un comentario, es que, al menos en mi caso personal, pude escuchar o conocer cosas que quizas de otra manera me hubiese perdido. Por nombrar algo, descubri a a Wobbler y a Oceansize dentro de lo imperdible y a Kino dentro de lo prescindible... y esto es independiente de la nota que les puso Ferran o Juan, que no es lo mas importante. Por otro lado, lo que para ellos es 7, para mi puede ser 4 o 9, pero alli esta lo interesante, la generacion de un debate, una discusion y un poco la propagacion de datos de nuevas bandas o nuevos trabajos de otras. Todo esto caba para Cesar, tambien. Agradecido por esto a todos ellos y a a cada uno que se toma el trabajo de comentar, lo que a mi juicio, es lejano a lo catedratico o lo sesudo. Bien por encontrar aqui contenido, comentarios e informacion de progresivo, items que vienen faltando en algunos sitios que se precian de tales. Saludos a todos Edgardo desde Argentina ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: mis favoritos del 2005 [lista ampliada y definitiva] HOLA CAJEROS, LES SALUDA CESAR MENDOZA. Aqui vuelvo a enviar mi lista de favoritos progresivos de este an~o 2005, la misma que esta ampliada con la incorporacion del disco de K2. Ahora si puedo estar mas seguro de que esta es mi lista definitiva para la encuesta de LCDM. 1.- DJAM KARET: “Recollection Harvest” 2.- kRe: “El Radio Esta en la Cocina” 3.- VAN DER GRAAF GENERATOR: “Present” 4.- EXSIMIO: “Carbono 14” 5.- FROGG CAFE: “Fortunate Observer of Time” 6.- MIRIODOR: “Parade” 7.- KOIAK: “Koiak” 8.- NIACIN: “Organik” 9.- PARTHENON: “Mare Tenebris” 10.- QUAKER: “Autocritica” 11 en adelante.- JAIME ROSAS CUARTETO: “Creciendo” FOREVER EINSTEIN: “Racket Science” ECHOLYN: “The End is Beautiful” SHADOW GALLERY: “Room V” DREAM THEATER: “Octavarium” TRYO: “Viajes” AUTOMATA: “Mecanica” EVOLUCION: “La Era de Piscis” INDEX: “Identidade” PREMIATA FORNERIA MARCONI: “Dracula” ARIES: “Aries” BIJOU: “El Profeta” PALLAS: “The Dreams of Men” FLOR DE LOTO: “Flor de Loto” AUSTRALIS “Terra Australis” MADAME CLAUS: “Quemando Oscuridad” ROBERT WYATT: “Theater Royal Drury Lane” K2: “The Book of Dead” ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Benitez Baena Alberto" Asunto: RD Laing Saludos a todos los cajeros del mundo (especialmente a Pedro Campillo). > .....Alberto Benitez Baena, se interesaba por el psiquiatra RD Laing, conocido por ser uno de los pilares del movimiento de la antipsiquiatria.... > ....En fin, para quien quiera profundizar mas en el pensamiento de este singular personaje os voy a dar un par de links: Y para los que esteis interasados en los fundamentos de los knots de Gentle Giant teneis el siguiente link: ........ > Donde teneis el poema en donde se basan GG para su famosa cancion coral homonima en su disco Octopus: ...... WOOOOOOOOOW. Muchos saludos Pedro. GRACIAS por los links. Ni un consumado e ilustre GentleGiantiano lo hubiera hecho igual : - )). A continuacion un pequenyo texto para todos, siguiendo el espiritu RD Laing - GG, bueno: "siguiendo el espiritu a anyos luz": Baena Benitez Alberto DF Mexico Desde GGentleGGiantianas GGracias Nuevo. Y Progresivo Y Feliz Un Y Navidad Progresiva Y Feliz Una MUNDO DEL CAJEROS LOS TODOS A Desear Para Ocasion La Aprovecho Permutando al reves el mensaje sera: Aprovecho la ocasion para desear A TODOS LOS CAJEROS DEL MUNDO una Feliz y Progresiva Navidad y un Feliz y Progresivo y Nuevo. GGracias GGentleGGiantianas desde Mexico, DF Alberto Benitez BAena ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Jose_Manuel_In~esta Asunto: Nuva obra audio visual Hola a todos. Feliz an~o nuevo a todos! Les envio este mensaje que he recibido: -------- Original Message -------- Subject: Nueva obra audio visual Tengo el gusto de presentaros la segunda obra audio visual, solo disponible en la red. Un total de 10 piezas sonoras y visuales que inician su camino justo al final de la mitica pelicula Blade Runner. El trabajo no es integramente un homenaje a esta pelicula sino que recoge elemetos que en ella aparecen y que me han servido como punto de inicio de un camino que me ha llevado a explorar la esencia del numero cero frente al universo. http://xproject.fadlan.com/ saludos cordiales, y adelante con La Caja! Marc Xicola, The X ---------------------------------- Jose Manuel El Cajero.- ----------------------------------------------------------------------------