/-------------------\ | XXX | \__ | XXX X | __/ \__ | XXX X | __/ \__ | X X | __/ | X X | --------- | X X | --------- __ | X .-.X | __ __/ | X /XXXX | \__ __/ | .-.X XXXX/ | \__ / | /XXXX `""´ | \ | XXXX/ | | `""´ | \-------------------/ LA CAJA DE MUSICA LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO ============================================================================ LCDM: #604 octubre 2004 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM ---------------------------------------------------------------------------- * Soft Machine Seven * el primero de QVL * Taifa: maqueta "Fe" (2004) * Gatto Marte: "Il Gioco Del Mago" (2000) * Franco Falsini - Cold Nose (1975) * Moongarden: "Round Midnight" (2004) * Franco Battiato: "Sulle Corde di Aries" (1973) * Aktuala: "Aktuala" (1973) * Mauro Pelosi: "La Stagione Per Morire" (1972) * Mauro Pelosi: "Al mercato degli uomini piccoli" (1973) * Franco Battiato: "Fetus" (1972) * Documentales musicales * Documentales musicales (2) * Far East Family Band en 1976 * Matraz: "Gritare" (2004) * el 2do. de Faust * Devil Doll - Sacrilege of Fatal Arms (1993) * Yes / "Close to the Edge" * Yes / "Yessongs" * Yes / "Tales From Topoghaphic Oceans" ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Soft Machine Seven SOFT MACHINE: “Seven” (1974) Temas 1. Nettle Bed 2. Carol Ann 3. Day’s Eye 4. Bone Fire 5. Taraboe 6. D.I.S. 7. Snodland 8. Penñ Hitch 9. Block 10. Down the Road 11. The German Lesson 12. The French Lesson Integrantes - Roy Babbington: bajo, contrabajo - Karl Jenkins: piano electrico, oboe, saxos soprano y baritono, flauta dulce - Mike Ratledge: organo, piano electrico, sintetizador - John Marshall: bateria, percusion Contando con un solo miembro original y con un Jenkins que cada vez hace notar mas su presencia dentro de Soft Machine, la banda ya queda enfilada dentro de los senderos mas marcadamente habituales del jazz fusion: la influencia del jazz americano de Weather Report y Miles Davis es mas patente que nunca antes. El gusto de Jenkins por manejar el piano electrico en un buen numero de las piezas de este repertorio permite al veterano Ratledge asumir con mas soltura sus solos de organo y sintetizador, dando rienda suelta a su estilo envolvente, aunque sin la agresividad frontal que habia caracterizado al sonido de SM durante la era Wyatt. Este abierto predominio de la sutileza sobre la enegia tambien se hace patente en las intervenciones de Jenkins en los vientos y la labor de Babbington en el bajo (este ultimo maneja el bajo como una extension del contrabajo, que es en realidad su fuerte); toda esta cobertura encuentra un apropiado apoyo en las exquisitas bases ritmicas provistas por Marshall. ‘Nettle Bed’ abre el disco con un espiritu abiertamente extrovertido y alegre, mientras que ‘Carol Ann’ se concentra en una serie sencilla de acordes exhibida a traves de una tenue melancolia. La secuencia de los temas 3-6 es la parte mas lograda del disco EMHO. Comenzando con un motivo cadencioso, en el cual se combina una dulce melancolia y un moderado entusiasmo, el saxo soprano y el organo se van turnando en las sacudidas de sus respectivas libertades expresivas, hasta que surge un nuevo motivo mas abiertamente entusiasta; en el bloque final de este motivo surge una secuencia realmente ingeniosa y brillante de redobles en manos de un Marshall realmente elevado, mientras que el piano electrico, los metales y el bajo van marcando las sicopas del caso; este bloque sirve de interludio para el alucinante D.I.S., un collage percusivo armado por una serie de golpes de platillos, gong, cencerros, y otros elementos reciclados a traves de un aparato de ingenieria – un guiño a los tiempos de la psicodelia, sin la energia de los primeros tiempos de SM, pero con el mismo gusto por evocar climas alucinogenos y descontructivistas. El lado B del vinilo se inicia con ‘Snodland’, una languida seccion de piano electrico, bastante onirica, que luego da paso a la secuencia de los dos temas siguientes, los cuales mantienen el espiritu general de los temas 1, 4 y 5. Ya para entonces no necesitamos escuchar mas para hacernos una idea de la orientacion musical del disco, aunque todavia hay algunas sorpresas en la serie de los tres ultimos numeros. ‘Down the Road’ nos devuelve el espiritu meditabundo del tema 3, hasta desembocar en ‘The German Lesson’ y ‘The French Lesson’, una serie fluida de cortinas de sintetizador y organo que destilan un cierto aire inesperado de inescrutable misterio. Sin duda, estas dos piezas tambien sirven para echar una ocasional mirada hacia los añejos primeros tiempos del grupo. En suma, “Seven” es un disco de factura exquisita y elegante que da muestras del buen funcionamiento de las fuerzas creativas de esta maquina musical que, es cierto, ya ha perdido esa voz peculiar y especial que habia estado enarbolando en los tiempos en que Wyatt y Hopper contaban con un adecuado campo para expresarse: con todo, a la luz de lo ofrecido por este disco, SM sigue siendo un punto de referencia obligado para los amantes de la musica de vanguardia con fundamentos firmemente jazzeros. Cesar Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: el primero de QVL QUELLA VECCHIA LOCANDA: “Quella Vecchia Locanda” (1972) Temas 1. Prologo 2. Un Villaggio, un’Illusione 3. Realta 4. Immagini Sfuocate 5. Il Ciego 6. Dialogo 7. Verso la Locanda 8. Sogno, Risveglio e... Integrantes - Massimo Roselli: pianos, organo, mellotron, moog, espineta, coros - Giorgio Giorgi: voz, flauta, octavino - Raimondo Cocco: voz, guitarra electrica, clasica y de 12 cuerdas, clarinete - Donald Lax: violin clasico y electrico - Romualdo Coletta: bajo - Patrick Fraina: bateria, percusion, coros El disco debut del sexteto italiano Quella Vecchia Locanda merece ser considerado como uno de los tesoros mas valiosos de la tradicion prog italiana de los añejos años 70s. Se trata de un trabajo bastante lleno de energia electrizante y fuego apasionado, el mismo que proviene de las raices rockeras y blueseras de la mayoria de los musicos integrantes; pero a pesar de ello, el estilo grupal de QVL no puede calificarse como progresivo hard (lo cual si resulta apropiado para combos tales como Museo Rosenbach, Metamorfosi o Biglietto per l’Inferno). Bueno, es un hecho inapelable que este ensamble puede rockear de manera contundente, algo de lo cual dan fe los potentes riffs de guitarra, contundentes lineas de bajo y fieras intervenciones de bateria que hacen acto destacada presencia en varios lugares del repertorio. Pero si tomamos a este repertorio como un todo, uno se puede percatar facilmente de que igual relevancia tiene la presencia de los motivos barrocos y la sensibilidad intimista de corte mediterraneo dentro del sonido global de QVL. El resultado final que se produce con esta combinacion de fuego, luz diamantina y brisa permite a QVL emparentarse con grupos tales como PFM y Murple (y acercarse tanto a JT como al lado mas abiertamente melancolico del primer KC), aunque de ninguna manera resulta un clon de estas dos bandas que acabo de poner como ejemplo. Las partes vocales tambien forman una parte esencial dentro del grupo, aunque es cierto que las letras no son realmente abundantes: el flautista y el guitarrista se alternan inteligentemente de acuerdo a las exigencias especificas del momento, segun las exigencias propias de sus diversos rangos y niveles de potencia. El derroche de inteligencia artistica desplegado en los dialogos entre los musicos a traves de los diversos pasajes de cada tema es tal vez la virtud mas descollante de “Quella Vecchia Locanda”. Un instrumento que destaca con luz propia dentro del ensamble instrumental es el violin, tocado por el norteamericano Donald Lax: a pesar de ser el ultimo musico en integrar el grupo, su presencia resulta relevante, no reduciendo su instrumento a un mero ingrediente añadido “a ultima hora”, sino convirtiendolo en un medium para reconstruir las composiciones con un toque de distincion que permite a estas levantar el vuelo pretencioso que tan tipicamente viene exigido por la esencia comun del prog sinfonico. Esto viene reflejado de manera muy evidente y existosa en los dos primeros temas del disco, excitantes y sofisticados a la vez, apropiados para causar un impacto hipnotico en el oyente: tambien escucharemos mucho de esto en los temas 5, 6 y 7. En verdad, es increible lo bien que se acoplan esas introducciones e interludios barrocos de la mano de Lax, asi como el modo en que sus armonias se acoplan a las partes de guitarra y teclado, sin que por ello el filo rockero del grupo se pierda en lo mas minimo. ‘Realta’, por su parte, expone el lado mas lirico del grupo, siendo asi que la guitarra clasica y la flauta pasan a ser los protagonistas del ensamble instrumental. Las siguientes cuatro piezas se agrupan en sendos dipticos, los mismos que se convierten en manifiestos de las ambiciones artisticas mas pretenciosas del grupo, dejando un cierto campo abierto para el lucimiento de cada musico a lo largo del desarrollo de los motivos melodicos y armonicos formalmente compuestos: imagino que las limitaciones del formato de vinilo no permitio al sexteto expandirse mas alla de lo que aparece editado en esta grabacion, pues es cierto que el asunto daba para mucho mas, especialmente en lo que se refiere a las partes dedicadas a los jams y las improvisaciones individuales. El diptico conformado por ‘Dialogo’ y ‘Verso la Locanda’ es EMHO lo mejor del disco. La hora del cierre viene con el hermoso nocturno ‘Sogno, Risveglio e...’, el cual viene apoyado sobre hermosos acordes piano complementados por etereas cortinas de violin y mellotron: el ambiente de ensoñacion aludido en el titulo esta muy bien logrado en esta conmovedora pieza. Dado el hecho de que este disco no logra transmitir al 100 % la fineza potencial de QVL, debo reconocer que en cuanto al balance general, prefiero su segundo disco “Il Tempo della Gioia”. Pero lejos de querer orientarme hacia un desmerecimiento de este disco en particular, muy por el contrario termino repitiendo que “Quella Vecchia Locanda” constituye un estupendo tesoro del prog italiano. Cesar Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Juan Mellado" Asunto: Taifa: maqueta "Fe" (2004) Taifa: "Fe" (2004) Discografica: Maqueta autoproducida Temas: 1. "Fe" (4:09) 2. "Las torres de babel" (4:16) 3. "Nada que perder" (5:15) Musicos: - Angel Rios: Bateria - Sion Vives: Guitarra - Luis Massot: Voz, Bajo y Samplers Taifa es un grupo mallorquin que practica un Rock duro Andaluz, muy influenciado por el Heavie rock andaluz de los cordobeses Medina Azahara. Su primer disco se titulo "Mas alla del sur” (1999), fue producido por el cantante Manuel Martinez de Medina Azahara y editado por el sello Avispa. Por aquel entonces tambien se autoproducieron un video titulado “Guitarra. Espejo de mi alma”. Este año vuelven con la maqueta "Fe" producida por el guitarrista flamenco Juan Moreno que tambien pone su granito de arena en la grabacion, que a diferencia de la primera el cercamiento al Metal es mas patente y el alejamiento de cualquier referencia al progresivo o al rock andaluz setentero mas lejano. La maqueta contiene aquel videoclip grabado en su anterior maqueta "El espejo del alma". La maqueta comienza con “Fe”, un tema muy Metal progresivo con vocales con el "deje andaluz" caracteristico de las bandas de Rock Andaluz , luego “Las torres de babel” y “Nada que perder” son dos temas tambien muy metalicos y pegadizos donde se oyen algun que otro samplers. Para conseguir la maqueta y el videoclip: www.reinodetaifa.com reinodetaifa@hotmail.com Salu2 metalandalucesprogresivos Juan ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Juan Mellado" Asunto: Gatto Marte: "Il Gioco Del Mago" (2000) Gatto Marte: "Il Gioco Del Mago" Discografia: Lizard Temas: 1. Gioco del Mago 2. Tarantella del Gatto 3. Ladybird Dance 4. Petra 5. Il domatore di leoni 6. Fantasia e cadenza 7. Tone of innocence 8. Gun powder 9. A short story 10. Vorrei Partire 11. Tangata su nave che affonda 12. Fotogramma 13. Transeunte 14. Tango 15. Tarumba Musicos: - Nino Cotone: Violin - Giuseppe Brancaccio: Bassoon - Maximilian Brooks: Piano, Vocals - Pietro Lusvardi: Contrabass Invitado: - Beppe Ronzoni: Drums, Percussions DISCOGRAFIA: - 1997 Danae (auto-producido) - 2000 Gioco del mago - 2001 Pieroino - 2002 Progetto Contrabbasso - 2003 Leolombrico Este quarteto de camara italiano llamado Gatto Marte, nos ofrecen en este su segundo album, un progresivo enmarcado en la musica de camara y ciertas inclinaciones jazzeras y de folk. "Il Gioco del Mago" esta compuesto de 15 temas, donde la mayor progresion las encontramos en los primeros 8 temas para seguir ya en un tono mas de musica clasica. Comienza con el tema instrumental que da titulo al album (1) "Gioco del Mago" que tiene un deje muy clasico, bohemio, romantico y teatral, quizas el mejor tema del album... que continua en el burlesco (2) "Tarantella del Gatto" y la barroca danzarina (3) "Ladybird Dance". En (4) "Petra" hay unos momentos de descanso a cargo de un solo de piano clasico. En (5) "Il domatore di leoni" llegan los primeros toques de jazz mezclados con lo clasico. En (6) "Fantasia e cadenza" Giuseppe nos ofrece un solo de Violonchelo que da paso al piano y violin y al primer tema cantado por Maximilian Brooks en (7) "Tone of innocence"., un tema realmente diferente a lo anteriormente escuchado. Vuelve el Contrabajo y el violonchelo en (8) "Gun powder" que nos trae algo de psicodelia cantada... Luego tenemos (9) "A short story" y (10) "Vorrei Partire" que nos introduce en los momentos mas clasicos y romanticos.. la musica se desvanece a partir de aqui en una sucesion de musica clasica de camara hasta llegar al tango y al canto de taberna final del tema (15) "Tarumba" . En definitiva un album de musica progresiva realizado por un cuarteto de camara... o quizas sea algo mas y yo no lo capte ;-)). Puntuacion: 5.5/10 Salu2 cuartetoprogresivos Juan ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Juan Mellado" Asunto: Franco Falsini - Cold Nose (1975) Franco Falsini : "Cold Nose" (1975) Discografica: Polydor Temas: 1. Parte 1 10.21 2. Parte 2 06.53 3. Parte 3 20.03 Musicos: - Franco Falsini: Guitarra, moog, organo, teclados Eminent - Manolo Requena Coramina - Paco Francisco Villalonga - Jan Pugh Franco Falsini fue una de las primeras figuras italianas del progresivo a finales de los 60's donde intervino en grupos como Noi Tre y siendo lider Sensations' Fix, este ultimo fue un grupo atipico italiano que ejecuto sonoridades provenientes del Kautrock aleman. En 1975 Franco Falsini edito el album "Cold nose" para una pelicula documental basada en la cocaina filmada por Filippo Milani que nunca vio la luz. En el album escuchamos musica planeadora al estilo desarrollado tambien en Sensation's Fix o a atmosferas a lo Tangerine Dream o Klaus Schultze, guitarras distorsionantes y cosmicas acompañadas de interminables secuencias de sintetizador al mas puro estilo Kautrock, de sintetizadores en el cual cada textura creada tendia siempre a ... todo de la mano del multistrumentista italiano Franco Falsini (guitarra, moog, organo, teclados Eminent, etc...) En muchas ocasiones sus arreglos maman directamente del rock planeador aleman y de las . Sus textos, escondidos como siempre por detras de sus distorsiones, abundan en la preocupacion por la nada y en las situaciones triviales, los temas preferidos de los granadinos Quien guste del Kautrock mas planeador y cosmico electronico deberia escuchar este album. Puntuacion: 6/10 Cosmicokautrockitalianos salu2 © Juan ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Juan Mellado" Asunto: Moongarden: "Round Midnight" (2004) Moongarden: "Round Midnight" (2004) Discografica: Galileo Records Temas: 1. "By the way..." (00:42) 2. Round Midnight (7:06) 3. Wounded (7:25) 4. Killing The Angel (4:53) 5. Lucifero (6:36) 6. Slowmotion Streets (5:47) 7. Learning To Live Under The Ground (10:24) 8. Coda: Psychedelic Subway Ride (1:56) 9. Nightmade Concrete (5:42) 10. Oh, By The Way, We're So Mañ In This City And So Damn Alone (1:54) Musicos: - Luca Palleschi: vocals - Cristiano Roversi: stick, keyboards, bass - Max Sorrentini: drums - David Cremoni: guitar - Mirko Tagliasacchi: bass Sorprendente giro musical de estos italianos que nos ofrecen en este su quinto album un trabajo hiper melodico y atmosferico, en una linea muy a lo Steven Wilson y RadioHead, vamos un intermedio entre a tranquilidad de No Man y la energia de Porcupine Tree y Radiohead. Es de esta manera como nos encontramos con temas que comienzan suavemente para entrar en unos ritmos entre lo moderno de Porcupine Tree, buena muestra de ello lo encontramos en (3) "Wounded" y (5) "Lucifero" y a Radiohead como es el caso de (4) "Killing The Angel", donde Luca canta muy a Thom Yorke de Radiohead, aunque tambien hay temas atipicos como la metal progresiva en (7) "Learning to live under the ground". Buenos momentos tambien para el Mellotron en (3) "Wounded" o el Cello de Marco Remondini y el Oboe de Francesca Leasi en 6) "Slowmotion Streets" Mi tema favorito seria los dos que abren el album, la pequeña introduccion con efectos de sonido de la noche en una ciudad (1) "By the way..." y seguidamente (2) "Round Midnight", un tema muy ritmico causado por el sonido del Chapman Grand Stick y los sintetizadores resultando muy pegadizo con ciertos aires a New Age. En conclusion, olvidar a los antiguos Moongarden, bienvenidos a los nuevos Moongarden, mas modernos, mas en la linea actual de las tendencias del nuevo progresivo, aunque suenen a cosas ya oidas... hay que darles un voto de confianza y esperar a ver nuevos trabajos de esta banda italiana, creo que prometen y mucho. Puntuacion: 6.5/10 Salu2 WilsonYorkeprogresivos © Juan progjuan@hotmail.com ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Juan Mellado" Asunto: Franco Battiato: "Sulle Corde di Aries" (1973) Franco Battiato: "Sulle Corde di Aries" (1973) Discografica: Bla Bla Temas: 1. Sequenze e frequenze (16:22) 2. Aries (strumentale) (5:27) 3. Aria di rivoluzione (5:02) 4. Da Oriente ad Occidente (6:33) Musicos: - Franco Battiato Gesang, VCS 3, Gitarre, Klavier - Gianni Mocchetti Gitarre, Mandoline, Gesang - Gianfranco D'Adda Percussion Invitados: - Gianni Bedori Saxophon - Gianfranco Robertson Violoncello - Daniele Cavallanti Klarinette, Saxophon - Gaetano Galli Oboe - Rossella Conz Soprangesang - Jutta Nienhaus Soprangesang, Rezitation En 1973 Franco Battiato realiza un giro brusco, tenemos en su tercer trabajo "Sequenze e Frequenze" 16 minutos de musica ELECTRONICA hipnotizante y minimalista, donde la voz de Battiato ya no suena igual, lo cosmico se adueña del concepto musical de Battiato, su lado mas Stockhausen(iano) aflora y se antepone a lo folk y tradicional italiano mostrado en sus dos anteriores trabajo, ha nacido la electronica ambiental germana a la italiana. Sequenze e frequenze parece entrar en un bucle sin fin y no digamos de "Aries" algo mas tribal pero no menos atmosferico, solo el saxo de Gianni Bedori nos trae sonoridades conocidas en forma jazzera. Luego en Aria di rivoluzione, la voz de Vattiato en forma de rogatorio se confunde en lo cosmico y en lo tribal, junto a violonchelos, oboes, clarinetes... y el sonido inconfundible de la VCS 3 de Battiato. Como una obra de musica sacra acaba el album con "Da Oriente ad Occidente", un bello tema con unos fragmentos delicados de Oboe y mandolina. Puntuacion: 7.5/10 Salu2 desde la Corde di Aries © Juan Progjuan@hotmail.com ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Juan Mellado" Asunto: Aktuala: "Aktuala" (1973) Aktuala: "Aktuala" (1973) Discografica: Bla Bla Temas: 1. When The Light Began 2. Mammoth R.C 3. Altamira 4. Sarah' Ngwega 5. Alef's dance 6. Dejanira Musicos: - Walter Maioli (flute, harmonica, oboe) - Daniele Cavallanti (sax) - Antonio Cerantola (guitar) - Lino "Capra" Vaccina (percussion) - Laura Maioli (percussion) Discografia: - Aktuala 1973 - La terra 1974 - Tappeto volante 1976 Aktuala fue una banda milanesa formada en 1972 por Walter Maioli, que edito su primer album homonimo para Bla Bla. La apuesta musical de Aktuala consistia en mezclar sonidos y ritmos etnicos (africanos, norteamericanos y asiaticos) en tono de experimentacion, improvisacion, vanguardismo y psicodelia de pasajes oniricos y mediaticos, carente de emotividad pero abundante de expresividad, una busqueda de una nueva apuesta musical en base a un equipo formado por un musico jazzero como resulya ser el saxofonista Daniele Cavallanti, amantes de la psicodelia como es el guitarrista Antonio Cerantola, de lo etnico como son sus dos percusionistas Lino y Laura y de la improvisacion y experimentacion como resulta ser su lider Walter Maioli. ... podriamos catalogarlo de "World music fusion progresiva", por entonces tambien decian que era el NUEVO JAZZ, pues no estaban muy equivocados. Puntuacion: 6/10 Saludos mediterraneosprogresivos © Juan progjuan@hotmail.com PD: «Non si può fare musica naturale, se non si vive una vita naturale» Walter Maioli ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Juan Mellado" Asunto: Mauro Pelosi: "La Stagione Per Morire" (1972) Mauro Pelosi: "La Stagione Per Morire" (1972) Discografica: Phonogram Web: www.mauropelosi.it Temas: 1. Paura (4:31) 2. Cosa aspetti ad andar via (3:20) 3. Vent'anni di galera (3:41) 4. Vendero' (2:13) 5. La stagione per morire (3:25) 6. E dire che a maggio (3:57) 7. Che poi non e'vero (2:27) 8. Caro amico (4:03) 9 Suicidio (6:21) Musicos: - Mauro Pelosi: Textos y Musica - Detto Mariano - Arreglos y direccion - Danñ B. Besquet: Bajo - Ronnie Jackson: Guitarra - Mike Logan y Gianni Leone: Mellotron y moog - Dave Baker Osvaldo colombino Gianni Stinga: Bateria y percusiones - Flavio: Piano y organo: Discografia: - 1972 - La stagione per morire - 1973 - Al mercato degli uomini piccoli - 1977 - Mauro Pelosi - 1979 - Il signore dei gatti Mauro Pelosi "Il Signore Dei Gatti" fue un cantautor romano nacido en 1974 que edito 4 discos en los 70's, quizas la apuesta musical de Mauro Pelosi no se pueda considerar 100 % progresiva, yo la clasificaria como Musica pop ligera "Progresiva" o Art-Rock "Sofisticado", lo cierto es que detras de la particular voz, de tono desilusinada, amarga y tristona y de las propias letras de Mauro, hay muy buenos arreglos orquestales e instrumentales, no en vano participaron en el album junto a Mauro gente tan conocida como Gianni Leone al mellotron y Moog. La musica de Mauro es sencilla, muy acustica ... su caracteristica principal es el tono que respira el album, un tono triste y melancolico con sabor amargo, ayudado de las continuas cortinsa de teclados (mellortron y moog). "La Stagione Per Morire" fue su album debut editado por Phonogram, previamente habia editado un single que contenia " vent'anni di galera" (cara A) y "suicidio" (cara B). Todos los temas siguen una linea muy parecida, si tuviera que elegir algun tema me quedaria con (5) "La stagione per morire" y (7) "Che poi non e vero", acustica y sencilla pero de alta carga emocional, pero para emocional la que cierra el album (9) "Suicidio" con un gran trabajo de teclados. Un album que como minimo hara las delicias de aquellos fans de la musica pop ligera italiana y porque no, a algun fans progresivo poco exigente y enganchado a todo lo que suene a italiano. Salu2 simplementeitalianos © Juan progjuan@hotmail.com ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Juan Mellado" Asunto: Mauro Pelosi: "Al mercato degli uomini piccoli" (1973) mercato degli uomini piccoli Mauro Pelosi: "Al mercato degli uomini piccoli" (1973) Discografica: Phonogram Temas: 1. Al Mercato Degli Uomini Piccoli 4'17 2. Un Mattino 4'53 3. Ehi! Signore 5'10 4. Non Tornano Piu 4'30 5. Con Te 3'45 6. Ti Portero'Via 5'33 7. No, lo Scherzo 4'14 8. Mi Piacerebbe Diventar Vecchio lnsieme ATe 4'52 Musicos: - Mauro Pelosi: Textos y Musica - Pinuccio Pirazzoli - Arreglos y direccion - Danñ B. Besquet: Bajo - Ronnie Jackson y Bambi Fossati: Guitarra - Mike Logan y Gianni Leone: Mellotron y moog - Dave Baker – Osvaldo colombino –Gianni Stinga: Bateria y percusiones - Flavio: Piano y organo: "Al mercato degli uomini piccoli" fue el segundo album para la Phonogram del cantautor "triste" italiano Mauro Pelosi, a diferencia del primero, este no es tan depresivo pero es igual de triste y melancolico con una gran carga emocional incluida tambien en sus letras. Todos los temas parecen cortados por el mismo patron, pero si tuviera que elegir algun tema me quedaria con (2) "ehi! signore", (5) "Con te" y (6) "Ti Portero'Via" Las ventas de este album no fueron muy bien y recibio un aviso en forma de !!! CAMBIA DE ESTILO !!! a lo que Mauro Pelosi se nego y emprendio un viaje al Oriente donde siguio escribiendo y componiendo musica. Pasaria 4 años hasta la edicion de su tercer trabajo y otros dos años para su cuarto y ultimo trabajo. Salu2 melancolicosprogresivos... progitalianos © Juan progjuan@hotmail.com ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Juan Mellado" Asunto: Franco Battiato: "Fetus" (1972) Franco Battiato: "Fetus" (1972) Discografica: Bla Bla/Ricordi Temas: 1. Foetus 2:38 2. Una Cellula 2:57 3. Cariocinesi 2:01 4. Energia 3:06 5. Fenomenologia 5:00 6. Meccanica 6:11 7. Anafase 5:34 8. Mutazione 2:51 Musicos: - Franco Battiato (Synthesizer, Keyboards, Vocals, VCS 3 Synthesizer) - Gianni Mocchetti (Bass, Vocals) Invitados: - Sergio Almangano; Gianfranco D'Adda; Alberto Mompelli; Gianni Mochetti; Elisabetta Pezzera y Riccardo Rolli. Tras colaborar en el album de Osage Tribe "Arrowhead" en 1970, Francesco, "Franco" Battiato nacido en 1945 en Jonia (Catania; Sicilia Oriental) graba para la discografica Bla Bla de Pino Massara su album debut "Fetus", subtitulado "" Ritorno al mondo nuovo" una obra inspirada en la obra "Un Mundo Feliz" del escritor ingles Aldous Huxley. Un album futurista, vanguardista, experimental, musica atemporal y original que combina pasajes electronicos, homenaje a su maestro Stockhausen, sintetizadores, bateria electronica y el famoso Organo VCS3, efectos de sonido, voces dulces y con una portada provocadora de un feto humano La entrada de (1) "Fetus" es espectacular, comienza con el relato de la historia cantada dulcemente, acabando con unos epicos arreglos electronicos y unas voces que me recuerdan al Vangelis de "Inferno". Llega a continuacion (2) "Una cellula" un tema de tono pop que da paso a un tema alegre como es (3) "Caricionesi". - (4) "Energia" comienza con el dialogo de un niño con un fondo de teclados electronicos que se funden en unos pasajes muy sinfonicos para dar paso a (5) "Fenomenologia" nos trae de nuevo al Battiato mas pop y folk, de nuevo unos coros religiosos dan paso a (6) "Meccanica" con una estupenda entrada de sintetizadores, pianos y bateria electronica... un violin da paso a la voz de Battiato, que en esta ocasion me recuerda a la de Aldo Tagliapietra de Le Orme. Una delirante e incansable rasgeo guitarrero con coros femeninos electronicos. El tema da un giro completo, de fondo con una conocida pieza de musica clasica sirve de acompañamiento para la conversacion de dos austronautas... - (7) "Anafase" otro tema acustico y pop en su inicio pero como sucede en temas anteriores, pasajes electronicos con efectos de sonido rompen el tema en dos para acabar de nuevo con la sintonia que abria el tema.. Acaba el album con la no menos interesante (8) "Mutazione". Puntuacion: 7.5/10 Salu2 folkelectronicoprogresivos © Juan progjuan@hotmail.com ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Alberto_Albas Asunto: Documentales musicales Hola cajeros, anunciar que durante los meses de Octubre y Noviembre se celebra en Barcelona (Teatro Principal, La Rambla n.27) y Madrid (Cine Rex, Gran Via n.47) un festival de cine documental musical, que como minimo tiene dos clarisimos puntos de interes, uno es un documental sobre Robert Moog y su famoso invento, y el otro es un documental sobre los incicios del underground y la psicodelia en Sevilla (y algo en Barcelona). De este documental he tenido la ocasion de ver un fragmento y es muy recomendable, conteniendo imagenes antiguas de conciertos de Smash, Maquina, etc. y entrevistas con la mayoria de participantes del movimiento. Aqui teneis los detalles : SABADO Barcelona: 23 Octubre Madrid: 13 Noviembre 23:50 h [74 min.] MOOG :: Hans Fjellestad, EEUU 2004 Sin Robert Moog y su revolucionario sintetizador no hubiesen existido ni el rock progresivo ni, posiblemente, el techno. Apasionante documento sobre el mitico (y excentrico) inventor con aportaciones de gente como Stereolab, Rick Wakeman, DJ Spooky, Keith Emerson, Money Mark y otros herederos de su legado. MARTES Barcelona: 19 Octubre Madrid: 9 Noviembre 20:00h [90 min.] UNDERGROUND :: THE CITY OF THE RAINBOW Gervasio Iglesias, España Recuperando una parte olvidada de la historia, el underground sevillano de los setenta vuelve a la vida en esta obra magica. Primo hermano de la Gauche Divine, el movimiento arremolino a jovenes americanos de las bases cercanas y a musicos locales (Smash, sin ir mas lejos), creando una vanguardia cultural que resulta fascinante incluso hoy. Toda la informacion en : http://www.in-edit.org/ Hasta otra, Alberto Albas. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Alberto_Albas Asunto: Documentales musicales (2) Hola, sobre el festival de cine musical documental tambien he visto de interes esto : SABADO Barcelona: 23 Octubre Madrid: 13 Noviembre 18:00h [70 min.] HAACK :: THE KING OF TECHNO Philip Anagnos, EEUU 2003 Pionero de la experimentacion electronica en los 60's, el afable Bruce Haack dedico su vida a inventar instrumentos y enseñar musica a los niños mediante discos extraños y trucos infalibles. Espirales, animales psicodelicos y un universo de moogs de donde beberian Beastie Boys y Mouse on Mars. Saludos, Alberto Albas. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Gabino Perez Asunto: Far East Family Band en 1976 FAR EAST FAMILY BAND: "PARALLEL WORLD" (1976) Hola a todos. Enlazando con la incursion en LCDM 602 de Juan Mellado en ese primer proyecto japones llamado FAR OUT, que mas tarde evolucionara hasta FAR EAST FAMILY BAND, aprovechare para señalar ligeras correcciones sobre algun dato descrito en sus comentarios al respecto de la discografia de la formacion y la aparicion de Kitaro en sus formaciones. Masanori Takahashi, mejor conocido como KITARO, entro ya en esta banda a partir de la grabacion de THE CAVE DOWN TO THE EARTH en el año 1974. Despues vendria NIPPONJIN, persistiendo un estilo claramente Floydiano, hasta finalmente editarse en 1976 PARALLEL WORLD. En PARALLEL WORLD la formacion es la siguiente: Masanori Takahashi, mas conocido como "Kitaro" (teclados, percusion) Fumio Miyashita (guitarra, teclados) Akira Fukakusa (bajo) Akira Ito (teclados) Hirohito Fukushima (voz, guitarra) Shizuo Takasaki (bateria). La edicion del compacto del año 2002 cuenta con los siguientes cortes: 1. Metempsychosis 2. Entering - Times 3. Kokoro y 4. Parallel Word: Suite estructurada en seis partes que alcanza los treinta minutos de duracion. Aqui nos encontramos con una mayor impregnacion de Klaus Schulze en los resultados finales. La ya existente amistad y evidente influencia del teclista aleman en anteriores trabajos con el sexteto japones eclosiona en esta grabacion donde Schulze colabora en labores de produccion, arreglos y mezclas. Los grandes riffs guitarreros sicodelicos, baladas afmosfericas y los pequeños momentos etnicos dan paso a un mayor predominio de los teclados y del space-rock mas electronico, dicho de otro modo, las referencias a los Pink Floyd de Meddle y Ummagumma continuan pero son claramente diluidas por largos pasajes instrumentales donde los teclados se alzan como protagonistas absolutos en largos vuelos espaciales, dejando escasas ocasiones, que las tienen, de lucimiento a guitarra y bateria. En definitiva, las referencias a Moondawn de Schulze y al futuro, entonces inmediato de Kitaro se perciben a lo largo de los sesenta minutos que completan los cuatro cortes. FAR EAST FAMILY BAND consigue un trabajo con personalidad, a pesar de las muy citadas referencias. NIPPONJIN, su anterior album, goza de muy buena prensa, en mi opinion merecida, sin embargo no hay que olvidar para nada este disco el cual merece un buen lugar para los amantes del space-rock y la musica planeadora. Un buen trabajo todo el, donde ya solo la suite final merece conseguir una copia. En 1977, y sin Kitaro en la formacion, editarian TENJUKIN, pero eso es otra historia. Saludos a todos. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Juan Mellado" Asunto: Matraz: "Gritare" (2004) Matraz: "Gritare" (2004) Dicografia: Mylodon Records Temas: 1. Gritare (7:47) 2. Redencion (6:19) 3. REM (4:21) 4. Sangre Derramada (11:39) 5. Trazma (5:46) 6. Condor (6:29) 7. Sobreviviente (18:33) Musicos: - Diego Aburto: Teclados, Piano - Claudio Cordero: Guitarras - Jorge Garcia: Bajo - Loreto Chaparro: Voz - Marcelo Stuardo: Bateria, vibrafono, percusiones ... dentro de la mediocridad existente del Metal progresivo mas alla de Dream Theater, ACT, POS, Symphoñ X, Fates Warning, Queensryche y alguno mas, aparece esta banda chilena de metal progresivo llamada Matraz. Matraz grabo su primer disco "Tiempo" en 1999 para el sello chileno Mylodon Records y este año 2004 lanzan "Gritare", mi sorpresa fue mayuscula al comprobar la frescura, originalidad y dominio compositivo e instrumental que demuestran en este trabajo los musicos de Santiago de Chile, lo mas sinfonico se funde a la perfeccion al Metal Progresivo con pinceladas jazzeras, creando una musica original y fresca y con letras en español lo cual se agradece. Comienzan con uno de los temas que mas me gustan del album (1) "Gritare" un tema Metal epico progresivo muy cercano a composiciones de Dream Theater, donde los teclados de Diego Aburto buscan un espacio sinfonico, pero frustrados por la guitarra muy petrucciana de Claudio Cordero y la seccion ritmica, adueñandose de la situacion y creando un tema en su globalidad muy metalico y duro. Loreto Chaparro se encarga de amansar con su melodica voz en un intermezzo muy sinfonico con un piano muy jazzy, menuda mezcla, verdad? pero al final lo metalico se vuelve a imponer. Esta onda metal progresiva a lo Dream Theater continua con (2) "Redencion" y (3) "REM", este ultimo con un solo de piano casi jazzero que descoloca un poco ante lo que continua. Escuchando el casi instrumental de casi 12 minutos de duracion (4) "Sangre derramada" piensa uno que todavia hay esperanzas en este estilo, las lineas de piano a cargo de Diego Aburto son formidables y la seccion ritmica dinamica dominada por el bateria Marcelo Stuardo ayudado por el bajo de Jorge Garcia junto a una guitarra poderosa plena de riffs a cargo de Claudio Cordero. Lo cierto es que las voces femeninas no son mi predileccion pero en este caso la interpretaron desgarrada y poderosa de Loreto Chaparro me encanta. Sigue la tonica metalica del segundo tema, con (5) "Trazma" pero todo se rompe con un tema jazzero (si JAZZero) como resulta ser (6) "Condor", la intervencion solista de piano de cola a cargo de Diego Aburto. El album acaba con una suite titulada "Sobreviviente" donde esa fusion de los sinfonico con el Metal se hace mas patente si cabe, resultando una gran composicion en forma de suite, con grandes espacios sinfonicos para los teclados y la voz de Loreto Chaparro, quizas por su longitud resulte algo pretenciosa y excesivamente larga. Los fans del Metal Progresivo sinfonico tienen aqui a una banda que dara mucho que hablar, sino tiempo al tiempo Puntuacion: 7/10 Salu2 metalprogresivossinfonicos © Juan ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: el 2do. de Faust FAUST: “So Far” (1972) Temas 1. It’s a Raiñ Day, Sunshine Girl 2. On the Way to Abamae 3. No Harm 4. So Far 5. Mamie is Blue 6. I’ve Got My Car and My TV 7. Picnic on a Frozen River 8. Me Lack Space... 9. ... In the Spirit Integrantes - Zappi Diermaier: bateria, percusion, canto - Hans Joachim Irmler: teclados, efectos, canto - Jean Herve Peron: bajo, guitarra, trompeta, canto - Rudolf Sosna: guitarras, teclados, efectos, canto - Gunther Wusthoff: saxos, sintetizador, canto Tras su sorprendente disco debut, Faust volvio a la carga con otro disco impresionante, que en esta ocasion contenia temas de menor duracion y con una estructura mas uniforme para cada uno. Esto no quiere decir que la extravagancia haya sido dejada de lado o atenuada: nada de eso. Lo que sucede es que en este nuevo repertorio, la gente de Faust pasa a concentrarse mas en el formato de cancion y crear una ‘personalidad’ especifica mas claramente marcada para cada pieza; pero es en el contexto integral de “So Far” como un todo que el oyente puede seguir apreciando el estilo variopinto y alevosamente estrambotico que constituye la marca propia de la banda. El tema inicial ‘It’s a Raiñ Day Sunshine Girl’ se apoya sobre una pauta ritmica mecanicamente tribal, contundente pero sin explotar ni desbordarse, manteniendo ese aire de tonta diversion que se extiende hacia su letra monotona e infantilmente simple – es claro el tono de cinismo y broma que brota aqui, como si de un porrazo quisieran tomar distancia de las ambiciones estilisticas que habian formado los tres extensos temas de su disco anterior. Acto seguido viene el delicioso instrumental bucolico ‘On the Way to Abamae’, donde la guitarra acustica elabora unos acordes liricamente deliciosos, rodeada por algunas brisas aleatorias de un organo a la vez presente y distante. Tras este reposo de serenidad viene ‘No Harm’, un numero se inicia con un motivo de corte casi epico, para luego pasar a una combinacion de blues electrico y el rock psicodelico pesado de una forma notablemente salvaje. Los gritos excitados del final ponen un broche oportunamente neurotico a un tema tan explosivo como desconcertante. La linea psicodelica es explotada en su paroxismo en ‘Mamie is Blue’, una pieza que coloca a Faust mas cerca de lo habitual de varios colegas de la onda mas oscura del krautrock. El tema homonimo, y luego ‘Picnic on a Frozen River’ exploran por los senderos del jazz rock, mientras que ‘I’ve Got My Car and My TV’ y el tema de cierre ‘...In the Spirit’ recogen la influencia del Zappa mas burlon. El instrumental que sirve de prologo para ‘...In the Spirit’, titulado ‘Me Lack Space...’, consiste en una serie concreta de poco menos de 1 minuto de duracion, conformada por acordes de saxo, trompeta, piano y guitarra acustica en una serie disonante: Faust apela de manera directa a la vanguardia academica deconstruccionista. En resumen, “So Far” resulta otro disco interesante (por lo menos) de Faust, y tan recomendable como el anterior para quienes esten interesados en investigar en la vertiente mas desafiante e inescrutable del progresivo. Cesar Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Roberto I. Quesada" Asunto: Devil Doll - Sacrilege of Fatal Arms (1993) Devil Doll : "Sacrilege of Fatal Arms" (1993) Devil Doll, un sacrilegio de brazos fatales: Primero, a que suena Devil Doll?, que clase de pregunta, pues, al mas descabellado concepto musical tipo Arthur Brown mezclado con corrientes noventeras de rock-gotico junto a cierta influencia electrificante de Recoil, proyecto paralelo de Alan Wilder (Depeche Mode) [recomiendo que escuchen su primer disco]. Para darse una idea a que suena la voz de Mr Doctor (lider del grupo) piensen en la seccion donde Peter Gabriel canta en The Lamb como Doctor Dyper con un toque de Marylin Mason y King Diamond, jeje. Hace poco llego a mis manos su disco "Sacrilege of Fatal Arms", creo que una reedicion de "Sacrilegium" si no me equivoco (me corrigen si no es asi), la verdad este es el primer disco que escucho detenidamente de esta particular banda. Siempre me habian hablado maravillas de la singular esencia y ese "culto al no-existo" de Mr. Doctor; por otro lado todas las criticas que he leido de sus discos casi ninguna le da una nota baja. La verdad es que cuando escuche el disco completo no senti que estuviera escuchando nada fuera de este mundo, vamos, no me movio mucho que digamos [percepcion muy personal] claro, el grupo es extremadamente "freaky" y demasiado "rompedor" de conceptos musicales y ademas es mi primer acercamiento al grupo, quiza sus otros discos sean mejores y yo este completamente equivocado en este instante. Cuando digo que DD es un grupo rompedor de conceptos musicales me refiero a que mezclan y juegan mucho con "viñetas musicales", es decir, pequeñas secciones musicales que resultan a veces bufonescas, tetricas y hasta algo absurdas. Solo basta escuchar los primeros 5 minutos del largo tema de 79 inagotables minutos; se escucha una intro con afinacion de cuerdas, un publico que aplaude, una fanfarria media carnavalesca que me recuerda a una corrida de toros, un dialogo de algun emperador romano seguido de un coro infernal cantando saaacrileeeeegiummmmm, una suave y delicada pieza con piano acustico para dar paso a ese goth-rock a lo Lacrimosa/Nightwish, se imaginan lo que viene despues??...coros angustiantes, cambios pero muchos cambios, secciones de cuerdas, arreglos orquestales con voces de fondo, locuras, locuras, un organo de tubos sombrio a lo Bach, ciertas secciones con acordeon que me recuerdan a la pelicula francesa "La ciudad de los niños perdidos", un tango medio satanico, y una coda que emula al movimiento "Mars" de la suite de Los Planetas de G.Holst, IMAGINENSE!!; ahh, al final hay unos minutos donde no se escucha nada y luego se escucha un tipo enterrando a alguien con cuervos de fondo y un mensaje medio mefistofelico, ni hablar, la banda sonora para un relato de E.A.Poe o una serie de terror Clase B. Escuchen del minuto 20 al 30, sin duda los 10 mejores minutos del disco. Nota: el disco se puede conseguir por aca: http://shopping.theendrecords.com/s.nl/sc.2/category.12/it.A/id.64/.f http://www.metal-observer.com/articles.php?lid 1&sid 1&id 151 http://www.letssingit.com/?http://www.letssingit.com/devil-doll-f3rxx.html (Letras del disco) Disco recomendable para personas con oidos muy abiertos y sumamente libres a cualquier estilo musical. Mu Mu bueno, escuchenlo ya. Saludos desde el infierno; Roberto I. Quesada SJ, Costa Rica ---------------------------------------------------------------------------- Autor: emiliano acevedo Asunto: Yes / "Close to the Edge" Yes : "Close to the Edge" 1. Close to the Edge (Anderson/Howe - Musica por Yes) - 18:36 2. And You and I: (Anderson/Bruford/Howe/Squire) - 10:13 3. Siberian Khatru (Anderson/Howe/Wakeman) - 8:57 Formacion: - Rick Wakeman - Teclados - Jon Anderson - Voces - Bill Bruford - Percusion, Bateria - Steve Howe - Guitarra, Voces - Chris Squire - Bajo, Voces - Yes - Arreglos, Produccion - Roger Dean - Disenio, Fotografia, Pinturas, Logo, Arte de Tapa - Eddie Offord - Productor - Martin Adelman - Fotografia Si con "Fragile" (1971), Yes consigio dar forma a buena parte de sus exquisitos propositos musicales; fue con la edicion de "Close to the Edge" (13/09/72) que la musica del grupo (en verdad) llego a la cumbre de la mano de la su formacion mas recordada. No hay lugar a dudas que en este disco todos los musicos se lucen (y como!!). Bruford elaborando extranias y majestuosas telaranias ritmicas; Jon Anderson con su extraordinaria voz y haciendo letras misticas; Rick Wakeman usando al maximo (y con maestria) todos los teclados disponibles en aquella epoca; un milagroso Steve Howe que (casi) hacia "hablar" a sus guitarras y Chris Squire, un "monstruo" capaz de derretir muros sonicos con su imbatible bass guitar. De seguro, esta fue la epoca en que el quinteto estuvo mas cerca de convertirse en los "superheroes sinfonicos" de miles de jovenes aldrededor del mundo (y no solo por las capas que usaba Wakeman...) Segun Anderson: "Creo que habia un sentimiento unificado en la banda con respecto a "Close To The Edge" que tuvo que ver con el tiempo. Nunca podria volver a suceder de la misma manera. Tuvo que ver con el tiempo, tuvo que ver con Londres, tuvo que ver con los Estudios Advision (en donde se grabo), tuvo que ver con la atmosfera... en realidad fue una sensacion colectiva de que nos estabamos embarcando en algo nuevo, en un territorio inhallado. Y todo eso es lo que hace de "Close to The Edge" la obra perenne en que se convirtio..." Por su parte, Bruford recuerda al album de esta manera: "Si hubiesemos sabido lo horrible que seria el proceso (de grabacion), nunca lo hubieramos intentado. Imaginate cinco tipos tratando de escribir una novela al mismo tiempo... fue una tortura. No habia arreglos escritos de antemano, ni tampoco habian muchas cosas compuestas. Para colmo, en el medio de la grabacion teniamos que salir de gira o se nos rompian los equipos... Asi que un tema podia quedar en la mitad y ser continuado al dia siguiente. Por todo esto, puedo decir que fue un milagro que lo hayamos podido llevar adelante. Nos ayudo que tuvieramos a nuestro lado a (el ingeniero) Eddie Offord, capaz de cortar una cinta master de dos pulgadas y pegarla con otra cinta en solo dos veces. Porque esto es lo que se hacia en la era pre-digital. El poder cortar pedazos de cinta y ensamblarlos con otros fue fundamental en la grabacion de la musica de Yes. A veces, haciamos un fragmento de treinta segundos y pensabamos: 'Bueno. Y ahora que viene?'. Entonces parabamos la cinta y escribiamos otro segmento de treinta segundos y lo grababamos... Era como trepar el monte Everest de a poco..." Wakeman dice que lo que sentia, en la epoca de "Close to the Edge", era una "sensacion de poder, porque tanto la compania discografica como los managers ni se aparecian por el estudio. Sabian que el grupo (ahora) era exitoso y (a efectos practicos) nos dejaban hacer lo que quisieramos. En Estados Unidos se habian enamorado del album anterior ("Fragile"), y Yes tenia casi un 'cheque en blanco' en lo que a grabacion se refiere. Sabiamos que teniamos algo especial para ofrecer, pero ademas (como musicos) estabamos adelantados a tecnologia, a los estudios de grabacion y a las companias discograficas. Estas no sabian que estabamos haciendo, pero (mientras les diese dinero) no les preocupaba. Ese era el secreto de Yes, y nosotros lo sabiamos..." El primer tema era (como no!) el epico y majestuoso "Close to the Edge", uno de los temas mas complejos, estructurados y majestuosos de la historia del Rock. Con respecto a este tema, Anderson declaro: "Close to the Edge esta cerca del borde de la realizacion, y me refiero a la realizacion personal porque ese era el tema del album. Esta tambien basado en un libro que habia leido: "Siddhartha" (de Hermann Hesse). Yo creo que en ese momento estabamos cerca del borde de realizar nuestro potencial como musicos y como artistas, para poder saltar a un nuevo mundo musical, y de hecho lo hicimos. El album nos impulso hacia una musica totalmente progresiva que aun nos enorgullese mas de veinte anios despues..." Con respecto al contenido de la letra, Anderson reflexionaba que: "El contenido de la letra fue como la secuencia de un suenio. Justamente, la estrofa final se refiere a un suenio (que tuve hace mucho) acerca de pasar de este mundo a otro. Pero recuerdo de haberme sentido tan bien en el suenio que, desde entonces, la muerte no me atemorizo nunca mas. Hay varias frases que tienen que ver con la Iglesia. Muchos que frecuentan las iglesias se estan peleando para ver quien es 'el mejor', 'el mas rico' o 'el mas listo'. Por eso (al final de la seccion media del tema) hay un majestuoso organo de iglesia y luego lo 'destruimos' con el sonido del Moog. Y eso nos lleva a otro sonido de organo, como regocijandonos con el hecho de que podes darle la espalda a las iglesias y encontrarlas en vos mismo; es decir, ser vos mismo 'tu propia iglesia'." Por su parte, Howe comenta que "el solo de organo de Wakeman, era en realidad una parte de guitarra que sono mejor en el organo. En esa epoca, yo ya me estaba acostumbrando a la idea de escribir musica para que la tocase otro." El lado dos del disco comenzaba con la hermosa "And You and I", uno de los temas preferidos de la banda. Este tema cristalizo buena parte de las pretensiones e ideas musicales de Yes. Por ejemplo, Wakeman comento al respecto que: "Este tema es una mini sonata para quinteto. Con diferentes movimientos que se funden uno dentro del otro. El objetivo era realizar una pieza musical que simbolizara todas las cosas por las cuales los fans nos amaban y los criticos nos odiaban..." Por su parte, Chris Squire sostiene que el fue el que escribio las partes instrumentales de las secciones "Eclipse" y "Apocalypse" (partes media y final, respectivamente, del tema). En cuanto a "Siberian Khatru", Anderson dijo (alguna vez) que aunque el titulo significa "invierno", trata justamente de lo opuesto: de los suenios sobre "claros dias de verano". Howe, por su parte, comenta que estaban muy contentos de como tocaban en vivo a este tema y que (por eso) lo usaban para abrir los recitales de Yes. En lo a que repercusion respecta, "Close to the Edge" consiguio entrar en el "Top Five" en ambas orillas del Oceano Atlantico: puesto 4 en Inglaterra y numero 3 en los Estados Unidos.Por eso, Yes se dispuso a realizar el tour mas grande de su carrera. Pero el futuro no solo traia rosas... sino alguna espina tambien. (Bibliografia: Gracias a "Yesyears"; A. Rosso, H. Armas y E. Quintana) Compilado por Emiliano Acevedo. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: emiliano acevedo Asunto: Yes / "Yessongs" Yes : "Yessongs" 1. Opening [Excerpt from Firebird Suite] (Stravinsky) - 3:45 2. Siberian Khatru (Anderson/Howe/Wakeman) - 8:50 3. Heart of the Sunrise (Anderson/Bruford/Squire) - 11:26 4. Perpetual Change (Anderson/Squire) - 14:08 5. And You and I (Anderson/Bruford/Howe/Squire) - 9:55 6. Mood for a Day (Howe) - 2:52 7. Excerpts from "The Six Wives of Henry VIII" (Wakeman) - 6:35 8. Roundabout (Anderson/Howe) - 8:33 9. Your Move/I've Seen All Good People (Anderson/Squire) - 7:00 10. Long Distance Runaround/The Fish (Anderson/Squire) - 13:45 11. Close to the Edge (Yes) - 18:41 12. Yours Is No Disgrace (Anderson/Bruford/Howe/Kaye/Squire) - 14:21 13. Starship Trooper (Anderson/Howe/Squire) - 9:25 Producido por Yes y Eddie Offord - Jon Anderson - Voces - Bill Bruford - Bateria - Steve Howe - Guitarra, Voces - Chris Squire - Bajo, Voces - Alan White - Bateria - Rick Wakeman - Teclados - Roger Dean - Ilustraciones, Disenio de Tapa, Escenografias - David Gahr - Fotografia - Martyn Dean - Fotografia, Ilustraciones Luego de la realizacion de "Close to the Edge", Yes emprende una larga gira norteamericana destinada a cimentar (para siempre) el prestigio musical del grupo. Pero en ese preciso momento, una nueva crisis sacudio a la banda cuando Bill Bruford se fue para tocar en King Crimson. Disconforme con los caminos musicales que estaba tomando Yes y debido tambien a su mala relacion personal con Squire, Bill se va. De esta forma, el baterista pudo hacer realidad su ideal de tocar en la banda de Robert Fripp, una ambicion musical que hacia tiempo que le quitaba el suenio. Esto se debia al hecho de que Bruford encontraba en Crimson la posibilidad de ahondar sus intereses por el Jazz y la Vanguardia, algo que no encajaba con los intereses musicales de Yes. En resumen, Bruford sentia que ya habia dado todo lo que podia a Yes y viceversa. El momento que eligio Bill para contar su decision fue muy poco propicio y causo gran malestar en el seno del grupo. Sin embargo, ni Anderson, ni Squire se sorprendieron. Por algo, desde hacia mucho tiempo, tenian en la mira a Alan White como reemplazante. White era un veterano baterista que venia de participar en varios proyectos, tocando con luminarias como Lennon, Dave Mason, Clapton o Harrison. Uno de los mas afectados en el seno del grupo por la ida de Bruford fue Wakeman. Una noche, Brian Lane (manager del grupo) le dijo a Rick que Bill se iba. Todos (en el grupo) tenian miedo de decirselo porque Bruford era el mejor amigo de Wakeman, por lo que nadie descartaba la posibilidad de que a Rick le agarrara una neurosis nerviosa (o algo asi) si se enteraba; decidiendo el tambien dejar a la banda. Pero Wakeman se tomo al asunto bastante mejor que lo que podria esperarse de el. Dicen que lloro y que para el esto fue casi "como una grieta en la pared" de la fantasia que el habia construido acerca de la leyenda de Yes. Quizas esta sea tambien una de las razones esgrimidas cuando, cerca de una anio y medio despues, Wakeman tambien decide irse del grupo declarando "que ya habia dado todo lo que podia por Yes." Segun Wakeman: "Bruford era algo grande, un artista total. Nos compenetramos tan rapidamente que cuando el se fue, las cosas ya no resultaron las mismas. El era el bateria ideal de Yes y uno de los mejores musicos que jamas he conocido. Golpeaba la bateria como pocos. Estabamos habituados a hacernos vibrar, musicalmente, el uno al otro y me parecio que (sin el) yo iba a e! star muy perdido en el grupo de ahora en adelante..." En medio de toda esta situcion, se edita "Yessongs", album triple en vivo, el 4 de mayo de 1973. En el disco, White toca en la mayoria de los temas aunque tambien se incluyen un par de temas con la participacion de Bruford, grabadas poco antes de que Bill se fuera. El disco, en si, es quizas el mejor album en vivo de la llamada "Era del art-rock", un movimiento que mantuvo su auge hasta pasada la mitad de los '70. El album tambien tuvo mucho exito comercial, y se transformo en la produccion mas vendida por el grupo hasta ese momento, alcanzando el puesto siete en Gran Bretania y el doce en los Estados Unidos. En lo que respecta a los temas incluidos, "Yessongs" es un compendio bastante coherente de los tres ultimos albumes de estudio del grupo, como de algunos desfogues solistas por parte de Rick Wakeman, sacados de su primer disco individual entitulado "The Six Wives Of Henry VIII". Todo esto hace que este disco sea casi un virtual "grandes exitos (live)". Algunas de las performances incluidas en "Yessongs" son superiores a las originales de estudio, en especial "Siberian Khatru", Pero otras como "And You and I" desmerecen de la original (incluida en "Close to the Edge"). Con respecto a la calidad sonora, podemos decir que las ediciones remasterizadas, editadas a partir de 1995, revitalizaron un poco el pobre registro sonoro que caracterizo a este disco desde siempre. Un defecto sonoro que, sin embargo, no empanio ni un apice a la extraordinaria reputacion y fama que tiene el registro dentro del mundo de la musica rock de los '70. (Bibliografia: "YesYears", A. Rosso, J. Serra i Fabra) Emiliano Acevedo ---------------------------------------------------------------------------- Autor: emiliano acevedo Asunto: Yes / "Tales From Topoghaphic Oceans" Yes : "Tales From Topoghaphic Oceans" 1. The Revealing Science of God - Dance of Dawn (Anderson/Howe/Yes) - 20:23 2. The Remembering - High the Memory (Anderson/Howe/Yes) - 20:35 3. The Ancient Giants Under the Sun (Anderson/Howe/Yes) - 18:37 4. Ritual - Nous Sommes du Soleil (Anderson/Howe/Yes) - 21:33 - Rick Wakeman - Teclados - Jon Anderson - Voces - Steve Howe - Guitarras, Voces - Chris Squire - Bajo, Voces - Alan White - Bateria - Producido por Yes y Eddie Offord. - Roger Dean - Disenios, Ilustraciones, Dibujos de tapa, Disenio de logos y tipografias - Brian Lane - Produccion Ejecutiva Este extrordinario album doble rompio el idilio de la banda con los criticos especializados. A partir de esta produccion, el grupo fue acusado de ser "pretencioso" o "autoindulgente". Sin embargo la banda estaba en la cumbre de la perfeccion musical e instrumental. Como dice Steve Howe: "Quizas, en algun lado, estaba escrito que nosotros teniamos que escribir la version musical de la Biblia. Creo que con este disco estuvimos cerca de lograrlo... estabamos haciendo el album de nuestras vidas. El raconto de lo que habiamos sido hasta alli" "Tales From...", editado el 9/1/74 (en EE.UU.), era un album complejo que elevo la fantasia cosmica y mistica del grupo hacia una nueva dimension un poco mas "espiritual", si se puede decir. El caso fue que si bien los fans amaron al disco desde el comienzo, los criticos no estaban para nada conformes con este album, al que consideraban como (demasiado) largo, aburrido y pretencioso por demas. La fascinacion de Jon Anderson por las religiones de oriente, nunca se habian manifestado en una forma tan clara como fueron explayadas en esta produccion, y esto llevo a la musica del grupo a un nivel poetico y filosofico casi incomprensible para muchos, incluido Rick Wakeman. El rubio tecladista estaba claramente disconforme con el giro musical que habia tomado Yes y asi lo explicaba: "No podes tocar lo que no entendes, y yo no entendia nada de este disco." Pero, como deciamos antes, para Anderson y Howe este era "el disco de sus vidas". Ellos encontraron la inspiracion para realizar este album estando en gira. En efecto, la idea inicial para este proyecto le surgio a Anderson (en una gira por Japon) mientras leia la "Autobiografia de un Yogui" de Paramhansa Yogananda. En este libro se habla de los Vedas y las escrituras shantricas, textos sagrados de la religion hindu que cubren todos los aspectos de la religion y la vida social; asi como tambien los campos de la medicina, la musica, el arte y la arquitectura. Ademas estos textos contienen codigos politicos, legales y morales. Anderson concibio entonces una composicion a gran escala llamada "Tales from Topographic Oceans", que iba a tener cuatros partes musicales interrelacionadas. El primer movimiento se llama "The Revealing Science of God" - Dance of Dawn ("La reveladora ciencia de Dios" - "Danza del Alba"), la base de este tema son los shrutis, textos religiosos sagrados transmitidos de generacion en generacion. La letra ofrece una explicacion acerca de la "Ciencia Reveladora de Dios", entendida como "una flor que siempre se esta abriendo". El movimiento se desarrolla con una descripcion de la grandeza de la vida y el mundo y del conocimiento de Dios por los hombres. En el centro tenemos al protagonista que busca a traves de las dotrinas y los mandamientos tener un acercamiento a la "Ciencia Reveladora de Dios"; y a traves de los cambios musicales nos podemos dar idea de sus cuestionamientos internos, sus dudas e incertidumbres, pero por sobre todo su constante afan de busqueda. Para Jon Anderson, este tema simplemente "habla del 'amanecer de la luz', del poder y del amor". El segundo movimiento llamado "The Remembering" - "High the Memory" ("El Recordar" - "La Alta Memoria"), basado en los Surutis, muestra el desarrollo de los pensamientos de la humanidad y tambien de sus miedos. Este movimiento narra tambien como el hombre tiene presente a Dios a pesar de su ausencia y de la retencion de ideas por la mente. La musica ayuda a recordar las experiencias que se han sumado hasta formar la memoria acumulativa (y colectiva) de la raza humana. La letra dice: "La alta memoria continua, los momentos permanecen... navega por entre tus suenios... y la fortaleza los recupera en nuestros propios tiempos. La historia es nuestra, continuaremos y buscaremos en el bosque del sol. Soniamos al soniar y soniamos al unisono... y pienso sinceramente que el sol te tomara silenciosamente." El tercer movimiento es "The Ancient" - "Giants Under the Sun" ("Los Antiguos" - "Gigantes Bajo el Sol") esta basado en los Puranas (18 colecciones de leyendas con gran influencia aborigen). Este movimiento describe la "memoria comunal" desarrollada por los estudiosos y los hambres sabios. Tambien se recrea el sabor de las grandes civilizaciones perdidas que constribuyeron a la formacion de la humanidad; y como para afirmar el recuerdo de esas pasadas tradiciones, Los Antiguos recitan los nombres de primitivas divinidades del sol (desde las romanas hasta las aztecas). Los cambiantes estilos musicales reflejan tambien las cambiantes culturas. Finalmente, el album llega a su "climax" con el movimiento llamado "Ritual" - "Nous Sommes du Soleil" ("Ritual" - "Nosotros Somos del Sol"). El concepto incluido en este movimiento esta basado en los Tantras y habla acerca de la sabiduria de la vida y lo positivo del puro amor. Segun la letra, la vida es una lucha entre el mal y el amor puro. El movimiento empieza con una introduccion que recorre buena parte de los leitmotivs musicales desarrollados en los tres partes previas, asi como un guinio a los fans con la auto-cita del riff principal de "Close to the Edge". La letra comienza con el optimismo extremo de haber alcnazado una utopia. Jon Anderson declaro al respecto: "Al final de 'Tales From Topoghaphic Oceans' pusimos una cancion de amor, algo muy personal. Creo que mucha gente necesita amor, fortaleza y una especie de energia que los acaricie. Recuerdo, alguna vez, haberme sentido totalmente perdido, y tras escuchar a los Beatles cantar 'All You Need is Love", pense: '! eso es... de eso se trata.' Eso me produjo un rejuvenecimiento instantaneo." Para terminar, podemos decir que, a pesar de las criticas negativas, el disco fue un suceso comercial, ya que alcanzo el primer puesto en Inglaterra y el sexto lugar en los Estados Unidos. Ademas fue el primer disco en obtener el galardon de ser disco de oro antes de su salida, debido a la gran cantidad de pedidos anticipados que registraron las disquerias. En resumen, "Tales..." fue una obra musical y filosofica descomunal, que aun hoy sigue maravillando a millones de fans que lo reconocen como una produccion musical unica y super original ligada tanto a la mente como al alma humana. (Bibliografia: A. Rosso, C. Kleiman, H. Armas, E. Quintana; "Yesyears") Compilado por Emiliano M. Acevedo. ----------------------------------------------------------------------------