LA CAJA DE MUSICA LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO ============================================================================ LCDM: #997 agosto 2012 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM ---------------------------------------------------------------------------- * CTHULHU RISE - 42 (2012) * ZONDA PROJECKT en La Nave Cultural - 20 de setiembre * GA'AN - "Black Equus" (2011) * LIQUIDARLO CELULOIDE - "Disturbia Ingrávida" (2012) * QUI - "Qui" * L'ORCHESTRE SYMPATHIQUE - "En Concert C0 La Grande Passe" (1979) * GATTO MARTE - "Marte Sulla Luna" (2012) * Trevor Rabin: "Jacaranda" (2012). * Alejandro Ochoa: "Deus Piano" (2011). * Maurizio Di Tollo: "L'UOMO TRASPARENTE" (2012) * Syndone_-_"La_bella_é_la_bestia" (2012) * THE ENID - "Touch Me" * TOE - "The Future Is Now" (2012) * THE ENID - "In The Region Of The Summer Stars" (1976) * STABAT AKISH: "Nebulos" (2012) * GA'AN: "Ga'an" (2009) ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: CTHULHU RISE - 42 (2012) CTHULHU RISE: "42" (2012) Temas 1. Opus 24 (3:24) 2. Opus 22 (4:17) 3. Opus 23 (5:19) 4. Opus 26 (3:26) 5. Opus 27 (3:51) 6. Opus 19 (4:20) 7. Opus 12 (3:00) 8. Opus 28 (4:18) 9. Opus 29 (4:42) 10. Opus 31 (5:54) 11. Opus 32 (7:03) Integrantes - Ivan "S_D" Serdyuk: guitarras - Stanislav "Beaver" Bobritsky: teclados - Yury Demirskiy: bajo - Andy "Gone" Prischenko: batería Procedente de Ucrania, Cthulhu Rise es uno de los nuevos grupos más interesantes dentro del medio progresivo de nuestros días. El grupo se fundó en 2008 con un formato de quinteto que incluía a un vocalista, grabando un par de demos con esta formación: tras la partida del vocalista, el grupo decidió seguir adelante como ensamble puramente instrumental. Su bloque sonoro se sostiene en una confluencia de prog-metal, mathcore y jazz-rock dentro de un esquema progresivo que es, a la vez, rico en colorido sonoro y desafiante en su uso de la fuerza como esencia del lenguaje rockero. Su disco debut "42", terminado de grabar a fines del año pasado después de que se postergaran los primeros planes de grabarlo en la segunda mitad de 2010, fue finalmente publicado por Musea en junio de este año: pasamos a reseñarlo a continuación. "Opus 24" abre el disco con un contundente despliegue de vigor que se enmarca fehacientemente dentro de un aura de pulcra musicalidad. "Opus 22" y "Opus 23" refuerzan el proceso de consolidación de la voz musical de la banda, siendo así que aquél otorga cierto espacio de lucimiento al aporte del bajo a través del entramado grupal, mientras que éste aumenta la dosis de polenta en aras de robustecer aún más la de por sí electrizante dinámica sonora de la banda, acercándolo al paradigma de Planet X. Esta misma descripción podrá ser válida para "Opus 12". Mientras tanto, "Opus 26" da un cierto relieve especial al elemento jazzero en la mayor parte de las cadencias rítmicas que se desarrollan en él, dentro de la omnipresente explosividad rockera, al modo de una cruza entre CAB y Cynic; esto es algo que reencontraremos pletóricamente en "Opus 28". Por su parte "Opus 27" se vuelve a sostener sobre un balance bien cuidado entre lo metalero y lo jazz-rockero, portando un swing muy parecido al de "Opus 22". "Opus 19" regresa a la sofisticación más versátil que antes hallamos en "Opus 26", logrando crear coloridos y bien reguladas variaciones de ambientes a través del obviamente articulado desarrollo temático. "Opus 29" es una pieza donde el sintetizador ocupa especial protagonismo en la amalgama instrumental, luciendo un extenso solo de intensos ribetes psicodélicos que se impone como una ráfaga de truenos en medio de la aparatosa tormenta sónica gestada por los demás instrumentos. "Opus 31" porta bastantes herencias de las atmósferas inagotablemente incendiarias de "Opus 23" y "Opus 12". Ocupando los últimos 7 minutos del album, "Opus 32", que resulta ser el tema menos apabullante del álbum. De hecho, la estructura fluida de su claridad melódica y el manejo que se hace de su inherente expresividad ubica a la banda en una especie de encrucijada entre los paradigmas de Kenso y Tribal Tech: así pues, para el momento de la despedida, el ensamble decide lucir la faceta más sinfónica de su perennemente vibrante visión musical. "42" es un disco potente e intenso, prácticamente no concede descanso en cuanto a despliegue de energía y aparatosa vitalidad, pero también saca a relucir continuamente su candor melódico. Cthulhu Rise se luce como uno de los debutantes más llamativos dentro del escenario progresivo de 2012. Cabe añadir como punto final que el grupo se mantiene en un momentum creativo único, grabando y pre-produciendo nuevo material para un pronto segundo disco mientras articula su agenda de conciertos. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: ZONDA PROJECKT en La Nave Cultural - 20 de setiembre HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. El grupo progresivo argentino ZONDA PROJECKT tocará en vivo el jueves 20 de setiembre, a partir de las 21.30 El lugar del evento será La Nave Cultural, en la localidad argentina de Mendoza (la banda es de allí). Dirección: cruce de Av. España y J.A. Maza Entrada general: $30 / estudiantes y jubilados: $25 ZONDA PROJECKT son: Tuti Vega (batería), Erni Vidal (bajo), Federico Prieto (guitarra), Sebastián Scala (teclados) Invitado para el concierto - Alejandro Marangoni (flauta traversa) Aquí me despido hasta una nueva ocasión. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: GA'AN - "Black Equus" (2011) GA'AN: "Black Equus" (2011) Temas 1. Arms They Speak (9:54) 2. Servant Eye (8:35) 3. Call Of The Black Equus (18:44) Integrantes - Lindsay Powell: voz, piano eléctrico, sintetizador - Seth Sher: batería - Tyson Torstensen: sintetizadores, bajo, sintetizador bajo, piano eléctrico Ga"an vuelve al ruedo tras una breve crisis que sufrió poco tiempo después de la edición de su casete (y LP) homónimo en 2009 dentro del circuito undeground de Chicago. El mencionado trabajo debut llamó la atención dentro de los círculos musicales independientes, pero el grupo sufrió la deserción del teclista y el bajista del cuarteto original: el baterista Seth Sher y la vocalista Lindsay Powell reformaron el grupo como trío con el ingreso del teclista/bajista Tyson Torstensen, siendo así que la misma Powell también toca teclados dentro de este nuevo formato. Con un par de nuevas composiciones y una nueva versión de uno de los temas que formó parte del disco debut, el grupo logró editar el estupendo segundo trabajo "Black Equus", el cual disfruta de una producción de sonido más robusta. Reseñamos el disco acto seguido. Durando casi 10 minutos, "Arms They Speak" refleja un vigor cálido e intenso que se agita como una colorida fuerza de la naturaleza, la misma que se articula dentro de un encuadre sonoro donde la inteligencia de la arquitectura y la orgánica vibración del espíritu vanguardista se unen en una única fuente sónica. La ingeniería desarrollada por la dupla rítmica es impecable, haciendo que la tensa oscuridad del expansivo desarrollo temático adquiera cierta aura mística. "Servant Eye", tema retomado del repertorio del disco debut, sigue a continuación para llevar el espíritu del disco hacia una dimensión un poco más siniestra. Esta nueva versión porta una garra mejor focalizada que la original, lo cual repercute en que al aura de inquietud inherente al esquema compositivo del tema sea manejado con ágil y mayestática soltura. La huella Magmiana en el ideario musical de la banda se manifiesta aquí sin disimulo de ningún tipo, mientras que se hacen notar también ciertas afinidades con el estándar de Univers Zero y la dimensión épica del krautrock sintetizado. La suite "Call Of The Black Equus" cierra el concepto del álbum de una manera magnífica. El asunto comienza con un aire de grisácea majestuosidad donde las capas y cadencias de los sintetizadores elaboran una densidad cósmica muy efectiva en cuanto a crear una espiritualidad expectante, a medio camino entre la invocación a alguna fuerza trascendente y la contemplación del orden del universo. Una vez que entra a tallar la batería, se empieza a preparar el camino para que el primer cuerpo central se instale a paso firme: la espiritualidad expectante permanece pero se va tornando más extrovertida. Poco antes de llegar a la barrera del séptimo minuto, emerge una secuencia de dos nuevos motivos sucesivos, diseñada para explorar nuevas atmósferas dentro del microcosmos de estilizada densidad vanguardista que se impone. El primero de estos motivos tiene dos minutos de duración, portando un esquema instrumental marcado por una sequedad fácil de notar aunque no abrumadora, y sobre todo, conservando íntegramente el talante distinguido; el segundo motivo surge con la intención de emitir un mayor grado de fuerza expresiva al asunto, siguiendo claramente los patrones del Magma del "Mekanïk Destruktïw Kommandöh" y del primer Eskaton, pero con esa dimensionalidad electrónico-psicodélica tan propia del trío. Cerca de la barrea del duodécimo minuto, surge un nuevo núcleo temático donde el grupo revive la exquisita brujería sónica que tan buenos réditos había dado anteriormente en "Arms They Speak", incluso potencializando su musicalidad hasta llevarla a un gallardo clímax rebosante de contundente luminosidad. Resumiendo como conclusión, "Black Equus" es un disco que tiene todo el merecimiento para ser valorado como un referente importante para darle sentido a la preservación de la experimentación rockera radical en los Estados Unidos en lo que va del nuevo milenio. Ga"an es un nombre a ser anotado y subrayado en cualquier ambiciosa agenda de compras progresivas. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: LIQUIDARLO CELULOIDE - "Disturbia Ingrávida" (2012) LIQUIDARLO CELULOIDE: "Disturbia Ingrávida" (2012) Temas 1. En El Lenguaje De Las Tormentas (2:57) 2. Altar A La Tecnología Intuitiva (7:10) 3. Lógica En La Naturaleza De Lo Imposible (2:31) 4. Bengalas a Medianoche (3:00) 5. Fruto Del Bien, Árbol Del Mal (8:02) 6. Vida Nocturna De Un Pueblo Fantasma (7:05) 7. Fosforescencias Más Allá De La Luz (11:43) Integrantes - Juan Diego Capurro: teclados y procesos electrónicos - Javier "Chuti" Manrique Corzo: guitarra eléctrica - Alfonso Vargas: batería Formado en 2003 como vehículo de expresión musical para el sintetista y artista gráfico Juan Carlos Capurro, Liquidarlo Celuloide es ya un nombre importante dentro de la vanguardia limeña. "Disturbia Ingrávida" es el ítem fonográfico que la banda ofrece en el año 2012, conformando el séptimo de su trayectoria. Con el paso del tiempo, la línea de trabajo de Liquidarlo Celuloide pasó desde la electrónica abstracta de tenor incidental y ambiental hasta una filuda demostración de vigor rockero excéntrico y abstracto basado en una confluencia de noise-rock, psicodelia e improvisaciones deconstructivas bajo un esquema sónico decisivamente aguerrido. El ensamble logra con "Disturbia Ingrávida" reforzar las raíces de su evolución hacia sonoridades más agresivas que ya se había plasmado cabalmente en sus dos discos de 2010 "Cruzyficción Monosódica" y "Sinapsis", logrando simultáneamente crear un híbrido de los espíritus dominantes de ambos discos y potencializar los mencionados espíritus en aras de revitalizar su radical ideología estética. "En El Lenguaje De Las Tormentas" es un prólogo de casi 3 minutos de duración cuya aleatoria amalgama de ornamentos de sintetizador, guitarra y platillos prepara el terreno para el auge de "Altar A La Tecnología Intuitiva", pieza que se articula en torno a un infernal caos surrealista sobre una parsimoniosa cadencia de la batería: bajo esta arrolladoramente amenazante arquitectura sónica, el ensamble celebra y deconstruye a la vez el rol del ruido dentro del rock. Otras dos piezas sucesivas de corto aliento, "Lógica En La Naturaleza De Lo Imposible" y "Bengalas a Medianoche", se encargan de asentar y afianzar el ambiente general de lisérgica inquietud y oscuro misterio que inunda el disco: "Lógica En La Naturaleza De Lo Imposible" está armada sobre un efectivo juego de síncopas principalmente marcado por los efectos cibernéticos en curso, mientras que "Bengalas a Medianoche" establece una apabullante mezcla de kraut (al modo de un bizarro híbrido de Faust y Ash Ra Tempel) y post-metal (el guitarreo parece retratar gigantescas nubes que flotan en un paisaje irreal). Acto seguido emerge "Fruto Del Bien, Árbol Del Mal", un viaje de 8 minutos de duración dividido en dos secciones. En él, la gente de Liquidarlo Celuloide explora y ensancha los confines más osadamente abstractos de su propuesta musical, haciendo de la deconstrucción, más que una simple posición estética, un auténtico modo de sentir el impacto de la angustiante fiereza del mundo contemporáneo en la psique humana. Los legados de Kluster y Klaus Schulze adquieren un renovado vigor en manos de Capurro y co. "Vida Nocturna De Un Pueblo Fantasma" no emerge precisamente para apaciguar el impacto de las electrizantes llamas de esta aventurera dimensionalidad abstracta que el grupo genera a través de su propuesta rockera: por el contrario, debido a que contiene en buena parte enfoques rítmicos más definidos (desde lo machacante hasta lo sutil), la oportunidad está dada para que las vibraciones opresivas inherentes a la esencia de LC se incrementen en proporción geométrica. Los momentos finales sirven para retomar los ecos del cerebralismo desafiante que con tanta liberalidad se había desarrollado en "Fruto Del Bien, Árbol Del Mal". Durando más de 11 minutos y medio, "Fosforescencias Más Allá De La Luz" cierra el álbum con un aura reposada inicial que no oculta la arrebatadora tensión emocional de trasfondo. El carácter constreñido de la primera mitad mantiene una pertinente aureola contemplativa desde la que la banda sustenta una atmósfera de expectativa a través de la opresivamente minimalista bruma sonora que se explaya ceremoniosamente a través del espacio. La segunda mitad se concentra en una suspensión misteriosa de abstracciones cibernéticas, un nuevo ejercicio de tensión aleatoria que revela un colorido más variado en recursos que el mostrado en las piezas anteriores del repertorio; de este modo, el disco redondea su círculo temático de forma coherente sin perder el sentido de la sorpresa. Lo que hace Liquidarlo Celuloide con este es instaurar un sólido emblema de una de las potencialidades más interesantes de experimentación rockera que se hacen en el underground peruano contemporáneo por el lado del noise y la psicodelia, una labor de asimilación de nuestros tiempos modernos y a la vez de desafío frontal contra las pautas convencionales del arte y la música. "Disturbia Ingrávida" tiene que ser una de las instalaciones sonoras más relevantes de la vanguardia peruana en este año 2012. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: QUI - "Qui" QUI: "Qui" (2008) Temas 1. Puyol (8'20) 2. Mimique (4'48) 3. Minamo Ni Tsuki (8'59) 4. Dachou No Uta (5'55) 5. Jirou (10'36) 6. Astratto (9'55) Integrantes - Takashi Hayashi: guitarras - Kazuo Yoshida: flautas, saxofón - Naoyuki Seto: bajo - Dan Yoshikawa: batería - Takashi Itani: percusión Qui es un grupo japonés formado bajo la iniciativa del guitarrista Takashi Hayashi con la meta de crear música de jazz-fusión con inclinaciones progresivas. Tras un disco debut titulado "Prelude" del año 2006 con el formato de trío, la banda se amplió a quinteto para su homónimo segundo álbum, el cual data de 2008. "Qui" permitió a la banda darse a conocer más a fondo en el mundo de internautas progresivos, e incluso logró hacerse presente en una de las ediciones del ProgDay. Reseñamos este disco en cuestión como introducción a la visión musical de Qui. "Puyol" abre el álbum con tonalidades amables sobre un continuo compás de 5/4: las alternancias de la flauta y la guitarra en el frente protagónico permiten a la banda organizar variaciones de ambientes dentro del básico esquema compositivo de la pieza. "Mimique" se enfila hacia una atmósfera aún más calmada, al modo de una cruza entre el Focus introspectivo y un Metheny de actitud intimista: el enfoque calculadamente suave de la dupla percusiva y la base armónica armada por la guitarra acústica sustentan una consistente aureola pastoral para el desarrollo temático. "Minamo Ni Tsuki" reitera este interés por climas introvertidos y reflexivos pero bajo una armazón rítmica un poco más ágil, con un swing fusionesco moderadamente animado que permite al grupo reciclar efectivamente el colorido exhibido en el primer tema del álbum. Con "Dachou No Uta", las cosas se ponen más energéticas y vivaces de manera frontal. La guitarra emplea algunos recursos psicodélicos en varios de sus fraseos y el saxofón entra a tallar para revitalizar el rol de los vientos dentro del esquema global, algo exigido por el sofisticado frenesí rítmico sobre el que se arma el jam. Así las cosas, es el momento idóneo para que "Jirou" revele las aristas más experimentales de la banda: empezando con un extenso prólogo aleatoriamente abstracto, el cuerpo central se desarrolla como un robusto ejercicio de free-jazz enmarcado en un esquema progresivo donde lo psicodélico y lo jazzero se mezclan con una fluidez excepcional. Realmente es como si el grupo se hubiera transformado en otro distinto después del ecuador del disco, y por si acaso no había quedado clara la idea, "Astratto" entra a tallar para reforzar estas inquietudes por las exploraciones jazz-rockeras. En todo caso, la aureola sonora de "Astratto" porta menos tensión que la de "Jirou" a pesar de que a todas luces recibe su impacto, y más bien se conecta con la vibración exquisita del Mahavishnu Orchestra original (con flauta en vez de violín) y el vigor peculiar del Weather Report de la era Pastorius. A través del viaje instrumental en curso, el bajo y la batería cuentan con sus respectivos espacios para el lucimiento solista. Muy buen disco es "Qui" y una muy buena banda es Qui: este ensamble japonés hará las delicias de los amantes del jazz-rock contemporáneo, de la vanguardia progresiva y de ambas vertientes musicales. En cuanto a los niveles de creatividad musical, pasión y pulcritud, todos ellos son lo suficientemente elevados como para colocar a la banda en un lugar destacado dentro de la avanzada japonesa actual. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: L'ORCHESTRE SYMPATHIQUE - "En Concert C0 La Grande Passe" (1979) L'ORCHESTRE SYMPATHIQUE: "En Concert - La Grande Passe" (1979) Temas 1. Citronade (7:59) 2. Houmalaya (10:10) 3. Des Lacs, Des Riviéres, Des Ruisseaux (5 :53) 4. Perpétuel Balouba (8:30) 5. Biplane (7:32) Integrantes - Jean Vanasse: vibráfono, percusión - Fransois Richard: flauta, piano - Warren Stolow: bajo - Mathieu Léger: batería L'Orchestre Sympathique era un grupo quebequense que emergió de las cenizas de Lasting Weep, al igual que Maneige, pero a diferencia de éstos, nunca logró concretizar un contrato de grabación. Teniendo que lidiar con esta frustración año tras año a pesar de que su continua actividad en festivales de jazz y música de vanguardia los mostraba como una banda que tenía algo importante que ofrecer al mercado fonográfico, al final decidieron organizar un concierto en el que la compra de la entrada garantizaba la adquisición del disco a ser grabado en el evento: de ahí sale "En Concert C0 La Grande Passe", el único trabajo oficial que el grupo llegó a grabar antes de separarse. La portada habla por sí misma: el esqueleto de un dinosaurio escuchando un gramófono muy maltrecho, una clara parodia del logo de Grammophon. Yendo a la música misma, cabe decir que el estilo de L"Orchestre Sympathique se basa ampliamente en las influencias del legado fusionesco (Return To Forever, Weather Report) y de las vertientes más profundamente jazzeras del Canterbury, siendo así que las confluencias con el Maneige de la etapa 77-80 se traslucen también con bastante claridad. Pasamos a reseñar este disco a continuación. "Citronade" da inicio al disco con una frontal exhibición de frescura melódica y rítmica, con una flauta que asume con fuerza de carácter el liderazgo lírico del desarrollo temático del motivo central. El asentamiento del mismo es sólido y coherente, pero el grupo no se cierra a la idea de elaborar variantes, como demuestra la introducción de un bastante dinámico interludio de tenor Latin-jazz que le sirve a la banda para explorar ciertos matices de alegre extravagancia dentro del esquema de la pieza. Tras este explícitamente colorido punto de inicio, "Houmalaya", pieza que se extiende por un espacio de más de 10 minutos, sirve de pretexto para que la banda explore una gama más amplia de recursos expresivos. De hecho, quedan como constantes la garra extrovertida de los esquemas rítmicos empleados y la pulcra explotación de las tonalidades y vibraciones de la flauta, pero sobre todo se nota una mayor liberalidad en la creación de diversos motivos (incluyendo influencias Zappianas en algunos de ellos), lo cual obliga al cuarteto a focalizarse especialmente en la ilación de tales motivos: se incluye un solo de batería dentro del proceso. Iniciando la segunda mitad del álbum, "Des Lacs, Des Riviéres, Des Ruisseaux" baja un poco el ritmo de la expresividad esencial de la banda en aras de articular una orientación más reflexiva para el esquema grupal. El vibráfono logra encuadrarse en un rol más protagónico que antes, y también hay un hermoso solo de bajo donde Stolow plasma lo que parece ser la influencia de Alphonso Johnson. Tras un preludio de caos free-form, "Perpétuel Balouba"; a pesar de que en algún momento realiza uno de sus habituales solos fantásticos de flauta, Richard se concentra mayormente en el piano, lo cual permite al vibráfono y al bajo elaborar diálogos que enriquecen la base compositiva. Las afinidades con el Zao post-75 y Pierre Moerlen"s Gong son fáciles de notar. El disco se cierra con "Biplane", tema de tendencia introspectiva donde la flauta vuelve a ocupar el protagonismo indiscutido: de hecho, la pieza se estructura en torno a un dueto de flauta y bajo en donde la arquitectura melódica se asienta de una manera precisa a la hora de explayarse en el ambiente melancólico creado para la ocasión. Este disco de L"Orchestre Sympathique ha sido redescubierto por el sello ProgQuébec en 2006: para los coleccionistas de la música progresiva y fusionesca de "aquellos años 70s", esta reliquia será una gozada total, no nos cabe duda. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: GATTO MARTE - "Marte Sulla Luna" (2012) GATTO MARTE: "Marte Sulla Luna" (2012) Temas 1. Dagon (3:51) 2. Il Cacciatore Di Farfalle (6:52) 3. Il Parruchhino (3:15) 4. Sinfonia No.1 (Notturno) (3:15) 5. Kindering (3:29) 6. Sinfonia No.2 (Vento Di Libeccio) (3:21) 7. Cthulhu (4:53) 8. Hotel Plaza (4:55) 9. Megavalse (4:55) 10. Honky Tonky (5:42) Integrantes - Nino Cotone: violín - Maximilian Brooks: piano - Ben Newton: teclados, acordeón, fagot - Pietro Lusvardi: contrabajo - John Sheperd: guitarras - Rob Bellamy: batería El ensamble italiano Gatto Marte vuelve al ruedo fonográfico en este año 2012 con un disco bastante exquisito titulado "Marte Sulla Luna". Se trata del octavo ítem a cargo de este ensamble italiano formado a mediados de los 90s en torno al formato de cuarteto de piano-violín-contrabajo-fagot con la misión de crear un estilo ágil de chamber-rock que se tomara en serio las influencias del RIO francófono así como de la fusión, el folk y el avant-jazz. "Marte Sulla Luna" es también el primer disco de la banda sin el fagotista original Giuseppe Brancaccio, pero para eso está Ben Newton, quien también toca acordeón y teclados adicionales. Con la adición de un guitarrista y un baterista, el ensamble concretiza una sonoridad muy pletórica, y de hecho, se trata de uno de los trabajos más íntegramente líricos que ha hecho la banda hasta ahora. Lo reseñamos detalladamente a continuación. "Dagon" abre el disco con un colorido y un vigor notables, siendo así que el violín ocupa un rol vitalmente protagónico en el diseño del cuerpo central de la composición; el clímax conclusivo guiado por la guitarra es tan llamativo que nos deja un poco con la miel en los labios al no ser un poco más extenso, pero el fondo no importa, pues "Il Cacciatore Di Farfalle" emerge para llevarnos hacia senderos de musicalidad muy diferentes, llenos de una calidez cautivadora que mucho tienen que ver con el fastuoso sinfonismo de la tradición italiana y muy poco con las habituales capas de oscuridad y densidad que abundan en el chamber-rock. Siguiendo por el camino de la pura calidez, "Il Parruchhino" nos recuerda más al Isildur"s Bane de la época de "The Voyage", con ese sentido de la exquisitez bien llevado a través de la intensa pero delicada armonización en el diálogo establecido por los instrumentos. Por su parte, "Sinfonia n.1 (Notturno)" asume una aureola más grisácea, levemente inquieta (a lo Kronos Quartet), basándose en el desarrollo de una atmósfera moderadamente densa, mientras que "Kindering" elabora un clima más juguetón, el mismo que es manejado con serenidad bajo la guía del piano. Estos dos temas tienen en común el realce que se da a las cadencias de inspiración jazzera desde la dupla rítmica. "Sinfonia No.2 (Vento Di Libeccio)" retoma el espíritu de la "No. 1" y la revitaliza con una agilidad sinfónica realmente deliciosa: se puede decir que con la secuencia de estas tres piezas, el álbum llega a un cénit contundente. Cuando emerge "Cthulhu", el ensamble echa mano de su faceta más densa para armar un juego de claroscuros sonoros bastante inspirado: las confluencias con los idearios musicales de Yugen y Ske son fáciles de advertir en esta situación, lo cual es un indicio de lo pertinente que es contar con una pieza de tanto carácter inmediatamente después del mencionado cénit. "Hotel Plaza", por su parte, suena a una amalgama de las atmósferas y ambientes de los temas segundo y tercero: a través de su refinada arquitectura melódica, el motivo central destila una candidez envolvente y cautivadora. "Megavalse" sigue en su base compositiva el esquema de un vals sinfónico, recurriendo nuevamente a las aristas densas de la banda: las afinidades con Univers Zero y el After Crying pre-"De Profundis" son rápidamente apreciables. "Honky Tonky" cierra el disco con un ejercicio de música de cabaret alimentado con una cierta aureola circense que es manejada con la suficiente sobriedad como para el humor reinante no se haga farsesco: parece que ésa es la idea, especialmente cuando algunos pasajes plagados de una cálida ceremoniosidad sinfónica también entran a tallar. El empleo de tonalidades blueseras en ciertos fraseos de la guitarra es un truco muy curioso dentro de este contexto. Atención a la coda minúscula que surge tras unos segundos de silencio, lo cual hace que la idea humorística se redondea con travieso ingenio. Reiteramos que "Marte Sulla Luna" es un disco hermoso y exquisito, y como tal, merece ser apreciado como una de las joyas progresivas más notables del presente año 2012. También puede ser una ocasión óptima para que los neófitos entren en el mundo musical de Gatto Marte. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Eduardo Norris Asunto: Trevor Rabin: "Jacaranda" (2012). Trevor Rabin: "Jacaranda" (2012). Temas: 1. Spider Boogie (0:52) 2. Market Street (5:33) 3. Anerley Road (7:14) 4. Through the Tunnel (5:52) 5. The Branch Office (2:06) 6. Rescue (3:56) 7. Killarney 1 & 2 (3:53) 8. Storks Bill Geranium Waltz (1:03) 9. Me and My Boy (3:13) 10. Freethought (2:14) 11. Zoo Lake (4:08) 12. Gazania (3:11) Personal: - Trevor Rabin: todas las guitarras, bajos y teclados; composiciones, arreglos y produccion. - Tal Wilkenfeld: bajo electrico (3). - Vinnie Colaiuta: bateria (2, 4). - Lou Molino III: bateria (3, 10). - Ryan Rabin: bateria (5, 9). - Liz Constantine: voces (6). Empecemos diciendo que este es un gran disco. Digamos tambien que esta obra esta muy lejos de aquellos sonidos que otrora han destacado a este talentoso musico, ya sea en su epoca en Yes o de sus trabajos solistas de los ochenta. Atras quedo la imagen del guitar-hero-adolescente que le hemos conocido a Trevor Rabin: aqui hay madurez y calidad compositiva e intrepretativa que en Yes apenas comenzo a aflorar. En este "Jacaranda" se combinan la exquisitez, el brillo, el virtuosismo y la inteligencia incluso a la hora de los arreglos y de la produccion en tan solo 12 temas que no llegan a los 44 minutos en su totalidad. Suficiente, aunque por ahi queden ganas de seguir escuchando mas. Un trabajo totalmente instrumental. Apenas se lo oye a Rabin exhalar algun gesto de placer en uno u otro tema, pero nada mas. Considero que eso es un punto muy positivo, y no porque el sudafricano tenga mala voz, sino todo lo contrario: es un buen cantante, pero siempre se destaco mas por sus cualidades como multi instrumentista, y aqui lo demuestra con creces. Sobre el disco en si, convendria dividirlo por la mitad: los cinco primeros tracks bien podrian estar conectados a manera de obra casi conceptual con muchisima potencia y grandes bases ritmicas, con "Spider Boogie" como simpatico prologo en donde Trevor expresa en menos de un minuto que sus virtudes en las guitarras acusticas y electricas siguen intactas. "Market Street", tema que le hubiera sentado muy bien a Yes, demuestra que Rabin no ha olvidado sus raices dentro del rock, con un gran trabajo de Vinnie Colaiuta (Chick Corea, Frank Zappa, Joni Mitchell, Jeff Beck, Sting y la lista sigue). "Anerley Road", con una intro a lo Wes Montgomery, da la bienvenida a una gran y joven bajista, Tal Wilkenfeld -Jeff Beck (Escuchar el gran disco "Emotion & Commotion", tambien con V. -Colaiuta), Eric Clapton, Allman Brothers Band; gran revelacion en el jazz -y la musica fusion-, en el unico tema "largo" del disco, lleno de -pasajes introspectivos. "Through the Tunnel", con un comienzo muy suave, es -en mi opinion una oda a Mahavishnu Orchestra y un gran homenaje a su -admirado John McLauglin, uno de los puntos mas interesantes del registro, -con un tremendo Colaiuta que se sale por tocar 'a lo Cobham'. Hay algunos -fraseos muy propios de musica de peliculas de accion -genero que Trevor -no desconoce, como todo fan de este musico sabe-, pero nunca abusa de -ellos, a lo que tenemos que estar una vez mas agradecidos. "The Branch -Office", tema que aparenta ser solo cuerdas y piano, gratamente introduce a -Ryan Rabin -su hijo- en la bateria en forma breve, demasiado breve para mi -gusto. "Rescue", tema que Trevor compuso para la pelicula "The Guardian", es en mi opinion lo menos relevante del disco. Correctamente interpretado por una Liz Constantine, cuya voz fue bien acolchonada por teclados y con una intro y final hechas por una potente y a la vez discreta guitarra electrica, no pasa de lo anecdotico, aunque fuerza decir que, en materia de soundtracks para peliculas, Rabin demuestra que sabe del oficio como uno de los mejores. Sacando "Me and my boy", un tema casi pop-rock mezclado con fusion (Tambien, con su hijo Ryan), el resto de las composiciones van mas hacia la exploracion intimista con aproximaciones hacia la musica clasica ("Killarney 1 & 2", "Gazania") y el jazz ("Freethought", "Zoo Lake"), todos brillantemente ejecutados y arreglados. Prestar especial atencion al piano de "Killarney", en un estilo muy 'a lo Wakeman', una pequeC1a pieza que realza la capacidad de este musico en los teclados y en la amplia paleta sonora que cruza por su cabeza. Una delicadeza. Los aC1os que sucedieron desde el notable y no muy valorado "Talk" hasta la fecha no han sido en vano. Rabin ha cultivado una gran capacidad de trabajo en base a sus aportes a la produccion de musica de peliculas y eso se evidencia en la gran calidad del presente trabajo. Gran regreso y muy recomendable tanto para fans de este musico como a los de Yes o simplemente para aquellos que quieran disfrutar de una obra en donde mayormente predominan guitarras acusticas y electricas por igual y con un increible buen gusto. Muy bueno. Eduardo Norris Rafaela, Santa Fe, Argentina Agosto 2012 ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Eduardo Norris Asunto: Alejandro Ochoa: "Deus Piano" (2011). Alejandro Ochoa: "Deus Piano" (2011). Temas: 1. Mas alla (en algun lugar) (3:52) 2. Conversaciones de mañana (5:17) 3. Adagio para clarinete y piano (3:09) 4. Lagrimas de estrellas (3:53) 5. Siglo veintiuno (3:23) 6. Sin olvidos (5:42) 7. You know my people (4:42) 8. Deus Piano (Viaje sin retorno) (3:36) 9. Bonus track: 02 (5:03) Musicos: - Alejandro Ochoa: piano, cuerdas (electric piano), excepto en 6; composiciones, arreglos, produccion y direccion musical. - Diego Valsagna: piano (5, 6), cuerdas (electric piano - 2, 5), arreglos, produccion y direccion musical. - Sebastian Feck: contrabajo (2). - German Morales: guitarra acustica (2). - Ana Coronel: clarinete (3). - Jonatan Santillan: violin (5). - Juan Ignacio Fenoglio: cuerdas (electric piano - 8), programacion, - sampler y efectos sonoros en todos los temas. - Ariel Tolosa: guitarra electrica y piano (9), programacion, sampler y efectos sonoros en todos los temas, arreglos, produccion y direccion musical. Sello independiente. Una verdadera sorpresa para este escriba: un musico de Rafaela (Nacido en Tancacha, Cordoba) ofreciendo de manera autodidacta -y con cierto riesgo- su primer trabajo, lleno de imagenes y matices hechos con delicadeza y buen gusto. Se puede decir que este es un trabajo que va por varios caminos que se cruzan, entre los que podemos mencionar la musica clasica ("Adagio para clarinete y piano", "Sin olvidos"), el new age ("Lagrimas de estrellas", "You know my people") y el rock progresivo con aires floydianos ("Mas alla (en algun lugar)", "Deus piano"), con el claro concepto de transmitir un mensaje placido, diafano, lejos de toda estridencia y con una clara honestidad de quien se juega por transmitir lo mejor de si. Los que acompaC1an a Alejandro son reconocidos musicos locales que se encargaron en gran parte de ayudar en los impecables arreglos que aqui se demuestran. Todos se desempenan admirablemente, aunque debe destacarse el maestro Diego Valsagna, gran y sensible pianista si los hay por estos lares. Un muy buen punto de partida es este "Deus Piano", disco que abre la posibilidad de futuras obras que nos traigan mas deleites sonoros y que demuestren aun mas afianzamiento por parte de A. Ochoa en sus composiciones. Muy bueno. www.myspace.com/deuspiano deuspiano@hotmail.com.ar Eduardo Norris Rafaela, Santa Fe, Argentina Agosto 2012 ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Progjuan Progjuan Asunto: Maurizio Di Tollo: "L'UOMO TRASPARENTE" (2012) Maurizio Di Tollo: "L'UOMO TRASPARENTE" (2012) Discografica: BTF - AMS Songs / Tracks Listing 1. L'Uomo Trasparente (2:36) 2. Tannhauser (6:54) 3. Pioggia Sulla Memoria (6:05) 4. La Curva Dei Pitosfori (5:58) 5. Io Sono Quel Cespuglio (3:06) 6. Casomai (3:38) 7. Pioggia Ripresa (3:34) 8. La Poesia Della Carne (6:37) 9. Milioni Di Occhi Al Cielo (5:13) 10. I Topi Saranno I Vincitori (6:43) Line-up / Musicians - Maurizio Di Tollo / vocals, piano, drume, percussion, synthesizer, Mellotron, glockenspiel, Hammond, Taurus Bass, effects, Moog, electric piano - Agostino Macor / Moog, effects - Christian Marras / bass - Laura Marsano / guitar Guest musicians: - Ksenja Laginja / spoken word (1, 4, 8) - Alessandro Corvaglia / backing vocals (2) - Andrea Moretti / flute (2, 8) - Rossano Villa / piano, Rox Strings Quartet (2, 6, 9) - Michele Savino / piano (6) - Matteo Casu acoustic guitar (9) Pongámonos en situación, Maurizio Di Tollo es un multistrumentista italiano conocido por ser el batería de la banda La Maschera di Cera, pero tambien de Moongarden, The Watch, Höstsonaten y los Rohmer de Fabio Zuffanti. Pues bien este 2012 se atreve a montarselo en solitario, con este album conceptual titulado "L'uomo trasparente", un trabajo sorprendente donde Mauro nos ofrece su faceta mas versátil, desde la de cantante hasta la de teclista, acompañado de Laura Marsano (QUASAR) a la guitarra y algunos componentes habituales de LMDC, como Agostino Macor con el Moog y efectos, a la flauta en el segundo y ocatvo tema Andrea Monetti Los 10 temas que componen este disco surcan terrenos desde el Neo progresivo mas moderno (IQ, Clepsydra), la melancolía propia del prog italiano (Celeste, y los teclados electrónicos y vanguardistas a lo Vangelis o JM Jarre. Abundante solos de piano, saturación agradecida de atmósferas minimalistas, un toque de space-rock, narraciones en tono poético a cargo de Ksenja Laginja, conocida artista genovesa en el campo musical y visual que interviene en tres temas (1, 4 y 8). De este calibre tenemos para mi un tema que reúne lo anteriormente descrito, se trata de "La Poesia Della Carne" con un toque electrónico en los sintetizadores que me recuerda a Vangelis, Andrea Moretti aporta su particular forma de tocar la flauta y la guitarra de laura que hace recordar a Lele Hofmann de Clepsydra. Curioso también ese tono de voz a lo Franco Battiato que imprime Maurizio Di Tollo, especialmente en los temas "La Curva Dei Pitosfori", "Casomai" y "Milioni Di Occhi Al Cielo", no puedo dejar de mencionar "Tannhauser" un tema precioso con reminiscencias al neo moderno de IQ. En definitiva Mauro nos ofrece un gran trabajo poetico electrónico neo progresivo, donde abunda lo melódico, lo minimalista, lo sentimental y lo poético y donde destacan los teclados, las armonias vocales y los riffs de guitarra a cargo de Laura Marsano. Saluti (c) Juan ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Progjuan Progjuan Asunto: Syndone - "La_bella_é_la_bestia" (2012) Syndone: "La bella é la bestia" (2012) Discografica: BTF Temas: 1. Introitus (3:12) 2. Il fiele e il limite (4:49) 3. Rosa recisa (4:57) 4. Complice carnefice (6:05) 5. Piano prog impromptu (1:23) 6. Tu non sei qui (4:23) 7. Orribile mia forma (3:53) 8. Mercanti di gioia (4:13) 9. Bestia! (3:56) 10. Ora respira (4:35) 11. La ruota della fortuna (3:37) 12. Canto della rosa (1:03) Musicos: - Nik Comoglio / piano, Hammond, Moog, keyboards - Francesco Pinetti / marimba, vibrafono, percussion - Riccardo Ruggeri / vocals y concepto Invitados: - Ray Thomas / flautista en "Tu non sei qui" y "Orribile mia forma" - Federico Marchesano / bass - Pino Li Trenta / Bateria - Gomalan Brass Quintet / en "Il fiele e il limite" Marco Braito (tromba), Marco Pierobon (tromba), Nilo Caracristi (corno), Gianluca Scipioni (trombone), Stefano Ammannati (tuba). - Cuarteto de cuerdas de la orquesta Filarmonica de Turin (Matteo Ferrario y Antonino Russo al violin, Carlo Bruno a la viola y Silvia Manzo al violonchelo) Hace un par de años esta banda italiana procedente de Turin, volvió a la escena progresiva con un estupendo trabajo titulado "Melapesante" donde se narraban diferentes historias con un único protagonista, la manzana de Newton, Guillermo Tell, Adan y Eva, el 11 de Septiembre en Nueva York, etc... De la mano de BTF /AMS y ahora en formato trío, la banda liderada por el compositor y teclista Nik Comoglio, nos presenta una OPERA ROCK progresiva basada en la novela original de Leprince de Beaumont, trabajo grabado y masterizado en los estudios de Abbey Road, con la participación del productor Greg Walsh. El característico sonido que genera una obra conceptual se acrecenta en esta ocasión por la ausencia de guitarra eléctrica y la diversidad de voces que debe imprimir el cantante Riccardo Ruggeri, desde la propia Bella, la Rosa, el Narrador, la Bestia e incluso el padre de Bella, todo en un tono romántico, melódico, expresivo, introspectivo, teatral y un toque moderno predominante sobre una base clásica del rock progresivo setentero italiano y anglosajón. Como tal opera de rock que se trata, me es difícil destacar algún tema respecto a otro, quizás me gusta mas la primera parte, mejor estructurada compositivamente que el tramo final, mas lineal y complejo y donde aparece algún rasgo de Jazz. Por decir algo negativo mencionaría la poco mordiente balada "Tu non sei qui" con el piano de cola de fondo. Las influencias siguen siendo desde Museo Rosenbach, Le Orme, BMS; Latte E Miele y Genesis. Especialmente indicado para fan de las operas rock y del rock progresivo italiano realizado en los 70's pero con el añadido de un toque moderno. En definitiva música romántica, melódica, expresiva, jazzy, cabaretesca, oscura y a ratos rabiosa, agraciada por la variedad timbrica del cantante Riccardo Ruggeri y la gran cantidad de instrumentación empleada, amen de los instrumentos clásicos del rock sinfónico, tenemos múltiples instrumentos como el cello, la sección de viento (2 trompetas, trombon, corno y tuba) protagonizada por el quintento Gomalan Brass Quintet y ademas de la sección Cuarteto de cuerdas Koiné (2 Violines, Viola y violoncello) que forman parte de la Orquesta Filarmónica de Turín y que además, curiosamente se ofrecen amenizar banquetes de boda por internet. Saluti (c) Juan ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: THE ENID - "Touch Me" THE ENID: "Touch Me" (1979) Temas 1. Charades [i) Humouresque (6:17) - ii) Cortege (5:11) - iii) Elegy (Touch Me) (3:17) - iv) Gallavant (7:14)] (21:59) 2. Albion Fair (16:26) Integrantes - Robert John Godfrey: teclados - William Gilmour: teclados - Francis Lickerish: guitarras - Stephen Stewart: guitarras, percusión - David Storey: batería, percusión - Terry Pack: bajo Colaborador - Tony Freer (corno inglés, oboe) Tercer disco de The Enid y segundo con el teclista William Gilmour en sus filas como lugarteniente de Godfrey, "Touch Me" tiene le misión de crear una encrucijada entre el preciosismo exultante de "Aerie Fairie Nonsense" y el dinamismo particular del impresionante disco debut "In The Region Of The Summer Stars". Estando más enfocado en los teclados que nunca, The Enid ya suena trepidantemente como una orquesta de rock, aunque también es justo señalar que las guitarras son utilizadas de forma muy poderosa dentro del sólido afiatamiento del ensamblaje grupal (especialmente, en la primera mitad del álbum). Lickerish es co-autor de tres de las cuatro secciones de "Charades", por lo que es razonable suponer que él se sentía muy compenetrado con el rol de la guitarra dentro de la lógica estética que seguía siendo predominantemente basada en las necesidades expresivas de Godfrey. En todo caso, al leer los créditos del disco, uno halla más lógica en el hecho de que Gilmour sea el co-autor que más recurrentemente acompaña la labor inspirativa de Godfrey. El concepto de "Charades" se inicia con "Humouresque", una pieza llamativa cuyo cuerpo central se focaliza en un ágil motivo de corte manierista donde la amalgama de teclados crear y recrea el desarrollo temático con prístina soltura, a la par que la dupla rítmica va sosteniendo el flujo de las florituras de la ingeniería melódica con excelsa precisión. Los pasajes donde el grupo vira hacia motivos más serenos - inspirados en la visión épica de Elgar - operan no tanto como generadores de contraste sino como recursos de complementación para la intención básica de dejar que la melodía se focalice en un bien asentado espíritu celebratorio. "Cortege" ostenta un aura palaciega donde la combinación de estilizaciones románticas y variantes de inspiración renacentista está a la orden del día. "Elegy (Touch Me)" es una pieza de piano clásico de aquellas que le gustan tanto al Sr. Godfrey, reflexivas e inundadas de un aire de distinción: la vibración conmovedora de Mahler parece ser la referencia influyente más recurrente en la base compositiva de esta pieza, aunque también hay ciertos pasajes que parecen seguir algún patrón de la Sonata "Patética" de Beethoven. Durando más de 7 minutos, "Gallavant", la última sección de "Charades" es también la más larga. Gestada y arreglada en clave de vals sinfónico, desarrolla una gentileza melódica basada en Tchaikovsky y un meticuloso manejo de las variaciones de ambiente que nos remiten en general a la etapa romántica de la música de cámara: esta sección sirve para perpetuar la lección general de "Aerie Fairie Nonsense" y reciclarla a través de la dinámica heredada del disco debut. En muchos sentidos, "Humouresque", "Cortege" y "Gallavant" encarnan a la perfección el estándar nuclear del álbum que describimos en el primer párrafo de esta misma reseña. "Albion Fair" es la suite que ocupa toda la segunda mitad del disco. Con una primera sección que dura más de 5 minutos, los teclados (principalmente sintetizadores) de Godfrey y Stewart ocupan exclusivamente el espacio sonoro en una flotante atmósfera donde la elegancia de la música docta y la espiritualidad contemplativa del new age, la atmósfera general de la pieza queda claramente definida. Después de esto, se suceden secciones temáticas donde la tríada de guitarras-bajo y las percusiones orquestales añaden ocasionales toques de color, hasta que llega el preciso momento en que el grupo entra en acción desde su propio ensamblaje para crear el primer momento climático, a poco de pasada la barrera del octavo minuto, y una vez abierta esa puerta ya no hay manera de cerrarla. Aunque no estamos precisamente en un momentum parecido a los momentos clave del "Journey" o el "King Arthur" de Wakeman, sin duda se trata de una manifestación del lado rockero de la férrea arquitectura musical de The Enid. Las variantes de motivos y los quiebres melódicos siguen operando en un colorido suntuoso y pomposo, pero sin dejar que la sonoridad integral del sexteto llegue a niveles de sobresalto o saturación, todo está bien cuidado desde la articulación de las variadas ilaciones compositivas hasta los diálogos concretos que tienen lugar entre los instrumentistas. El factor Wagneriano es bastante fuerte en varias fanfarrias de sintetizador y guitarra, pero también se mantiene fuerte la influencia de la densa nostalgia propia del paradigma de Mahler en medio de efluvios orquestales tan saltarines, y eso se nota de forma más notable en los momentos finales. Todo esto fue "Touch Me", el disco que consolidó el paradigma de The Enid dentro del lugar que ocupó dentro de una etapa de ardua supervivencia "de posguerra" que el ideal del rock progresivo experimentó tras el ecuador de los 70s. Tal como nosotros lo vemos, The Enid aportó mucha dignidad a este ideal con este disco en medio de la ubicación de relegamiento que ya estaba padeciendo de forma remediable en el negocio musical. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: TOE - "The Future Is Now" (2012) TOE: "The Future Is Now" (2012) Temas 1. Run For Word (3:22) 2. Tsuki Kake (4:23) 3. Ordinary Days (4:03) 4. The Future Is Now (4:01) Integrantes - Kashikura Takashi: batería, percusión - Mino Takaaki: guitarras - Yamane Satoshi: bajo - Yamazaki Hirokazu: guitarras Colaboradora - Aco (voz en 2) Toe es una banda japonesa que lleva bastantes años en el mundo del rock underground de su país, ganándose una buena reputación como ensamble de rock instrumental que sabe mostrar energía y sutileza con igual sensibilidad, como moviéndose a medio camino entre el post-rock y el math-rock, entrando en cualquiera de ambas áreas y apropiándose de algunas de sus pautas con solvencia e inteligencia. Formado en el año 2000, Toe ya tiene en su haber dos discos de larga duración y varios EPs, y su acto de presencia en el presente año 2012 es con un nuevo EP: "The Future Is Now". "Run For Word" abre el disco con una vitalidad electrizante que es manejada con sumo refinamiento, al modo de Hella en su faceta más sofisticada, y también en consonancia con sus compatriotas de Lite. "Tsuki Kake" vira hacia un registro distinto, que es de rock-fusión con tendencia bossanova: el etéreo canto de la invitada Aco ayuda a realzar el rol protagónico de la guitarra acústica, mientras que la aparición esporádica de capas de sintetizador funcionan como ornamentación que realza el carácter centralmente etéreo de la composición. "Ordinary Days" se hace eco en buena medida del espíritu de la pieza precedente y la lleva a una dimensión más introspectiva, aunque conserva convenientes dosis de gracilidad en su armazón instrumental: es como post-rock remodelado sobre una cadencia jazzera. En nuestra humilde opinión, estos dos temas daban perfectamente para un desarrollo temático más extenso, pero así son las cosas en el concepto de cada uno de ellos en las mentes y manos de sus autores. La pieza homónima de encarga de cerrar el disco con una dinamismo mágico cubierto por las ágiles escalas de guitarras acústicas duales y sostenido por un esquema rítmico estilizadamente entusiasta. La inserción de gráciles ornamentos cibernéticos en el camino nos hace recordar un poco a Grails. En conclusión, tenemos en "The Future Is Now" un muestrario interesante de lo que Toe sigue aportando productivamente a la vanguardia rockera de nuestros días: es una pena que este nuevo disco sea solo un EP, pero sin duda el material contenido en él es garantía de una experiencia melómana agradable. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: THE ENID - "In The Region Of The Summer Stars" (1976) THE ENID: "In The Region Of The Summer Stars" (1976) Temas 1. The Fool=85 / =85 The Falling Tower (6:16) 2. Death, The Reaper (3:59) 3. The Lovers (5:17) 4. The Devil (4:14) 5. The Sun (4:39) 6. The Last Judgement (8:12) 7. In The Region Of The Summer Stars (6:19) Integrantes - Robert John Godfrey: teclados - Francis Lickerish: guitarras - Stephen Stewart: guitarras, bajo - Glen Tollet: bajo - Dave Storey: batería, percusión Colaborador - Dave Hancock (trompeta en 5 y 6) He aquí el disco debut de The Enid, el vehículo grupal para la visión musical de Robert John Godfrey, talentoso (y un tanto egocéntrico) experto pianista y concertista que inició su carrera en el rock progresivo como encargado de los arreglos orquestales de varias piezas de los primeros álbumes de Barclay James Harvest, además de dirigir la pequeña Barclay James Orchestra en varios conciertos de esos primerizos años. Tras un disco debut de 1974 titulado "Fall Of Hyperion" y editado por el sello Charisma, decidió formar un grupo: The Enid. Este ensamble que originalmente fue diseñado para tener un vocalista, finalmente se convirtió en una entidad íntegramente instrumental debido a que, ad portas del inicio de las sesiones de grabación y pre-producción del disco debut, el vocalista Peter Roberts se suicidó. Teniendo que hacer nuevos arreglos al material compuesto bajo la inspiración de las cartas del Tarot, tras tomar la decisión de no reemplazar a Roberts, The Enid logró finalmente concretizar la grabación de "In The Region Of The Summer Stars", para ser editado por BUK Records (sucursal de EMI) en 1976. Como anécdota interesante cabe señalar que el título originalmente pensado para este álbum era "Voyage Of The Acolyte", pero debido a la edición del primer disco solista de Steve Hackett (uno de los hitos más importantes de la historia y recovecos varios de Genesis dentro de la historia del género progresivo), The Enid tuvo que cambiar también eso. Prácticamente nada salió como estaba pensado en un inicio=85 pero salió, y eso es lo más importante. Reseñamos ahora "In The Region Of The Summer Stars" como lo que es, un clásico del prog sinfónico británico. La dupla de "The Fool=85" y "=85 The Falling Tower" da inicio al disco con un exquisito boato que va desde un explícitamente suntuoso clima de expectativa hasta un dinamismo ágil y contundente que se siente típico del estándar sinfónico británico, aunque también portando ciertas afinidades con Trace y BMS, especialmente en lo que se refiere a la robusta explotación de los potenciales de colorido y el continuo empleo de ingeniosas variantes armónicas en los desarrollos temáticos. Con "Death, The Reaper", la banda se retrotrae a atmósferas introspectivas basadas en una confluencia de aires manieristas con ambientes etéreos de tenor céltico. Cabe destacar el manejo sabiamente controlado de la pomposidad exigida por la composición: el posicionamiento central de la guitarra acústica en la primera parte y el posterior realce de los diálogos entre sintetizador, guitarra eléctrica y tímpanos en la segunda se hilan de una manera perfectamente compacta, llegando finalmente a una coda cautivante en su convincente espectacularidad. La presencia de la muerta es abordada no como el fin del proceso vital sino como una idea persistente que hay que explorar cavando en el subsuelo del espíritu. Pasando de lo introspectivo a lo intimista, "The Lovers" se centra en motivos de piano clásico, muy en línea con Rachmaninov y Mahler: si bien es el piano el que guía el camino, las orquestaciones de sintetizador aportan el paisaje imprescindible para que el piano logre expresar adecuadamente sus ideas en curso. Poco después de la barrera del cuarto minuto se da un giro solemnemente conmovedor al asunto, a medio camino entre el desborde emocional y la nostalgia. La primera mitad del álbum se cierra con "The Devil", pieza en la que The Enid vuelve a focalizarse en sus aristas más propiamente rockeras: aunque los arreglos y el punche performativo se revelan inmensamente estilizados, hay un aire de siniestra travesura en el desarrollo melódico en curso, como si se quisiera enfatizar el lado tramposo del Príncipe del Mal y no tanto su esencia maléfica. ?Afinidades con el estándar Wakemaniano? Puede ser=85 pero solo de forma moderada. Con un bello preludio de trompeta, la segunda mitad del disco empieza como un amanecer. El nacimiento de un nuevo día está hermosamente retratado por la cálida y gentil amalgama armada por el ensamble en "The Sun", siempre bajo la guía de las intervenciones de los teclados, más unos fraseos de guitarra solista que entran a tallar oportunamente con una cierta altivez, una expresividad autoafirmativa que funciona tanto para realzar las líneas solistas del sintetizador como para completar el aire de ensoñador optimismo diseñado para la ocasión. Un poco como un híbrido de Camel y Greenslade. Tras la emergencia de la inocencia naciente del nuevo día, llega la amenaza apocalíptica del Juicio Final de la mano de "The Last Judgement", pieza que se instala como un cénit de esplendor y pomposidad dentro de la estructura integral del álbum. El primer motivo se arma dentro de un esquema de bolero sinfónico donde el carácter marcial de la base percusiva está debidamente reglamentada y ornamentada para expandir la fuerza de lo oscuro durante un espacio de poco más de 4 minutos. A partir de ahí, la pieza deriva en un momentum ceremonioso donde, una vez más, la interacción entre sintetizador y guitarra diseña el núcleo central de toda la instrumentación: la nocturnidad se reviste de ropajes luminiscentes, logrando así atenuar su esencia oscurantista en nombre del predominio de la majestuosidad. La coda de trompeta sobre un fondo de corrientes marinas sirve para realzar el desarrollo majestuoso hacia linderos sónicos tranquilos, con lo que se prepara el camino para la pieza homónima que cierra el álbum; en efecto, "In The Region Of The Summer Stars" establece una atmósfera relajante que hereda mucho de la solemnidad contemplativa e introvertida de "Death, The Reaper", pero con una sonoridad más llena que se emparenta con "The Sun". Por causa de la descatalogación del disco de las oficinas distribuidoras de EMI, el grupo decidió regrabar el disco con añadidos arreglos en casi todas las piezas con la alineación casi idéntica (pero con otro baterista, Chris Noth, y otro trompetista invitado), y además, con casi todos los títulos cambiados (por ejemplo, "The Lovers" pasó a ser "The Loved Ones" y la pieza homónima se convirtió en "Under The Summer Stars"). Prácticamente se trata de lo mismo pero con algunas expansiones que generan un interés extra a la magia del disco original=85 pero en tanto disco original, la primera edición de "In The Region Of The Summer Stars" es la que cuenta fundamentalmente como el primer clásico de The Enid, y para muchos, la mejor obra de Godfrey y compañía. Téngase en cuenta esto a la hora de comprar el disco, especialmente del hecho de que la edición digital recoge la versión de 1984 con un bonus track de más de 18 minutos de duración donde Godfrey recopila y rehace varias melodías del disco dentro de un ejercicio de ambient electrónico de tendencia new age. De todas maneras, ya sea con una estructura u otra, "In The Region Of The Summer Stars" resulta un ítem completamente indispensable para los coleccionistas de rock sinfónico. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: STABAT AKISH: "Nebulos" (2012) STABAT AKISH: "Nebulos" (2012) Temas 1. Nebulos (4:40) 2. Un Peuplier Un Peu Plié (5:32) 3. Sprouts (3:11) 4. Sprouts (Continued) (1:57) 5. Sprouts (Continued) (1:19) 6. Sprouts (Continued) (3:57) 7. Troïde (7:31) 8. La Serrure (2:32) 9. Soft Fate (1:25) 10. Boletus Edulis (2:52) 11. Dynamique Cassoulet (2:28) 12. Fast Fate (0:35) 13. Le Chifre (4:05) Integrantes - Guillaume Amiel: marimba bajo, vibráfono, percusión - Maxime Delporte: contrabajo - Ferdinand Doumerc: saxofones barítono, tenor, alto y soprano, flauta - Stéphane Gratteau: batería - Rémi Leclerc: pianos acústico y Fender Rhodes, clavinet, sintetizador Moog, órgano Hammond - Marc Maffiolo: saxofones bajo y tenor Colaboradores - Nicolas Gardel (trompeta en 9, 12 y 13), Olivier Sabatier (trombón en 9, 12 y 13), Sarah Roussel (palabras en 5 y 7), Olivier Cussac (guitarra lap steel en 2) Formado en Toulouse en 2007, Stabat Akish es un vigoroso y ecléctico ensamble de línea avant-progresiva que ya cuenta con dos discos de estudio en su haber: el homónimo de 2009 y "Nebulos" de este año 2012. Su línea de trabajo se delinea bajo las influencias de Zappa, Ensemble Nimbus, SMM, además de introducir aspectos de la tradición fusionesca de los 70s y de las nuevas modalidades de jazz experimental para enriquecer aún más su paleta sónica. Una característica formal resaltante en el esquema sonoro de Stabat Akish está en los roles importantes que ocupan los metales y las percusiones tonales: la ausencia de guitarra eléctrica dentro del formato del grupo no es óbice para que el sexteto genere una genuina energía en sus composiciones, aunque también es justo especificar que muchas veces esta energía es elaborada bajo regímenes de sutileza y constricción. Pasamos a reseñar "Nebulos", al cual adelantamos como uno de los discos más peculiares de la producción progresiva del presente año 2012. La pieza homónima abre el disco desplegando un escenario sónico de más de 4 minutos y medio de sólidos coloridos guitados por la dupla de saxos, dándose también un grandioso lucimiento de a dupla rítmica a la hora de elaborar un swing atrapante. Luego sigue "Un Peuplier Un Peu Plié", pieza cuyo cuerpo central porta un aura consistentemente jazzeada que sirve de encuadre para el protagonismo de la percusión tonal; en algún momento emerge un interludio marcado por una atmósfera cómica que define decisivamente la coda con la que se retoma una versión resumida del cuerpo central. Con las cuatro partes del concepto "Sprouts", el grupo se mete a explorar sus inquietudes de inspiración RIO (a medio camino entre Ensemble Nimbus y Hamster Theatre), siendo así que lo primero que se hace notar es la ilación de los vericuetos del exaltado saxo alto, la cual dirige el camino hacia un crescendo grupal tremendamente abstracto. Con la secuencia que une la desatada extroversión neurótica de la primer continuación y la crepuscularmente apagada serenidad de la segunda continuación (más el soliloquio de Sarah Roussel), se prepara el terreno para la ceremoniosa vibración manifiesta en la tercera y última continuación. Ésta brilla bajo una aureola contemplativa y evocativa que tiene ciertas afinidades con el estándar de Aranis, y también algo de la grisácea tensión que Henry Cow desarrolló en su último disco de estudio "Western Culture". "Troïde" es un ejercicio de confluencia entre el swing modernista del nu-jazz y el paradigma de Weather Report. El soliloquio de Roussel es un factor relevante para darle un aire de poesía beat, una celebración de la corriente de conciencia que va del francés al inglés y de allí al español, con alguna frase en italiano que también se filtra por ahí. "La Serrure" es una miniatura donde se alternan parajes circenses y pasajes marcados por una misteriosa sutileza, mientras que "Soft Fate" es un ejercicio de big band construido sobre una retorcida progresión armónica dueña de una extravagancia exultante que se trasluce a través de la cuidad exquisitez performativa de los músicos: a todas luces, ambas composiciones gozan de amplia inspiración Zappiana, la etapa 72-75 para la primera, la época del "Hot Rats" para la segunda. La dupla de "Boletus Edulis" y "Dynamique Cassoulet" enfatiza explícitamente el gusto que tiene la banda por jugar con quiebres y contrastes a la hora de armar los bizarros arreglos de las ideas musicales en curso. La coda pseudo-bluesera de "Dynamique Cassoulet" tiene toda la facha de un chiste musical Zappiano. "Fast Fate" es una remodelación veloz del cuerpo central de "Soft Fate", esta vez coqueteando abiertamente con el filo más atrevido de la tradición be-bop. Finalmente, "Le Chifre" opera como una cruza entre el swing llamativo de "Un Peuplier Un Peu Plié" y el pulcro colorido de "Soft Fate", pero sin mucho lugar para la densidad: esta pieza está principalmente diseñada para cerrar el álbum con una espiritualidad cálida, a pesar de los sombríos matices expectantes con los que se arma su pasaje introductorio. "Nebulos" es un disco alucinante, un catálogo de aventuras experimentales creadas con sumo ingenio y ejecutadas con una electrizante combinación de soltura, inteligencia y nervio: con este segundo disco, Stabat Akish ya puede presumir de pertenecer a las grandes ligas de la música progresiva vanguardista del nuevo milenio. !Y que no sea el último! César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: GA'AN: "Ga'an" (2009) GA'AN: "Ga'an" (2009) Temas 1. Chasmaeon (7:01) 2. Living Tribunal (8:12) 3. I Of Infinite Forms Pt. 1 (5:00) 4. I Of Infinite Forms Pt. 2 (6:06) 5. Servant Eye (6:31) 6. Vultures Of The Horn (7:16) Integrantes - Jeremiah Fisher: sintetizadores - Lindsay Powell: voz - Seth Sher: batería - Jason Sublette: bajo, sintetizador Ga"an es el nombre de un cuarteto estadounidense dedicado a cultivar una especie de remodelación "cibernética" del ideario Zeuhl. Formado a fines de la pasada década en el círculo underground de Chicago por la vocalist Lindsay Powell, el baterista Seth Sher, el sintetista Jeremiah Fisher y el bajista-sintetista Jason Sublette, el grupo logró editar rápidamente su homónimo trabajo debut en el anacrónico formato de casete, siendo así que al año siguiente se re-editó en una edición limitada de vinilo y en formato digital en un formato de download organizado por el sello independiente Captcha Records. Lo que encontramos en "Ga"an" es música Zeuhl de nueva generación que aporta una especie de frescura especial al paradigma Magma-Zao-Eskatoniense, una interesante alternativa a las revisiones que desde la ciudadela franco-europea se hace de parte de Neom, Setna y otras entidades: la tendencia minimalista electrónica se puede asociar al krautrock sintetizado y a la avanzada no-wave tecnificada en cuanto a los aspectos predominantes de la armazón sónica (parcialmente parecido al Birdsongs Of The Mesozoic de la primera etapa), pero indudablemente el núcleo creativo está inspirado en el avant-prog del Zeuhl y (en menor medida) e chamber-rock. Pasamos a reseñar el disco debut acto seguido. "Chasmaeon" abre el disco empezando con un aura minimalista de tétrica solemnidad atravesada por vibraciones cósmicas, por un espacio de poco más de 2 minutos. Una vez que entra en acción la dupla rítmica comenzando con un lento 7/8, se asienta el motivo recurrente, el cual consiste en un mantra de claras referencias Magmianas (etapa "Mekanïk Destruktïw Kommandöh") que se va resolviendo mágicamente con la estratégica inserción de recursos de intensificación rítmica. "Living Tribunal" está más en línea con el paradigma Magmiano de "Köhntarkösz", así como con la oscura agilidad de unos Present, aunque sin la presencia de la guitarra en nombre de la dominación de los sintetizadores. El bloque instrumental maneja perfectamente las posibilidades creativas que brotan del contraste entre las sofisticadas cadencias elaboradas por la batería y el carácter flotante de las amalgamas de teclados, siendo así que el canto de Powell se articula en torno a aquéllas. En estos primeros 15 minutos ya tiene el oyente perfectamente claro de qué va Ga"an, y lo que sigue a continuación deberá confirmar y fortalecer nuestra comprensión de ellos: las dos partes de "I Of Infinite Forms", pieza que tuvo que ser dividida para encajar dentro del formato de la doble cara del casete. Este concepto nos muestra la faceta más extrovertida del ensamble, en cercanía clara con la ideología de Eskaton y no tanto con la de Magma; de todas maneras, el rol crucial de los sintetizadores, especialmente lo referente a su mecanicista dimensionalidad, hace que la extroversión se acompañe con una razonable dosis de densidad. La culminación de la segunda parte finiquita las cosas con un acento épico bastante lírico, más cercano a los estándares de la línea de trabajo de Tangerine Dream de fines de los 70s que al estereotipo ostensiblemente oscurantista del Zeuhl. "Servant Eye" parece hacerse eco de la exaltación sónica del concepto precedente, pero su patente arquitectura de sofisticada tensión le da aires de familia más urgentes con los climas desarrollados en las dos primeras piezas. Si "I Of Infinite Forms" supuso un viraje hacia las secciones más brillantes de la llama avant-progresiva que el grupo alimenta con soltura e inquietud aventurera, "Servant Eye" encarna una exultante síntesis de los matices predominantes en el repertorio precedente. El disco (o mejor dicho, el casete) termina con "Vultures Of The Horn", pieza donde el grupo perpetúa la dinámica establecida en "Servant Eye" pero con dosis aumentadas de gracilidad y una tensión un poco menos pronunciada. Ga"an es una joya que vale la pena rescatar de su escondite dentro de los actuales túneles secretos del underground experimental estadounidense: la banda sigue activa con una nueva formación de trío, en la que Sher y Powell (ahora también al teclado) están acompañados por el bajista-teclista Tyson Tortensen. !Atentos/as, coleccionistas progresivos/as de todo el mundo! César Mendoza ----------------------------------------------------------------------------