/-------------------\ | XXX | \__ | XXX X | __/ \__ | XXX X | __/ \__ | X X | __/ | X X | --------- | X X | --------- __ | X .-.X | __ __/ | X /XXXX | \__ __/ | .-.X XXXX/ | \__ / | /XXXX `""´ | \ | XXXX/ | | `""´ | \-------------------/ LA CAJA DE MUSICA LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO ============================================================================ LCDM: #580 julio 2004 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM ---------------------------------------------------------------------------- * Gentle Giant - The Missing Piece (1977) * Rush - Signals (1982) * Eloy - Planets (1981) * Novedades Tangenciales * el 2do. de Sloche * el Paraiso de METAMORFOSI * GROBSCHNITT: Rockpommel's Land * Breves impresiones de The Tangent * COLLINS Y RUTHERFORD EN BARCELONA * Setlist posible para Lorca's Jethro Tull Show * tales... otra vez * LOCANDA DELLE FATE Forse le lucciole non si amano piu * CORTE DEI MIRACOLI : "Dimensione Onirica" * Kayak - Close to the Fire (2000) * Fe de erratas en "Espiritu 3" * el retorno de Cathedral [70s] * ATEMPO: "ABISMOS DEL TIEMPO" (2003) * Clapton isn't god * Kinks y post rock * PETER GABRIEL, UN MAESTRO DE LA DISTRACCION ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Ferran Lizana Abat" Asunto: Gentle Giant - The Missing Piece (1977) GENTLE GIANT : "THE MISSING PIECE" (1977) Discografica: Chrisalys Temas: 1. Two Weeks In Spain (3:00) 2. I'm Turning Around (3:54) 3. Betcha Thought We Couldn't Do It (2:20) 4. Who Do You Think You Are? (3:33) 5. Mountain Time (3:19) 6. As Old As You're Young (4:19) 7. Memories Of Old Days (7:15) 8. Winning (4:12) 9. For Nobody (4:00) Musicos: - Gary Green / guitars - Kerry Minnear / keyboards - Derek Shulman / vocals, saxes - Ray Shulman / bass, violin - John Weathers / drums Los 70 estaban llegando a su fin, y con la llegada de la revolucion punk, Gentle Giant debian intentar evolucionar, tras comprobar como el rock progresivo, poco a poco, iba en decadencia y perdiendo popularidad. Ya no valia hacer el mismo tipo de albumes que en 1974, puesto que hubiera significado navegar a contracorriente. Con "The Missing Piece" las cosas empiezan a cambiar irremediablemente hacia un rock electrico, mas directo y simplificado. Pero en todo caso, se trata de un rock visto desde la peculiar perspectiva de estos genios. Es decir, que no estamos ante el tipico album de pop-rock asequible y previsible, sino ante una coleccion de canciones simples, pero al mismo tiempo originales, atractivas y estupendamente instrumentadas. Estupendos temas muy roqueros, blueseros y funkies como "Betcha Thought We Couldn't Do It", "Who Do You Think You Are?", "Mountain Time" o "For Nobody" , donde Gentle Giant demuestran con maestria su sentido del ritmo y su espiritu mas roquero. Tambien estan bastante bien, canciones como la balada "I'm Turning Around", o el medio tiempo vocalizado por Kerry Minnear, "As Old As You're Young". El unico tema que podria encajar en sus anteriores trabajos, y quizas lo mejor del album, "Memories Of Old Days", nos trae de nuevo a los Gentle Giant mas ambiciosos y especiales, gracias a una compleja instrumentacion acustica y muy buen trabajo melodico. "The Missing Piece" nos descubre a unos Gentle Giant mas directos y roqueros, que podrian haber significado un aire renovador y original en las emisoras AOR americanas, si el grupo no hubiera perdido popularidad, como la perdio en esa epoca. Un buen album de pop-rock personal e intransferible, y en absoluto un mal trabajo. Valoracion: 6/10 Ferran Lizana (rockomic@vodafone.es) ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Ferran Lizana Abat" Asunto: Rush - Signals (1982) RUSH : "SIGNALS" (1982) Discografica: Anthem/Mercury Temas: 1. Subdivisions (5:32) 2. The analog kid (4:46) 3. Chemistry (4:56) 4. Digital man (6:20) 5. The weapon (part II of Fear) (6:22) 6. New world man (3:41) 7. Losing it (4:51) 8. Countdown (5:49) Musicos: - Geddy Lee / basses, bass pedals, synthesizers, vocals - Alex Lifeson / guitars, bass pedals - Neil Peart / drums, percussion Musicos invitados: - Ben Mink / violins (7) Con "Signals", Rush entran en su tercera etapa, la mas puramente 80's, en la que los sintetizadores logran hacerse con buena parte del dominio instrumental, y en la que se dejan influenciar por los generos nacidos en las islas britanicas, que han estado triunfando en los ultimos años, entre otros, la new wave, el post punk, el rock gotico y el synth pop. La era de la tecnologia habia llegado, y Rush no lo iban a pasar por alto. Todas estas nuevas influencias, se convierten ya en parte fundamental para entender "Signals", el album ademas, donde los sintetizadores tienen tanto protagonismo como las guitarras. Estamos pues, ante el album, al menos hasta ahora, con mas teclados del grupo (podriamos decir el mas "sinfonico"), pero sin embargo, la palabra "progresivo" queda un tanto fuera de lugar en esta nueva etapa, si la comparamos con la anterior. De la misma forma, es el primer trabajo donde la faceta hard rock de Rush, queda bastante minimizada, asi como los largos temas cambiantes. El grupo se decide a partir de este album (y todavia continuan), exclusivamente por canciones de duracion estandar, mayormente de 4 a 6 minutos. Es curioso comprobar como a pesar de que "Signals" es un album basico de este periodo de Rush, no contiene practicamente hits o canciones de gran popularidad (a diferencia de "Moving Pictures", que iba sobrado), lo cual no significa que no contenga temas que podamos considerar clasicos, ni mucho menos. Y efectivamente, sobretodo "Subdivisions", "The Analog Kid" y "New World Man, los tres de una calidad envidiable, son temas que el grueso de fans de la banda consideran clasicos. Pero en mi opinion otros temas poseen el mismo gran nivel, sobretodo "Countdown" (atencion a sus brillantes solos de sintetizador) y "Chemistry", pero sin olvidar "Digital Man" y la balada "Losing it", que incluye el acompañamiento de violines. Por lo que respecta a las influencias que Rush ha ido adquiriendo en estos ultimos años, en los temas "Chemistry", "Digital Man", "New World Man", se puede apreciar claramente el pseudo-reggae y las caracteristicas guitarras propios de The Police, una banda perteneciente a la new wave, mientras que "The Weapon" tambien posee influencias de este genero. Asimismo, se pueden apreciar algunos teclados goticos en "Chemistry", y algunos toques tecno-pop en "The Weapon". Finalmente vale la pena citar a "Subdivisions", "Countdown" y "Chemistry" como seguramente, los temas de Rush donde los teclados adquieren mas trascendencia, mientras que el unico tema decididamente roquero del album es "The Analog Kid". Valoracion: 9/10 Ferran Lizana (rockomic@vodafone.es) ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Ferran Lizana Abat" Asunto: Eloy - Planets (1981) ELOY : "PLANETS" (1981) Discografica: EMI Electrola Temas: 1. Introduction (1:58) 2. On The Verge Of Darkening Lights (5:37) 3. Point Of No Return (5:45) 4. Mysterious Monolith (7:40) 5. Queen Of The Night (5:22) 6. At The Gates Of Dawn (4:17) 7. Sphinx (6:50) 8. Carried By Cosmic Winds (4:32) Musicos: - Hannes Arkona / guitars, keyboards - Frank Bornemann / vocals, guitars - Hannes Folberth / keyboards - Klaus-Peter Matziol / basses, vocals - Jim McGillivray / drums, percussion Musicos invitados: - Strings arranged and conducted by Wolfgang Dyhr "Planets", junto al posterior "Time to Turn", forman parte de una misma linea conceptual, son en realidad, albums hermanos. Este trabajo significa una vuelta a los sonidos mas galacticos de los Eloy de los 70's, aunque estructuralmente supone un paso adelante en la senda iniciada en "Colours". "Planets" es un album tan recomendable como "Colours". "Planets" es el album de Eloy mas espacial y atmosferico, el album donde los teclados ejercen un dominio casi total, quedando las guitarras reducidas a un trabajo de acompañamiento. La maestria del grupo, mas concretamente de sus dos teclistas, en crear atmosferas espaciales alucinogenas, es lo mas notablemente destacable en este magnifico album, sin olvidarnos de algunos magnificos solos de sintetizador provistos de un gran feeling. Todos los temas incluidos en "Planets" son dignos de ser resaltados, y todos ellos son muy sinfonicos, atmosfericos y espaciales, pero ademas poseedores de un punto asequible que los hace tremendamente atractivos. Siendo tal vez los mejores, "On the Verge of Darkening Lights", "Misterious Monolith", la sublime instrumental "At the Gates of Dawn", "Sphinx" y "Carried by Cosmic Winds". Destacar la acertada inclusion de nuevo, de arreglos orquestales en los temas "Queen of the Night", "At the Gates of Dawn" y "Carried by Cosmic Winds". "Planets" no es de los albumes mas conocidos de Eloy, pero estoy seguro que sorprenderia agradablemente a muchos. Al ser un album de 1981 puede parecer que estamos ante unos Eloy que, como les ocurrio a otras bandas progresivas por estas fechas, bajan considerablemente el liston, pero nada mas lejos de la realidad. Valoracion: 8/10 Ferran Lizana (rockomic@vodafone.es) ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Novedades Tangenciales HOLA CAJEROS, los saluda Cesar Mendoza. Aqui les paso una nota referente al proyecto progresivo The Tangent. Se anuncia en ella la entrada de un nuevo vientista en reemplazo de David Jackson, tanto para la realizacion de una mini-gira como para la grabacion de su inminente siguiente disco. The Tangent causo muy buena impresion con su excelente disco 'The Music that Died Alone', una de las sorpresas mas agradables del a~no pasado. Ahora viene la nota, tomada de Progressive World: For The Tangent it was always a possibility that the same line-up would not be available [for tours, future albums] ... seeing as the first CD was only supposed to be a one off. David Jackson's frantic schedule of touring and recording this year (which even includes live dates with classic Italian prog band Le Orme) have prevented him from taking part in the new recordings, which should be complete by August. The rest of the "band" can simply be thankful that they got to work with him in the first place ... and thankful too that a superb replacement has been found ... Enter.... Theo Travis. Theo is a composer saxophonist and flautist of finest pedigree, who leads his own quartet. His second CD on 33 Records, View From The Edge, was voted Best British Jazz CD of 1994 by the Jazz on CD Readers/Critics poll. He was also nominated as Rising Star in the 1996 and 1998 British Jazz Awards and was named Best Newcomer of 1993 by the Financial Times. More familiar to our readers may be his work with Gong, (for whom he has been a regular member of the live and recording entourage) and Porcupine Tree ... you can hear his work on several of their albums including Stupid Dream and the later mix of The Sky Moves Sideways. Add work with Dick Heckstall Smith and Jansen-Barbieri-Karn and we have a musician ideally experientially suited to the Tangent's needs. Despite his being mainly known on the new British jazz scene, Theo is a walking encyclopedia of progressive music, with much love for bands like King Crimson, Yes, and Pink Floyd. The recording sessions took place at MBL in Burley during the first weekend of June, and were highly productive and enjoyable. Theo's work will be the first thing that listeners to the new Tangent album hear, as the album begins with a flute and saxophone arrangement... Theo will have his own page on [the Tangent] site as soon as possible ... In the meantime, check out his website (with audio downloads) at www.theotravis.com Tangent's second album The World That We Drive Through is expected to be released in early October in time for their debut European "mini tour." ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: el 2do. de Sloche SLOCHE: “Stadacone” (1976) Temas 1. Stadacone 2. Le Cosmophile 3. Il Faut Sauver Barbara 4. Ad Hoc 5. La ‘Baloune’ de Varenkurtel au Zythogala 6. Isacaaron (ou Le Demon des Choses Sexuelles) Integrantes - Rejean Yacola: piano, pianos electricos, sintetizador, clavinet - Martin Murray: organo, sintetizadores, saxo soprano, percusion, voz - Caroll Berard: guitarras, percusion, voz - Pierre Hebert: bajo - Andre Roberge: bateria, percusion, voz Colaborador – Gilles Duellet: celesta, percusion, voz Con este, su segundo y ultimo trabajo, la banda quebequense Sloche culmino una carrera demasiado breve para la brillantez y frescura creativa que ostentaba a raudales. ‘Stacadone’ fundamentalmente sigue por el camino trazado por el debut ‘J’un Oeil’, con la salvedad de que en esta ocasion Sloche opta por priorizar mas notoriamente sus inclinaciones por lo jazzero: en este sentido queda claro que la huella de Return to Forever y Weather Report queda marcada de forma patente; ademas, la banda empieza a presentar un bloque sonoro mas fuerte en lineas generales, aunque no por ello llega a renunciar a las sutilezas y texturas ni a la presencia de pasajes serenos y evocativos dentro de su nuevo repertorio. Las cadencias mas recurrentes de la seccion ritmica me recuerdan casi todo el tiempo a la asombrosa dupla Shulman-Weathers que tan exquisitos resultados a dado a Gentle Giant. Dado el resultado inmaculadamente coherente del producto final de ‘Stadacone’, muchos lo consideran como el mejor trabajo de Sloche, y yo me inclino a suscribir el diagnostico. Los pasajes vocales son menores en cantidad que los del primer disco, y principalmente sirven para añadir colores extra a la paleta sonora de los instrumentos. El extenso tema de entrada (dura 10 minutos) es un indicio claro de la orientacion general del disco, bastante proclive a incluir jams bien armados donde el lucimiento de los solos de teclado y guitarra mantienen un nivel de destreza medido para que nunca exploten en desbordes descontrolados, y una base ritmica solida que sabe mantener un swing elegante y contagioso. Un momento raro del disco consiste en un breve pasaje de organo y coro de tono gregoriano, ejecutado con espiritu de fina satira. Los siguientes tres temas siguen por una vertiente constante y similar, con un acento funky especialmente marcado en ‘Ad Hoc’. El quinto tema, ‘La ‘Baloune’ de Varenkurtel au Zythogala’, transita por senderos un poco mas reposados, e incluso diria solemnes, con un trabajo melodico sensible y evocativo, ejecutado con absoluta fineza: en este tema parecen acercarse mas a lo que hacen bandas Canterbury tales como Gilgamesh y Hatfield & the North. El tema de cierre es una apoteosis progresiva que se extiende hasta los 11 minutos de duracion: es la pieza mas fastuosa del disco, y si me permiten decirlo, es mi favorito del repertorio integro de Sloche. En varias ocasiones Sloche se deja empapar por los juegos contrapuntisticos y delicadas disonancias de corte Gentle Giant, y en algunos momentos, tambien parcialmente a la magica majestuosidad del ‘Relayer’ de Yes. Claro esta, el espiritu predominante sigue siendo el de la onda jazz fusion, pero sin duda lo sinfonico asume aqui un papel mas relevante que en ninguna otra seccion de ‘Stadacone’. En suma, un excelente disco diseñado para ser disfrutado por aquellos que aman el prog con inmensos y exquisitos tintes jazzeros. Cesar Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: el Paraiso de METAMORFOSI METAMORFOSI: “Paradiso” (2004) Temas 1. Introduzione 2. Sfera di Fuoco 3. Cielo della Luna 4. Salita a Mercurio 5. Cielo di Mercurio 6. Salita a Venere 7. Cielo di Venere (Notturno su Venere) 8. Il Sole 9. Cielo di Marte 10. Cielo di Giove 11. Cielo di Saturno 12. Stelle Fisse 13. Empireo 14. La Chiesa delle Stelle Integrantes - Jimmy Spitaleri: voz - Enrico Olivieri: teclados - Leonardo Gallucci: bajo, guitarra clasica - Fabio Moresco: bateria Colaboradores – Marco Maracci (teclados en 8), Claudio Bartolucci (percusion en 12) Para el nuevo milenio, Jimmy Spitaleri y Enrico Olivieri resucitaron Metamorfosi con el afan de retomar su ambicioso proyecto musical en torno a ‘La Divina Comedia’ de Dante. Ahora, en el 2004, por fin pudieron dar forma acabada y editar ‘Paradiso’, que sucede tras un vacio de 30 años a su genial ‘Inferno’, una de las obras maestras del progresivo setentero italiano. A la luz de los resultados obtenidos con el nuevo repertorio, creo sinceramente que es justo señalar que la banda mantiene su vitalidad y energia de antaño. La labor de Olivieri en los teclados es impecable e impresionante, y no queda atras la de Spilateri, cuya fuerza vocal y pasion parecen haberse quedado con la frescura de los 70s. Los otros dos musicos, nuevos en Metamorfosi, ayudan a mantener vivo el fuego de Metamorfosi, manteniendo un nivel netamente rockero en sus afanes. Son los teclados de Olivieri los encargados de presentar los diversos ambientes y escenas del concepto con sus multiples cortinas orquestales, solos y bloques armonicos (con excepcion de ‘Cielo di Venere’, en el cual es la guitarra acustica la que ocupa el rol protagonico). El teclado mas saltante es el piano de cola, lo cual responde al realce de la magnificencia solemne que he mencionado anteriormente. Tambien hay una notable presencia en ciertos momentos de ambientes astrales ejecutados en teclados digitales, un recurso sonoro que se condice mucho con la linea cosmica que la imagineria cristiana suele asociar con la idea del Cielo Divino. A diferencia de ‘Inferno’, que resultaba una obra principalmente inquietante y subyugante, ‘Paradiso’ adopta un aire predominantemente solemne, muy acorde con el concepto del Paraiso como una dimension rebosante de eterna gloria y misteriosa luminosidad. Esto no quiere decir que no haya momentos agresivos y netamente rockeros; estos tienen la presencia asegurada, pues debemos tener presente que la ideologia de Metamorfosi es la del power trio. Lo que quiero decir es que el nuevo material no apuesta a clonar el espiritu de ‘Inferno’, sino que plantea una propuesta con las variantes necesarias para que resulte coherente con el concepto especifico elegido en esta ocasion dentro del espectro de la literatura dantesca. ‘Cielo di Marte’ es tal vez el numero mas explosivo del disco, mientras que el mayor nivel de complejidad progresiva parece concentrarse en los dos ultimos temas, el alucinado instrumental ‘Empireo’ y el fastuosos tema de cierre ‘La Chiesa delle Stelle’. Pero antes de llegar aqui hemos pasado por varias secciones bastante interesantes, como los meandros barrocos de ‘Stera di Fuoco’ y ‘Cielo di Mercurio’, la serenidad bucolica de ‘Cielo di Venere’, y la energia estilizada de ‘Cielo di Giove’ y ‘Cielo di Saturno’. En general, ‘Paradiso’ resulta un disco exquisito, elaborado con la inspiracion propia del mejor progresivo italiano de tendencia dura, permitiendo asi a Metamorfosi retornar con su viejo esplendor intacto. Cesar Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: GROBSCHNITT: Rockpommel's Land (1977) GROBSCHNITT: “Rockpommel’s Land” (1977) Temas 1. Ernie’s Reise 2. Severity Town 3. Añwhere 4. Rockpommel’s Land Integrantes - EROC: bateria, percusion, voces - LUPO: guitarras solistas y acusticas, voces - MIST: teclados - PUPO: bajo - WILDSSCHWEIN: guitarras ritmica y acustica, voz solista Con este disco la banda alemana cultora del prog sinfonico Grobschnitt alcanzo el momento de mayor finura y fastuosidad en su sonido, apartandose notablemente de esa faceta mas dura y psicodelica que siempre se hacia notar en sus anteriores trabajos (aunque tampoco lo anulan totalmente): merced a este ahondamiento en lo sinfonico, especialmente en lo que se refiere a la exposicion mas directa de las lineas melodicas y texturas orquestales de teclado, las semejanzas con el sonido clasico de Yes y el preciosismo hipnotico del Pink Floyd 73-75 y sus paisanos de Novalis y Eloy salieron al frente de manera mas decidida. Para muchos este es el trabajo mas inspirado de Grobschnitt, y yo ciertamente comparto esta impresion, aunque para nada quiero desmerecer lo que hicieron en discos anteriores: en todo caso, me da la impresion de que la meta de Grobschnitt para este disco era instituirse genuinamente y por primera vez como una banda sinfonica, y los diez meses de ensayos, arreglos y grabaciones que les tomo gestar ‘Rockpommel’s Land’ lograron llevar a buen puerto este cometido artistico. Se trata de un concept disc que gira tematicamente en torno a un viaje ‘gulliveriano’ de un puber llamado Ernie, en el cual aprende algunas verdades fundamentales de la psique y el corazon humano: como vemos, este relato favorece la transmision de mensajes introspectivos y pacifistas, al modo de Yes... aunque el factor mas favorable a este tipo de asociacion es el hecho de que la portada del disco fue hecha por el propio Roger Dean, plasmando uno de sus tipicos paisajes oniricos, donde se realzan los cielos fantasticos y las forestas de ensueño. Dos cosas son las que principalmente llaman la atencion sobre este disco, en tanto que se aparta frontalmente de los delineamientos del tan extendido krautrock tan comun en su pais de origen. El fino trabajo de la guitarra solista en sus fraseos y punteos, y el manejo impecablemente elegante de las cortinas orquestales de teclado, sin llegar a los extremos de pomposidad ni caer en un protagonismo absorbente: las labores respectivas de Lupo y Mist los convierten practicamente en los directores del camino refinadamente sinfonico emprendido por el grupo en este momento. Un par de cosas que si resultan muy “germanicas” por asi decirlo (y que siempre tiene lugar en los discos de Grobschnitt) son, por un lado, la aspereza de las intervenciones vocales, y por el otro, el recurso de ciertos efectos de sonido un tanto tenebrosos, pero en lineas generales, el sinfonismo en el sentido mas exquisito del termino es el tenor abrumadoramente predominante en ‘Rockpommel’s Land’. Los dos primeros temas duran mas de 10 minutos cada uno, siendo asi que “Ernie’s Reise” da prioridad a una ambientacion serena y eterea (hermosa introduccion de guitarras acusticas), mientras que “Severity Town” esta mas llena de contrastes y pasajes energicos, aunque estos nunca llegan a ser explosivos. “Añwhere” es una balada de corte predominantemente acustico, que encarna la faceta mas relajada del disco. La guinda de esta torta progresiva la pone la extensa suite homonima que se extiende hasta casi 21 minutos de duracion, ocupando integramente el lado B del vinilo. Tal como se espera de este tipo de temas, el nivel compositivo se apoya en la incansable sucesion de diversas secciones, una riqueza melodica de corte ‘orquestal’, alternancias entre pasajes rockeros y otros bucolicos, protagonismos claros de la guitarra solista y el Moog, un ambicioso trabajo de texturas de teclado que ya estaba presente en los dos primeros temas. No hay tanto contraste como si una fluida continuidad entre los pasajes mas fuertes y los mas reposados, merced al fino trabajo en los arreglos y las ejecuciones. El final climatico, fastuoso y emotivo, construido sobre un compas languido y bien marcado, exhibe uno de los momentos mas bellos del sinfonismo aleman. En fin, tal como he venido señalando a lo largo de este comentario, ‘Rockpommel’s Land’ constituye una obra cuya ambiciosa oferta de belleza monumental la convierte en uno de los pilares mas notables del progresivo europeo, y ciertamente, muestra a un Grobschnitt que ha alcanzado su propia cuspide como fuerza creativa. Cesar Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Breves impresiones de The Tangent HOLA CAJEROS, los saluda Cesar Mendoza. Recientemente adquiri u nejemplar del disco 'The Music that Died Alone' de The Tangent, el proyecto multinacional creado y liderado por Andy Tillison, con un liderazgo que para nada impidio el aporte creativo de los musicos acompañantes. Con tres miembros de The Flower Kings (uno de ellos el hombre de las mil y una presencias Roine Stolt), su compañera de PO90D Sam Baine, una pianista de estilo fino y poderosa personalidad, su amigo y compinche de años el guitarrista/compositor Guy Manning, y el ilustre vientista David Jackson, no habia otra cabida que dejarlos expresarse con total soltura. El repertorio de este disco esta dominado por tres suites multipartitas, mas un tema que tambien tiene una extension temporal considerable. Stolt muestra sus pautas de jazz-rock en su guitarra, sin abrumar al oyente, y la dupla tecladista de Tillison y Baine se complementa a las mil maravillas. La seccion ritmica se porta tambien con maestria y potencia, mientras que Jackson maneja sus saxos y flautas con una delicadeza mesurada, lejos ya de los extravios de VdGG - con todo, su clase y energia permanecen como una constante. El disco mantiene en buena dosis la onda de PO90D, pero quitandole mucho de su filo de vanguardia pop, y aumentandole la cuota de ingredientes de progresivo pomposo y de jazz (especialmente en la segunda suite, que no solo alude en su titulo al canterbury, sino que contiene una version de una pieza del genero). Un excelente disco. Yo no puedo pretender añadir algo nuevo al comentario que ya se publico hace un tiempo en LCDM, el cual es claro y coherente. Si tuviera que calificar al disco sobre un maximo de cinco estrellas, le daria cuatro - en Prog Archives, est oquiere decir que se trata de una "excelente adicion a una buena coleccion progresiva". Aqui me despido hasta una nueva ocasion. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Elias_Parga Asunto: COLLINS Y RUTHERFORD EN BARCELONA Phil Collins en Barcelona, julio 2004 Hola a todos El pasado jueves dia 1 de julio estuve en Barcelona en el Palau San Jordi. Actuaban primero Mike and the Mechanics y luego Phil Collins. Fui con un hermano con la esperanza de que hubiese "sorpresas". Llegamos cuando ya tocaba Mike... tres o cuatro canciones totalmente pop con Paul Carrack cantando y toda la gente tarareando las canciones. Sale Phil Collins, empieza a tocar la bateria, se incorpora Chester Thompson. Dueto. Aparece un tecer bateria. Los tres a la vez. Esta bien, aunque es como lo de siempre con uno mas, De todas formas se agradece. El concierto de Phil Collins como la acustica del Palau: bastante penoso (para mi, tocando tarzan, hermano oso, etc...). Solo salvo "I missed again" que estuvo bien aunque con una acustica lamentable ?como organizan un concierto en un sitio con un sonido tan malo? Nunca habia estado en el Palau pero la acustica es por lo menos 3 veces peor que en el Palacio de Deportes de Madrid que siempre ha sido criticado por la misma. Yo y mi hermano todo el concierto gritando "!!Llama a Mike!!", soñando que apareceria tambien por alli Banks y ?por que no? Gabriel y Hackett, no en vano estamos en el Forum de las culturas, es la ultima actuacion de Collins y con Rutherford de telonero. Decidimos compensar la ausencia de Mike y los demas con cerveza. Volvemos a casa escuchando en el coche Cinema Show. Lastima. En otra ocasion. Esperemos que la cosa salga mejor este 16 en Santiago con Bowie y The Cure, o el 22 en Madrid con Al Jarreau (y si no el 29 en Madrid con Stece Winwood). Un saludo Elias Parga ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Alfredo Azorin" Asunto: Setlist posible para Lorca's Jethro Tull Show Hola cajeros: He estado investigando el posible setlist para el proximo concierto de Jethro Tull en Lorca (Murcia) al cual iran unos cuantos cajeros alicantinos y murcianos. Pues con pequeñas variaciones lo que estan tocando en los ultimos conciertos de mayo y junio es lo siguiente: 1. Aqua-Intro 2. Living in the past 3. Nothing is easy (Stand Up) 4. Beggar's farm (This Was) 5. With you there to help me (Benefit) 6. Eurology (Rupi's Dance. Ian Anderson) 7. Farm in the Freeway (Crest of a Knave) 8. Pavane (Christmas Album) 9. Weathercock (Heavy horses) 10. A week o!f moments (Rupi's dance) 11. Bouree (Stand up) 12. Mother goose (Aqualung) 13. Morris Minus (A trick of memory. M.Barre) o bien Murphy's Paw (Stage left. M. Barre) o bien As Told By (Stage left. M. Barre) 14. SOngs from the wood/ Too old to rock and roll/ Heavy horses 15. God rest ye merry gentlemen 16. Budapest (A Crest of a Knave) 17. Holly Herald (Christmas Album) 18. Aqualung 19. Wind up (Aqualung) 20. Locomotive Breath (Aqualung) 21. Protect and Survive (A) 22. Cheerio ( Beast and the Broadworst) Pues eso, que ya podeis ir fabricandoos el cdr correspondiente para oirlo en el coche. Yo me pongo con el mio ahora mismo. Un saludo, y animaros los que esteis cerca y lo que no haced un esfuerzo. Alfredo Azorin ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "alejandro fabian lopez" Asunto: tales... otra vez Bueno, hasta en las circunstancias mas inocente se nombra al album Tales from Topographic Oceans de Yes y se levanta la controversia... Lo siguiente son unas lineas de un reportaje a Squire y Anderson realizado por Clarin durante la visita al pais de Yes en 1999 CLARIN: El disco Tales From Topographic Oceans (1973) suele ser considerado como el pionero del movimiento New Age. Estan de acuerdo? ANDERSON: Definitivamente. Totalmente. Mi interes por la cultura oriental me llevo a un libro como Autobiografia de un Yogui, donde se concentran textos de literatura hindu de 1500 años antes de Cristo. Quede casi hipnotizado por esos textos y de ahi surgieron los cuatro movimientos del disco. Por mucho tiempo, fue tratado como la oveja negra de nuestra discografia. Decian que eramos pretenciosos, que nos faltaba un tornillo, pero yo creo que fue producto de obtener la libertad suficiente para usar el estudio de grabacion y desarrollar una idea con libertad. CLARIN: Tenian planes? SQUIRE: Si! El de convertirnos en unos dinosaurios! (risas) ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Jorge Padilla L" Asunto: LOCANDA DELLE FATE Forse le lucciole non si amano piu LOCANDA DELLE FATE : "Forse le lucciole non si amano piu" (1977) Discografica: Polydor (519 389-2) Temas: 1. A volte un instante di quiete (6:34) 2. Forse le lucciole non si amano più (9:50) 3. Profumo di colla bianca (8:27) 4. Cercando un nuovo confine (6:42) 5. Sogno di Estunno (4:42) 6. Non chiudere a chiave le stelle (3:35) 7. Vendesi saggezza (9:38) 8. New York (Bonus track) (4:37) 9. Nuove lune (Bonus track) (3:56) Tiempo total: 58:37 Musicos: - Giorgio Gardino : Bateria , Vibrafono - Luciano Boero : Bajo, Hammond - Ezio Vevey : Guitarra Electrica, Acustica, 12-cuerdas, Voz, Flauta - Alberto Gaviglio : Guitarra Electrica, Acustica, Electrica de 12-cuerdas, Voz - Michele Conta : Piano, Piano Electrico, Polimoog, Clavicordio, Clavinet, Sintetizador - Oscar Mazzoglio : Hammond, Piano Fender, Moog, Polimoog, Sintetizador - Leonardo Sasso : Voz “Este es el album mas fino del rock progresivo italiano que haya existido jamas.” Locanda delle Fate no invento ningun estilo nuevo, sin embargo logro llevar al rock progresivo italiano a su maxima expresion artistica en aquella exuberante y prolija decada de los 70’s. Tomando el ejemplo de otras bandas progresivas de Italia, incluyeron en su alineacion a dos tecladistas y dos guitarristas, logrando un balance perfecto entre las partes suaves y fuertes, las melodias y contramelodias, y un atinado contrapeso de instrumentos como la guitarra y la esplendida y excepcional voz del cantante, el imponderable Leonardo Sasso. Con este album, LDF logro alcanzar la cima del rock progresivo italiano que las bandas pioneras de Italia no parecieron o no tuvieron tiempo de consumar. LDF resume lo mejor de este estilo en un solo disco, en un solo viaje, en una sola inmersion a las profundidades de la topografia progresiva y sinfonica. Como todo gran album de esta corriente, se hace necesario seguir la ruta adecuada para su correcta y total apreciacion. Las recetas no siempre funcionan, y por lo general uno mismo debe desarrollar su propia manera de entrar en un album. Los mas avezados seguramente ya lo tienen en su coleccion personal, por lo que las recomendaciones salen sobrando. A los que no, los invito encarecidamente a que lo escuchen y descubran esa magia tan particular, tan especial que, como en este caso, solo el rock progresivo sinfonico es capaz de proyectar. Como lo logro LDF? Para mi es un misterio. Vale decir que los temas siguen un orden de progresion logica que permite que la musica fluya sin contratiempos, y que aunado a la lucidez y capacidad inventiva de la misma da la impresion de terminarse demasiado pronto. El album inicia con el corte instrumental “A volte un instante de quiete”, la pieza que pone el tono, la atmosfera animica, onirica, magica, sobre la cual se iran desenvolviendo los siguientes temas. Una melodia magistral inolvidable que uno quisiera que no terminase nunca. Pero debe terminar para dejarnos escuchar el siguiente tema, la igualmente magistral “Forse le lucciole non si amano più” (9:50), la pieza mas extensa del album y una de las mas hermosas y emotivas que se hayan hecho nunca en Italia en este estilo. Con estos primeros dos cortes LDF plasma las notas mas altas de su creatividad, hasta un nivel de calidad que ya no decaera ningun momento hasta el final del disco. “Profumo di colla bianca” (8:27) es una pieza de corte intimista, introspectiva, con aroma a nostalgia. En el desvan, entre libros y viejos cuadernos, los restos de un juguete, entre el polvo y el perfume de cola blanca detenidos en el tiempo, aparecen los recuerdos de la niñez. “Cercando un nuovo confine” (6:42) se trata, como en el caso anterior, de otra hermosa pieza de arte bellamente ornamentada. La un poco mas agresiva “Sogno di Estunno” (4:42) y la balada “Non chiudere a chiave le stele” (3:35) son dos temas cortos un poco mas sencillos pero igualmente bellos. Este ultimo cantado por Alberto Gaviglio, la segunda voz de Locanda. El album concluye con el segundo tema mas largo: “Vendesi saggezza” (9:38), para muchos la mejor pieza de Locanda, con letras un tanto surrealistas y narrado en primera persona por quien parece ser un condenado a la horca o un suicida, y en cuya parte final se escucha el mismo motivo melodico que aparece en el primer tema del album, haciendolo sonar como un todo. La musica de “Forse...” aunque es compleja no parece serlo, tal vez debido a la emotividad y la pasion que despliega; pero tambien es sinfonica, epica, melodica, suave, introspectiva y romantica. Es decir, fascinante. Un album al que se le ha escatimado el pleno y total reconocimiento que merece, a pesar de contar con los meritos artisticos mas que suficientes para ser catalogado como una obra maestra del rock progresivo italiano. Locanda Delle Fate es, sino el mejor, uno de los mejores exponentes del romanticismo a traves del rock progresivo sinfonico. Algo a lo cual contribuye de manera fundamental la tesitura de la voz de Leonardo Sasso. Esto es verdadero, puro, absoluto y total rock progresivo sinfonico italiano de los setentas; un album de musica hecha expresamente para viajar, soñar y disfrutar sin ambages, una vez y siempre. Volviendo al punto de partida, este es el album mas fino del rock progresivo italiano que haya existido jamas. Posdata: El CD incluye en esta version dos cortes extra compuestos en 1978: - “New York” (4:37): Una balada al estilo del pop italiano de aquella epoca, y que fuera lanzado como sencillo. Es tambien una prueba fehaciente del cambio de estilo de la banda, muy probablemente obligados por las circunstancias del momento y por su casa discografica. - “Nuove Lune” (3:56): Un tema corto dentro de la nueva faceta pop-progresiva mostrada por el grupo, en el que aun se aprecia el gusto por las variaciones y los cambios de ritmo, aunque en menor medida. Estos dos temas extra son cantados por Alberto Gaviglio, una vez que se hubo marchado Leonardo Sasso. Discografia LDF: Albums: 1. Forse le Lucciole non si Amano Più – (1977) 2. Locanda delle Fate Live (1977/1993) 3. Homo Homini Lupus (1999) Singles: 1. Non chiudere a chiave le stelle/Sogno di Estunno (1977) 2. New York/Nove lune (1978) 3. Annalisa/Volare un po' più in alto (1980) [Con el nombre La Locanda] Jorge Padilla L Julio 5, 2004. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Jorge Padilla L" Asunto: CORTE DEI MIRACOLI : "Dimensione Onirica" CORTE DEI MIRACOLI : "Dimensione Onirica" (1973/1992) Discografica: Mellow Records (MMP 104) Temas: 1. Dimensione onirica, part1 (13:55) 2. Eterna ricerca (7:43) 3. Volando nel sole (10:04) 4. Il volto sconosciuto della terra (7:04) 5. Riflessione (7:23) 6. Dimensione onirica, part2 (10:13) 7. Breve esistenza (8:51) 8. Corte e morte (8:04) 9. Quasimodo (13:36) Tiempo Total: 75.33 min. La alineacion original incluia a un guitarrista y estaba conformada por: Alessio Feltri - organo Hammond, sintetizador Davoli, Fender Rhodes Michele Carlone - solina, piano, voz principal Mario Alessi - bajo Fender Precision Alessandro Della Rocca - guitarra Fender Telecaster, guitarra Gibson Flavio Scogna - bateria Un CD con mas de 70 minutos de musica pero con un sonido un tanto aspero, digamos rudimentario, debido a que fue grabado muy probablemente en cintas caseras de audio. Esto no quiere decir que el disco sea inaudible, la calidad del sonido es mas que aceptable, pero es como escuchar a la banda interpretar sus temas en directo. De hecho, la foto interior de la portada muestra a la banda ensayando o tocando las piezas en el lugar donde probablemente fueron grabadas. Estas mismas grabaciones fueron rescatadas por Mellow Records y lanzadas en forma de CD con los titulos ‘Dimensione Onirica’ (1973/1992) y ‘Live At Lux’ (1974/1993). Las piezas contenidas en este CD aunque son consideradas como una “coleccion de demos” o “piezas en proceso de desarrollo y maduracion”, si se mira o se escucha con un poco mas de atencion puede uno darse cuenta de la gran calidad contenida en los arreglos, de las bellas melodias de aires mediterraneos y de los sorprendentes desarrollos en la linea mas progresiva y sinfonica del movimiento italiano de aquellos grandes años. En mi opinion, ‘Dimensione Onirica’ contiene suficientes temas terminados y de gran calidad compositiva, tanto lirica como musical, que de haberse presentado la oportunidad, pudo haber sido el debut de la banda en el mercado discografico desde 1973! “Dimensione Onirica” partes 1 & 2 y “Corte e Morte” son 3 temas instrumentales. “Volando Nel Sole” es un tema que mas tarde seria incluido en su album debut con el nombre “Verso Il Sole”, lo mismo que “Quasimodo” que se tranformo en “I Due Amanti”. El gran responsable de los desarrollos tematicos planeadores, volantes y remontantes sin duda es Alessio Feltri en los teclados. Digno de mencionar tambien es al cantante, quien sabe imprimir a los temas su propia personalidad con una voz que bien merecia ser tomada en cuenta para las grabaciones del primer album oficial del grupo. “Dimensione Onirica” dificilmente podra ser considerado como parte de la discografia oficial del grupo, debido a que su aparicion en el mercado se debe mas bien a las instancias realizadas por Mauro Moroni y Ciro Perrino de Mellow Records. Desconozco si Alessio Feltri aprobo su publicacion, aunque las notas interiores y la portada son de su autoria. De esta primera alineacion de La Corte de los Milagros de 1973, solo sobrevivirian Alessio Feltri (1er tecladista) y Flavio Scogna (bateria) para las grabaciones del album de 1976. Ya sea como una rareza en forma de coleccion de demos, o un mero intento por indagar en la primera etapa del grupo, este es un album de rock progresivo sinfonico de Italia que, a pesar del pobre sonido que lo limita, vale el placer de escuchar. Jorge Padilla L Julio 5, 2004. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Ferran Lizana Abat" Asunto: Kayak - Close to the Fire (2000) KAYAK : "CLOSE TO THE FIRE" (2000) Discografica: Write On Productions Temas: 1. Close to the fire (8:11) 2. When hearts grow old (3:08) 3. Dream child (3:30) 4. Frozen flame (6:34) 5. Forever (4:48) 6. World aparts (5:12) 7. Crusader (4:39) 8. Two wrongs (don't make a right) (3:35) 9. Añbody's child (5:01) 10. Here today (3:34) 11. Just a matter of time (3:34) 12. Full circle (5:55) 13. (Bonus track) Ruthless queen (5:00) Musicos: - Pim Hoopman / drums, percussion, backing vocals - Ton Scherpenzeel / keyboards, backing vocals - Bert Veldkamp / bass, backing vocals - Max Werneer / lead vocals, percussion - Rob Winter / guitars, backing vocals Tras una reunion especial para un programa de la television holandesa (un programa que dedica cada emision a un album considerado clasico, "Royal Bed Bouncer" de Kayak en este caso), Kayak deciden volver a ser una realidad tras casi 20 años desde su disolucion, de nuevo de la mano de sus fundadores Ton Scherpenzeel y Pim Koopman. Tambien forma parte de este regreso, el clasico vocalista del grupo, Max Werner, y el que fuera bajista en el tercer y cuarto album, Bert Veldkamp. Por desgracia, el guitarrista de siempre, Johan Slager, no entra en lo que hubiera sido el retorno de la formacion completa que grabo "Royal Bed Bouncer" y "The Last Encore", y su puesto lo ocupa Rob Winter. El retorno de Kayak, no se si puede calificarse de decepcionante, puesto que en la ultima epoca el grupo edito discos bastante mediocres, pero, al menos en mi opinion, continuan a muy bajo nivel. "Close to the Fire" es un album repleto de canciones endebles y terriblemente inofensivas, mayoritariamente baladas sosas a mas no poder. Canciones basicamente pop, eso si, con arreglos altamente sinfonicos, incluida orquesta, todo muy bien elaborado, bonito y cuidado, pero sin sustancia. Pocos alicientes poseen las canciones de este album, al menos para mi. Destacando negativamente, angelicales baladitas aspirantes a himno de la alegria, como "Añbody's Child", donde solo falta que aparezca el tipico y repulsivo coro de niños, u otras, que mas que baladas, parecen boleros, como "Dream Child" y "Worlds Apart". Siguiendo con la parte mas lamentable, tambien tenemos un pobre tema pop con aires medievales, "Crusader", un acaramelado "Just a Matter of Time", con estribillo de lo mas sobado y previsible, la total mediocridad de "Forever", un tema pop muy marchoso, e incluso "Full Circle" me parece una burda copia de "Jerusalem", el tradicional tema que versionaron ELP entre otros. Para rematar, no se les ocurre otra cosa que regalarnos como bonus track, una innecesaria revision de "Ruthless Queen", la baladita de marras con la que obtuvieron el exito a finales de los 70. Lo unico salvable podria ser "Two wrongs (don't make a right)", un tema bastante movido, que no esta mal, y poco mas. Max Werner abandona la banda tras la gira correspondiente, por problemas de salud. Su puesto lo ocupara Bert Heering (ex-Vandenberg), que ya estaba actuando como segundo vocalista en los conciertos de la banda. Valoracion: 3/10 Ferran Lizana (rockomic@vodafone.es) ---------------------------------------------------------------------------- Autor: emiliano acevedo Asunto: Fe de erratas en "Espiritu 3" Hola, en la reseña que mande del disco "Espiritu 3" estaba mal el nombre del tecladista que no es Oscar Kreimer sino Angel Mahler. Sorry!!!!, pero me los confundo... el resto de la formacion en este disco era: - Rodolfo Messina / bateria - Claudio Cicerchia / bajo - Fernando Berge / voces - Osvaldo Favrot / guitarra, coros saludos. 100mb gratis, Antivirus y Antispam Correo Yahoo!, el mejor correo web del mundo !Tenelo ya! ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: el retorno de Cathedral [70s] HOLA CAJEROS, los saluda Cesar Mendoza. Aqui les transcribo una nota referente al retorno de Cathedral [70s] a la escena musical, un cuarto de siglo despues de dejar una buena impresion con su fastuoso disco 'Stained Glass Stories'. Aqui va la nota: "Another posting to our message board you might have missed, from the 70s prog rock band Cathedral. "Cathedral is back together! After 25 years, we'll get another dose. All of the original band members are working on a new album. So far, the works are amazing! You'll feel like you took a trip back to the 1970's with a 2004 kick-start! The music is vintage with a twist! Stand by for more updates!" Cathedral released Stained Glass Stories in 1978, later reissued by Syn-phonic in 1991." ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "marcelo olivera" Asunto: ATEMPO: "ABISMOS DEL TIEMPO" (2003) ATEMPO: "ABISMOS DEL TIEMPO" (2003) Atempo es una banda argentina cuyo unico disco, "Abismos del Tiempo", vio la luz el año pasado. La particularidad del grupo es que su vocalista, Mariela Gonzalez (cuyo tono es muy similar al de la conocida artista pop-rock Patricia Sosa), fue la cantante de Nexus. Precisamente, aunque las comparaciones sean odiosas, a veces resultan interesantes (en este caso, por ser estas dos bandas las mas renombradas del panorama progresivo actual en Argentina y porque la voz femenina nos remite inmediatamente a los excelentes "Detras del Umbral" y "Metanoia"): solo por tener una idea de cada grupo, y salvando las distancias, podria decirse que Nexus es a ELP (predominio de teclados, mas bombastico y sinfonico) lo que Atempo a Camel (la guitarra el instrumento mas destacado, musica mas accesible). Claro que en ambas bandas el rasgo comun y distintivo es la participacion de la poderosa voz de Mariela Gonzalez (que, personalmente, me da la impresion de haber estado mas "trabajada" en los discos de Nexus). "Abismos del Tiempo" es un album que consta de 4 temas en los que se enfatizan los elementos dramaticos (las letras, el estilo de canto, la instrumentacion a veces densa). "Heroe de la Soledad" tiene una atmosfera mas oscura, mas pesada, mientras "Lluvia Mistica" y "Carcel de Sueños" se acercan a estructuras baladisticas con interesantes grados de intensidad. Hasta este punto estariamos hablando de un disco agradable y simplemente correcto, pero cuando llega "El Final" -suite de 47 minutos subdividida en 9 partes- las cosas mejoran notablemente: aqui aparecen la instrumentacion, los cambios de tiempo y los hermosos pasajes instrumentales que los oidos progresivos esperaban. No es una pieza monumental porque por momentos la carga emotiva y la belleza melodica tienden a "esconderse", pero es uno de esos temas que se disfrutan a pleno. Sinteticamente, "Abismos del Tiempo" es un buen album sin ser superlativo. No obstante, para aquellos que quieran conocer el rock progresivo argentino contemporaneo, yo recomendaria comenzar con cualquiera de los dos discos de estudio de Nexus. Integrantes: - Mariela Gonzalez: Voz - Eduardo Aguirre: Guitarra - Sebastian Chiarini: Guitarra - Hiro: Teclados - Pablo Villanueva: Bajo - Claudio Fazio: Bateria. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Manlio Asunto: Clapton isn't god Es famoso el graffiti en el cual se declara a Clapton como dios. Muchisima gente en todo el mundo realmente se creyo esa declaracion, incluso Clapton lo acepto asi. El grafitero bien pudo escribir cualquier otro nombre, despues de todo era un fan de Clapton, como ahora podrian declarar diosa a Madonna. No es que Eric Clapton no haya sido la figura que se promociono, no por nada Mayall lo invito a formar parte de los Bluesbreakers. Sus diferentes etapas desde Yardbirds hasta Derek and the Dominos (acompañado por el gran Duane Allman) son excelentes. Cream fue un exitazo, un supergrupo superestrella, y no se diga Blind Faith. En realidad todo lo que tocaba Clapton se convertia en oro. Mi inquietud es que el siempre se declarado un blues-man y la verdad es que no estoy muy convencido de eso. Tengo entre mis LP 92s, cintas y CD 92s, 6 o 7 discos de Clapton como solista y la mayoria de sus canciones tienen ese sabor pop, no prescisamente un blues fuerte, agresivo, nostalgico. Si me gustan sus discos, pero no con esa intensidad de los tiempos de Cream. Creo que en realidad en esa epoca el verdadero dios era Peter Green que desgraciadamente fue victima de las drogas. La mercadotencia cree que Clapton y su musica blues-pop vende mas que un Peter Green paranoico con un estilo de blues tradicional. Tal vez el graffiti debio ser 93Green is God 94 , pero si no se escribio, el si lo es. Es solo una humilde opinion....?Cual es la de ustedes? ---------------------------------------------------------------------------- Autor: serranolopez@ono.com Asunto: Kinks y post rock Hola a tod@s. Respondiendo a Hugo, que en el anterior numero preguntaba por el disco ARTHUR de mis adorados Kinks, el mismo no se considera una opera rock; en realidad este trabajo se compuso para poner musica a una serie de television que nunca llego a realizarse. Sin embargo el disco es de una calidad tan extraordinaria que se publico a pesar de todo. La primera opera rock oficialmente reconocida es "SF Sorrow", de los Pretty Things. Y contestando a una de las preguntas de la trivia, esta es, con que disco comenzo el llamado post-rock? me atreveria a proponer el Islands de King Crimson como el primer antecedente claro. Que seria de grupos como Godspeed You Black Emperor si esta obra maestra no hubiera existido? Alguien esta de cuerdo conmigo? Un saludo. JOSE ANTONIO SERRANO ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Federico Luis Clauss Klamp" Asunto: PETER GABRIEL, UN MAESTRO DE LA DISTRACCION PETER GABRIEL, UN MAESTRO DE LA DISTRACCION Despues de mas de diez años de silencio discografico, se publico en todo el mundo UP (Septiembre del 2002), el nuevo disco de Peter Gabriel, musico britanico fundador del grupo GENESIS, el llamado “guru” o ideologo de las musicas del mundo, manager/patrocinador del sello Real World. Grabado entre Francia, Senegal, Gran Bretaña o Brasil , producido por Tchad Blake, con la participacion entre otros de The Blind Boys of Alabama. Entre sus temas estan “Signal to Noise”, que se escucho en la ultima gira de Amnistia Internacional, “I grieve”, que aparecio en la BSO “City of Angels” ademas del single “The Barry Williams Show”. Su biografia es muy variada y un tanto eclectica. En los años 70 participo en discos del grupo GENESIS (“Foxtrot”, “Selling England by the pound” o “The Lamb Lies Down on Broadway”), junto a Toñ Banks, Mike Rutherford, Anthoñ Phillips o Steve Hacket. En el 77 dejo el grupo abrumado por la presion excesiva de la industria/negocio musical, siendo sustituido en las voces por Phil Collins. A partir de aqui comienza su carrera en solitario. Este mismo año publica PGI, con canciones tan personales e impactantes como “Sosbury Hilll” (que ha aparecido recientemente remasterizada en la BSO de la pelicula “Vanilla Sky”, adaptacion de “Abre tus ojos” de Alejandro Amenabar, “Here comes the flood” y “Humdrum”. Un año despues publica PG II, con la colaboracion en labores instrumentales y de produccion del guitarrista de King Crimson (Robert Fripp). Canciones como “DIY”, “Mother of Violence” , “Awonderful day in a one way world” y “On the air” destacan en este album, asi como “Exposure”. En los 80 publica segun mi opinion su mejor disco, el mas rompedor de esta decada, PG III, con arreglos muy originales, ayudado por musicos de la talla de Toñ Levin, Larry Fast, Peter Hammill, David Rhodes, Kate Bush o Youssou N'dour, donde tambien participa Phil Collins. Este disco estaba producido por Steve Lylliwhite (habitual de los primeros U2) y como ingeniero de sonido Hugh Paghdam. Canciones que han quedado en el recuerdo son GAMES WITHOUT FRONTIERS, BIKO, I DON'T REMEMBER, “NOT ONE OF US”, “NO SELF CONTROL” etc, “Games without frontiers” (Juegos sin Fronteras) esta inspirada en un programa de la TV francesa. A proposito de esta cancion, viene a colacion lo que afirma el escritor Claudio Magris (nuevo Premio Principe de Asturias de Las Letras): “ Uno necesita fronteras, porque necesita limites, pero las fronteras tienen que ser porosas, como la epidermis. La frontera te marca un limite del mundo, pero tambien es un punto de contacto”. BIKO en cambio, esta basada en la vida del lider sudafricano, Steven Biko, que lucho contra el apartheid, y fue asesinado en el 79 por el gobierno sudafricano. Esta cancion aparece en la pelicula Grita Libertad dirigida por el cineasta Richard Attemborought. En esta misma epoca colabora en el primer disco de Johnñ Warman, con el mismo equipo de PG III, en la cancion “Screaming Jets”. En el año 1982 graba PG IV, que en USA llevo por titulo “Security”, con produccion de David Lord, y con Jerry Marotta a la bateria, Toñ Levin al bajo, David Rhodes a las guitarras y Larry Fast a los teclados. Incluia canciones tan ritmicas y potentes como “Schock the monkey”, “I have the touch”, y “The Rhythm of the heat” ademas de otras muy sugerentes o atmosfericas, como “San Jacinto” o “Wallflower”. En esta epoca surge su interes o fascinacion por el mundo de los videoclips, iniciado con “Schock the monkey” que alcanzara su punto algido unos años despues. Despues de PG IV, realiza una extensa gira que es recogida en “Peter Gabriel, Plays Live”, con la misma banda con la que grabo PG IV. Este disco ha sido recientemente remasterizado, suprimiendo 4 temas de la edicion original, (The Rythm of the heat, Not one of Us, Intruder y On the Air), lleva el subtitulo de “Highlights”. Participa tambien en el disco “Mr HeartbreaK” de Laurie Anderson, con la cancion “Excellent Birds” (tambien en la edicion remasterizada de “So”) y en la banda sonora de “Philadelphia”, con la cancion “Love to town”. En 1986 lanza su album mas comercial “SO”, con produccion de Daniel Lanois (habitual en los discos de U2), grabado en parte en Brasil, y con la colaboracion de Jim Kerr, de Simple Minds en “Red Rain”; de Kate Bush en “Don't Give UP” y de Youssou N'dour en “In your eyes”. Destacan los videos de “Sledgehammer” y de “Big Time”. En estas fechas comienza a dar forma a su proyecto Real World sobre musicas del mundo. Antes habia compuesto la banda sonora de “Birdy” para la pelicula de Alan Parker, basada en canciones de sus 4 primeros discos y graba ahora la banda sonora de “La Ultima Tentacion de Cristo” (“Passion”), dirigida por Martin Scorcese. Colabora en la Banda Sonora “Again all odds”, con “Walk through the fire” y en el primer disco en solitario de Robbie Robertson, (The Band), con dos temas, “Fallen Angel” y “Brooken Arrow”. En 1992 publica US, con la participacion de un elenco extenso de musicos: Brian Eno, William Orbitt, Sinead O'Connor, John Paul Jones (ex de Led Zeppelin), Manu Katche y Shankar, pasando por instrumentistas etnicos como Levon Minassiam, The Adzido o The Babacar Faye drummers. Sigue la estela marcada por SO y destacan canciones como “Digging in the dirt”, “Blood of Headen”, “Steam”, “Kiss that frog”, “Fourteen black paintings” o “Wash on the water”. Despues de su grabacion se embarca en una extensa gira (SECRET WORLD TOUR), que paso por España y quedo registrada en el disco “Secret World Live”. En ella participaron entre otros Paula Cole, Papa Wemba, o Manu Katche. En los años siguientes ha participado en diversos proyectos, desde discos homenaje hasta bandas sonoras. Asi, aparece en Tower of Song, un homenaje a Leonard Cohen, con la cancion “Suzanne”; en el recopilatorio HITS de Genesis, donde vuelve a grabar The Carpet Crawlers, con la compañia de los antiguos miembros de Genesis, bajo la produccion de Trevor Horn o en la BSO de “Babe, un cerdito valiente”, etc.. Reaparece en el 2000 en el disco “Yoko, from the village to the city” de Youssou N'dour (“This dream”) y con OVO, banda sonora de un montaje musical, que se representa en la Cupula del Milenio de Londres. Resulta un fracaso comercial. Compone los temas del disco pero solo participa como solista en “Father & Son”, y recurre a la colaboracion de Neneh Cherry, Elizabeth Frasier (Cocteau Twins) Paul Buchanan (Blue Nile) o Richie Havens. En OVO se unen la musica tradicional y la tecnologia. Segun parece estaba cansado de la repeticion disco-gira-disco y se metio en este proyecto que le ha llevado 2 años, lo cual le ha distraido de UP. Este mismo año participa con una cancion en la banda sonora de “Red Planet” (Planeta Rojo), haciendo una version de la cancion de OVO: “The tower that ate the people”, a la que añadio letra y nueva instrumentacion. Cuando pensabamos que en el 2001 se publicaria UP, este se retrasa, pero PG aparece en el tercer disco de Afro Celt Sound System (Vol. 3: Further in Time), como invitado especial con el tema “When you are falling” y empieza a componer la banda sonora de Rabbit Proof Fence... (Long Walk Home). Esta pelicula protagonizada por Kenneth Bragath, dirigida por Phillyp Noyce (“Calma Total”), cuenta la historia de 3 aborigenes que son secuestradas por el Gobierno australiano, y que se escapan recorriendo Australia en un trayecto paralelo a la rabbit proof fence (valla a prueba de conejos). Tiene influencias de Birdy, Passion, y menos de OVO. La musica de RPF/LWH no se puede desligar de las imagenes, es una banda sonora muy atmosferica y envolvente, pero con mucho menos peso que Birdy o Passion. Coincidiendo con la aparicion de UP se han remasterizado sus discos anteriores, incluyendo mas material grafico, respetando en las caratulas el formato del vinilo (edicion limitada). Para UP, Peter Gabriel ha elegido entre mas de 90 canciones o 130 ideas. Up recuerda a discos anteriores suyos en canciones com “The barry williams show” que podria haber salido de US; No way out y Growing UP recuerdan al PGIII-IV pero sin llegar a su nivel; Igrieve muy atmosferica, al igual que Sky blue (de Long Walk Home). Una cancion interesante es “More Than This”, muy ritmica, terminado la reseña con Signal To Noise, orquestal con la voz de Nusrafet Ali Khan. Resulta ser un disco “sobreproducido”, al que le falta la espontaneidad de PG III, PG IV o del “Plays Live”. Actualmente esta realizando una gira GROWING UP TOUR que comenzo en el año 2003 y recalo en Barcelona (España) en junio de este año. Para el 2004 ha decidido continuar con su gira por Europa y America, vendra a España el 17 de Julio (Conciertos del Xacobeo), ya que habia muchos lugares donde no habia podido actuar. De la gira 2003 ha salido un interesante DVD Growing Up Tour. Sus ultimos conciertos (2003-04) pueden conseguirse a traves de Internet (Encore series). En concreto, PG actuo en el Rock in Rio que este año tenia lugar en Lisboa, a finales de Mayo. Deciros que su actuacion fue muy interesante. No incidio mucho en Up, sino que canto temas antiguos como Games without Frontiers, Biko, San Jacinto, Solsbury Hill, Sledgehammer, etc.. Cuido mucho el aspecto escenico: en Growing Up se introdujo en una esfera y salto botando en el escenario; en GWF se deslizo en unos patinetes por el escenario; en Sledgehammer se puso una chaqueta que se iluminaba cuando el escenario estaba a oscuras. De temas nuevos toco Burn You UP Burn You Down que quedo fuera de UP (solo estaba en su version promocional). Sonaron Signal to Noise (con referencias a la guerra de Irak), Darkness, asi como Red Rain, e In your eyes donde canto con un vocalista africano (Dady Toure), etc.. La banda estuvo magnifica, con los incondicionalesToñ Levin (bajo) y David Rhodes (guitarra), mas las incorporaciones de Richard Evans (guitarra), Ged Lynch (Bateria), RachelZ a los teclados y su hermana Melannie Gabriel a las voces de acompañamiento. El sonido muy bueno, potente,robusto y energico. Los rumores sobre nuevos proyectos de PG son variados, esperemos que no tarden tanto como Up, y en lugar de hacer 3 discos, haga uno “bueno”-“excepcional”. Estos nuevos proyectos (segun una entrevista reciente- Michael Loesl - Noviembre 2003) incluirian “Odds and Sods”, algo asi como un disco de rarezas o temas ineditos, que se venderia a traves de la red, y que saldria en el 2004 ??. Otro proyecto es “The son of OVO”, el Hijo de Ovo, donde El cantaria todas los temas de OVO. Este disco parece que fue propuesto en lugar de su recopilatorio HIT, pero fue rechazado por su compañia en America. En este disco ha trabajado con Stephen Hague. Un nuevo proyecto es el llamado Big Blue Ball, donde ha trabajado con miembros de Afro Celt Sound System (de ahi salio Burn You Up, Burn You Down), junto con Karl Wallinger, David Bottrill y Stephen Hague. Espera, que salga a lo largo del 2004. Finalmente, la realizacion de un nuevo album de estudio I/0, continuacion de Up, basado en ideas-canciones que quedaron sin terminar en las sesiones de UP. Como veis son muchos los proyectos en que anda metido. A todos los que nos gusta su musica deseamos que alguno cristalize pronto. Solo El lo sabe...?? Por ahora, me despido amigos cajeros... !Un fuerte abrazo a todos! ----------------------------------------------------------------------------