LA CAJA DE MUSICA LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO ============================================================================ LCDM: #991 junio 2012 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM ---------------------------------------------------------------------------- * varias noticias * COTO EN PEL - "Holocaust" (1978) * WIZARD RIFLE - "Speak Loud Say Nothing" (2012) * 2112 - "El Maravilloso Circo De Los Hermanos Lombardi" (2012) * ZEVIOUS - "After The Air Raid" (2009) * ECLAT - "L'Esprit Du Cercle" (2012) * DIAGONAL - "Diagonal" (2008) * Viaje_a_800:_"Coñac_Oxigenado"_2012 * DOMO - "Domo" (2011) * TRIBAL TECH - "X" (2012) ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: varias noticias HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. Resistencia Chaco + La Mujer Barbuda + Helmut Robot, 21 de junio El jueves 21 de junio, el grup oRESISTENCIA CHACO tocará en Club V [Av Corrientes 5008, Buenos Aires ], continuando con el derrotero de presentaciones de su excitanet disco "Una puerta roja en algún lugar de la República Checa". Compañeors de cartel: LA MUJER BARBUDA y HELMUT ROBOT. ------------------------------- Ciclo Homenaje al Rock de los Setenta - 2º EDICIÓN Esto se ve interesante, el festival musical "CICLO HOMENAJE AL ROCK DE LOS SETENTA - Segunda Edición", 4 jornadas en la localidad argentina de Mendoza. " Heredera del movimiento hippie y la contracultura, de la psicodelia y del Mayo Francés, la Década del Setenta fue rebelde y contestataria. Idealista y revolucionaria. Humanista =85=85 libertaria. Creativa casi como ninguna. A cuarenta años decidimos recrear parte de su música...." CUATRO BANDAS y PRODUCCIONES DEL CIELOSUR presentan: CICLO HOMENAJE AL ROCK DE LOS SETENTA. Segunda Edición. SÁBADO O2 DE JUNIO, 21:30 HORAS: YES SPIRIT / CLOSE TO THE EDGE, 40 ANIVERSARIO VIERNES 08 DE JUNIO, 21:30 HORAS: ECLIPSE / PINK FLOYD ANTHOLOGY SÁBADO 16 DE JUNIO, 21:30 HORAS: COSMO'S FACTORY / ROCK DEL PANTANO VIERNES 06 DE JULIO, 21:30 HORAS: KASHMIR / THE LED ZEPPELIN EXPERIENCE Nave Cultural Mendoza, Parque Central de la Ciudad de Mendoza. Sala 2 http://www.ciudaddemendoza.gov.ar/municipio/areas/turismo-y-cultura/nave-cultural Valor de la Entrada: $ 40.00 cada función Cantidad de Butacas con entradas a la Venta: 167 para cada show Venta de Entradas disponibles para los cuatro shows en BOLETER CDA DE NAVE CULTURAL: Miércoles a Sábados: de 10 a 13hs y 18 a 21hs. Domingo: de 18 a 21hs. Teléfono: 0261- 4495288 OPERACIÓN DE SONIDO: DANIEL P CDCCOLODISEÑO GRÁFICO: EDGARDO POVEZSONIDO E ILUMINACIÓN: NAVE CULTURAL MENDOZAPRODUCCIÓN ART CDSTICA: EDGARDO POVEZ Y ALEJANDRO PIZARROPRODUCCIÓN VIDEO: ALBERTO MATURANOPRODUCCIÓN EJECUTIVA: ALEJANDRO PIZARRO / PRODUCCIONES DEL CIELOSUR -------------------------------- descansa en paz, John Harrison [HAWKWIND] John Harrison, quie nfue el primer bajista que formó parte de la banda HAWKWIND, falleció el pasado sábado 26 de mayo, justo un día después de su 70mo cumpleaños. Él 'llevaba ya sus últimos 7 años padeciendo de la efermedad de Huntington. Los héroes de la vanguardia rockera de los 70s siguen cumpliendo con los últimos pasos de sus respectivios ciclos vitales. Aquí hay algunos vídeos con música del primer disco de HAWKWIND, en honor de Harrison.- Hurry On, Sundown: http://www.youtube.com/watch?v:vCZOIz4LUFM Seeing It As You really Are: http://www.youtube.com/watch?v:LxLIVWWgfGA Mirror Of Illusion: http://www.youtube.com/watch?v:-5vUqo5xchQ ------------------------------- NomaNooirax 2012 Se viene una nueva edición del NomaNooirax Fest, organizado por los sellos de rock vanguardista Noma Records y Nooirax: se trata de un evento madrileño que se caracteriza por sus carteles estilísticamente amplios y su énfasis en propuestas rockeras de gran calibre (prog-metal, post-rock, math-rock, psicodelia, stoner, sludge, avant-metal, etc.) Los días 22 y 23 de Junio se celebrará en la sala "Faena Madrid" y el sábado 30 de Junio será en la sala El Grito de Fuenlabrada. Cartel: Viernes 22 AATHMA SONNÖV MEIDO MAUD THE MOTH OTUS Sábado 23 WORMED TROCOTOMBIX JARD CDN DE LA CROIX CEMENTERIO Sábado 30 POSSESSION TEMPESTA MANIAC FORENSSICK GARUDA LÖSUNG ------------------------------- Aquí transcribo lso datos de tres importantes conciertos que se vienen dentro de la vanguardia rockera argentina.- DEFÓRMICA + PROYECTO QUASAR + MAPAS Ciclo No Nómade presenta a Proyecto Quasar, Defórmica y Mapas en Santana, Ramos Mejía Viernes 29 de junio. Entrada en puerta: $35.- Anticipadas por Inbox/Facebook: $25.- www.facebook.com/​mapasmapas www.facebook.com/deformica www.facebook.com/proyectoquasar PEZ + SUR OCULTO 11 de agosto 21.00 Niceto Club Niceto Vega, 5510 – C.A.B.A. Aquí me despido hasta una nueva ocasión. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: COTO EN PEL - "Holocaust" (1978) COTÓ-EN-P C8L: "Holocaust" (1978) Temas 1.- Aura De Sons (13:30) 2.- Lamentacions (4:40) 3.- Holocaust (Part 1) (10:35) 4.- Holocaust (Part 2) (8:08) Integrantes - Pep Llopis: órgano, sintetizadores, mellotron y voz - Carles Pico: guitarras eléctrica y acústica - Vicent Cortina: batería y percusión - Paco Cintero: bajo, corneta y voz Los nombres del grupo Cotó-En-Pél y su único LP "Holocaust", editad oen 1978, están escritos con letras de oro en los anales del rock progresivo hecho en la Península Ibérica en la gloriosa década de los 70s. Grabado en los míticos Estudios Kirios de Madrid en junio de 1977, este disco encarna una de las muestras más notables de la vertiente sinfónica desarrollada en la vanguardia laietana. El esquema sonoro creado por este cuarteto tiene fuerza de carácter, guardando algunas confluencias claves con sus coterráneos de Atila, pero a diferencia suya, Cotó-En-Pél da abierta preferencia al manejo de climas más sutiles, ideas musicales que enfatizan el aspecto cósmico del estándar sinfónico (al estilo de Pink Floyd, Eloy, Novalis, incluso el King Crimson de la etapa Sinfield) Con ruidos de tormenta eléctrica y grillos en la noche empieza el primer tema, "Aura De Sons", una maratón progresiva de largo aliento. Una vez que la banda entra en acción, lo hace primero elaborando unas texturas etéreas que nos pueden hacer recordar a los preámbulos Yessianos de sus viajes en "Tales" o los Floydianos en su paradigmática aventura de "Wish You Were Here". Una vez que la instrumentación asienta su arquitectura de sucesivos esquemas melódicos, alternando pasajes extrovertidos y lánguidamente reflexivos, Cotó-En-Pél muestra sus afinidades con el discurso de Atila, así como los paradigmas del Yes 71-72 y del kraut-sinfónico encarnado por Eloy, Grobschnitt y Novalis. Luego sigue "Lamentacions", pieza que se sitúa en un registro completamente distinto: se trata de una balada con base de guitarra acústica, adornada con intervenciones de corneta y un melancólico canto que funciona muy bien dentro del cuadro sonoro intimista elaborado para la ocasión. Suena un poco a las baladas acústica Crimsonianas de "Lizard" e "In The Wake Of Poseidon", o del primer disco de PFM. La pieza homónima, cubierta en dos partes, ocupa toda la segunda mitad del disco. Las texturas sutilmente inquietas del pasaje inicial de la Parte 1, abundantes en texturas cósmicas, suenan a un remodelamiento Crimsoniano de estándares Floydianos, y cuando emergen las intervenciones vocales, la atmósfera general adquiere tintes siniestros un tanto emparentados con Goblin. Es un momento raramente atractivo dentro del ideario musical del grupo, serenamente introspectivo pero a la vez indicador de una ansiedad extraña que aflora a ratos de forma incompleta, ya sea en algún solo de Moog, ya sea en los disonantes arreglos de mellotron, o en las antes mencionadas intervenciones vocales. Poco antes de llegar a la barrera del séptimo minuto y medio, el grupo vira hacia un pasaje expectante donde el bajo establece unas medidas florituras al servicio de la reinante intensidad sombría, la cual es poco después realzada por un Frippiano solo de guitarra. El clímax conclusivo, encuadrado bajo las columnas respectivas de las estilizadas capas orquestales de los teclados y la robusta labor de la batería abre la puerta a la Parte 2, la cual comienza con un tenor lírico bastante calmado, onírico y plácido, al modo de un híbrido entre PFM y Novalis. Cuando la instrumentación se robustece para dejar traslucir más claramente los colores inherentes al núcleo compositivo del motivo central, el asunto cobra ribetes a lo Museo Rosenbach (el glorioso final de la suite "Zarathustra"), pero con un acento Floydiano que resulta casi omnipresente dentro de la esencia progresiva de la banda. Es una pena que la sección final no sea más extensa, pues su espíritu ceremonioso se hubiera beneficiado indudablemente de un mayor campo de expansión para el solo de guitarra y las capas de mellotrón. De todas maneras, cabe indicar que el final de "Holocaust (Part 2)" resulta un auténtico broche de oro para completar solventemente la experiencia de escuchar el disco. Lo dicho: "Holocaust" es un pasaje muy importante dentro del legado del rock progresivo catalán, una pieza de colección que merece su justo lugar dentro de los estantes que los coleccionistas de música progresiva reservan para aquellas joyas que los conocedores saben apreciar sin reservas de ningún tipo. Cotó-En-Pél dignificó grandemente, durante su efímero paso por la industria fonográfica, el nombre del rock progresivo en la vanguardia rockera que se desarrolló en la Península Ibérica durante los 70s. Quienes aún no lo tengan=85 !a conseguirlo ya! César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: WIZARD RIFLE - "Speak Loud Say Nothing" (2012) WIZARD RIFLE: "Speak Loud Say Nothing" (2012) Temas 1.- Tears Won"t Soften Steel (6:23) 2.- Frazetta (4:58) 3.- Megatherium (7:29) 4.- Nobody (7:06) 5.- Leathery Gentlemen (10:32) Integrantes - Sam Ford: batería, voz - Max Dameron: guitarra, voz Formado en el otoño de 2009 en la localidad de Portland, el muscular power-dúo Wizard Rifle practica una variedad de rock experimental que bebe tanto de las añejas aguas del stoner y la psicodelia pesada de los 70s como de los estándares del doom metal, post-metal y noise-rock, aparte de algunos ocasionales coqueteos con la juguetona neurosis propia del math-rock. Tras haber publicado un EP titulado "Kitties And Pie!!!!!" en 2010, ahora en 2012 edita su primer disco de larga duración (aunque cabe decir que dura poco más de 35 minutos en total) "Speak Loud Say Nothing", a través del sello Seventh Rule, especializado en música del variado underground estadounidense. "Tears Won"t Soften Steel" abre el disco con un estruendoso vigor resultado de la confluencia de stoner, noise-rock y metal, con ciertos retazos de math-rock (al estilo de Giraffes? Giraffes!) en algunos pasajes donde el grupo juega a crear texturas psicodélicas en medio del impenetrable e imparable fragor de electricidad rockera que tiene lugar. "Frazetta" sigue a continuación para continuar explorando estas aguerridas atmósferas, incluso aumentando la dosis de exaltación psicótica, durante su primera sección; luego, en la segunda sección, el dúo vira hacia un motivo más constreñido donde se exploran texturas oscuras a partir de un nuevo manejo de la fiereza, antes de llegar al breve cierre exultante que, de todas maneras, da amplias muestras del aura de sofisticación con el que Wizard Rifle es capaz de alimentar su propio esquema musical. La banda sabe llenar espacios a pesar de su muy reducida estructura de dúo, y esta noción se confirma con creces al arribar "Megatherium", tema que se basa en una confluencia entre la rotunda robustez del post-metal y el fuego esencial a la tradición stoner, más coqueteos con la faceta más áspera del Hawkwind 70-73. El dinamismo oscurantista empleado para el desarrollo del clímax final es contundente, un punto de máxima expresión de la visión artística del dúo dentro del disco. "Nobody" se hace eco de la grandiosidad inmediatamente precedente mientras le insufla la agresiva gracilidad filudamente expuesta en los primeros temas del álbum. La coda de esta pieza consiste en una emulación de un ritual tribal, lo cual le da un aire dadaísta al asunto. Finalmente, ocupando los últimos 10 BD minutos del disco, "Leathery Gentlemen", pieza donde la banda muestra las aristas más bestiales de su esencial extroversión metalera, y de hecho, lo que sucede aquí en los primeros 6 minutos y pico en una secuencia perpetua de truenos y relámpagos traducidos a los lenguajes de la guitarra eléctrica y la batería. Luego, el grupo elabora un breve puente minimalista que conduce hacia un ejercicio final de exacerbados delirios psicodélicos, kilométricamente potencializados con una polenta típicamente doom-metalera. Todo esto fue la experiencia de "Speak Loud Say Nothing", un muestrario de vigor galopante y psicosis traviesa que refleja la peculiar intensidad de Wizard Rifle, un grupo que ya viene generando un público de culto dentro del underground estadounidense y que, anticipamos, tiene aún mucho que ofrecer al ideal del metal experimental en el futuro próximo. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: 2112 - "El Maravilloso Circo De Los Hermanos Lombardi" (2012) 2112: "El Maravilloso Circo De Los Hermanos Lombardi" (2012) Temas 1. Los Hermanos Lombardi (7:43) 2. Doble Tiempo Alternado (4:02) 3. Marea Sepia (4:37) 4. Capitán Beatty (3:56) 5. Mi Río (3:07) 6. Mi Desierto (3:48) 7. El Montañes (4:40) 8. Ingeniero Marconi (4:14) 9. Caída Atmosférica (4:20) 10. Canción Del Espacio Para Cantar Con Amigos (7:21) 11. La Amenaza De La Estrellita Negra (4:06) 12. Christine Watkins (4:55) Integrantes - Sergio Moscatelli: batería - Juan Tambussi: guitarras - Gabriel Costa: bajo y coros - Germán Ivaldi: voz solista 2112, leyenda viviente del prog-metal argentino, afronta el año 2012 con un nuevo disco titulado "El Maravilloso Circo De Los Hermanos Lombardi", el mismo que lo muestra como una fuerza musical vigente a través de su muy curtida veteranía y la inconstancia de su presencia efectiva dentro del escenario fonográfico de su país. Doce años y ciertos cambios de alineación tuvieron lugar desde el tiempo del tercer disco de la banda "Glory Lies Ahead". Hoy por hoy, 2112 ha abandonado su tradicional esquema de power-trío para operar como un cuarteto donde permanecen el guitarrista Juan Tambussi y el baterista Sergio Moscatelli, mientras que el bajista uruguayo Gabriel Costa le da un brisas de radiante frescura a la dupla rítmica y el cantante Germán Ivaldi (el miembro de más reciente ingreso) hace de sus participaciones vocales el ingrediente final para la compleción de las proyecciones melódicas del grupo. Este disco ha tomado bastante tiempo para completarse, e incluso provocó que se hiciera una especie de postergación de la celebración del vigésimo aniversario del disco debut de la banda ("Alterando Las Divisiones"), pero a la luz de los resultados auditivamente palpables, cabe concluir que el empleo adicional de tiempo para darle forma conclusiva al concepto de "El Maravilloso Circo De Los Hermanos Lombardi" ha valido la pena. Tal vez estamos ante el mejor disco del grupo hasta la fecha. La pieza que nombra en su título a los dueños del Maravilloso Circo abre el disco con un motivo introductorio tremendamente electrizante, dejando luego paso a un cuerpo central asequible que suena a un híbrido del Thin Lizzy clásico con el Rush de "2112", además de algunos desarrollos y quiebres rítmicos que nos remiten claramente al DT de "Train Of Thought". El grupo pone toda su carne en el asador desde el punto de partida con esta canción que es la más larga del repertorio. Esta actitud de plena confianza en su propia muscularidad musical que se confirma con la secuencia de los dos temas siguientes, que son "Doble Tiempo Alternado" y "Marea Sepia". Portando ambos un desarrollo menos extenso, cabe especificar primero que ""Doble Tiempo Alternado" exhibe un swing de corte heavy-funky al estilo Zeppeliniano con algunas alusiones a los recursos de sofisticación que en su momento Soundgarden elaboro para su propia maduración post-grunge. Por su parte, "Marea Sepia" empieza apelando a climas más controlados dentro de un esquema pop-rockero en el que el grupo explora las facetas más sutiles de su agenda estilística; pero además, la dupla rítmica elabore algunos pasajes de tendencia jazz-rockera en su dinamismo arquitectónico a fin de permitir la fluida incepción de algunas variantes rítmicas a mitad del camino, lo cual determina que el momento final adquiera un cierto matiz épico. "Capitán Beatty" es el primer instrumental del álbum, el cual se puede muy bien calificar como un tributo simultáneo al Rush 76-78 y al Rush 93-95: el despliegue de vitalidad rockera se reviste de majestuosa ingeniería melódica con una saludable dosis de cambios de ritmos y ambientes. Luego sigue la secuencia de las canciones "Mi Río" y "Mi Desierto": la primera suena como una semi-balada de Rainbow, mientras que la segunda nos remite parcialmente al aura de "Doble Tiempo Alternado", aunque con un arreglo patentemente más sencillo. La segunda mitad del disco se inicia con "El Montañés", pieza llamativa sobre un medio tiempo que reitera el aire accesible y relativamente sencillo que había marcado los dos temas precedentes, un poco como la faceta más asequible de Satriani: algunos breves interludios en 7/8 y un espectacular (aunque no muy extenso) solo de guitarra hacen la diferencia dentro del calculado desarrollo melódico de la canción en cuestión. Le sucede el segundo instrumental del disco, "Ingeniero Marconi", tema que reitera la lógica de progresiones complejas y refinada ilación de variantes y contrastes de la que el encuadre instrumental ya había hecho gala en "Capitán Beatty". En comparación, las ideas melódicas contenidas en este instrumental portan una ambientación un poco más extrovertida, y además, la dupla rítmica explora dinámicas un poco más ligeras. Con "Caída Atmosférica", el grupo explora nuevamente el dinamismo constreñido de la semi-balada, coqueteando en buena medida con las amplias pautas de la etiqueta del rock alternativo, aunque sin dejar de recurrir a trucos de energía fiera propias del estándar heavy. "Canción Del Espacio Para Cantar Con Amigos", la segunda canción más extensa del repertorio, establece una vía intermedia entre el tono amigable de piezas como "El Montañés" o "Mi Desierto" y la actitud más sofisticada que hallamos en los dos primeros temas. El tercer y último instrumental del disco es "La Amenaza De La Estrellita Negra", tema que desarrolla un refrescante enfoque Dream-Theatero a la esencia del Rush más filudo de los últimos 20 años. Durando casi 5 minutos, "Christine Watkins" cierra el álbum con una actitud sólida donde las armazones normalmente ostentosas del prog-metal estandarizado se articulan dentro de una ingeniería de grooves bastante llamativos, la cual nos recuerda, una vez más, al legado de Rush en sus manifestaciones más rugientes: el robusto impacto inherente a esta canción es tremendamente apropiado para concluir el álbum. 2112 se ha superado a sí mismo en varios aspectos con este nuevo disco: "El maravilloso Circo De Los Hermanos Lombardi" es una esplendorosa exposición de maravillosas postales rockeras donde la exhibición de colorido musical, florituras y trucos se hace con muy buen gusto y una estricta fidelidad a los ideales de energía y vigor esenciales al lenguaje rockero. Prog-metal de gran factura significa rock progresivo con énfasis en las tradiciones del rock duro clásico y el heavy 80ero, o también metal reformulado por vía de un compromiso con los ideales del rock artístico: sea cual sea el enfoque que se dé a esta vertiente rockera, 2112 domina sus estándares con buen pulso e ingenio a raudales. !Recomendado! César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: ZEVIOUS - "After The Air Raid" (2009) ZEVIOUS: "After The Air Raid" (2009) Temas 1. Where's The Captain? (5:11) 2. Coma Cluster (4:42) 3. Mostly Skulls (5:12) 4. That Ticket Exploded (5:54) 5. The Noose (4:28) 6. Inciting (4:39) 7. Gradual Decay (4:45) 8. The Ditch (5:49) 9. After The Air Raid (3:20) 10. The Children And The Rats (4:59) 11. Glass Tables (4:35) Integrantes - Mike Eber: guitarras - Jeff Eber: batería - Johnny DeBlase: bajo Zevious es el nombre de un power-trio afincado en Nueva York cuya línea de trabajo va por un progresivo jazz-rockero y psicodélico, portando bastantes afinidades con Attention Deficit, Xaal, TheRhythmIsOdd, y cómo no, el estándar Crimsoniano. La idea de formar un grupo surgió en 1999 cuando el guitarrista Mike Eber y el bajista Johnny DeBlase se conocieron en Pennsylvania, cuando aún estaban en secundaria. Con el paso de los años, ya afincados en Nueva York y después de que se les uniera el primo de Mike, un baterista llamado Jeff, se gestó formalmente este trío con la misión de crear música jazz-rockera con un entusiasta giro experimental, aprovechando sus respectivas experiencias en bandas de rock, funk y prog-metal. Tras un disco debut de 2008 donde el trío enfatizó la instrumentación acústica, llegó "After The Air Raid", un segundo disco electrizante y enérgico que supone la verdadera carta de presentación de Zevious - éste es el disco que pasamos a reseñar a continuación. "Where's The Captain?" abre el disco con un despliegue explícito pero inteligentemente comedido de vigor psicodélico dentro de una estructura jazz-rockera armada sobre un swing ágil y llamativo: imaginemos un jam perdido del King Crimson de los últimos días de la etapa "Red" que ha sido retomado por la dupla rítmica de Attention Deficit y el guitarrista de Forever Einstein, y así nos podremos hacer una buena de qué van tanto esta pieza como la siguiente, titulada "Come Cluster". En efecto, este tema está a cargo de perpetuar la robusta dinámica grisácea de "Where"s The Captain?" pero con una luminosidad más opaca. El trío se orienta hacia una dosis mayor de gracilidad en "Mostly Skulls", tema que refleja algunas de las aristas más afiladas del sonido grupal, aunque sin establecer un abierto contraste con los dos temas precedentes. Los solos de Mike Eber exhiben disonancias osadas de corte R.I.O., enfatizando así la muscularidad extra en curso. "That Ticket Exploded" se retrotrae hacia las dimensiones más densas del ensimismamiento, pero no para explorar ambientes calmados sino para traducir su consistente vigora una faceta más misteriosa, incluso más oscura. La luminosidad regresa con "The Noose" (pieza muy reminiscente de las vibraciones dominantes de "Where"s The Captain?") y se intensifica sólidamente con "Inciting", tema que suena a un híbrido de TheRhythmIsOdd y Gordian Knot. "Gradual Decay" es un nuevo ejercicio de Crimsonismo jazzeado, con claras alusiones a los exigentes estándares de Holdsworth en la participación de la guitarra. "The Ditch", por su parte, recupera los ecos de fulgurante extroversión y ágil neurosis anteriormente manifestados en "Mostly Skulls" e "Inciting". La pieza homónima consiste en un ejercicio de minimalismo crepuscular de alto relieve R.I.O., algo así como un retazo musical de Present empapado de la languidez emotiva propia de un GYBE! Es un poco frustrante que este ejercicio tenga la corta duración de 3 minutos y pico, pero es de suponer que su función principal es la de preparar el terreno para "The Children And The Rats", pieza que establece un intermedio entre la estilizada agresividad de "Mostly Skulls" y la oscura magia de "Gradual Decay". El clímax conclusivo es arrollador en su inquietante densidad. Los últimos cuatro minutos y medio del álbum están ocupados por "Glass Tables", tema que permite al grupo retomar su preocupación por el swing y la dinámica rockera desde una agilidad más ligera, retomando en buena medida el espíritu central de "The Ditch". Los amantes de las vertientes psicodélicas y jazz-rockeras del ideal de la música progresiva estarán de plácemes cuando se tomen un tiempo para prestar atención a la propuesta de Zevious. Lo escuchado en "After The Air Raid" es una invitación poderosamente sugerente para hacerlo. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: ECLAT - "L'Esprit Du Cercle" (2012) ECLAT: "L"Esprit Du Cercle" (2012) Temas 1. Sawaka Song - 2:11 2. Muse Et Ame - 4:55 3. Medication - 3:20 4. 13 - 5:09 5. Au Fil De l"Eeau - 5:14 6. Emotion - 4:33 7. L"Esprit Du Cercle - 9:18 8. Rythme Infernal - 4:28 9. Peplum - 3:56 Integrantes - Alain Chiarazzo: guitarras - Thierry Masse: teclados - Fabrice di Mondo: batería, percusión - Frédéric Schneider: bajos Colaborador - Jerry Marotta (tambores en 1) Después de muchísimos años desde que enamorara nuestros oídos y corazones con su estupendo disco "La Cri De La Terre" (un decenio competo, para ser más exactos), el grupo francés Eclat vuelve a hacerse presente en la actualidad de la escena progresiva con su quinto trabajo de estudio: "L"Esprit Du Cercle". No es chocante que este disco sea íntegramente instrumental, pues con sus dos discos anteriores la banda había mostrado una infinita preferencia por composiciones carentes de participación cantada, y teniendo en cuenta la elegancia performativa y el buen gusto de su ingenio compositivo, Eclat es capaz de evidenciar su exquisito aporte al género progresivo dejando que los instrumentos sean las únicas voces. La verdad que el grupo se ha lucido enormemente una vez más: a modo de balance aproximativo inicial, cabe afirmar con certeza que este disco no defraudará en nada a los conocedores y será muy del agrado del fan progresivo promedio que aún no está familiarizado con la obra de este grupo fundado por el guitarrista Alain Chiarazzo a fines de los 80s. Otro dato interesante para el fan progresivo: la portada fue hecha por Paul Whitehead, el mismo de las portadas más llamativas del mejor periodo de Genesis. "Sawaka Song" abre el disco con un candoroso motivo fusionesco de tenor afro-musulmán sobre una ágil arquitectura rítmica crucialmente alimentada con percusiones tonales. Esta apertura de poco más de 2 minutos de duración nos prepara para el arribo de "Muse Et Ame", hermosa exhibición de jazz-prog que ostenta influencias de Happy The Man y Camel con una frescura melódica muy pertinentemente colorida, al modo de los momentos más extrovertidos de "Le Cri De La Terre" y "Volume 3". Queda claro que Eclat sigue teniendo terreno donde explorar en su propia dimensión sinfónica, así como queda claro que su faceta más introvertida también sigue siendo terreno fértil para la creatividad melódica: en efecto, "Medication" es un ejercicio de solemnidad melancólica finamente armada sobre un motivo de duales guitarras acústicas, mientras que la sobria base rítmica y los arreglos de cuerda van enriqueciendo la atmósfera reinante en preparación para la ulterior emergencia de la guitarra eléctrica. "13" regresa al territorio jazz-sinfónico antes planteado por "Muse Et Ame", solo que esta vez los matices dibujados por la instrumentación se focalizan en tonalidades moderadamente opacas, logrando así envolver en un aura de misterio el muy arábigo motivo central en 13/8. Hay un "je ne sais quai" Canterburyano en la ambientación plasmada por el ensamble en esta ocasión (un poco a lo Accordo Dei Contrari con Fonderia), aunque esencialmente la pieza se siente enraizada en el concepto estilizado propio de la tradición sinfónica (a lo Camel). "Au Fil De l"Eeau" sigue justamente por esta misma senda, aunque cabe notar que el talante contemplativo está más iluminado, como si hubiéramos pasado de un paseo vespertino otoñal a un atardecer primaveral. El solo de sintetizador que emerge en algún lugar del intermedio es espectacular, como un tributo a Kit Watkins, mientras que los cimientos organizados por la dupla rítmica claman a grito pelado el influjo de National Health y Gilgamesh. Y por supuesto, la guitarra se luce también en un par de solos cuyas florituras tienen total sentido dentro del muy impecablemente organizado bloque sonoro. Juntos, estos dos temas duran poco más de 10 minutos, pero el oyente empático desearía que duraran un poco más: tal es el embrujo que poseen sus respectivos enfoques melódicos. Como si no fuese suficiente tanto sortilegio seguido, llega "Emotion" para devolvernos a las dimensiones más sentimentales del mundo musical de Eclat: una pieza hermosa que hubiera llenado de orgullo a Happy The Man, Ain Soph o Holding Pattern, sin duda, y cuya expansión de 4 BD minutos se siente, a fin de cuentas, un "poco demasiado" breve. Pero la brevedad no es un problema para la pieza homónima, la cual goza de un espacio de más de 9 minutos para manifestar su propia expresividad. Se trata de una balada progresiva instrumental articulada a ritmo de blues, con algunos toques de vals sinfónico: imaginemos un "hermano bastardo" del clásico Cameliano post-Bardens "Ice" que ha sido reciclado y reformulado por un ensamble de músicos de Focus y Fermata, y podremos hacernos una buena idea de lo que nos espera con esta conmovedora composición, manejada con delicada soltura y una suavidad estilizada a la n-potencia. Después de este paseo por los rincones crepusculares del alma, llega "Rythme Infernal" con la finalidad de reconstruir una cruza entre "13" y "Au Fil De l"Eeau": una vez más, un gran oficio a la hora de reconstruir el estándar del jazz-prog con fuertes connotaciones Canterburyanas sin descuidar del todo el elemento sinfónico en ciertas florituras melódicas estratégicamente ubicadas en el desarrollo temático. Finalmente, "Peplum" explora ambientes espaciales cuidadosamente focalizados en una ingeniería sónica envolvente, dueña de una muy pulida orquestación, al modo de una mezcla del "Theme Of Secrets" de Jobson y "The First Seven Days" de Hammer. Es como cerrar el álbum con una mirada final al cosmos que proyecta hacia el exterior algunas de las más enigmáticas inquietudes del yo. Todo esto fue "L"Espit Du Cercle", un disco bellísimo que no solo nos trae de vuelta bienaventuradamente a Eclat, sino que lo confirma como una voz sumamente importante para la realidad del escenario progresivo francés tanto del pasado reciente como de la actualidad. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: DIAGONAL - "Diagonal" (2008) DIAGONAL: "Diagonal" (2008) Temas 1. Semi Permeable Men-Brain (10:54) 2. Child Of The Thunder-Cloud (8:49) 3. Deathwatch (7:18) 4. Cannon Misfire (5:32) 5. Pact (14:00) Integrantes - David Wileman: guitarras, percusión, sintetizador, voz - Nicholas Whittaker: saxofón alto, clarinete, flauta, flauta dulce, sintetizador, percusión, voz - Alex Crispin: pianos, órgano, sintetizadores, percusión, voz principal - Daniel Pomlett: bajo eléctrico, guitarras, percusión, voz - Nicholas Richards: guitarras, e-bow, sintetizadores, percusión, voz - Ross Hossack: sintetizadores, cintas, filtros, percusión, voz - Luke Foster: batería, sintetizadores, arreglos de cuerda, voz Diagonal es un septeto formado recientemente en la localidad británica de Brighton (la cual cuenta con una muy ocupada escena underground) y que tomó por sorpresa a la comunidad internacional de amantes del género progresivo con su disco homónimo de 2008. Lo que encontramos en "Diagonal" es una propuesta nostálgica a la vez que revitalizadora de varios referentes de las viejas escuelas de la psicodelia y la fase adolescente del estándar progresivo: Gnidrolog, Arzachel, Khan, Cressida, remodelaciones estilizadas del Hawkwind de "Hall Of The Mountain Grill" y del Amon DŸŸl II del "Tanz Der Lemminge", así como apoyos inspirativos en el Genesis del "Tresspass" y el King Crimson 69-70, todos ellos han dejado alguna huella importante dentro de la amalgama estilística que Diagonal maneja solventemente. En cuanto a nombres contemporáneos respecto a los que el sonido de este ensamble guarda evidentes afinidades, se nos ocurren Hypnos 69 y Eldberg, y un poco también Areknamés. Una característica saltante dentro del repertorio de Diagonal es que los viajes proyectados en los jams no buscan extenderse demasiado, sino que más bien son "pretextos" para hilar diversos motivos; así pues, el ensamble opera como una orquesta donde cada responsabilidad performativa se sostiene claramente en su posición bien enmarcada dentro del todo. Es una psicodelia alevosamente sinfónica, o si se quiere a la inversa, un sinfonismo retro reactivado por vía de esquemas sonoros propios de la edad de oro de la vanguardia psicodélica europea que se inició a fines de los 60s. Vayamos ahora al repertorio del disco en sí para entrar en los sucesivos detalles del mismo. Durando cerca de 11 minutos, "Semi Permeable Men-Brain" abre el disco con un colorido dinamismo perfilado y focalizado en una arquitectura sónica bastante aguerrida sin llegar a extremos de agresividad. Los cambios de ritmo y las variaciones de compás se manejan con bastante buen nervio, logrando concretar una estupenda cohesión a través de la diversidad de motivos. El jam de los últimos minutos, el cual incluye un pequeño pasaje multi-percusivo y un breve solo de batería, se explaya en las facetas más extrovertidas de la propuesta sonora esencial de Diagonal. Haciendo contraste con este ejercicio de psicodelia progresiva abundante en colores, "Child Of The Thunder-Cloud" comienza remitiéndonos a un aura de otoñal ensimismamiento bajo la guía doble del piano y el clarinete, un dueto que elabora un pasaje introductorio sutil y relajante. Una vez instalado el cuerpo central, éste se revela dueño de una vibración sinfónica sólida en su carácter evocativo. Las capas de sintetizador y las suaves florituras de piano conforman la base del núcleo melódico, al menos hasta que después de pasada la barrera del quinto minuto, la pieza incorpore un minimalista interludio cósmico en camino hacia una variante jazz-rockera de la atmósfera predominante en el cuerpo central. Llegado este momento, el bajo se convierte en aliado del piano y las dos guitarras encuentran un mayor campo de expresión tanto en las bases armónicas como en los discretos fraseos solistas que entran a tallar en ciertos momentos. La puerta está abierta para que el grupo siga explorando sus rincones más contemplativos, y es justamente el turno de "Deathwatch", pieza que se centra en el desarrollo melódico establecido por el canto y el piano eléctrico de Alex Crispin. La pieza da vueltas en torno a un ambiente consistentemente melancólico, el cual se beneficia de un gradual enriquecimiento instrumental aportado por las inteligentes armazones de las dos guitarras y el manejo de ornamentos sobriamente fastuosos de parte de los teclados de apoyo y las delicadas intervenciones de los vientos. Cambiando las cosas, "Canon Misfire", pieza instrumental cuya estrategia sónica establece una grácil recapitulación de la luminosidad desarrollada en las últimas secciones de "Semi Permable Men-Brain": el grupo maneja la magia de los riffs y las inusuales métricas rítmicas con impecable pulso, haciendo gala de su vigor rockero a la par que lo mantiene bajo control para que no se dé alguna clase de desborde que termine por distorsionar el groove. El disco concluye con "Pact", el tema más largo del mismo, durando 14 minutos. El grupo aprovecha convenientemente e espectro temporal proyectado para esta pieza en particular con el propósito de explorar las facetas más ambiciosas de su visión musical. En efecto, los motivos están pulcramente elaborados en sus respectivos esquemas melódicos, y la dupla rítmica apuesta por darle un aumentado groove jazzero a varios pasajes de su ingeniería; también hallamos un intermedio lánguidamente sereno afín a los modelos de Pink Floyd (etapa del "Wish You Were Here") y Yes (etapa del "Takes" y del "Relayer"); finalmente, la coda se arma en torno a un sencillo motivo en 3/4 cuya ceremoniosa lentitud le permite enseñorearse con un aire de calmada magnificencia, algo muy a lo Novalis. Diagonal y su disco homónimo son dos referentes muy valiosos dentro del estado de cosas del género progresivo que se ha venido desarrollando en lo que va de milenio. Los niveles de frescura y ecléctico ingenio que Diagonal incorpora al legado de la experimentación psicodélica son razones más que suficientes como para recomendar altamente este disco a los coleccionistas que siempre hay por ahí. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Progjuan Progjuan Asunto: Viaje_a_800:_"Coñac_Oxigenado"_ 282012 29 Viaje a 800: "Coñac Oxigenado" (2012) Discografica: Alone Discos Temas: 1. Oculi Omnium in te Sperant Domine (12:20) 2. Ni perdón ni Olvido (7:26) 3. Eterna Soledad (10:35) 4. Tagarnina Blues (6:03) 5. What's Going On (14:42) Músicos: - José Francisco Moreno "Poti": voz recitada, bajo, teclados y theremin - José Ángel Alberto Mota: Guitarras - Chumbo Pol Elder: guitarra - David Jess Carbone: batería Desde Algeciras (Cádiz) el tercer disco en 12 años de esta banda que practica una música fusionadora de estilos como el Stoner, el Hard Rock, lo psicodelico y el rock progresivo. Pink Floyd, Black Sabbath, Hawkwind, Barricada y de una forma mas moderna a los Hypnos 69 y a los vascos The Soulbreaker Company. Trabajo realizado como póstumo, la banda ha anunciando su fin, esperemos que se lo piensen y vuelvan con este estilo, ya que este "Coñac Oxigenado" suena mas que nunca el componente progresivo, además de psicodelico y cosmico a lo Kautrock. El disco empieza con "Oculi Omnium in te Sperant Domine" un tema claramente stoner pero con pasajes psicodelicos y unas palmas delatadoras de su carácter y sello andaluz mezcladas con efectos de botellas y de carruajes, le sigue "Ni perdón ni Olvido" un tema Hard "urbano" a lo Barricada con pasajes lisergicos y un toque aflamencado al final, en ocasiones el canto se vuelve voz recitada de la mano de José Francisco Moreno en forma agresiva y con mucha ira. Eterna Soledad es una acústico sureño minimalista y repetitivo con algún deje psicodelico y con un toque especial a Pink floyd en las guitarras, el cuarto tema "Tagarnina Blues" mezcla la piscodelia con los relatos y para acabar una versión muy particular de "What's Going On" de Buffalo, con un stoner oscuro, Pink Floyd, buenos cambios de ritmo, un toque progresivo en los pasajes instrumentales, lisergia y psicodelia a lo Hawkwind. En definitiva nos encontramos con el trabajo mas progresivo de la banda andaluza, fieles al stoner pero con un agradecido interés en explorar o fusionar otras hierbas... Salu2 stonerrogresivos (c) Juan 2012 ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: DOMO - "Domo" (2011) DOMO: "Domo" (2011) Temas 1. Nadi (6:30) 2. Prana (11:57) 3. Asura (8:52) 4. Pretas (3:12) 5. Yamantaka (8:27) 6. Eta Carinae (1:59) 7. Samsara (24:03) [incluye un hidden track] Integrantes - Sam: guitarras, efectos - Paco: batería - Oscar: bajo, voz Domo se forma a principios de 2010 en Alicante bajo la iniciativa de tres músicos dispuestos a explorar y reelaborar las aristas más filudas de la experimentación psicodélica. Desde su esquema de power-trío, Domo se siente muy cómodo jugando con las estructuras clásicas de la psicodelia heavy, el kraut guitarra-céntrico, el space-rock y el stoner, todo ello dentro de una arquitectura progresiva que pone rotundo énfasis en el carácter electrizante de la esencia del rock. Su homónimo disco debut, grabado a fines de 2010 y editado en enero del año siguiente (además de difundido en Bandcamp), es un muestrario de más de una hora de duración donde el grupo asienta sus inquietudes con músculo y solvencia, aportando una vitalidad especial dentro de la vanguardia española del momento, al igual que lo hacen otras bandas contemporáneas de la escena ibérica como El Páramo, Cuzo, Toundra, etc. Con la secuencia inicial de "Nadi" y "Prana", tenemos un espacio de más de un cuarto de hora para familiarizarnos frontalmente con la energía y vitalidad con que los esquemas sónicos de Domo llenan el entorno del oyente y electrizan su mundo interior. "Nadi", en efecto, está marcado por una cadencia austera, engañosamente lánguida, cuyo esquema rítmico constreñido sirve para dosificar la expresión de la fuerza latente que emerge de los fraseos Hendrixianos de la guitarra. "Prana", por su parte, incrementa a ritmo geométrico las dosis de expresividad e intensidad, estableciendo una contundente mezcla de recursos de fortaleza rockera que tiene que ver con los legados de Ash Ra Tempel (la energía sofisticadamente exultante), Led Zeppelin (el swing magnético) y Hawkwind (la vibrante aspereza cósmica). El manejo de un interludio en clave serena durante cierta extensión de tiempo sirve para enriquecer la dimensionalidad mayormente robusta de la composición nuclear de la pieza. "Asura", el tercer tema, prosigue por la senda de frenesí lisérgico de "Prana", alimentándolo con retazos exóticos de sutil inspiración arábiga y capitalizándolo con una acentuada complejidad en cuanto a los arreglos rítmicos. Luego sigue la secuencia de "Pretas" y "Yamantaka": "Pretas" es un preludio armado con escalas de guitarras acústicas que se explayan sobre unas distantes capas un tanto siniestras de sintetizador, abriendo así la puerta a "Yamantaka", pieza que establece una efectiva síntesis entre la vitalidad rotunda y sofisticada de "Asura" y la fiereza contemplativa de "Nadi". "Eta Carinae" es un preludio espacial que tiene mucho de Tangerina Dream y Cluster, un breve paseo por cristalinas atmósferas etéreas antes que "Samsara" culmine el repertorio del disco. La susodicha pieza empieza elaborando una larga exploración de territorios de sutileza introspectiva dentro del discurso psicodélico propio del grupo, hasta que llega el momento de la soltura explosiva y pulsátil, un despliegue incandescente de fuego y músculo, un motivo llamativo que parece disolverse demasiado pronto en un fade-out. Después de varios minutos de silencio, emerge un hidden track que dura 5 minutos, el cual desarrolla una agresividad sofisticada muy al estilo de "Prana" y "Asura". En fin, tenemos en Domo un referente importante para entender y apreciar las vertientes del underground español basados en la iniciativa de recuperar y reformular los lenguajes del stoner y el rock psicodélico dentro de un esquema musical ambicioso, genuinamente progresivo, una avanzada que respeta mientras reconstruye tradiciones marcados por la contundencia de los sonidos, atmósferas e intensidades. Realmente vale la pena prestar atención a este gueto que tiene tantas propuestas excitantes - como la de Domo en esta ocasión - que ofrecer al público ávido de algo realmente interesante dentro de la ideología rockera. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: TRIBAL TECH - "X" (2012) TRIBAL TECH: "X" (2012) Temas 1. Mech X (4:52) 2. Got Faith 'N Phat (7:10) 3. Time Lapse (7:38) 4. Anthem (5:28) 5. Palm Moon Plaza (7:35) 6. Gravity (3:40) 7. Working Blue (7:01) 8. Ask Me A Question (5:24) 9. Let's Get Swung (5:07) 10. Corn Butter (4:25) Integrantes - Scott Henderson: guitarras - Gary Willis: bajo - Scott Kinsey: teclados - Kirk Covington: batería Tribal Tech, el cuarteto liderado por la dupla de Scott Henderson y Gary Willis y completado por Scott Kinsey y Kirk Covington, vuelve al ruedo fonográfico doce años después de su disco anterior "Rocket Science". "X" es el apropiado título para su décimo trabajo de estudio, un trabajo que marca un retorno poderoso que revela a Tribal Tech como una fuerza musical imponente a través de los años de hiato. Justamente en este año se cumple el vigésimo aniversario de "Illicit", el disco con el que comenzó a operar la alineación de Tribal Tech que hasta el día de hoy sigue vigente. No hay mayores novedades en el frente del estilo y el esquema sonoro grupal, pero sí hay una innegable exhibición de refrescantes ideas compositivas en este nuevo disco, lo cual sirve para seguir justificando el lugar tan importante que ocupa esta banda como influencia recurrente para el desarrollo del jazz-rock de los 90s en adelante así como una inspiración para el surgimiento del jazz-prog-metal. Tribal Tech es no solo el testimonio de un pasado que se remonta hasta los 80s, sino también un presente muy vital que sabe dignificar el legado de la vanguardia jazzera para nuestros tiempos actuales: repasemos el repertorio de "X" para confirmar esta afirmación. Durando casi 5 minutos, "Mech X" inicia este rito de retorno con energía a mil: riffs suntuosamente agresivos, efectos tortuosamente cósmicos de teclado y una cadenciosa labor de pesadez rítmica generan el perfecto preludio para lo que será un exquisito ejercicio de musicalidad llamativa que halla maneras inteligentes de reciclar su robustez esencial. El siguiente tema "Got Faith 'N Phat", explora recursos de ligereza sobre un tratamiento funky de estándares heredados de la tradición jazz-fusion de los 70s (claramente a lo Weather Report y Return To Forever), mientras que "Time Lapse" (un disco que se distancia tantos años del precedente debe incluir un tema con un título así) va más por la línea de un híbrido entre Tony Mac Alpine y el Holdsworth de inicios de los 90s, aunque con una vibración jazzera más pronunciada. Henderson se luce como queriendo demostrar que nunca tuvo un letargo, mientras que el solo de Kinsey al piano eléctrico da amplias muestras de su clase como músico. ?Y qué decir de la dupla rítmica? - Willis y Covington se lucen enormemente funcionando como un organismo holístico, llenando espacios desde su arquitectura global e incluso generando un increíble solo de bajo ya cerca del final. Más adelante, "Palm Moon Plaza" y "Working Blue" exploran senderos sónicos más plácidos, relativamente guiados por la lógica de la auto-contención. Durando ambos temas más de 7 minutos, el grupo cuenta con espacio suficiente para explorar las atmósferas disponibles para que se potencialicen desde sus bien definidos cuerpos centrales respectivos: "Palm Moon Plaza" opera con una atmósfera crepuscular envolvente aunque no carente de momentos musculares, mientras que "Working Blue" se focaliza en explorar recursos de estilizada introversión tras un preludio psicodélico, y con un manejo constreñido de los pasajes donde la expresividad asciende moderadamente de nivel. "Anthem", a despecho de su título bombástico, es en realidad una pieza marcada por un lirismo cálido sobre un compás sereno, donde el encuadre sonoro articulado por el cuarteto porta un aura de sobria melancolía. Se puede decir que en esta tríada de "Palm Moon Plaza", "Working Blue" y "Anthem" se concentran las facetas de mayor inspiración lírica dentro de lo que la banda ha creado para este disco. Cuando el asunto se vuelve un poco más ruidoso, se trata en realidad de un caso de expansión del colorido musical en curso, una evolución especial del tenor extrovertido latente en el núcleo compositivo de la pieza. "Gravity" vuelve a la nostalgia de los tiempos del esplendor del jazz-fusion 70ero, y lo hace con suficiente gracilidad como para permitir que los solos de guitarra afiancen su fuerza de carácter con confianza: como siempre, Covington opera como mitad máquina/mitad organismo en su laboriosa cimentación rítmica. "Ask Me A Question" es la rara avis de este repertorio: se trata de un ejercicio de estilizada psicodelia con base hindú dentro de un típico encuadre jazz-progresivo. Quedan poco menos de 10 minutos para que concluya el álbum y esta misión es cumplida por la secuencia de "Let"s Get Swung" y "Cora Butter": el primero de estos temas organiza una exquisita retoma de la aureola refinadamente brumosa del Weather Report de la etapa "I Sing The Body Electric", mientras que el segundo se fija en la herencia del Herbie Hancock explorador de "Head Hunters". Todo esto fue "X", un trabajo muy bien hecho, una labor de artesanía jazz-rockera donde Tribal Tech concentra muchas de sus virtudes creativas y performativas que germinaron los momentos más brillantes de sus trabajos más destacados, como "Tribal Tech", "Illicit", "Reality Check" y "Rocket Science": a partir de ahora, hay que contar también con "X" como parte de este multivalente cénit musical de Tribal Tech. !Recomendado! César Mendoza ----------------------------------------------------------------------------