/-------------------\ | XXX | \__ | XXX X | __/ \__ | XXX X | __/ \__ | X X | __/ | X X | --------- | X X | --------- __ | X .-.X | __ __/ | X /XXXX | \__ __/ | .-.X XXXX/ | \__ / | /XXXX `""´ | \ | XXXX/ | | `""´ | \-------------------/ LA CAJA DE MUSICA LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO ============================================================================ LCDM: #591 agosto 2004 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM ---------------------------------------------------------------------------- * Yes - Talk (1994) * Rush - Counterparts (1993) * Eloy - Destination (1992) * STEVE WINWOOD, LA MUSICA ES UN PLACER * Sobre Hidden Agenda * IQ - Dark Matter (2004) * el 1ro. de ARENA * Picchio dal Pozzo * Sobre nosotros y el prog * DUSTSUCKER (2004) * RUSH... FEEDBACK 2004 * Captain Beefheart - Safe As Milk * Realidad o fantasia ? ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Ferran Lizana Abat" Asunto: Yes - Talk (1994) YES : "TALK" (1994) Discografica: Victory Music Temas: 1. The Calling (6:52) 2. I Am Waiting (7:22) 3. Real Love (8:42) 4. State Of Play (4:58) 5. Walls (4:52) 6. Where Will You Be (6:03) 7. Endless Dream (15:41) 8. Silent Spring (1:56) 9. Talk (11:56) 10. Endless Dream (1:50) Musicos: - Jon Anderson / vocals - Chris Squire / bass and vocals - Toń Kaye / keyboards - Alan White / drums - Trevor Rabin / guitars and vocals Tras la fallida experiencia de "Union", nos volvemos a encontrar con los llamados YesWest, la misma formacion que grabo "90125", "Big Generator" y parte de "Union". Rabin se hace con el control del grupo a nivel creativo, puesto que es el autor de la mayor parte de la musica del disco, y tambien lo produce. "Talk" no es un album tan malo como lo pintan algunos. Creo que se trata de un trabajo mejor que "Big Generator", y recoge mejor el espiritu original de Yes. Aunque el resultado final se resiente de la inclusion de algunos temas bastante discretos. Y asi, tenemos un tema francamente bueno, "I am Waiting", entre lo mejor que ha compuesto esta formacion, con muy buen trabajo melodico, ademas de la suite de 16 minutos, "Endless Dream", que demuestra que este es el disco mas yesiano de esta formacion. De todas formas una suite que poco tiene que ver con las clasicas del grupo en los 70, y por supuesto el tema mas progresivo del album, y, junto al mencionado "I am Waiting", lo mejor que han hecho Yes desde "90125". Destaca en ambos temas, la creacion de melodias con la slide guitar por parte de un estupendo Rabin. Tambien "Real Love" y "State of Play" sin ser ninguna maravilla, son buenos temas, hard-prog ochentero, muy bien acabado, contundente y con buen trabajo vocal. Mientras que hay otras piezas justitas, que suponen mas de lo mismo con respecto a "Big Generator" y "Union", como la inicial "The Calling" o la pegajosa "Walls", y un inofensivo tema como "Where Will you Be", bastante desconcertante, que no acaba de encajar en el album. "Talk"·es un buen album, que no hay que ver como un trabajo de los genuinos Yes, sino de otra banda diferente. A pesar de todo, el album resulto un fracaso, y la formacion termino rompiendo. Valoracion: 5.5/10 Ferran Lizana (rockomic@vodafone.es) ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Ferran Lizana Abat" Asunto: Rush - Counterparts (1993) RUSH : "COUNTERPARTS" (1993) Discografica: Anthem/Atlantic Temas: 1. Animate (6:03) 2. Stick it out (4:30) 3. Cut to the chase (4:48) 4. Nobody's hero (4:54) 5. Between sun and moon (4:37) 6. Alien shore (5:45) 7. Speed of love (5:02) 8. Double agent (4:51) 9. Leave that thing alone (4:05) 10. Cold fire (4:26) 11. Everyday glory (5:11) Musicos: - Geddy Lee / basses, bass pedals, synthesizers, vocals - Alex Lifeson / guitars - Neil Peart / drums, percussion Musicos invitados: - John Webster / keyboards "Counterparts" es un caso aislado en esta cuarta etapa de Rush. Sin duda el mejor trabajo desde los tiempos de "Grace Under Pressure", y de largo el mejor de esta etapa, donde Rush, que de nuevo pasan un gran momento de inspiracion, se deciden por fin a hacer lo que mejor saben, roquear. Este album, ademas de resultar muy superior a "Presto" y "Roll the Bones", supone pues, un cambio estilistico y una vuelta a las canciones roqueras potentes de la epoca de "Moving Pictures". Los extraordinarios temas "Stick it Out" un gran hard rock con un imparable Lifeson, y "Between Sun and Moon" tambien roquera pero mas melodica, son, en mi opinion, las mejores composiciones de Rush en bastante tiempo. Pero no debemos olvidar temas tan buenos como "Animate me" con su gran gancho, la roquera "Cut to the Chase", "Nobody's Hero" con sus fondos sinfonicos, la emocional "Alien Shore", tambien la atractiva "Cold Fire", y por supuesto, el tema instrumental de este trabajo, "Leave That Thing Alone" , con toques funk al igual que el instrumental incluido en "Roll the Bones". "The Speed of Love", la potente "Double Agent" y "Everyday Glory" mas gotica, que bien podrian estar incluidos en "Roll the Bones", son quizas temas menos destacados. "Counterparts" es, definitivamente, un album altamente recomendable que demuestra que Rush son todavia capaces de escribir grandes canciones. Porque el gran trabajo instrumental esta asegurado en cada album. Valoracion: 7.5/10 Ferran Lizana (rockomic@vodafone.es) ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Ferran Lizana Abat" Asunto: Eloy - Destination (1992) ELOY : "DESTINATION" (1992) Discografica: ACI Temas: 1. Call Of The Wild (6:49) 2. Racing Shadows (7:11) 3. Destination (7:41) 4. Prisoner Of The Mind (4:26) 5. Silent Revolution (7:55) 6. Fire And Ice (5:10) 7. Eclipse Of Mankind (6:29) 8. Jeanne d'Arc (7:36) Musicos: - Frank Bornemann / vocals, guitars - Michael Gerlach / keyboards Musicos invitados: - Nico Baretta / drums - Peter Chrastina / choir arrangements - Hege Engelke / bass (3-4), rhythm guitar (4), acoustic / solo guitar (6) - Detlev Goy / bass (1-6-8) - Lenń MacDowell / flutes (1-3) - Klaus-Peter Matziol / bass (2-5) - Kai Steffen / solo guitar (5) Con "Destination", Eloy retorna mas o menos, a los tiempos de "Metromania" en lo que respecta al estilo. Si lo comparamos con el amuermante "Ra", "Destination" es un trabajo mas duro, vital y contundente, pero que, sin embargo, no mejora demasiado las cosas. Eloy continuan formados por la dupla Bornemann-Gerlach, un Frank Bornemann, que continua apostando por el ridiculo falsete vocal en algunos temas. Como novedad respecto a los trabajos precedentes, se benefician de arreglos orquestales en algunos temas, ademas de incluir en varias ocasiones, una flauta solista. La primera mitad del album es realmente pobre. Canciones sin ninguna gracia, aburridas y iguales entre si, mas efectistas que ninguna otra cosa. Algunos suenan algo asi como a techno pop con guitarras, y otros a simple rock sintetizado ochentero, pero no puedo destacar ninguno. La segunda mitad, sin ser nada del otro mundo, esta mejor, con canciones resultonas como "Silent Revolution", muy potente y dinamica con alguna melodia destacable, o "Jeanne d'Arc", un tema muy epico y grandilocuente, donde incluso la orquesta aporta algun toque gotico que puede recordar a Lacrimosa. Entre la larga lista de colaboradores, se encuentra el antiguo bajista del grupo, Klaus-Peter Matziol. A pesar del esfuerzo y de la mejora con respecto a "Ra", Eloy siguen en muy baja forma creativa. Valoracion: 3.5/10 Ferran Lizana (rockomic@vodafone.es) ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Federico Luis Clauss Klamp" Asunto: STEVE WINWOOD, LA MUSICA ES UN PLACER STEVE WINWOOD: La Musica es un Placer (Reino Unido) STEVE WINWOOD, el teclista britanico que fue componente de SPENCER DAVIS GROUP; musico al servicio de grupos como BLIND FAITH, en el que tocaba el mitico guitarrista Eric Clapton, y que experimento con el jazz rock en TRAFFIC, publico el pasado verano del 2003 un nuevo disco “About Time” (Alrededor del Tiempo), en el que en cierta forma vuelve a sus origenes. Este 2004 ha tocado en el 38 Festival de Jazz de Montreaux (Homenaje a Carlos Santana), y ha venido de conciertos a Espana: el Festival de Jazz de San Sebastian, los Veranos de la Villa (Madrid), para terminar en el Festival de San Javier, en Murcia, el dia 30 de Julio. Ha tardado 7 anos en sacar un nuevo disco desde su ultimo de estudio “Junction of Seven” (Union de siete). Ha roto con su casa de discos y publica en su propio sello “Wincraft Music” (para controlar mas directamente su trabajo discografico y su distribucion, hastiado de las servidumbres de la industria discografica). El grupo que le acompańa es un trio (igual que en TRAFFIC), en el que SW toca el organo Hammond y hace las voces; Jose Pires de Almeida Neto, en la guitarra y Walfredo Reyes Jr. a la bateria y percusiones. Presenta las colaboraciones de Karl Vanden Bossche a las congas, Richard Bailey en los timbales y Karl Denson en flauta y saxofon. El disco parece estar grabado en las primeras tomas, y suena fresco, espontaneo, en nada sobreproducido Como dice el propio SW, “He profundizado, estudiado y observado el organo Hammond”, una presencia constante en todo el disco. Cuando lo esperable seria un disco de sonido moderno, semejante al “Junction of Seven” (1997) o “Back in the High Life” (1986), hay una vuelta a las raices. “El sonido del organo y el efecto -wah wah de la guitarra, puede hacer que parezca una vuelta al pasado, pero tambien he tratado de incorporar elementos y arreglos de world music: musica latina, brasileńa, afrocaribeńa, criolla...He ańadido algo de flolclore ingles e irlandes”. “Me encanta la flexibilidad y la capacidad de improvisacion del formato de trio: teclado, guitarra y bateria. Las canciones cambian mucho cuando las tocas sin bajo”. Existe una edicion nueva de este disco con mas de 30 minutos de musica, con una version en directo de “Why Can't We Live Together”, y un par de temas nuevos. Si observamos las canciones nos damos cuenta de que hay algunas con sabor latino como “Cigano (For the Gypsies)” y “Domingo Mornin”. “Different Light”,” Take It To The Final Hour” y “Walking On” serian canciones que podrian encajar en discos anteriores suyos como “Talking Back To The Night” (1982) y “Back in the High Life” (1986). Hay una version de Timmy Thomas, “Why Can't We Live Together” y un tema como “Horizon” proximo al folclore irlandes. Para terminar citar la gran balada que es “Silvia (Who Is She?)”, con mas de 10 minutos de duracion, y con un trabajo de guitarra precioso a cargo de Jose Pires. Su carrera en solitario es densa y eclectica, habiendo tocado ya ritmos afrocaribeńos en su disco de 1975. En los 80 graba su segundo disco en solitario como es “Arc Of A Diver” (El Arco de un Saltador) en el que compone y toca todos los instrumentos. Hay canciones tan intensas como “While You See a Chance”, la que da titulo al album, “Spanish Dancer” o “Night Train”. Un gran disco en el que imprime su sello personal, dominado por los teclados. En 1982 aparece un nuevo disco, “Talking Back To The Night”, (Hablandole a la Noche) en el que vuelve a tocar todos los instrumentos haciendo voces y coros. La unica colaboracion es la de Nicole Winwood en los coros de los temas “Big Girls Walk Away”y “”Still in The Game”. Fue grabado entre Noviembre del 81 y Junio del 82 en los Estudios Netherturkdonic del Reino Unido. Todas las canciones estan compuestas por Steve Winwood y Will Jennings, mientras que la produccion corre a cargo de SW. Es un disco que continua la linea marcada por el anterior “Arc Of A Diver”, con un single claro que fue “Valerie” y temas tan interesantes como “While There's A Candle Burning”, “It Was Happiness” y “There's A River”. En 1986 aparece su disco “Back In The HighLIfe”,( De Vuelta a la Buena Vida) posiblemente uno de sus discos mas completos de los ochenta, en el que ya se acompańa de una banda o grupo para interpretar las canciones. Presenta numerosas colaboraciones como las de James Taylor, en el tema “Back In The HighLIfe”, Joe Walsh (de los Eagles), el bajista Nile Rodgers, el trompetista Randy Brecker y las voces de Chaka Khan, Jocelyn Brown y James Ingram, entre otros, ademas de Arif Mardin en los arreglos de cuerda. Aunque la mayor parte de las canciones son del tandem SW & Will Jennings, “Split Decisions” esta compuesta por SW & Joe Walsh, y “My Love's Leavin'” obra de SW & Vivian Stanshall. La produccion corre a cargo de Russ Titelman & SW, y como ingenieros de sonido figuran Tom Lord Alge y Jason Corsaro.Un disco muy completo con buenos temas como “Higher Love”, “Freedom Overspill”, “The Finest Things” o “Wake Me Up On Judgement Day”. SW se encarga de los sintetizadores, Drum Machine, Organo Hammond, Sintetizador de bajo, Piano, Mandolina, Moog Bass e incluso de las guitarras. En 1988 edita un nuevo disco “Roll With It” (“Rodar con Ello”), producido por SW & Tom Lord Age, que ejerce tambien como ingeniero de sonido. Son 8 temas (lo cual sera algo que se mantiene fijo en sus discos de los 80). Sigue la estela-estilo marcado por el anterior, aunque la nomina de colaboraciones es mucho mas restringida. Combina los temas potentes, ritmicos, con los temas lentos marca de la casa. En la composicion figura el tandem SW & Will Jennings, pero hay un tema que firma con su companero de TRAFFIC, Jim Capaldi, “Hearts on fire”, que le acompanara en su siguiente disco “Refugees of The Heart”. La seccion de vientos con trompeta, trombones y saxos, aparece en muchos temas, se trata de la “Memphis Horns”. SW toca la bateria, la guitarra, el bajo, el organo Hammond y sintetizadores (Fairlight) en algunas canciones, mientras que en otras recurre a instrumentistas como John Robinson (bateria), Bashiri Johson (percusion), Mike Lawyer & Robby Kilgore a los teclados y Paul Pesco en las guitarras. Los coros corren a cargo de Tessa Niles. Tiene canciones tan intensas como “Roll With It”, “Holding On”, “Put On Your dancing Shoes”, “Don't You Know What The Night Can Do?” o “Shining Song” , y las baladas “The Morning Side” y “One More Morning”. Un gran disco, al igual que el anterior. Dos anos despues publica “Refugees Of The Heart” (Refugiados del Corazon) (1990), similar a sus discos anteriores, en el numero de temas y en la composicion. La produccion es de SW y como ingeniero de sonido aparece Tom Lord Age. Hay una cancion escrita con Jim Capaldi, “One And Only Man”, en la que JC toca bateria y percusion. El resto pertenece al duo SW & Wjennings. SW sigue ejerciendo de multiinstrumentista (Fairlight, Drum Programming, Organo Hammond, Mini Moog, Sintetizador de bajo y de guitarra, y percusion) en algunas canciones, pero en otras cuenta con colaboradores como Russ Junkel, a la bateria, Michael Rhodes al bajo, Bashiri Johnson a la percusion, Anthoń Crawford y Larry Byrom en guitarras y Mike Lawler, en los teclados. La seccion de vientos corre a cargo de Jim Horn, Michael Haynes, Randall Bramblett y Harvey Thompson. Si tuviera que destacar canciones me quedaria con “You 'll Keep On Searching”, “Every Day (Oh Lord)”, “One and Only Man”, “I Will Be Here” o “In The Light Of Day”, con mas de 9 minutos de duracion. De todas formas un disco menor en comparacion con los dos anteriores, aunque sigue su estilo. Cuatro anos mas tarde Steve Winwood & Jim Capaldi, vuelven a poner en marcha TRAFFIC, pero en forma de duo, con colaboradores esporadicos. Ese disco se llamo “Far From Home” (Lejos de Casa), de 1994, siendo todas las canciones escritas por SW y JC, con excepcion de “Holly Ground”, una pieza entroncada con el folk ingles/irlandes que fue escrita por SW, JC & David Spillane. El disco cuenta con las colaboraciones de Mick Dolan a la guitarra ritmica y David Spillane, (flauta). Steve W toca todos los instrumentos, incluso congas y timbales. Jim Capaldi se encarga de baterias y percusiones. El disco esta dedicado a Chris Wood. Sus canciones, algunas bastante largas, como “Far From Home”, “Nowhere Is Their Freedom”, “Holly Ground” y “State Of Grace”. Hay un instrumental, “Mozambique” y otras canciones mas proximas a sus discos en solitario como “Riding High”, “Here Comes A Man”, “Every Night, Every Day” y “This Train Won't Stop”. Tres anos despues aparece un nuevo disco de SW en solitario, “Junction on Seven”, con invitados de lujo como la cantante DesRee o Lenń Kravitz, ademas de Ruby Turner, Bill Ortiz y Skyler Jett, bajo la produccion de Narada Michael Walden. Fue grabado a caballo entre Inglaterra y los Estados Unidos. Las canciones estan compuestas por SW con su mujer Eugenia Winwood, y Narada Michael Walden, tambien alguna con Jim Capaldi, aunque este no toca en el disco. Hay una version de Sylvester Stewart, “Family Affair”. Este album tuvo un primer single, “Spy In The Name Of Love”. Aqui SW toca la guitarra ritmica y acustica (efecto Wah Wah), el bajo, el organo Hammond (como siempre), el piano Wurtlizer, sintetizadores varios, ademas de la percusion, aunque hay un par de canciones en donde solo hace las voces. En este disco hay una cancion que en cierta forma adelanta algo de su reciente disco, se trata de “Gotta Get Back To My Baby”, con arreglos y sabor latino, en la que colabora el bateria de “About Time”, Wilfredo Reyes, Jr., asi como su padre Walfredo Reyes, Sr. “Plenty Lovin” y “The Lord Of The Street”, podrian estar en otros discos suyos anteriores, pero aqui destacan algunas baladas como “Angel Of Mercy”, “Real Love” y “Someone Like You”. Como podemos observar la trayectoria en solitario de SW ha pasado por diversas etapas. Con “About Time”, vuelve a sus origenes reivindicando el organo Hammond, y su pasado en Traffic, asi como su relacion con otras musicas, latinas, caribeas, etc. De los 80 yo destacaria los albums “Arc Of A Diver”, “Back In The Highlife” y “Roll With It”. De los 90 me quedaria con algunas canciones de “Refugees Of The Heart”y “Junction Of Seven” y del 2000 con “About Time”. Recientemente ha estado de gira por Espana (Julio 2004), en el Festival de Jazz de San Sebastian, en los Veranos de la Villa (Madrid) y en el Festival de San Javier (Murcia). En San Sebastian compartio cartel con Rickie Lee Jones y Las Hijas del Soul (“The Daughters Of Soul”). Aqui comenzo con canciones de “About Time”, con la ayuda de un percusionista y un saxofonista (Randall Bramblett). Destaco la interpretacion de una cancion de Blind Faith ( “Can't Find My Way Home”) y de un viejo tema de Traffic “Low Spark Of The high Heeled Boys”. Termino el concierto con la plaza de la Trinidad bailando a los sones de “Gimme Some Lovin”. En cambio, en Madrid, hizo un espectaculo centrado en las canciones de su ultimo disco, y en las piezas mas representativas de su carrera en solitario como “Higher Love” o “Back In The HighLife”. La banda estuvo impecable. Como decian una de las resenas del concierto: “Ahora hace musica sobre todo por PLACER, y eso el publico lo nota y lo agradece”. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Jorge Padilla L" Asunto: Sobre Hidden Agenda Hola a todos! Marco Silva Navarrete en lcdm0581 comento sobre lo que el considera que podria ser el disco del ańo: "Topographic Pictures Of The Crimson Lamb's Tears" del grupo Hidden Agenda. Nadie hizo un comentario al respecto, asi que yo dare mi opinion. En primer lugar me da la impresion de que la mayoria de los que escriben en LCDM no son asiduos a bajar musica de La Red. Si asi fuera, creo que de vez en cuando apareceria algun comentario de agradecimiento por tal o cual link de mp3 recomendado. Hoy en dia creo que es mucho mas dificil bajar canciones en formato mp3, ya no se diga discos completos, con alguno de esos populares programas como Kazaa o Soulseek. Pues si no eres amigo de fulanito o zutanito simple y sencillamente no te permiten accesar sus archivos de musica. Y si acaso lo logras, en el momento menos esperado te cortan la descarga o te bloquean el acceso, por lo que en ultima instancia no te queda mas remedio que enviarles recordatorios familiares a su progenitora. Volviendo con el asunto de Hidden Agenda, no quiero ser descortes con Marco pero el album TPOTCLT me parecio una broma de muy mal gusto. Al escuchar el primer tema parecia que prometian mucho, pero de ahi en adelante todo se convierte en una parodia al rock progresivo y asi mismos. Ni pensar en que es un tributo al rock prog. Ademas el vocalista canta horrible, las letras son estupidas y la musica suena como si hubiera sido grabada en la sala de la casa de alguno de los integrantes de esta familia o grupo de amigos. Si tan solo hubieran hecho este disco (han realizado varios albumes parodiando otros estilos de musica, asi como de grupos y artistas de latitudes muy diferentes entre si; por ejemplo: el punk.) les iria bien el titulo de 'los Weird Al Yankovic del rock progresivo'. Lo siento, Marco, este es 'el disco del ańo' si, pero en la lista de los peores albumes de rock progresivo del 2004. Ahora que si quisiste jugarnos una broma, entonces yo fui el unico que cai. :) Saludos, JPL Agosto 10, 2004. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Carles Falp Asunto: IQ - Dark Matter (2004) Hola amigos, Ya tenemos nuevo trabajo de IQ, poco comentado en la Caja, pero para mi de lo mejor que han sacado estos ingleses. Estos dias estoy reflexionando sobre este grupo. Si nos ponemos a pensar en los grupos llamados 'neo-progresivos' que surgieron en la decada de los 80, creo que hay muy pocos que actualmente sigan en condiciones de sacar buenos trabajos puramente progresivos. En cambio, IQ parece que a partir del 'Ever' encontro un camino solido y seguro para hacerse con un estilo muy propio y alejado del sonido clasico de los setenta (y que conste que soy un amante del progresivo clasico). Quizas ayudo la llegada de Jowitt, quien sabe. Y, ademas, IQ ha logrado variar muy poco su formacion desde sus inicios, y eso que no es un grupo de un solo lider. ?Alguien se atreve a decir quienes son los lideres en esta banda?. Me refiero que cuando en un grupo componen entre todos las canciones, parece mas facil que aparezcan discrepancias en la busqueda del sonido del grupo. Pero desde 'E! ver' ya llevamos cuatro trabajos siguiendo con un mismo estilo y con buenas dosis de originalidad. 'Dark Matter' es un album redondo. Se compone de cinco cortes, incluida una magnifica suite. Y como me acostumbra a pasar con IQ, hasta la tercera escucha no empiezo a captar toda la grandeza de la musica de este grupo. El album empieza con 'Sacred Sound', un tema tipico de IQ. La cancion se inicia con los teclados de Orford, que yo diria que en este disco se hacen notar mas, con buenos samplers de organos y multitud de efectos. Luego el tema se sucede en una magnifica composicion llena de cambios de ritmo y crescendos 'made in IQ'. Luego nos encontramos con la pieza 'Red Just Shadow' con un comienzo mas reposado y con la voz de Peter mostrando gran variedad de registros. Se suceden buenos efectos de voz con la guitarra de Holmes mas rockera, arropada por un inspirado Orford. Pasados casi seis minutos nos encontramos con un original Tic Tac que nos traslada a 'You Never Will'. Aqui el bajo de Jowitt nos hace recordar lo bien que hace sonar sus gruesas cuerdas. Ademas, la critica de allmusic.com me ha echo prestar atencion en el trabajo de Cook en este tema. Cook no es un amante del virtuosismo, pero en 'You Never Will' toca con una complejidad destacable. De todos modos en estos cinco minutos que dura la cancion todo el grupo se supera y queda como resultado uno de los temas mas originales del quinteto. La obra sigue con 'Born Brilliant' que es otro buen tema con una contundente seccion ritmica. Y a continuacion el album termina con una Suite de 24 minutos titulada 'Harvest of Souls'. Aqui, con la acertada conduccion de Orford en sus multiples teclados, IQ consigue realizar un completo tema que, creo, no defraudara a ningun seguidor del grupo. En resumen, un fantastico nuevo trabajo de IQ, con un mejor art-work que otros anteriores y una buena produccion. Lo que no entiendo es porque dejan tanto tiempo entre disco y disco, entre 3 y 4 ańos. Ahora solo espero que se vuelvan a animar a sacar otro DVD. Sobre puntuar los discos, a mi me parece buena idea, pero yo prefiero utilizar letras: Puntuacion: MB (OM: Obra Maestra, MB: Muy Bueno, B: Bueno, R: Regular, M: Malo) Saludos, Carles Falp. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: el 1ro. de ARENA ARENA: “Songs from the Lion’s Cage” (1995) Temas 1. Out of the Wilderness 2. Crying for Help I 3. Valley of the Kings 4. Crying for Help II 5. Jericho 6. Crying for Help III 7. Midas Vision 8. Crying for Help IV 9. Solomon Integrantes - John Carson: voz - Clive Nolan: teclados, coros - Keith More: guitarras, coros - Cliff Orsi: bajo - Mick Pointer: bateria Colaborador – Steve Rothery (guitarra en 8) El debut de Arena significo no solo un paso decisivo dentro de la carrera del excelente teclista Clive Nolan sino tambien el retorno del empeńoso baterista Mick Pointer, antańo co-fundador de Marillion. Desde el principio la banda fue concebida bajo el liderazgo de ambos en las composiciones, aunque ciertamente cabe decir que los musicos que los acompańaban encontraron buen espacio para expresarse. La guitarra de Keith More elabora varios solos efectivos y con punche, mientras que John Carson entona habilmente las lineas melodicas vocales, haciendo gala de un registro un poco similar al de Fish. Por su parte, el bajista Cliff Orsi desempeńa un papel importante en el refuerzo de la base ritmica. Dadas las raices comunes de Pointer y Nolan, no es de extrańar pues que la linea musical de Arena se decante por las pautas clasicas del asi llamado neo-prog. En todo caso, el sonido de Arena se acerca mas al sonido duro y potente de los primeros discos de Marillion y IQ, que al estilo mas edulcorado de Pendragon y Abel Ganz. Los temas mas extensos son los que muestran las mayores dosis de vigor e inventiva, pues como es natural en estos casos, los espacios son aprovechados para introducir ilaciones de diversas melodias, asi como varios cambios de ritmos y ambientes. El tema de entrada “Out of the Wilderness” es una efectiva muestra de lo que puede lograr Arena en sus composiciones mas complejas, aunque en lo particular mas me impresionan “Valley of the Kings” y “Solomon”, en los cuales encuentro que el lado epico del sinfonismo esta mejor logrado. Otros temas menos pretenciosos, pero tambien atractivos son “Jericho”, y la dupla del instrumental “Crying for Help III” y “Midas Vision”, que transita entre los ambientes languidos a lo new age y la vanguardia electronica dentro del contexto rock. Mencion especial para la balada “Crying for Help IV”, una composicion agradable aunque un tanto melosa, pero que tiene el atractivo de tener como invitado de lujo en guitarra solista al guitarrista de Marillion Steve Rothery, quien exhibe su clase aunque sin lucirse demasiado (al fin y al cabo, es solo un invitado). “Crying for Help I” es un instrumental compuesto por Nolan para piano, pero en esta ocasion lo cedio a More para que lo aplicara a su solo de guitarra acustica: una pieza realmente bonita, con un agradable aire intimista. Mas tirado hacia el barroco es el numero interpretado a clavicordio (sintetizado) por Nolan, “Crying for Help II”. Todos estos interludios de “Crying for Help” funcionan como sendos momentos de reposo en medio de la fastuosidad exhibida con bombos y platillos en la mayoria de los temas. En suma, ‘Songs from the Lion’s Cage’ significa un hito musical muy relevante para el desenvolvimiento del sinfonismo moderno en los 90s. Teniendo en cuenta el protagonismo que una banda como Arena tiene hoy en dia, este disco debe ser considerado ya como un clasico del neo-prog. Cesar Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Picchio dal Pozzo PICCHIO DAL POZZO: “Picchio dal Pozzo” (1976) Temas “Hay Fay” 1. Merta 2. Cocomelastico 3. Seppia [a) Sottotitolo b) Frescofresco c) Rusi] 4. Bofonchia “Fay Hay” 5. Napier 6. La Fioricultura di Tichincinatta 7. La Bolla 8. Off Integrantes - Andrea Beccari: bajo, corno, percusion, voz - Aldo de Scalzi: teclados, percusion, voz - Paolo Griguolo: guitarras, voz - Giorgio Karaghiosoff: flauta, saxos, percusion, voz Justo en una temporada cuando parecia que comenzaba un declive general en el movimiento progresivo en varios paises, la escena italiana atisbaba el alumbramiento de una de sus criaturas mas osadas e ingeniosas, Picchio dal Pozzo. Formado inicialmente como un cuarteto sin baterista, PdP abordo la grabacion de su primer disco con una pleyade de colaboradores, con la intencion conjunta de crear una propuesta donde confluyen elementos tan dispares como el Canterbury, la psicodelia electronica, el jazz fusion, disonancias y contrapuntos a lo Bartok, incluso elementos ocasionales de sensibilidad mediterranea y otros de corte juglaresco, valiendose no solo de intrincadas ejecuciones instrumentales, sino tambien de juegos vocales tales como falsetes, coros extravagantes, tarareos delicados y otros mas bien delirantes... por todo esto es que PdP es considerado por muchos como la respuesta italiana a Henry Cow, los cultores pioneros del RIO. El repertorio se divide en dos bloques principales, “Hay Fay” y “Fay Hay”, repartidos en ambos lados del vinilo original. El disco se inicia con un motivo formalmente sencillo de arpegios de dos guitarras acusticas, complementado por unos acordes sostenidos de sintetizador y gotas salpicadas de glockenspiel, sobre las cuales se explayan unos coros en falsete burlescos y al poco rato, unos retazos de metales. El siguiente tema sigue por una vertiente de jazz tradicional a ritmo de 6/4, que otorgan una cierta calma, pero sin olvidar el tono humoristico. En la tercera pieza, la alucinante “suite” tripartita “Seppia” la banda explora territorios mas delirantes (con una evidente herencia del ‘In Praise of Learning’ de Henry Cow), con un motivo protagonizado por una serie de acordes aleatorios y disonantes bajo la responsabilidad del sintetizador y la guitarra procesada con efectos agresivos, sobre los cuales se explayan toques de xilofon y unas alucinadas cortinas de saxo y tarareos surrealistas, entre orgasmicos y paranoicos, todo ello bien sostenido por una seccion ritmica solida; el final abrupto abre paso a una breve secuencia de flauta y xilofon bastante bartokiano (a lo Gentle Giant), que a pesar de ser menos ruidoso no deja de ser por ello inquietante. Lo que viene despues, como tercera seccion de “Seppia”, es otro prodigio de extravagancia inteligentemente llevada: un pastiche alucinado de sucesivos motivos relajantes, que transitan entre lo bucolico, lo barroco, y lo academico vanguardista, todo ello en medio de dosificados recursos vocales extrańos y efectos electronicos: los ultimos 50 segundos de efectos, que concluyen con un abrupto interruptor de cierre, conforma “Bonfochia”. El lado 2 (“Fay Hay”) comienza con dos temas hermosos y extravagantes a la vez, donde se condensan las cualidades descritas en el parrafo inicial de esta reseńa. En mi opinion, los temas 5 y 6 conforman el pico creativo de este disco, asi como las muestras mas fieles y compactas de la propuesta de PdP. Los dos ultimos temas son sendos nocturnos sostenidos sobre una cadenciosa y crepuscular base de piano clasico, sobre la cual el saxo soprano (“la Bolla”) y la flauta (“Off”) sacan a relucir su magia evocativa en un primer plano: ambos numeros conforman un final sereno que otorga un cariz adicional de belleza envolvente al variopinto espectro sonoro de PdP. Balance general: excelente obra maestra del prog italiano, una muestra atipica pero lo suficientemente exquisita como para dar brillo a cualquier buena coleccion progresiva. Cesar Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Carles Falp Asunto: Sobre nosotros y el prog Hola amigos, Regularmente veo como se comparan grupos de los 70 con grupos actuales. Veo como algunos cajeros los ponen en el mismo cajon y comparan puntuaciones entre unos y otros. Yo, personalmente, creo que es un error. Pondre un ejemplo fuera del prog para intentar que se me entienda. Hace unos 14 ańos, un seńor llamado Gary Moore, de profesion rockero, se le ocurrio sacar un disco de blues. Ademas, lo hizo con tal descaro que invito a su estudio a otro seńor llamado Albert King, de profesion vaca sagrada del blues, para tocar con el. ?Resultado? Critica favorable de prensa, aficionados y resto de mundo mundial. Que bien que toca este tal Moore! Cuando en el Rock Progresivo una banda actual se deja influir de manera notable de una banda de los 70 entonces se habla de copia, o poca originalidad, o de pretensionismo... Y, ademas, ?cuantas veces alguno de los llamados vacas sagradas ha colaborado con alguna banda reciente? Recuerdo muy pocas. Yo creo que el Prog tiene hoy en dia mala prensa, principalmente por culpa de los que lo crearon. Esas vacas sagradas fueron las primeras en tirar por la borda en los ochenta todo el trabajo de los 70, sacando discos que poco tenian que ver con el Prog. Fueron los primeros en no tener respeto a su propio trabajo (Hubo de todo, ya lo se, pero los mas conocidos...) Yo creo que no podemos comparar a bandas de los 90 con bandas de los 70, sencillamente porque los primeros han nacido escuchando a los segundos y porque han vivido en otra epoca. Pero eso no quiere decir que unos no puedan ser tan buenos como los otros, ni que no podamos disfrutar de ambos. Los que solo disfruten con las bandas de los 70, ellos se lo pierden! Saludos, Carles Falp. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Jaume Pujol Asunto: DUSTSUCKER (2004) BARK PSYCHOSIS : "CODENAME: DUSTSUCKER" (2004) Fire Records 2004 [Aviso para navegantes: esta critica es larga] Bark Psychosis es el mitico grupo cuyo primer trabajo preciso de la creacion de una nueva etiqueta (post rock) que permitiera describirlo, lo que ocurrio en la critica que Simon Reynolds publico en The Wire. “Hex” se publico en 1994 como heredero y sintesos de los avances sonoros de Talk Talk, Durutti Column, Sonic Youth, los experimentos electronicos del ambient y el pop nocturno y espumoso de bandas como A. R. Kane o The Blue Nile. Su musica nocturna ha sido excelentemente descrita por J. L. Carrasco, de Parsley Webzine: “Bark Psychosis tienen algo de sueńo catartico, magico y malsano a la vez, donde los samples son recortes abstractos, dibujando vińetas siempre incompletas”. Como comente en un mensaje anterior enviado a LCDM, la denominacion post rock fue ampliada progresivamente a todo tipo de rock experimental relacionado basicamente con el movimiento alternativo. Tras el paso de los ańos, es posible en la actualidad diferenciar varias escuelas del genero, principalmente (y sin entrar a fondo) la electronica (Hood, Fridge, sello Factory), la americana derivada de Slint (Gastr del Sol, los primeros Tortoise), la ambient-contemporanea (Sigur Ros), la canadiense (sello Constellation) o la fundamentada en el trabajo de guitarras (Mogwai, Explosions in the Sky). Diez ańos despues de la publicacion de “Hex”, cuya grabacion requirio un ańo durisimo de trabajo tras el cual la banda tardo bien poco en disolverse, el lider de Bark Psychosis aparece de nuevo en escena con el segundo album de la formacion “Codename: Dustsucker”. Con esta accion en solitario (ninguno de los tres restantes miembros le ha acompańado), Graham Sutton nos induce a plantear preguntas tan interesantes como las siguientes: 1) “Hex” dio pie al nacimiento de un nuevo genero musical cuya definicion se ha ampliado enormemente desde entonces. ?Podemos situar “Codename: Dustsucker” dentro del concepto actual de post rock? 2) El nuevo trabajo, ?realiza aportaciones en el campo del post rock actual o es musica que parece haber hibernado diez ańos? ?Es un trabajo “necesario” en la etapa de estancamiento (quizas decadencia) actual del post rock? La publicacion de “Codename: Dustsucker” ha recibido una atencion extrema en la prensa especializada. The Wire dedico una extensa biografia a la formacion, y las criticas han sido muchas y todas en terminos elogiosos. Adjunto algunas informaciones al respecto: - Red Magazine lo considera el segundo mejor trabajo del primer semestre del 2004. - Stylus Magazine lo eleva a disco de la semana, con una puntuacion de 9 sobre 10, y comentarios como estos: “Vapour trails of distant airplanes turning orange in the sunset, a smear of royal umber bruise. Universes appear within your iris, tremulous rumbles consume miniscule worlds. Glass and metal are pushed beyond physical limits, bend and break. Bark peels like skin from trees. Points of water evaporate under immense heat. Whispers drown out coils of industry. Forward motion is reversed and progresses faster. The church walls begin to close in again, and so you swing aside the oaken door and step outside into the buzzing orange half light another time, people still moving, still alive, even at this time of night, and you melt into the tarmac, the brickwork, the sulphur, the pallid strip-lights… […] ‘Codename: Dustsucker’ is uncategorisable, even neologisms fall short now that the old words have been warped. It exists in a space outside of rock, post-rock, jazz, pop, dance and avant-garde, in a nothingness zone, unfettered by genre or gatekeepers. […] Agonised, fearful, compelling, beautiful and measured with infinite precision and chaos, ‘Codename: Dustsucker’ is close to miraculous”. - Magnet Magazine: “To a degree, CodeName: DustSucker picks up where Hex left off, employing dub production techniques and vertically arranged instrumentation—keyboards, bowed guitar, trumpet, piano, vibraphone and percussion (drums courtesy of Talk Talk’s Lee Harris)—for maximum exotic effect […]A provocative jazz symphoń, Dust Sucker proves that in music, serendipity can strike twice”. - Boomkat Magazine: “Codename : Dustsucker is an incredible listen - a blend of everything he sparked off and all the slight generic revolutions that have taken place since. It's post-rock re-invented, electronica re-written, soundtrack music writ large and new - and without question one of the most astonishing records of the year. If you're into Talk Talk, Hood, Tortoise, The Remote Viewer, My Bloody Valentine, To Rococo Rot, or if you just want to hear life-changing music from one of the scene's greatest unknown operators - we implore you to check this out without delay. Magnificent”. - Opus Zine: “Taking a page from David Sylvian's discography, the song begins with a stark, dusty acoustic guitar meandering about. Slowly, shimmering pools of moonlit synth begin coalescing around it. As the two sounds grow out of sync with eachother, an organ begins filtering in, bringing with it more shimmering synths and brief, cut-up vocal snippets. The track has a nocturnal quality about it, evoking the onset of night - the sun's sinking, the darkening of the skies, and the slow rise and appearance of the moon and stars' silvery light. And just as the track gets going, it fades away, leaving only a yearning for more in its place. So was the album worth the 10 years? If you have to ask that, you obviously need to go back and re-read this review. CODENAME:dustsucker represents a stunning return to form for the band. As with Hex, there is nothing unfamiliar or particular groundbreaking in the sounds that Bark Psychosis employs. Truth be told, much of what I hear on CODENAME:dustsucker I've heard countless times before. However, it rarely sounds as fresh and invigorating as this.” Manos a la obra. “Codename: Dustsucker” es un trabajo que remite directamente a “Hex” y al EP “Blue” publicado inmediatamente despues, y su logica continuacion tras diez ańos que podrian haber sido evolutivamente tres o cuatro. El primer post rock era de naturaleza muy evocadora, y “Codename” remite a los temas clasicos de Bark Psychosis: la noche urbana, las luces de la ciudad, los amaneceres brumosos, las autopistas, la deshumanizacion tecnologica, todo entendido como una representacion a gran escala del modo de vida occidental contemporaneo. El sonido sigue siendo modelado en base a teclados ambientales, pianos, bajos importantes, vibrafonos, guitarras, white noise, efectos, trompetas y delicadas voces susurrantes, dos femeninas (una de ellas Anja Buechele de Throwing Muses) y masculinas (el propio Graham Sutton). A la percusion y coescribiendo dos temas, Lee Harris de Talk Talk, con lo que el circulo se cierra. Los temas se toman su tiempo para desarrollarse, promediando unos 6 minutos largos, y lo hacen pausadamente, sin prisas, entrejiendo con precision los distintos instrumentos y las variadas referencias musicales, el ambient, las bandas sonoras, el jazz, el rock alternativo, las musicas contemporaneas y de vanguardia, el pop y el rock. El primer tema “From what is said to when it’s read” empieza suavemente en clave pop para realizar un cambio hacia el noise electronico a partir de medio corte (similar a “Scum”). “The black meat” se estructura en tres partes: la primera es parecida a la cancion anterior, siendo el puente intermedio, liderado por una trompeta, muy cercano a la musica de Talk Talk, para concluir en tono ambient-electronico a lo Aphex Twin o Main. “Miss Abuse” se decanta por una electronica atmosferica industrial con elementos jazz, soundscore y pop, y con ciertas reminiscencias a Air o The Orb. El cuarto tema, “40 winters”, es directamente pop alternativo, con una presencia importante de la guitarra acustica y voces muy suaves, que evoluciona como un in crescendo invertido: el tempo es progresivamente mas lento y los instrumentos van “desapareciendo”. “Dr Inocuous / Retanoid” es un corto ejercicio ambient-ruidista que da paso a “Burning the city” mediante unos pasajes al piano y la guitarra acustica, en un tema donde el vibrafono adquiere un papel principal. “Inqb8tr” es un tema post rock clasico, reminiscente de los Tortoise de “Standars” o los Hood de “Cold house”. “Shapeshifting” es de nuevo post-pop-rock alternativo, con excelentes tratamientos de electronica bańando las percusiones y las guitarras, y una segunda mitad en clave de electronica industrial experimental. Finalmente, “Rose” es un maravilloso y delicado tema in crescendo con la presencia en primer plano de teclados casi eclesiasticos. Un remanso de paz. “Codename: Dustsucker” se nos presenta como un excelente trabajo de altisimo nivel cuya aparicion era necesaria para recordarnos que el post rock, en sus origenes, era innovacion y no repeticion, creatividad e ideas y no una sucesion incansable de guitarras haciendo loops, gusto por el detalle y no una coleccion de sonidos intrascendentes. Bark Psychosis nos ha regalado una inmensa obra aleccionadora y revitalizadora que recomiendo plenamente. Finalmente, y en relacion a las mencionadas preguntas que el disco me planteo, las respuestas son inmediatas: 1) “Codename: Dustsucker” no solo encaja perfectamente en el post rock actual, sino que forma parte de su esencia. 2) El trabajo no es un producto de la hibernacion: efectivamente realiza aportaciones derivadas de la musica electronica de los ultimos ańos, seguramente canalizadas a traves del proyecto Boymerang de Sutton (basicamente jungle, pero tambien drum’n’bass). El silencio ha sido esculpido de nuevo. Jaume Pujol / 31.Julio.2004 ---------------------------------------------------------------------------- Autor: agustin.barcena@cfe.gob.mx Asunto: RUSH... FEEDBACK 2004 RUSH : "FEEDBACK" (2004) Hola mis estimados cajeros que alucinan con el progresivo que hasta los comparan con los dinosaurios, yo solo pido que no se extingan y podamos seguir disfrutando de este genero musical... jajajajaja. Y hablando de dinosaurios y busquedas de las raices del hombre y su pasado mas cercano, donde todos tienen una linea que no termina en un eslabon perdido y oscuro, tenemos ahora la presentacion de un gran trabajo. En RUSH no vemos al clĂ!sico power trio, ni un grupo mas dentro del escenario; escuchamos en ellos a tres virtuosos en busqueda constante de nuevos sonidos o un sonido mĂ!s propio que los identifique, hay quienes dicen incluso que si de clasificar se trata que entran mĂ!s en lo que denominan "Hard Progresivo". Nosotros creemos que ellos basan su permanencia en el Rock progresivo, por las notas vertidas en este estupendo foro LCDM, por la calidad de su mĂşsica y la letra de sus canciones, la experimentaciĂłn y el conocimiento de la mĂşsica es su gran fuerza. Comprobemos o rectifiquemos nuestros conceptos, si es el caso y el Ăşnico modo que tenemos para hacerlo es escuchandolos... Los tiempos del oscurantismo musical han cambiado radicalmente para muchos adictos a la sonoridad progresiva desde el primer momento en que disfrutamos este tipo de vida y nos sentimos hombres libres, intelectuales y desarrollados por todo lo que recibimos en la aportaciĂłn diaria de la musica, el alimento de nuestra alma. Con el progresivo que tanto disfrutamos, nos sentimos transportados a epocas miticas donde viajamos a hombros de gigantes y exploramos, a traves de la musica, la historia, la geografia, la cosmovisiĂłn humana por el mas fino de los sentidos; sin embargo tenemos en cuenta que, cuando prometeo robo el fuego de los dioses, como represalia Zeus ordeno al legendario artesano Hefesto que creara un regalo: combinar suciedad y agua y formara una bella muchacha que fuera identica a los dioses inmortales... luego, Zeus ordeno a Hermes que la llenara de engaño y artimañas descaradas... Hermes llamo a esta mujer “Pandora” la que da todos los regalos. Aun asi, a traves de la caja de musica, hemos encontrado al cajero gentil que con sus comentarios nos ayudan a descifrar la sutil diferencia entre lo hermoso y lo aburrido, aun y sabiendo que Jano siempre tendra dos caras y todo es segĂşn el cristal con que se mire. Al final de cuentas, uno es quien tiene la decisiĂłn de tomar o dejar las aportaciones y descubrir nuevos horizontes... Por estos comentarios es posible hablar de evolucion y no simples acordes que nunca cambian, aqui no existe espacio para la monotonia... Como ejemplo y para no desviarme demasiado, pondre a colaciĂłn que aquĂ­ hace mas de tres años, lei en LCDM acerca de Mostly Autum y lo descrito sobre la vivencia musical del cajero que realizaba el comentario, hizo que lo buscara por todas partes a donde iba en mi recorrido terreno, la curiosidad por conocer un nuevo grupo era impulsada tal y como dicen las escrituras: Busca y encontraras, pide y se te dara, toca y se te abrira... hasta que hace dos semanas pude dar con dos cds de ellos y... definiria ese encuentro con el grupo como el buen guru progresivo Octavio Guerrero, lo haria: Lo que vale la pena tener, vale la pena esperar... Asi ahora, despuĂ©s de iniciar su periplo en marzo de 1974, el gran grupo canadiense RUSH, inicia ahora el tour de aniversario 30 con una sorpresa con Pandora adentro. Lo escribi sonando a algo muy sencillo... Como siempre, todo tiene ciclos y los circulos magicos de la musica nos llevaran a lugares de inicios y fines de nuevas eras. A finales del siglo XX se cumple el fin de un eon y el principio de otro. La era de Acuario sustituye a la de Piscis, cuyo inicio esta relacionado con el cambio, las cosas que fluyen imperceptiblemente y trastocan todo. Acuario el portador (iniciativo de un ser progresivo integral que busca sus raices en todas partes, desde la musica clasica, el blues o el jazz, por citar algunos elementos), nos trae un regalo tan esplendido como peligroso, el movimiento progresivo que para muchos que no lo entienden nos voltean a ver como entes poseidos por los mil demonios y para nosotros simplemente es musica celestial, realizandose asi el mito de Pandora, la ambigua portadora de la caja que contiene todos los secretos. Alegrense hijos del progresivo Dios que llena sus vidas de existencia pura y trascendente, a llegado a nuestra tierra prometida el album 29 del trio canadiense mas importante del progresivo, dentro del mismo han sucedido muchas cosas que se escuchan desde la primer oida. Alex Lifeson desarrollo hace tiempo su trabajo solista llamado Victor, Geddy Lee realizo lo propio con el album My Favorite Head Ache sin RUSH, (mi dolor de cabeza favorito es buscar sus discos, jajajajajaja) y el inquieto Neil Peart produce y ejecuta algunas piezas brillantemente, para los dos primeros volĂşmenes del tributo a Buddy Rich llamado Burning for Buddy (donde tambien participa Bill Brufford, entre otros), un bateria jazz que segun el mismo comenta en las lineas dentro del album, lo influyo terriblemente. Estos tres trabajos sin sus compañeros de treinta años, nos dejan algo sorprendente: ninguno de ellos puede vivir sin los demas porque su estilo ya lo tienen en la sangre y existen pasajes musicales en los albumes de Alex y Geddy donde tocan sus instrumentos buscando en la armonia musical a los otros dos, con un dejo de nostalgia. La vida ha sido dura y cruel con estos grandes mortales y han tenido vivencias externas (y extremas) que en ciertos momentos los han hecho reflexionar sobre cual sera el proximo paso a seguir. Algunas Sibilas diran que se ha profetizado en mas de una ocasiĂłn la ruptura del grupo... y ellos juntos y felices como al inicio de esta empresa. Desde 1969 hasta 1972 (es decir, antes de trabajar juntos en el proyecto RUSH), realizaron actuaciones en Toronto interpretando un tipo de musica influenciada por los Cream, depurando su show en vivo en los circuitos de clubes y bares locales. En 1973 debutaron oficialmente con la publicacion de una version de Not Fade Away de Buddy Holly, a la que siguio You Can’t Fight It, grabaciones hechas para su propio sello, Moon Records. A pesar de no conseguir el exito esperado, la banda siguio adelante con la grabacion de su primer album, que fue mezclado por Terry Brown (que continuaria trabajando con la banda hasta el Grace Under Pressure de 1984). Sin lograr el interes de las grandes compañias, una vez mĂ!s este trabajo llego a traves de Moon, y se distribuyo a travĂ©s de London Records. La calidad de los locales en los que actuaban fue mejorando, consiguiendo ser los teloneros de los New York Dolls en Canada y finalmente cruzando la frontera de EEUU para realizar conciertos con los ZZ Top. Casualmente, Cliff Burnstein de Mercury Records escucho a la banda y reedito su primer album. En este punto Rush se embarco en su primer tour integro por EEUU. La musica de la banda en esta etapa se caracterizaba por el tono extraordinariamente alto de la voz de Lee, un sonido de guitarra tremendamente potente, sobre todo en los primeros anios, y un interes recurrente por la ciencia ficcion y la fantasia de la mano de Neil Peart (quien por curiosidades de la vida, no participa en el primer album, sin embargo en vivo toca las piezas del mismo con maestria, como si fueran suyas), pero como diria la Nana Goya, esa es otra historia. Ya se hara lo propio con el analisis del Vapor Trails, album 25 del grupo porque lo que separa a este album con el que comento ahora, son trabajos de recopilaciĂłn donde no pasa nada y solo nos llenamos del grupo. Cuando escuche por primera vez el Vapor Trails, se escuchaba un grupo dando la vuelta al circulo magico, el cual rebuscaba en sus raices volver a sus primeros momentos, con un RUSH y un FLY BY NIGTH mas dinamicos, agiles en su interpretaciĂłn, quiza y si lo permiten, hasta mas catalogado por su servidor como un sonido Heavy rock que sus demas discos, donde tambien se escuchan melodĂ­as melancolicas... Nadie puede ver el arbol con solo ver la semilla y ahĂ­ es donde esta toda esta cuestion, como describe Neil Peart en la cara interior del album FEEDBACK, el guitarrista, el bajista y baterista establecen contacto con una sesion de blues rapido, con base en un relajante numero acustico y con himnos tradicionales del rock. A traves de una espiral musical, el aire se llena de sonidos donde cualquier cosa fue... muy... hermosa... Dice Peart que saben que se encuentran en el año 2004 pero tanto Alex, Geddy y el mismo regresan a los anios de 1966 y 1967 cuando tendrian trece o catorce anios buscando los sĂ­mbolos mas representativos que ayuden a conmemorar los treinta años juntos regresando a sus raices y pagando un tributo a aquellos que los han enseniado y han sido su inspiraciĂłn por mucho tiempo... Ironicamente, muchas de estas canciones que se encuentran en el album, son cover de muchas bandas que las ejecutan en bares por todas partes del mundo... Esta musica celebra buenos tiempos en nuestras vidas y hemos tenido un buen tiempo celebrando. Los proximos años representaran un reto que exigira toda la fuerza y toda la sabidurĂ­a de los hombres. Para entender este reto habra que volver la vista a las profecias de las Sibilas, los misterios de los druidas celtas, los origenes de los mitos griegos, el secreto de las escrituras sagradas, el significado del Cantar de los Cantares atribuido a SalomĂłn y la sabidurĂ­a de los indios americanos. Todas estas tradiciones, mitos, creencias y sĂ­mbolos nos remiten a una figura esencial: el circulo magico, en cuyo centro reside la verdad ultima y cuyo poder se encuentra encerrado en este estupendo FEEDBACK donde si me lo permiten, diria que es un estupendo blues progresivo donde hasta para realizar un tributo, RUSH ejecuta con maestria las canciones de todos conocidas y las pinta con una portada psicodelica que nos remite a tiempos sesenteros idos que regresan en circulos de la memoria hasta nuestos oidos. El disco incluye versiones de los Yarbirds (“Heart Full Of Soul” y “Shapes Of Things”), de los Who (“The Seeker”), de Buffalo Springfield (“Mr. Soul”), de Eddie Cochran (“Summertime Blues”) y del legendario blusero Robert Johnson (“Crossroads”). Los amantes del rock pesado quedarĂ!n deslumbrados, sin dudas, por este disco retro de uno de los power trĂ­os mĂ!s importantes del mundo. El album consta de ocho tracks que son los siguientes: 1.- Summertime blues (Eddie Cochran en la version de Blue Cheer) 2.- Herat full of soul (The Yardbirds) 3.- For what it's worth 4.- The Seeker. (The Who) 5.- Mr. Soul. (Bufalo Springfield) 6.- Seven and seven is 7.- Shapes of things (The Yardbirds) 8.- Crossroads (Cream) A mi juicio este album tiene una calificacion de 95/100 aunque bien disputa la perfeccion divina. Muy recomendable. AgustĂ­n BĂ!rcena Brambila. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Rolando Caloca" Asunto: Captain Beefheart - Safe As Milk Captain Beefheart : "Safe As Milk" Saludos, Cajeros! Despues de estar participando como lector solamente, me atrevo a mandarles una pequeńa reseńa basada en una publicada por Karen Anderson, del disco "Safe As Milk" de Captain Beefheart and his Magic Band. Tracks: 1. Sure 'Nuff 'N Yes I Do 2. Zig Zag Wanderer 3. Call On Me 4. Dropout Boogie 5. I'm Glad 6. Electricity 7. Yellow Brick Road 8. Abba Zaba 9. Plastic Factory 10. Where There's Woman 11. Grown So Ugly 12. Autumn's Child 13. Safe As Milk (Take 5)* 14. On Tomorrow* 15. Big Black Baby Shoes* 16. Flower Pot* 17. Dirty Blue Gene* 18. Trust Us (Take 9)* 19. Korn Ring Finger* * Extras, de sesiones ineditas, no son parte del album original Empezamos con la nocion de "Seguro como la leche"... Refieriendose en este caso al comfort mas que nada, tan comfortable como la leche... Y sin mas, viene el primer track "Sure 'Nuff 'N Yes I Do", un blues clasico del Delta del Mississippi, y pienso que si, estan son las raices del rock. Justo cuando me siento comfortable, llega "Zig Zag Wanderer", un ritmo garage psicodelico del estilo Ted Nugget, bastante bueno. El ambiente se esta poniendo denso, me pongo a pensar justo al terminar este track, y el Capitan llega con "Call On Me", una balada de los 60's tipo Otis Redding, con riffs de guitarra armoniosos, y sin mas aviso, el Capitan nos presenta "Dropout Boogie", un rock anarquico, ańos antes de Marilyn Manson y su ritmo caracteristico. En este punto entra "I'm Glad", con armonias del tipo soul, bastante seguras como la leche. Pero cuidado, llega una de mis favoritas del disco, "Electricity". Un viaje fuera de este mundo donde Black Sabbath se mezcla con Lindsey Buckingham con una mezcla de Salvador Dali usando LSD. La voz del Capitan, sus cuatro y media octavas, hacen sacudir al microfono, y nos recuerda la leyenda de que grabando esa cancion, trono un microfono de $1200 dolares (en 1967!). En este momento, completamente fuera de comfort, llega un mensaje que te deja pensando quien diablos es la Magic Band: "The following tone is a reference tone recorded at our operating level.". Un tono para afinar suena mientras el riff the "Yellow Brick Road" suena, dejando grabado en mi mente a nivel operativo, mientras lo tarareo, esa melodia tan unica de la guitarra principal. De pronto, los tambores dle Africa entran sin aviso en "Abba Zabba", reintroduciendo al Capitan como uno de los dadaistas del rock. El Capitan ataca de nuevo con "Plastic Factory", otro roadhouse blues pesado del Delta, sacudiendo el territorio y haciendo premoniciones. Justo cerca del final, llega "When There's Woman", una balada blues-era, que nos recuerda canciones de Janis Joplin cantadas por Tom Waits. Sigue un tributo a Muddy Waters, "Grown So Ugly", fincando el terreno para Led Zeppelin. Y finalmente, el album termina con "Autumn's Child", una plantilla de rock progresivo, ańos luz adelante del genero. Esto fue tan comfortable como la Leche? Espero luego publicar una reseńa del album seminal del rock, Trout Mask Replica. Saludos! Rolando Caloca Olivares ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Anibal Maraschi" Asunto: Realidad o fantasia ? Hola a todos. Sobre la forma rockera de interpretar el rock ( miren como estaremos que me siento obligado en un foro supuestamente rockero a tratar de explicar la esencia del ROCK ) me gustaria explayarme un poco mas ( aunque se que a la gran mayoria Cajeros puedo aburrirlos ya que no gustan del Rock ): Sobre las formas rockeras: Ian Anderson en una entrevista cuenta que al ver que nunca podria ser tan buen guitarrista como Clapton, decidio explorar algun otro instrumento para destacarse. Sus opciones fueron la flauta o el violin. Sabemos que elijio la flauta y explica sonoramente en dicha entrevista radial como debio "ensuciar" el soplido para hacer que el delicado sonido de la traversada pudiera acoplarse a un sonido rockero. Sobre el fondo: En el programa radial The Musical Box de Buenos Aires los conductores del mismo casi debieron pedir disculpas al pasar al rabioso Hammill cantando en vivo en la gira que hiciera como soporte de Genesis alla por los setentaipico. Claro, para muchos de sus oyentes canta feo, es agresivo, y no habla de caballeros blancos rescatando virginales princesas. Muchos de esos oyentes se ponen seudonimos Tolkieanos y pregonan a viva voz que esta musica maravillosa llena de fantasia y sueńos infantilmente medioevales (ya que de de la edad oscura solo se quedan con los onanistas magos peliblancos y los gnomos de ojos dulces) les sirve para evadirse de la cruel o monotona realidad que les/nos toca vivir. Creo que aqui reside la diferencia esencial entre el Rock Progresivo y la Musica neo-sinfonica. El ROCK nacio para modificar la realidad y la Musica neo-sinfonica para evadirse de ella. Y le doy la razon al amigo Cesar Mendoza sobre lo impropio de utilizar el termino "amanerado" o "amariconado" . En realidad el la musica neo-sinfonica es mas infantil que "maricona". Un saludo a todos Anibal "amanerado" Maraschi ----------------------------------------------------------------------------