LA CAJA DE MUSICA LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO ============================================================================ LCDM: #983 marzo 2012 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM Vota los mejores discos de 2011 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM/CGI/mejor11.html ---------------------------------------------------------------------------- * ULTRALYD -"Inertiadrome" (2011) * HERD OF INSTINCT - "Herd Of Instinct" (2011) * AUTUMN - "Oceanworld" (1977) * FORGAS BAND PHENOMENA - "Acte V" (2012) * HONEY RIDE ME A GOAT - "Udders" (2010) * Perils" (2005) * Resenna de LOW (David Bowie) * T.R.A.M. - "Lingua Franca" (2012) * CARTEL CARNAGE - "Incorporated" (2012) * gira primaveral de JARDIN DE LA CROIX * Luz de Riada en contacto - 17 de febrero * Los mejores del año * ROGER HODGSON en Sudamerica - abril y mayo de 2012 * FLOR DE LOTO - concierto en Lima y conciertos en Argentina * Los mejores del año ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: ULTRALYD -"Inertiadrome" (2011) ULTRALYD: "Inertiadrome" (2011) Temas 1. Lahtuma (8:43) 2. Street Sex (7:23) 3. Contaminated Man (6:38) 4. Geodesic Portico (7:19) 5. Cessathlon (10:43) Integrantes - Kjetil D. Brandsda: bajo - Anders S. Hana: guitarra, efectos - Kjetil T. Mæster: saxofón, efectos - Morten J. Olsen: batería, vibráfono Fundado en 2003 por el saxofonista-clarinetista Frode Gjerstad, quien es una auténtica leyenda viviente del jazz vanguardista de su país, Ultralyd ha venido aportando sonidos y vibraciones intensas e interesantes dentro de la avanzada jazz-rockera y progresiva, de forma discreta pero consistente, desde la aparición de su homónimo álbum debut en el mismo año 2003. Tras la edición de su segundo disco "Chromosome Gun" en 2005, Gjerstad dejó el proyecto para ser reemplazado por Kjetil T. Mæster: así, el grupo pasó de estar enfocado en el free-jazz con vigor rockero extra a focalizarse hacia un estilo más arisco, más siniestramente exquisito, abierto a las huellas e indicios del rock de vanguardia y a las orientaciones más abiertamente posmodernas del discurso jazzero contemporáneo. Lo que se escucha en su cuarto disco "Inertiadrome", el cual reseñamos en esta ocasión, se enraíza en los legados de This Heat y una "versión industrial" de las facetas más oscuras de Magma, amén de afinidades con bandas aventureras contemporáneas como Zs, Fire! y Combat Astronomy. "Lahtuma" abre el disco con un aura de incertidumbre donde el prólogo porta una ambientación industrial abstracta. Una vez que el bajo entra en acción con su efectiva pulsación distorsionada, el ensamble se apresta a edificar una estructura sónica donde la cadencia machacante dicta con mano de hierro el espíritu inquieto esencial de la pieza. Esto es Zeuhl con impurezas inspiradas en el noise y el aspecto industrial del jazz-rock de vanguardia: incluso los quiebres que incorpora el baterista a su aporte rítmico le da un añadido matiz tribal al asunto. Prosiguiendo por este clima de tensión y neurosis, "Street Sex" ofrece una vibración dinámica y oscura, una vibración donde se destila algún tufillo Crimsoniano. La oscuridad cósmica satisface su apetito de expansión a través de la exquisita arquitectura armada por el cuarteto: particularmente notables son las intervenciones chillonas del saxo, siendo así que su potencial perturbador es manejado con un cierto halo cósmico a fin que no rompa con la torturada armonía interna del cuarteto. Para el siguiente tema, "Contaminated Man", el swing de la batería se enfila más seriamente hacia la matriz del free-jazz durante el desarrollo de las cadencias pletóricamente extrovertidas, mientras que el bloque sonoro grupal evidencia un realce del factor psicodélico en medio de la dinámica cuasi-Zeuhl que impera con inapelable robustez. "Geodesic Portico", por su parte, retoma la ingeniería implacable de "Lahtuma" y la reconstruye con la siniestra vitalidad exhibida en las otras dos piezas, recalcando durante el camino la dimensión cósmica que había sido ocasionalmente explorada con anterioridad: bien se puede describir como una síntesis de lo que la banda ha estado haciendo hasta ahora en "Inertiadrome". Ocupando los últimos 10 BE minutos del álbum, "Cessathlon" porta una insistente vibración saltarina donde lo reiterativo sirve para edificar, ladrillo por ladrillo, una pared de estrés y visceralidad donde el sonido sirve para exorcizar los fantasmas más oscuros del ego e impulsar expresiones de rabia y frustración frente al imperio del súper-ego. Oscuro y contundente, fiero y misterioso, todo eso es el sonido quintaesencial de Ultralyd y todo eso es lo que se nos ofrece en "Inertiadrome", un disco donde la música impone su carácter desde la impetuosidad de sus pulsaciones más inquietantes. Los amantes de las vanguardias del progresivo y del jazz contemporáneo tienen mucho que ganar al ponerse a investigar en esta banda escandinava. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: HERD OF INSTINCT - "Herd Of Instinct" (2011) HERD OF INSTINCT: "Herd Of Instinct" (2011) Temas 1. Transformation (2.01) 2. Room Without Shadows (4.49) 3. Road To Asheville (5.40) 4. Hex (4.35) 5. Blood Sky (5.01) 6. Anamnesis (5.50) 7. Vibrissa (4.47) 8. Possession (4.22) 9. S. Karma (4.43) 10. The Face Of Another (4.20) Integrantes - Mark Cook: Warr guitar, bajo sin trastes, guitarra sin trastes, guitarra e-bow, sintetizador, teclados, guitarras acústicas de acero y nylon, guitarra chunk, programación, loops - Mike Davison: guitarras, guitarra sintetizada, guitarra acústica de nylon, sitar - Jason Spradlin: batería, marimba, campanas de camello, efectos de sintetizador Invitados - Gayle Ellett (mellotron en 5, guitarra en 5, 6 y 7, contrabajo y bouzouki en 7), Bob Fishe (flauta en 3 y 9), Gavin Harrison (batería en 7 y 8), Jerry Marotta (batería y percusión en 5), Pat Mastelotto (batería y percusión electrónica en 6), Martin McCall (percusión en 3), Mike McGary (teclados, efectos adicionales de sintetizador en 7), Markus Reuter (Touch guitar, guitarra y loops en 6 y 8), Dave Streett (Warr guitar en 3 y 5, bajo en 6, 7 y 10), Kris Swenson (voz en 5, sampleos vocales en 8) Herd Of Instinct es una banda del estado norteamericano de Texas emergido de las cenizas de 99 Names Of God: Mark Cook y Jason Spradlin fueron miembros permanentes en la susodicha banda, y para esta nueva empresa musical se les unió Mike Davison, quien también pasó una temporada allí. Si 99 Names of God hacía música progresiva psicodélica alimentada con bastante garra, Herd Of Instinct ofrece un espectro más versátil y abierto donde Cook y Davison cuentan con espacios amplios para explorar sus guitarras Warr y sintetizada, respectivamente, aparte de las típicas guitarras eléctricas y acústicas. Así pues, Herd Of Instinct edifica y nutre una logística progresiva sumamente rica donde confluyen discursos y recursos derivados del space-rock, la psicodelia moderna, el jazz-rock, la fusión y el ambient. El trío ha contado con una pléyade de invitados "deluxe" para este disco: Gayle Ellett de Djam Karet, las baterías de Gavin Harrison y Pat Mastelloto, las percusiones del incombustible Jerry Marotta, difusores de las guitarras Warr y Touch como Markus Reuter y Dave Streett=85 todos congregados en una aventura musical concretada en el disco homónimo de Herd Of Instinct, publicado en 2011 por el sello Firepool de Djam Karet. "Transformation" da inicio al disco con un ejercicio de fastuoso tribalismo que, en base al núcleo de piano y marimba, se desarrolla con un colorido moderadamente denso orquestado con suprema elegancia. Estos dos minutos de preludio dan paso inmediatamente a "Room Without Shadows", el cual elabora una atmósfera Crimsoniana aggiornada, tal como se da a través de los dinamizados filtros de Gordian Knot y los solistas de Trey Gunn. El matrimonio entre los fieros guitarreos y las contenidas cadencias elaboradas por la dupla rítmica es lo suficientemente efectivo como para garantizar la consistencia de la pieza a nivel milimétrico, a través de su esquema integral. "Road To Asheville" vira hacia terrenos fusionescos de inspiración arábiga, apostando por sonoridades cálidas y añadiéndoles una capitalización de atmósferas cósmicas, algo que es de gran ayuda cuando se trata de integrar los interludios heavy al desarrollo de la pieza. La presencia de la flauta (a cargo de un invitado) es crucial para focalizar la magia inherente a la composición en sí. La coda basada en un flotante pasaje de guitarra acústica porta un carácter onírico efectivo a la hora de aludir a un ensueño final. "Hex", "Blood Sky" y "Anamnesis" son los tres temas que siguen en el repertorio: el primero desarrolla un estupendo ejercicio de prog psicodélico melódico con ciertos matices heavy en el ínterin y un aleatorio preludio espacial, muy a lo Djam Karet-con-Gordian Knot; el segundo establece un viaje space-fusión-rockero, muy afín a cosas que encontramos en Upper Extremities y los discos solistas de Tony Levin; el tercero principalmente instaura un intermedio entre las estrategias de las dos piezas anteriores, retomando la dinámica de "Hex" aunque valiéndose de matices space-rockeros y un sutil realce de recursos electrónicos para brindarle al tema en cuestión un carácter más envolvente y una garra un poco más atenuada. Con esta tríada, el trío y sus colaboradores afianzan la misión musical que se han propuesto y refuerzan los cimientos de la misma. "Vibrissa" y "Possession" son ocasiones para que el ensamble explore atmósferas cósmicas amables: las de "Vibrissa" tienen una cualidad particularmente ensoñadora debido a la relevante y larga presencia de las guitarras acústicas en el rol protagónico del desarrollo temático en curso; "Possession", por su parte, se sostiene sobre un swing jazz-rockero portador de una ágil serenidad donde la instrumentación integral guarda una actitud fluidamente contenida. Engarzado con "Possession", "S. Karma" elabora una remodelación de las atmósferas anteriormente predominantes en "Room Without Shadows" y "Anamnesis", concretizando así una reconstrucción de las aristas más extrovertidas del ensamble. Como impulsándose a partir de aquí, el tema de cierre "The Face Of Another" comienza con un primer cuerpo vitalista y contundente, enérgico sin hacerse aparatoso; el segundo cuerpo vira hacia ambientes espaciales casi oníricos, férreamente alimentados de la magia emanada de las percusiones tribales, así como de un breve solo neurótico de guitarra. Se siente un poco breve la pieza, pues sentimos que el primer cuerpo bien pudo haber gozado de un arreglo más extenso, pero bueno, así son las cosas y "The Face Of Another" cumple a la perfección con su rol de broche de oro para un disco magnífico. "Herd Of Instinct" es un disco muy bien logrado, una joya progresiva de nuestros tiempos, y un motivo más que razonable para seguir esperando cosas interesantes y enriquecedoras de músicos tan creativos como Mark Cook, Mike Davison y Jason Spradlin, ya sea dentro de este grupo o en cualesquiera otros proyectos. !Mantengámonos atentos! César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: AUTUMN - "Oceanworld" (1977) AUTUMN: "Oceanworld" (1977) Temas 1. Oceanworld (13:08) 2. Some Like It Crunchy (8:34) 3. Little Finger Exercise (8:35) 4. The Celebrated Court Jester (4:15) 5. Oceanworld (Reprise) (1:30) Integrantes - Nick Magnus: teclados - Robbie Dobson: batería, percusión - Steve Hoff: bajo - Mark Easton: guitarras Editado por primera vez en 1999 bajo formato digital, "Oceanworld" del cuarteto instrumental británico Autumn es un revelador testimonio de las enormes dosis de calidad musical que se esconden en medio de los testoros progresivos perdidos en la nivela del tiempo originario del género progresivo. En el caso de Autumn, tenemos este legado de un grupo talentoso y eficiente en esto de crear una musicalidad sinfónica que sea excitante además de refinada y exquisita. El personal de la banda es en parte indicador del presente y el futuro del rock progresivo: el teclista Nick Magnus es un personaje asociado a The Enid y, sobre todo, a una larga membresía como parte del apoyo de Steve Hackett, mientras que el baterista Robbie Dobson también tiene un nombre vinculado a The Enid, además de otra banda muy diferente, Hawkwind. El grupo se formó bajo la iniciativa del guitarrista Mark Easton a mediados de los 70s, y fue en 1976 cuando entró el bajista Steve Hoff al proyecto que el grupo logró convertirse en una entidad focalizada. Tal como se cuenta en los anales del rock progresivo de los 70s, el grupo se dedicó empecinadamente a hacer la música progresiva que amaba pero no halló un contrato de grabación que les permitiera ingresar al negocio fonográfica, de alguna manera u otra. En el año 1977, el grupo grabó demos que nunca llegaron a concretarse en un ítem de vinilo: el grupo se separó en 1979 admitiendo la derrota en la batalla por hacer valer su propuesta musical, pero ahora, desde 1999, los coleccionistas tienen la oportunidad de valorarla retrospectivamente. Y realmente=85 !hay mucho que valorar aquí! Autumn cultiva un sinfonismo refinado y sólido, emparentado con Camel y la faceta lírica de Focus (especialmente, en los guitarreos de Easton), así como ciertos guiños ocasionales al estándar Genesiano y al esquema de Caravan. Así las cosas ,el cuarteto asienta algunas coincidencias coetáneas con lo que Happy The Man y Holding Pattern venían haciendo en tierras estadounidenses, Gotic en la costa noreste de la Península Ibérica, Atlas y Finnforest en medio de las forestas escandinavas. Vayamos ahora al repertorio específico de "Oceanworld". El tema homónimo ocupa los primeros 13 minutos del álbum. Meticulosamente fiel a las alusiones acuáticas de su título, la pieza desarrolla una aureola etérea a lo largo de los diversos motivos que se suceden en una ilación compacta y, por lo general, correctamente focalizada. Desde las secciones más relajadas hasta las más intensas, el grupo plantea una dinámica refinada donde los aportes instrumentales de los teclados y las guitarras flotan bajo coordenadas bien definidas, mientras que la dupla rítmica opera como un ancla que da perfecto sentido a las variantes que se van desarrollando. Tal vez hubiera venido mejor que la sección introductoria se extendiera un poco más, pues su ambientación cósmica, de ser más larga, hubiera operado como un auténtico correlato de las sesiones relajadas que habrán de emerger más adelante. Bajo el simpático título de" Some Like It Crunchy", el grupo actualiza sus aristas más vivaces para desarrollar una serie de motivos saltarines, algunos de cariz cadencioso, otros más patentemente extrovertidos; el uso de algunos ritmos jazz-funky en ciertos pasajes estratégicos ayuda decisivamente a realzar categóricamente la naturaleza colorida de la pieza. "Little Finger Exercise", por su parte, se sitúa en una encrucijada entre la ambientación mayoritariamente etérea del primer tema y la dinámica juguetona del segundo, dedicando apartados definidos a cada una de estas estrategias específicas. "The Celebrated Court Jester" se enfila hacia una alternancia de climas reflexivos y pasajes gráciles de inspiración cortesana: estos pasajes suenan como interludios perdidos de Kerry Minnear o Ian Anderson (etapa "Songs From The Wood") que fueron sagazmente recuperados y reformulados por el Sr. Magnus, siguiendo algunas pautas del estándar de The Enid dentro del bloque sonoro esencial de Autumn. Los últimos 90 segundos de este documento sonoro están ocupados por el reprise de uno de los momentos etéreos que formaron parte de la pieza homónima inicial: es como volver a surcar un océano de ideas e imágenes antes de descansar para siempre. Un verdadero tesoro para coleccionistas, "Oceanworld" de Autumn es un ítem a anotar en agendas de compras: hay algo peculiarmente bello en descubrir hoy lo que el mundo debió descubrir ayer. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: FORGAS BAND PHENOMENA - "Acte V" (2012) FORGAS BAND PHENOMENA: "Acte V" (2012) Temas 1. Corps Et Ames (6:26) 2. Loin d"Issy (7:14) 3. George V (10:27) 4. Ultraviolet (8:18) 5. Feu Sacré (6:50) 6. Midi-Minuit (13:30) Integrantes: - Patrick Forgas: batería - Sebastien Tregnon: saxos tenor, alto y soprano, flauta - Dimitri Alexaline: trompeta, fliscorno - Benjamin Violet: guitarra - Karolina Mlodecka: violín - Igor Brover: teclados - Kengo Mochizuki: bajo Forgas Band Phenomena es el venículo de expresión musical para Patrick Forgas, baterista amante del progresivo, el jazz-fusión, el Zeuhl, el Canterbury y el chamber-rock que, de por sí, fue partícipe de varios proyectos con ex-miembros de Moving Gelatine Plates y músicos asociados a Zao y Magma entre fines de los 70s e inicios de los 80s. Con una carrera desarrollada hasta el día de hoy, no sin sus vaivenes y temporadas de abandono momentáneo, Forgas Band Phenomena es, desde mediados de los 90s, su proyecto principal. "Acte V", editado por Cuneiform Records a inicios del presente año 2012, es el quinto trabajo de esta banda (cuarto de estudio), estando a cargo de suceder al muy elogiado "L"Axe De Fou" (del año 2009, editado también por Cuneiform). Este disco no viene solo, sino que también contiene un DVD bonus con la actuación del ensamble en el NEARFest 2010, un documento audiovisual que da buena cuenta de la energía y solidez con que la banda recrea las infinitas dosis de gracia y complejidad de que se tiñen sus composiciones y arreglos musicales. Lo que nos revela "Acte V" es una cátedra de cómo se articulan las ricas sonoridades de vientos, violín y guitarra en un encuadre compositivo bien armado y no exento de pasajes de libre expresión: progresivo de genial factura para el año 2012. "Corps Et Ames" abre el disco con una espiritualidad majestuosa, lograda por vía del impoluto manejo de las texturas y variantes del cuerpo central de la pieza mientras se va desarrollando. El matrimonio múltiple de violín, metales y guitarra en la evolución de las ilaciones melódicas en curso porta una elegancia soberbia, heredera de Arti + Mestieri del mismo modo que lo es de Hamster Theatre. El clímax final viene dirigido por un estupendo solo de guitarra, un prodigio sónico plagado de intensidad exquisita y saludablemente bizarra, al modo de los solos de guitarra que escuchamos en el primer disco de Eskaton. Y ahora que mencionamos al Zeuhl de orientación jazzera, sale a colación más fuertemente cuando mencionamos el siguiente tema, "Loin d"Issy". En efecto, esta pieza puede muy bien describirse como una combinación fluida entre el dinamismo calculadamente denso del Zeuhl jazzístico y la tradición fusionesca encarnada en Weather Report y Return To Forever. Este tema ahonda en el espíritu optimista vertido por el tema de apertura, pero lo maneja con una expresividad menos filuda de la energía inherente a la banda. "George V" tiene una vitalidad menos incendiaria que la del primer tema y un colorido más aligerado que el del segundo, pero lejos de suponer un bajón dentro del repertorio, más bien encarna un momento de reformulación relajada de la garra y el fulgor que sostienen la intensa esencia artística del grupo. Una vez más tenemos aquí un fabuloso solo de guitarra, portador de una sensibilidad torturada en medio del despliegue de swing exhibido por la dupla rítmica; también tenemos un momento más clamo que da pie a que el violín dibuje texturas envolventes con plena naturalidad, mientras que la triangulación de piano eléctrico, bajo y batería elabora acentos Canterburyanos (a lo Gilgamesh) con eficaz soltura. La coda revuelve los segundos finales de esta excursión musical con bastante nervio, algo muy conveniente dadas las dosis de esplendor y dinamismo a ser exhibidas por la pieza siguiente, "Ultraviolet". Esta pieza recupera mucha de la intensidad anteriormente desarrollada en "Corps Et Ames", estableciendo así una nueva llamarada musical tras el predominio de climas sobrios en el tema precedente. "Feu Sacré", por su parte, establece una atractiva combinación del lirismo de "George V" y la densidad pulida de "Loin d"Issy". Claramente, el grupo está orientando el repertorio del álbum hacia el continuo perfilamiento de sus propios referentes musicales a la hora de elaborar sus composiciones y arreglar sus consecuentes ornamentos y ensamblajes. Los últimos 13 BD minutos del álbum están ocupados por "Midi-Minuit", tema que está a cargo de recopilar y amalgamar los recursos de colorido que la banda sabe manejar con total solvencia. Se puede describir esta pieza como una estrategia de capitalización de las aristas más vigorosamente extrovertidas de la esencia musical del ensamble: los sucesivos solos de saxo y trompeta nos hacen recordar los momentos más excitantes del Soft Machine pre-1974, mientras que otros pasajes donde la guitarra o el violín pasan a primer plano nos remiten a parajes del área fusionesca del Zeuhl (Eskaton, Zao). Los últimos 2 minutos y medio sirven para que la banda suavice un poco las cosas mientras preserva el swing y le da un viraje moderadamente onírico a la consistente energía en curso, logrando así derivarse fluidamente hacia el fade-out definitivo. Además del CD con material de estudio en vivo, este ítem trae también - como ya mencionamos en el primer párrafo - un DVD que registra la actuación de la banda en el NEARFest 2010. Si bien es justo decir que el DVD íntegro es una joya y un emblema de cómo se hace música jazz-avant-progresiva, podemos destacar específicamente el adelanto de "Utraviolet", la intensidad con que se ejecutan "L"Axe De Fou" y "Extralucide", y cómo no, la pulcra exquisitez con que "Soleil 12" enamora al auditorio. "Acte V" es un disco que aporta vibraciones extraordinariamente renovadoras al estado actual de la multivalente escena progresiva mundial: no es sorpresa que un grupo tan vitalista y energético como Forgas Band Phenomena use este disco como motivo para realzar su posicionamiento dentro del jazz-prog contemporáneo, pero siempre es de agradecer de parte de los amantes y coleccionistas de música progresiva y demás vanguardias que obras cruciales como éstas sigan gestándose con cada nuevo año. !!Un fijo para cualquier Top 10 del año 2012!! César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: HONEY RIDE ME A GOAT - "Udders" (2010) HONEY RIDE ME A GOAT: "Udders" (2010) Temas 1. Derek & Dot (2:00) 2. I"m Not A Packhorse (3:58) 3. Varicose Jibs (4:32) 4. Ace Hazelnut (2:55) 5. Jipper Flow (5:44) 6. Ethel (3:59) 7. Newts (4:21) 8. Spastic Colon (3:51) 9. Sloth Putty (5:41) Integrantes - Jonny: batería - Mike: bajo, saxofón - Ryan: guitarra Trío británico de viejos amigos, formado en Kent a inicios del milenio, Honey Ride Me A Goat es un ensamble inmensamente arrollador en cuanto a su capacidad para elaborar una propuesta rockera compleja y radicalmente experimental. Combinando la agresiva sofisticación del math-rock, el delirio aventurero del jazz-rock vanguardista y la intensidad filuda del noise, y alimentando dicha combinación con retazos de psicodelia pesada, Honey Ride Me A Goat gesta una propuesta de avanzada progresiva que apuesta por el fuego que se extienda a todo terreno por los recovecos más peligrosos del rock experimental. Hasta ahora, el grupo tiene en su CV un EP homónimo del año 2005, algunos EPs compartidos con otros grupos de línea math-rock y un CD de no muy larga duración del año 2010: este último se titula "Udders" y es el que pasamos a reseñar a continuación. El disco abre con una intensidad al 10.000 % con "Derek & Dot", pieza breve pero para nada concisa en lo que se refiere a manifestar la expresividad de la implosión instrumental gestada desde la fruición producida por la comunión de los tres músicos: caos fulguroso que se esparce como la lava de una erupción a través de unos surcos de acero fabricados por el mismo Vulcano. "I"m Not A Packhorse" tiene la misión de perpetuar esta vibración incendiaria y apabullante, aportando un aire de control un poco más definido a la misma pero sin llegar a gestar una arquitectura globalmente definida, sino más bien una orfebrería dadaísta. La descripción perfecta de esta pieza es: combinación de Naked City y Upsilon Acrux, con añadidos elementos del swing complejo de Don Caballero. Con la dupla de "Varicose Jibs" y "Ace Hazelnut" se completa fehacientemente el cuadro de la propuesta sonora del grupo: el primero elabora nuevas vías para capitalizar la juguetonamente hiperbólica complejidad de "I"m Not A Packhorse", mientras que el segundo, contando con un esquema rítmico más neurótico que los dos temas precedentes, ofrece una versión un poco más aligerada de las proezas del trío para ofrecer una sonoridad general más cálida. "Jipper Flow", una de las dos piezas que supera la barrera de los 5 minutos de duración, sirve para que la banda explore sus aristas más abstractas, creando una interesante cruza de RIO, noise y free-jazz. Aquí se abre una puerta a este tipo de sonoridades inescrutables, pues la misma estrategia se usa para el preludio de "Ethel", tema cuyo cuerpo central se focaliza en la elaboración de psicodelia sumamente pesada reformulada bajo cánones math-rockeros. El efecto coral del cierre aporta un aura esquizofrénica al asunto. Cuando emerge "Newts", el trío regresa a la ágil ligereza de "Ace Hazelnut" en combinación con la exaltación propia del free-jazz, lo cual conlleva coquetear con el caos nuevamente: no se llega aquí a los niveles de incandescencia de "Derek & Dot", pero sin duda hay que valorar la virtuosa distinción que exhibe cada uno de los músicos. "Spastic Colon" lleva la estrategia jazz-rockera más lejos, haciendo que el grupo proyecte una rara combinación de caos y elegancia: los aportes de saxo a cargo del bajista ayudan a incrementar la dosis de tensión necesaria tanto para sobrellevar los abundantes pasajes caóticos como para concretizar los pasajes articulados. "Sloth Putty", el otro tema que sobrepasa los 5 minutos de duración, cierra el álbum creando un puente entre la liberalidad informe de "Jipper Flow" y la dinámica caótica que ocupó buena parte de "Spastic Colon". Hay un cierto aire tétrico en la pieza que le permite generar en el oyente una sensación de estar perdido en medio de una niebla metafísica donde no se atisba esperanza alguna de hallar la luz. Aventura radical: esto significa hacer la música que hace Honey Ride Me a Goat así como ponerse a escucharla con deleite y la correcta predisposición a ser impactado por el arte. "Udders" es una buena carta de presentación para los iniciados. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Perils" (2005) MIASMA & THE CAROUSEL OF HEADLESS HORSES: "Perils" (2005) Temas 1. Blackening: Crows Templar (1:30) 2. The Mage (7:01) 3. Peacock The Heretic (3:55) 4. Perilous Fathoms (7:06) 5. Rabbits Foot (1:53) 6. Whitening: Foxes Templar (1:17) 7. Gypsy Funeral: Hark! From The Tombs A Doleful Sound (5:54) 8. The Pale Staircase (3:35) 9. Iridescence: Peacocks Tail (0:39) 10. Asmodius Arise (4:49) 11. Reddening: Blood Of The Pelican (0:57) 12. The Optician (5:20) 13. Ouroboros: Phoenix Rising (0:51) Integrantes - Daniel O'Sullivan: guitarra, armonio, autoharp - Sara Hubrich: violín, viola - Orlando Harrison: piano, órgano, glockenspiel - David Ledden: bajo - David Smith: batería, percusión Invitada - Jamie Gomez Arellano (control de sonido), Sarah Measures (flauta) Miasma & The Carousel Of Headless Horses es el nombre de un ensamble británico de avant-prog contemporáneo formado en Londres a partir de la iniciativa de Daniel O"Sullivan: tras pedir al baterista del grupo Zeuhl Guapo David Smith que se uniera a este proyecto, Smith pidió a su vez que O"Sullivan se uniera a Guapo como teclista. En Miasma, O"Sullivan funge como guitarrista, armonista y principal compositor. Aunque ya no es miembro de Guapo, el aporte que O"Sullivan dio para las gestaciones de la magistral trilogía de "Five Suns", "Black Oni" y "Elixirs" es inconmensurable. Con esto en mente, cabe apreciar a Miasma & The Carousel Of Headless Horses como un ítem relevante para apreciar los recovecos del avant-prog que se desarrollan actualmente en el underground británico. El ensamble de Miasma & The Carousel Of Headless Horses explora una modalidad de avanzada progresiva donde confluyen el Zeuhl (Eskaton, Magma) y el chamber-rock (Univers Zero) dentro de un esquema sonoro arropado con retazos ágiles de color (en cierta afinidad con Ensemble Nimbus y Hamster Theatre): esto es lo que básicamente hay que esperar de su disco debut de 2005 "Perils", el cual pasamos a reseñar ahora. "Blackening: Crows Templar" es un preludio minimalista basado en una única nota sostenida de armonio, brindando así un terrorífico inicio al álbum. Con "The Mage", el ensamble desarrolla una sonoridad plena en su tensión sombría, ágil aunque no precisamente colorida. Con una primera mitad de tendencia extrovertida, la segunda se enfila hacia parajes introvertidos que portan una cierta aureola etérea. Con el arribo de "Peacock The Heretic", el grupo se pone a explorar aires un tanto teatrales: el swing de la dupla rítmica en conjunción con el piano y el rol protagónico del violín son catapultas para que la canción saque a relucir sus aristas celebratorias dentro de los parámetros estilísticos de la banda. "Perilous Fathoms" emerge a continuación para capitalizar la sofisticada extroversión del tema precedente y retocarla drásticamente con las atmósferas de tensión y peligro que habían ocupado un rol determinante en "The Mage". Esta cuarta pieza supone un clímax absoluto del disco, y un ejemplo de cómo la banda es capaz de funcionar de forma impecablemente articulada a través de los complejos juegos sonoros proyectados en sus composiciones. Su caótico pasaje final es sucedido por un puente minimalista que lleva a "Rabbits Foot", pieza que vira hacia cadencias de jazz cabaretero, haciendo que el esquema sonoro grupal adquiera un aura coqueta: aunque no se trata de un tema muy largo, deja una huella importante después de la grandeza majestuosa expuesta en la secuencia de "Peacock The Heretic" y "Perilous Fathoms". "Whitening: Foxes Templar" suena como un organillo estropeado y abandonado en un solitario carnaval de almas. Consecuentemente, el terreno está preparado para "Gypsy Funeral: Hark! From The Tombs A Doleful Sound" y "The Pale Staircase", piezas signadas por ambientaciones decadentemente alegres y sombríamente juguetonas: la primera de ellas desarrolla un sano ejercicio de espiritualidad jovial que incluye retazos de charleston y tango en medio de una algarabía grisácea; la segunda retoma recursos de tensión y oscuridad para darle un giro más inquietante a la (aparentemente) reinante jovialidad. La secuencia de "Iridescence: Peacocks Tail" y "Asmodius Arise" (aquél un breve preludio de éste) nos devuelve a la trágica densidad que había reinado imponentemente en "Perilous Fathoms": aquí tenemos un nuevo cénit del álbum, un mágico magnetismo emanado desde las bien afinadas aristas sombrías y moderadamente tétricas que el ensamble sabe armar con pulcra solvencia. "Reddening: Blood Of The Pelican" es un breve preludio de armonio en el que O"Sullivan vuelve a explorar matices minimalistas: una conveniente vía de entrada hacia los climas de melancólico desasosiego plasmados en "The Optician", un vals de espectros y almas perdidas que vagabundean por el limbo a través de senderos que ellos no calibran del todo bien en sus mentes. Siendo la última composición de largo desarrollo del disco, se puede decir que la melancolía patente en la composición y los arreglos instrumentales es síntoma de la desazón de haber abandonado algo=85 o sentirse abandonado en un lugar incierto. "Ouroboros: Phoenix Rising" cierra el álbum con un arreglo a dúo de violín y flauta: el manejo cáustico de las notas en curso refuerza la dejadez anímica a la cual se aludió fehacientemente en "The Optician". Concluyendo: "Perils" es, en tanto disco debut de Miasma & The Carousel Of Headless Horses, un manifiesto pulido y brillante de avanzada progresiva que irrumpe invasoramente en la psique del oyente como una tentación para seguir la pista del grupo. !Recomendado! César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Diego Ignacio Escobar Valdebenito Asunto: Reseña de LOW (David Bowie) David Bowie : "Low" (1977) 1. Speed of Life 2. Breaking Glass 3. What in the World 4. Sound and Vision 5. Always Crashing the Same Car 6. Be my wife 7. A New Career in a New Town 8. Warsawa 9. Art Decade 10. Weeping Wall 11. Subterraneans David Bowie llevaba años viviendo en Estados Unidos (precisamente Los Angeles) bajo una rutina cocainómana que lo condujo hasta la decadencia mas comun y usual de una estrella de rock estereotipada . Además de volverse paranoico con la cocaína, se convirtió en un curioso devoto de todo lo que tuviera que ver con los regimenes totalitarios fascistas, la segunda guerra mundial, Hitler, etc. De hecho un incidente torpemente polémico pero que le hizo pasar malos ratos con la prensa, cuenta que llego a una plaza de Inglaterra en auto, saludando con el brazo alzado a centenares de fans que estaban ahí congregados. El descapotable sobre el que iba ( un mercedez), fue identificado como de los mismos que usaban los altos rangos militares nazis. El ingles en un momento dado, dijo "!Basta!" y decidió marcharse de Los Ángeles con destino a Europa. Pero antes de hacerlo rescato a su amigo Iggy Pop ( quien por esos tiempos estaba todavía mas loco e internado en un psiquiátrico) y se radicaron en la ciudad mas impensada !nada menos que Berlín! Aquella decisión que puede tomarse como una metáfora del deseo de anonimato de Bowie, gesto la que es lejos, su etapa de mayor creatividad musical y artística. De inmediato en Berlin, Bowie y Pop cambiaron sus estilos de vida, compusieron música, visitaron galerías de arte y se alejaron paulatinamente del circulo vicioso de las drogas Bowie produjo y ayudo en la composición de los dos primeros albumes solistas de Iggy, los cuales son "The Idiot" (1976) y Lust for Life(1977). El primero de ellos es un adelanto de la música que el propio Bowie iba explorar en sus placas solistas En una epoca en que el punk poco menos ya se había establecido y se encontraba desafiando todas las convenciones del rock "de los dinosaurios", en Europa central se habia comenzado a gestar un movimiento musical mas tímido pero de igual relevancia, denominado como "krautrock", estilo del que derivan otros como el ambient y el new wave. Bowie tomo de aquellas influencias y las plasmo en su álbum "Low", el primero de la famosa "trilogia de Berlín", tres álbumes con predominancia de las texturas de sintetizadores, letras bizarras y de mucha experimentación sonica . Los otros dos larga duracion "Heroes"(1977) y Lodger(1979) son interesantísimos y muy recomendables de escuchar también, pero a mi juicio es Low el álbum que mejor comprime, las características musicales de este periodo. Colaborando con el músico Brian Eno( quien tendría mucha relevancia en esta trilogía) Low, y su influencia notable del Krautrock es una sorpresa para el oyente acostumbrado al Glam de Ziggy Stardust y el Soul de Young Americans. Las dos caras del disco presentan dos tendencias animicas distintas, respectivamente pero que musicalmente tienen mucho en comun. En el lado A hallamos una selección de temas cortos, ágiles, funkys, con sonoridades exóticas. Las letras parecen secundarias y dan paso al nuevo sonido Bowie. Speed of life( instrumental con el que abre el disco), "Breaking Glass", "What in the World" y "Sound and Vision" se roban la atención en esta primera mitad. En el segundo Lado tenemos solo instrumentales y muy etéreos. Con ayuda en la composición de Eno, Warsawa deslumbra con su sonido y sus simples notas en el sintetizador, mientras que Bowie superpone varias pistas de voz. Luego sigue el espacial y enigmático, Art decade, a mi juicio un tema con sonoridades egipcias. Weeping Wall es otro instrumental; en el que Bowie toca todos los instrumentos. El disco cierra con Subterraneans, que evoca la soledad y tristeza de la alemania post segunda guerra mundial. "Low" es uno de los disco de culto del rock anglosajon que debe ser tomado en cuenta. Incluso hoy en dia, los temas no pierden lo contemporaneo y ademas varios artistas del new romantic y el synth pop han señalado la influencia que tuvo en su musica este album, entre ellos Gary Numan y el musico de rock industrial Trent Reznor. Calificacion: 10/10 Diego Escobar ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: T.R.A.M. - "Lingua Franca" (2012) T.R.A.M.: "Lingua Franca" (2012) Temas 1. Seven Ways Till Sunday (4:47) 2. Consider Yourself Judged (4:45) 3. Endeavor (6:25) 4. HAAS Kicker (7:09) 5. Hollywood Swinging (3:37) 6. Inverted Ballad (3:12) Integrantes - Adrián Terrazas: saxofones, flauta, clarinete bajo, percusión - Javier Reyes: guitarra - Tosin Abasi: guitarra de 8 cuerdas - Eric Moore: batería T.R.A.M. es el nombre de esta congregación musical formada por Adrian Terrazas (vientista de The Mars Volta), Eric Moore (baterista de Suicidal Tendencies) y los dos guitarristas de Animals As Leaders Javier Reyes y Tosin Abasi. Desde la afortunada confluencia de estos heterogéneos pedigrís de rock ecléctico, hardcore punk y metal progresivo, emerge una fuerza musical que ofrece un tremendamente vitalista híbrido de avant-jazz, math-rock, neurosis de inspiración Crimsoniana y noise dentro de un encuadre progresivo que resulta lo suficientemente sugerente como para matizar de forma convincente la tormenta sónica que late en la comunión de estos cuatro músicos. El nombre de T.R.A.M. obedece a las iniciales de cada uno de los geniales elementos individuales que conforman este todo: "Lingua Franca", su obra debut editada en febrero de este año, impone una fuerza expresiva exigente y única en un espacio de media hora. Media hora de música, demasiado poca para permitir al oyente degustar toda la miel de este panal sónico, más que suficiente para dejar constancia de la soberbia vitalidad que este ensamble aporta a la vanguardia rockera del momento. Repasemos ahora el disco en cuestión. "Seven Ways Till Sunday" lo abre con una ágil combinación de cadencies jazz-rockeras y dinámica math-rockera, pero sin llegar a un auténtico desborde: la energía en curso está pertinentemente articulada bajo un esquema bien equilibrado. Eso permite que el tránsito del primer motivo al segundo, basado en un swing de corte Latin-jazz, sea perfectamente fluido. La dupla de "Consider Yourself Judged" y "Endeavor" que sigue a continuación sirve para reforzar el posicionamiento estético de la banda y explotar sus aristas más robustas, siempre cuidándose de extrapolarse hacia senderos de descontrol. El grupo edifica su hogar en un área de contención. En "Consider Yourself Judged" cabe destacar el modo en que la soltura cálidamente fiera del saxo y los adornos complejos de la batería cuadriculan los arreglos nucleares del cuerpo central. Por su parte, "Endeavor" se enfila hacia recursos de psicodelia grisácea no ajena a herencias Crimsonianas (etapa 73-74) ni al boato jazz-rockero que hallamos en la obra de Tony MacAlpine, Allan Holdsworth y Tribal Tech; la idea de comenzar las cosas con un calmado preludio de guitarra y flauta es efectiva como preparación para lo que sigue después, especialmente cuando se tiene en cuenta que a poco de llegar a la barrera de los 4 minutos, el grupo explora un motivo grácil con sorprendentes matices sombríos. "HAAS Kicker", pasando levemente la frontera de los 7 minutos, se erige en la pieza más extensa del álbum. Comenzando con un expansivo prólogo atmosférico rayano con los vértices más introspectivos del space-rock, el grupo finalmente arma un cuerpo central enérgico y sofisticado donde la banda vuelve a hacer gala de sus recursos de contención a la hora de manejar motivos musicales que no ocultan del todo su tensión implícita. Eso sí, cabe destacar el modo en que el saxo incluye arrebatos líricos en el que tal vez sea su mejor solo en todo el disco (de 3"50" a 5"38"). Los dos últimos temas del disco, "Hollywood Swinging" e "Inverted Ballad", completan el cuadro sonoro dibujado por el grupo con sendos ejercicios de nervio y prestancia: en el caso de "Hollywood Swinging", la balanza de la dinámica grupal se inclina hacia la desestructuración del free-jazz, mientras que "Inverted Ballad" elabora un ambiente melancólico, donde los acordes de las guitarras duales tapizan el lienzo cuales escobillas finas y el saxo traza líneas con colores moderadamente vivaces. T.R.A.M. es, a fin de cuentas, una presencia representativa del vigor y la sofisticación que viene continuamente generándose en las vertientes más desafiantes de la experimentación rockera contemporánea estadounidense: este proyecto tiene personalidad propia, y ojalá, empuje para realizar nuevos lanzamientos fonográficos en el futuro próximo. Por ahora, nos vale "Lingua Franca" como algo para a disfrutar intensamente con el cerebro y con el corazón. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: CARTEL CARNAGE - "Incorporated" (2012) CARTEL CARNAGE: "Incorporated" (2012) Temas 1. Scissor Me (0:47) 2. Houx Wardiougue (3:53) 3. Plus De P tes (0:14) 4. Foolish Grenade Amplifier (3:41) 5. Beyond Free Zehl (2:43) 6. Encore Plus De P tes (0:18) 7. Tone Box Pie 4 (8:42) 8. Le Chant De La Carpe (2:20) 9. Adverse Anxiety And The Cheetah (5:46) 10. South Mountains (4:20) 11. Ready, Steady, Go! (0:26) 12. Mes Choux Gars (5:17) 13. Badaboom On Ze World (8:34) 14. Missing Him (1:15) 15. Obliques Strategies (10:26) 16. Pourquoi (3:07) Integrantes - Sylvain Bardiau: trompeta, trompeta de émbolo - Sylvain Cathala: saxo tenor, saxo melódico en do - Fred Maurin: guitarras, programaciones - Alex Tomaszweski: bajo, programaciones - Eric Dambrin: batería, percusiones, teclados, canto Cartel Carnage es el nombre de un osado ensamble francés dedicado a cultivar una musicalidad intensa y aguerridamente vitalista en base a una electrizante mezcla de metal, jazz vanguardista a lo Naked Zity, psicodelia, RIO y math-rock, un eclecticismo filudo y alevosamente oscurantista que anteriormente dio sus primeros frutos en el EP de 2009 "Straight No Chaser", y más recientemente, nuevos frutos en el CD "Incorporated", el cual pasamos a reseñar en esta ocasión. El repertorio de 16 temas que compone este segundo registro de Cartel Carnage fue grabado durante la primera mitad de 2010, pero recién a fines de 2011 se difundió en diversos blogs internautas: en marzo de 2012, "Incoporated" ha pasado a ser oficialmente publicado por el sello Great Winds. El disco comienza con "Scissor Me", un breve vendaval de cacofónica oscuridad que despeja el cielo para que "Houx Wardiougue" despliegue acto seguido su luminosidad tensa y siniestra, dispuesta de forma belicosa a través de una instrumentación en la que la dupla de saxo y trompeta sale al frente como dirigiendo la marcha del crepúsculo hacia la inundación de una noche plagada de perturbadoras amenazas. "Plus De P tes" es un minúsculo ejercicio de caos virtuoso que nos prepara para la densidad cadenciosa de "Foolish Grenade Amplifier", tema que conduce su pesadez inherente a través de un tempo lento que parece arrastrar una angustia impenetrable a través de un terreno de tránsito dificultoso. Esta ordalía es llevada hacia recovecos más oscuros en el siguiente tema, "Beyond Free Zehl", el cual se hace eco de la oscuridad reinante llevándola hacia un área fronteriza con el chamber-rock (en clave metalera). "Encore Plus De P tes" es una nueva miniatura caótica que prepara el terreno para "Tone Box Pie 4", tema que en sus 8 minutos y pico de duración explora tonalidades de free-jazz, matices de la tradición jazz-rockera de los 70s y algunos pasajes más rudos propios de la avanzada jazz-progresiva de las dos últimas décadas. La secuencia de "Le Chant De La Carpe", "Adverse Anxiety And The Cheetah" y "South Mountains" resulta interesante y reveladora a la hora de calibrar las dimensiones de la aventura musical que emprende Cartel Carnage: el primero de estos temas es como un paisaje sónico de una playa semi-abandonada al atardecer, un lugar solitario a punto de ceder al misterio de la nocturnidad, pero cálido y extrañamente acogedor; el segundo apela a complejidades progresivas excitantes y pulcramente elaboradas a través de su evidentemente incandescente energía; finalmente, el tercero regresa parcialmente a la pesadez cadenciosa de "Foolish Grenade Amplifier" pero con una variante stoner que va emergiendo a lo largo del último tercio. "Ready, Steady, Go!" es un breve preludio cargado de urgencia, un acompañamiento ideal a la pasión contenida a segundos de iniciarse una competición atlética, y así las cosas, surge "Mes Choux Gars" para reconstruir la aureola de "Houx Wardiougue" y enfatizar un poco más la aureola metalera, incluso incorporando algunos modismos Crimsonianos de la etapa 90-00. "Badaboom On Ze World", otro tema que dura 8 minutos y pico, desarrolla un paseo sonoro sumamente rico, alimentado por los lenguajes del jazz-rock, la psicodelia pesada, la fusión y algunas extravagancias Zappianas con buen pulso y, sobre todo, con consistente ingenio. "Missing Him" es un nuevo interludio deconstructivo que opera como vía de entrada hacia una instancia mayor, en este caso, "Obliques Strategies", el tema más largo del disco. Este tema nos brinda lo que tal vez sea el mayor ejercicio de constricción que exhibe la banda en todo el disco: tratándose como se trata de una pieza enérgica y dueña de una fuerza expresiva propia del grupo, resulta que los arreglos de los motivos y la estructura rítmica se cuidan mucho de llegar a igualar los grados de frenesí o despliegues de oscuridad que sí se dieron de forma más evidente en el repertorio precedente. Incluso se nota una arquitectura sólida y compacta que cuida de sí misma de manera decidida: este sentido arquitectónico resulta crucial a la hora de elaborar el pasaje final, que es cuando el grupo tiende puentes con la vibración ceremoniosamente siniestra de "Beyond Free Zehl" y "Foolish Grenade Amplifier". "Pourquoi", el epílogo del álbum, consiste en una aleatoria sucesión de retazos de metales, guitarreo, efectos y percusiones, en medio de voces quejosas: algo muy a lo Fantomas, con sus pertinentes alusiones a los estándares de Naked City y la tradición del noise. Un retrato dadaísta de desazones e inconformismos que aporta un oportunamente inquietante cierre al disco. Todo esto fue "Incorporated", un testimonio de la valía que tiene Cartel Carnage para la preservación del espíritu experimental en el lenguaje rockero de nuestros días: un descubrimiento que recomendamos con amplia genuinidad a los amantes del rock experimental forjado con hierro y elaborado con músculo. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: gira primaveral de JARDÃN DE LA CROIX HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. Se viene una primavera muy activa rockeramente para el grupo JARD CDN DE LA CROIX, uno de los que más se han hecho notar en la producción fonográfica progresiva del año pasado. El grupo tiene pactados cinco conciertos en varias ciudades españolas: atención que uno de estos eventos los pone como ilustres acompañanes de cartel de And So I Watch You From Afar... !genial! Las 5 fechas son: - Sábado 24 de Marzo. Jardín de la Croix + Meido + Barents. Gaztetxe de Deusto. BILBAO - Sábado 31 de Marzo. Jardín de la Croix + Humo + The Forth Cloud. Sala La Antigua Estación. OVIEDO - Sábado 7 de Abril. Maybeshewill + Jardín de la Croix. Sala CARACOL. Madrid - Domingo 15 de Abril. And So I Watch You From Afar + Jardín de la Croix. Sala MOBY DICK. Madrid - Sábado 5 de Mayo. Burning you! Festival III (The Ocean + Amplifier + Aliases + Jardín de la Croix). Sala ARENA (HEINEKEN). Madrid Aquí me despido hasta una nueva ocasión. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Luz de Riada en contacto - 17 de febrero HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. El sábado 17 de marzo, el estupendo ensamble mexicano de prog-psico-fusión LUZ DE RIADA dará un concierto que se proyecta como parte de un futuro DVD de la banda. Este concierto contará con la presencia de invitados que completarán la experiencia musical organizada para la ocasión. Aquí transcribo el anuncio oficial de la banda.- " Luz de Riada filma una serie de conciertos bajo la dirección de Alejandro Ramírez para su edición en DVD y en esta ocasión toca el turno al legendario Multiforo Alicia, los esperamos para formar parte de esta producción. Sábado, 17 de marzo de 2012 Luz de Riada en concierto Mamselle Ruíz (voz) improvisando fábulas con Luz de Riada -Hugo H. Balderas (batería) Ramsés Luna (alientos) Hugo Santos (stick) Gustavo Jacob (guitarra)- Bandas invitadas: Proyecto Gecko - Leika Mochán (voz) Omar Medina (guitarra) Jorge Fernández (batería) y Pilar Sánchez (contrabajo)- Kali Deryav - Francisco Bringas (percusiones) Tomás Fernandez (contrabajo) Alex Basaza (acordeón) Carlos Pichardo (sax)- 20:30 hrs. $70 Multiforo Alicia Av. Cuauhtémoc #91 (entre Durango y Colima) Col. Roma Ciudad de México " ---------------------------------------------------------------------------- Autor: www-data Asunto: Los mejores del año * Dirección de correo: armengou@hispavista.com * Votación de los mejores del año: Un Cordial Saludos a todos los seguidores de LCM y especialmente al cajero mayor Los Mejores del 2011 -------------------- Este año es mas dicifil puntuar ya que la calidad y cantidad de grupos es abrumadora y un dia piensas que el N 1 es Discipline y quiza mañana cambie de opinion , en fin vamos alla que llego tarde a la votacion 1.Discipline - To Shatter All Accord 2.Sky Architect - A Dying Man's Hymn 3.Opeth - Heritage 4.Ignatius - Lights from the Deep 5.Wobbler - Rites of Down 6.Karmakanic - A Perfect World 7.Brighteye Brison - The Magician Chronicles Part I 8.Steve Wilson - Grace for Drowning 9.Amplifier - The Octopus 10.White Willow - Terminal Twilight 11.Levin Torn White - Levin Torn White 12.Yes - Fly From Here 13.Magenta - Chameleon 14.Par Linch Project - Time Mirror 15.Senogul - III 16.Agents of Mercy - The Black Forest 17.Riverside - Memories in my head 18.Lunatic Soul - Impresions 19.Eye 2 Eye - The Wish 20.Albatos - Ursus 21.Orne - The Tree of Life 22.My Brother the Wind - I Wash My Soul the Stream of Infinity 23.Manning - Margaret`s Children Esto es todo , Un buen año de Prog Rock , a seguir asi Atentamente , Carles Armengou Bernal ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: ROGER HODGSON en Sudamérica - abril y mayo de 2012 HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. En los próximos meses de abril y mayo tendrá lugar la fracción sudamericana de la actual gira solista de ROGER HODGSON (el indudable líder histórico de SUPERTRAMP) con banda soporte. Aquí va la lista de fechas.- 10 de abril Teatro Ágora CCE, Quito, Ecuador 12 de abril Centro de Convenciones María Angola de Miraflores, Lima, Perú 14 de abril Teatro Caupolicán, Santiago, Chile 16 de april Montevideo, Uruguay [lugar por definirse aún] 17 de abril Orfeo Superdomo, Córdoba, Argentina 18 de abril Teatro Metropolitano, Rosario, Argentina 19 de abril Buenos Aires, Argentina [lugar por definirse aún] 21 de abril Florianopolis, Brasil [lugar por definirse aún] 22 de abril Teatro Bourbon, Porto Alegre, Brasil 24 de abril Curitiba, Brasil [lugar por definirse aún] 26 de abril Via Funchal, Sao Paulo, Brasil 27 de abril Chevrolet Hall, Belo Horizonte, Brasil 29 de abril Auditório Master do Centro de Convens=F5es, Brasilia, Brasil 30 de abril Vivo Rio, Río de Janeiro, Brasil 3 de mayo Recife, Brasil [lugar por definirse aún] 4 de mayo Fortaleza, Brasil [lugar por definirse aún] 5 de mayo Expo America Hall, Campinas, Brasil Enlace: http://www.rogerhodgson.com/documents/tour.html Las entradas para el concierto en Lima (su tercera vez en la capital peruana) están a la venta en Teleticket: consultar el enlace http://www.teleticket.com.pe/tlk_formularios/frm_DetalleEventoPrecio.aspx?ceven=oyVYNHmjoTU= Aquí me despido hasta una nueva ocasión. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: FLOR DE LOTO - concierto en Lima y conciertos en Argentina HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. La banda peruana FLOR DE LOTO acaba de anunciar tres fechas para su regreso a Argentina: el Viernes 11 de Mayo en Buenos Aires, 12 de mayo en La Plata y el 13 de mayo en Buenos Aires junto a la gran banda LORIHEN, cuyo guitarrista y líder estuvo a cargo de la producción de su más reciente placa "Imperio De Cristal". Más detalles del concierto en Buenos Aires: LÖRIHEN 15 B0 ANIVERSARIO Viernes 11 de MAYO 19hs THE END FLORES Invitado especial FLOR DE LOTO (Perú) ZOMBIENPRAGA - NATAN Después de haber cosechado buenas opiniones y buena onda en su presentación como banda telonera de WITHIN TEMPTATION, el grupo elaboró un vídeo-clip para la canción 'Hasta el Final', la cual muchos consideran como una de las mejores de "Imperio De Cristal": aquí http://www.youtube.com/watch?v:a_MRdMcQds0 se puede verel vídeo-clip. Antes de partir a los escenarios argentinos, FLOR DE LOTO dará un concierto en Lima en abril, más exactamente, el juevs 12 de abril, en el Cocodrilo Verde (Francisco de Paula Camino, no. 226 - Miraflores), a partir de las 21.00 Aquí me despido hasta una nueva ocasión. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: moijolau@eresmas.com Asunto: Los mejores del año * Votación de los mejores del año: Hola, dejo mi lista de mejores. 1- Steven Wilson – Grace for Drowning 2- Amplifier – The Octopus 3- Opeth - Heritage 4- Devin Townsend Project – Deconstruction 5- Blackfield - Welcome to my DNA 6- After Crying – Creatura 7- Pain Salvation - Road Salt two 8- Orphaned Land - The Road to Or-shalem (live) 9- Haken – Visions 10- Neal Morse – Testimony 2 11- Paatos - Breathing 12- Anathema - Falling Deeper 13- Dream Theater - A dramatic turn of events 14- Devin Townsend Project – Ghost 15- Riverside - Memories in my head 16- Lunatic Soul - Impressions 17- White Willow - Terminal twiligh.. Joan Prat ----------------------------------------------------------------------------