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Obra de arte
Saludos a los contertulios de LCDM
Este es un agregado a nuestra colaboracion anterior. Pretende ofrecer
argumentos en favor de la (para mi) obra magna de Yes como ejemplo
de maestria en la creacion musical. Para eso -insisto- no podemos
concentrarnos aspectos subjetivos, como la emocion que nos provoca (toda
obra que nos gusta tiene ese efecto), sino en lo que es objetivo, suceptible
de explicar y entender. La belleza en el arte rara vez se consigue
accidentalmente: hay que SABER crearla, y para ello hay principios.
Me apoyo en el articulo "Close to the Edge and the boundaries of style" de
John Covach, ensayo que pertenece al libro "Understanding rock:
Essays in musical analysis", y que estuvo disponible (solo el articulo)
durante algun tiempo en la pagina yesworld. Covach no es un neofito
como yo: es musico y profesor en la Universidad de Carolina del Norte (USA),
donde imparte la catedra de Rock. Su estudio no es solo una
intepretacion artistica-subjetiva, como lo es mi pasada resena sobre "Snow
Goose": es un analisis musicologico; o sea que se mete en la
estructura, las progresiones armonicas y ritmicas, las formas en que se
juega con los motivos melodicos e incluso la forma en que se
relaciona con la obra inspiradora: "Siddartha", de Hermann Hesse. Por la
longitud del ensayo y otras razones no puedo transcribirlo todo,
pero ! ! cito partes que me parecen basicas, y tratare de que no suenen tan
inconexas. Evidentemente no reproduzco las partituras de los
fragmentos que el autor cita como referencias, y trate de cubrir tales
huecos con referencias o descripciones. De vez en cuando meto
comentarios mios.
1. GENERALIDADES
En la primera parte Covach analiza el contexto historico y las
caracteristicas de lo que denominamos Rock Progresivo (RP). Desde la
segunda entra de lleno a la obra en cuestion y nos ofrece la estructura de
la misma:
INTRODUCCION
0:00 - 0:56 sonidos de rio y aves
0:56 - 1:21 bajo en escala ascendente en 3/8
1:21 - 2:00 obstinato de bajo, 9 vueltas y fermata
2:00 - 2:13 obstinato de bajo y guitarra, 2 vueltas y fermata
2:13 - 2:58 obstinato de bajo, luego escala ascendente y fermata
2:58 - 3:54 tema de "Close to the Edge"
SECCION A
3:54 - 4:22 introduccion y verso
2:22 - 4:53 verso y coro 1
4:53 - 5:24 puente
5:24 - 6:03 puente, coro 1 (se agrega "I get up...)
SECCION A'
6:03 - 6:33 introduccion y verso
6:33 - 7:09 verso y coro 2
7:10 - 7:24 puente
7:25 - 7:59 puente, coro 1 (se agrega "I get up...")
8:00 - 2:28 fugato de "Close to the Edge"
SECCION B
8:28 - 9:48 interludio estatico
9:48 - 10:35 verso
10:35 - 11:19 verso
11:20 - 12:10 verso
12:10 - 12:47 interludio de organo de iglesia
12:47 - 13:04 verso parcial
13:04 - 14:11 interludio de organo de iglesia y fanfarria
14:11 - 14:59 reiteracion del tema "Close to the Edge"
SECCION A''
14:59 - 15:30 verso instrumental (solo de organo), coro 2
15:30 - 15:52 verso instrumental (organo), coro 2
15:53 - 16:17 verso
16:17 - 16:33 verso
16:33 - 17:36 puente, coro 1 (con "I get up..." extendido)
17:36 - 18:38 sonidos de rio y aves desvaneciendose.
Para cada parte especifica la tonalidad (con lo que explica por que separa
asi las partes). Estos principios son basicos para todo el analisis
posterior.
2. SOBRE LAS REFERENCIAS "CLASICAS"
Vale la pena comentar el pasaje que Covah llama "Fugato de Close to the
Edge" (8:00 a 8:28), donde oimos al Tema Principal reptiendose en
sucesivas tonalidades ascendentes (eso es un fugato) sobre una figura de
bajo. Covach escribe: "...la sitara electrica y el bajo inician una
figura pseudo-barroca en Do [mayor] y se les une el organo de tubo
ejecutando tres referencias de una figura melodica; esta figura de organo
es una transformacion tematica del tema Close to the Edge (...) que entra
anteriormente en la pieza (...) Aunque este pasaje no puede
confudirse facilmente con auntentica musica barroca, la textura,
instrumentacion y contrapunto son una referencia clara al estilo barroco."
Agreg! ! a que tal referencia estilistica se observa tambien en la
introduccion de "Roundabout", el pasaje de piano de "South Side on the
Sky" o el solo de clavicembalo de "Siberian Khatru". Incluso comenta que
tales referencias estilisticas influyeron a que algunos academicos
usaran para Yes terminos como "Rock Clasico" o "Rock Arte".
3. ALGO SOBRE PROGRESIONES ARMONICAS
Covach emplea el termino "modo dorio" para describir la tonalidad de
algunas partes imporantes de la obra. Aclara que emplea este
termino porque no considera adecuado tomar estrictamente como refrencia de
analisis el sistema tradicional de armonia. De acuerdo con tal
sistema, dice, la progresion armonica de los versos en la obra (La mayor-Sol
mayor-La menor-Si menor) pareceria una desviacion de las
normas tonales. Pero agrega que desde mediados de los 60 esta progresion es
usual en los trabajos de rock, al grado de que ya constituye una
"norma estilistica", de modo si Yes hubiera usado el modelo ?clasico"
tradcional, entonces si se habria desviado de la norma. "Asi -dice
Covach-, se usa 'mo! ! do dorio' en este ejemplo para designar un ambiente
armonico que es tipico de la musica de Rock." Esto es importante
porque muestra que el RP no solo es escribir en forma "clasica", sino tomar
cosas de este estilo junto con otras aportadas por el mismo Rock,
donde tambien ya existen elementos propios. Esta forma de conjugar ambos
elementos en un nuevo concepto es -hasta donde voy percibiendo
cada vez mas- lo que constituye el estilo que nos reune en este foro.
Pero aun mas. Covach nos muestra que, a pesar de lo anterior, en ocasiones
tambien se puede emplear el sistema armonico "clasico"
tradicional, de modo que la creatividad artistica permite jugar con los
elementos de las dos corrientes originales (rock y musica artistica
europea). Dice: "Hay, sin embargo, otros pasajes en esta pieza que pueden
ser comparados satisfactoriamente con el modelo tonal usado
comunmente, y el abordar los procedimientos tonales tradicionales es un
componente basico para crear referencias, tanto estilisticas como
estructurales, a la musica clasica. Si recordamos el fugato de 'Close to the
Edge'(...) por ejemplo, uno puede ver de inmediato lo importante
que es que tal ! ! pasaje sea incluido en el contexto de la practica musical
artistica [o sea, la musica "arte"]. En el caso del fugato, es mas un
caso de combinacion contrapuntistica de elementos tematicos para crear la
referencia a la musica-arte, que un empleo abierto de canto y
armonia tradicionales; pero pueden citarse otros pasajes en los cuales se
recurre a la practica comun de canto y progresion armonica, y en los
cuales detectar su presencia juega un papel crucial en el establecimiento de
la referencia estilistica. Por ejemplo, los pasajes de organo de
iglesia que empiezan en 12:10 y 12:27 (...) son ejemplos claros de la
creacion de referencias estilisticas a la musica-arte, mediante el uso de
canto y armonia tradicionales."
4. SOBRE LA COMPLEJIDAD METRICA
Covach detalla como en el pasaje de verso que empieza en 3:54 la parte de
la guitarra esta en 12/8; y bajo y bateria, en 3/2. Continua
diciendo: "Como el escucha de rock tiende a tomar el tempo y la metrica de
los tambores y el bajo, no le sera facil escuchar esto en terminos
de polimetria (...) consecuentemente, quiza interprete las figuras ritmicas
de la sitara electrica y vocales como muy asincopadas (...) En el
regreso del verso al inicio de la seccion A (6:03) la disonancia metrica
adaptada (o al menos sugerida) en el pasaje anterior es desarrollada
aun mas. Mientras la sitara (y vocales) permanecen en 12/8, el bajo (y
bateria) estan ahora en 4/2." Pero el catedrático agrega que los ci! !
clos repetitivos de estos dos niveles metricos, en lugar de "ajustarse" se
comportan de otra forma: "las partes entran y salen de la
sincronizacion de acuerdo con un patron predecible; esto es, tras ocho
compases de 12/8 y seis de 4/2 las partes se unen de nuevo. A
diferencia del pasaje anterior, el escucha ahora tendra mucha dificultad
para reducir los patrones ritmicos en sitara y vocales a sincopas (...)
debido principalmente al la falta de un acento comun al principio de cada
tiempo (...) Tras la seccion B, la secion A regresa a los 14:59 con
un verso instrumental, que es el solo de Hammond de Rick Wakeman. Puede
notarse que Wakeman toma su metrica del bajo y la bateria,
que ahora estan de nuevo en 3/2, como antes. La guitarra electrica, tocando
la parte ejecutada antes por la sitara, permanece en 12/8. Tras el
solo de organo regresan las voces para el verso a los 15:53 y hay algunos
cambios importantes en este pasaje. El piano ! ! imita a la sitara y,
junto con esta y las voces, esta en 12/8. La parte del bajo es muy similar a
la linea de la segunda seccion A, excepto porque [Square] ha
?pulido? metricamente la figura, de modo que ya no esta en 4/2, sino en 3/2.
Este cambio, asi alinea la nueva figura con el inicio de cada
compas de 12/8. Mientras que antes la medida en 3/2 parece dominar, ahora lo
hace la de 12/8, o al menos actua en forma mas efectiva para
orientar metricamente al escucha."
No pierdo de vista que lo anterior puede ser complejo, y por ello esta
resumido. Mi intencion es: a) mostrar el grado de analisis de Covach,
b) dar idea de algunos de sus hallazgos, y 3) ejemplificar lo que, sospecho,
es un ejemplo de lo que se llama progresiones ritmicas o de
tiempo. (El RP se construye con progresiones ritmicas, melodicas, armonicas,
etc., de acuerdo con las ideas que tome de Jorge Alvelais,
Carlos Plaza, y el mismo Covach).
Es buen momento para citar una primera conclusion del maestro
estadounidense: "Comparando en secuencia estos cuatro pasajes de verso,
las tecnicas de variacion se hacen evidentes. Ciertamente no es raro en los
musicos de Rock rearreglar la instrumentacion de una pieza, de un
verso a otro, agregando partes o cambiandolas (...) Pero en "Close to the
Edge" observamos algo mas sofisticado que la mera construccion de
un arreglo; aqui se aborda toda unna idea musical. En la primera seccion A
se establecen (o al menos sugieren) los dos niveles metricos. En
la segunda (A') estos niveles establecen una clara di! ! sonancia metrica.
En la tercera (solo de organo, A'') hay un retorno a la estructura
metrica del primer verso; y en la cuarta (verso vocal, A'') se "reconcilia"
la disonancia metrica de la segunda parte y los elementos se alinean
metricamente. A lo largo de la pieza, por lo tanto, las secciones de versos
no retornan simplemente, sino que tambien SE DESARROLLAN;
y por supuesto, la variacion, de acuerdo con un determinado principio de
desarrollo, es un rasgo comprobado en mucha musica artistica de
los siglos XVIII y XIX. Vemos asi, al extender estos cuatro versos en unos
15 minutos de musica, una estrategia de desarrollo a gran escala
que involucra una conocida practica musical artistica. Es importante
resaltar tambien que la musica contenida en este desarrollo no hace
referencia estilistica a la musica clasica en la superficie; mas bien es al
nivel de la estructura a gran escala en donde se encuentra esta
referencia." [Las mayusculas son cursivas en el original].
5. OTROS ASPECTOS ESTRUCTURALES
Una cosa interesante: el Tema Principal (tema "Close to the Edge", le llama
Covach) se presenta (o sea, aparece por primera vez) en la
introduccion (a los 2:58) y es ejecutado ahi cuatro veces: en Re mayor y Re
menor alternadamente. Reaparece al final de la seccion B (14:11)
en una forma "cambiada, pero facilmente identificable". Y luego Covach
suelta la perla: "El regreso del Tema de 'Close to the Edge' al final
de la seccion B y la transformacion del material que lleva a ese retorno
constituye una recomposicion de la ultima parte de la
introduccion..."
[Interrumpo el texto de Covach, para un parentesis aclaratorio: el maestro
llama nuestra atencion a un motivo de medio tono ascendente
tocado por la guitarra y que aparece en 0:58. Son dos notas mi-fa repetidas
descendiendo una octava cada vez (digamos, trastes 12 y 13 de la
primera cuerda, 5 y 6 de la segunda, 2 y 3 de de la cuarta y 0 y 1 de la
sexta y luego de regreso. Este ciclo se ejecuta varias veces en una
secuencia rapida y uniforme). Pues bien, este sencillo motivo es retomado
por Wakeman en los dos inteludios de organo que constituyen el
climax de la parte B (12:10 y 13:04) pero ahora el medio tono es
descendente: fa-mi. Cierro parentesis]
Sigue Covach: "El regreso del motivo de medio tono, tanto traspuesto como en
su ubicacion original en el diapason, constituye una
reiteracion significativa de la primera porcion de la introduccion."
Establece entonces el catedratico la existencia en la pieza de un esquema
aun mas general, en dos partes, y agrega: "Considerando, ademas, la tonica
comun de Mi que comparten la introduccion y la seccion B, el
esquema general de dos partes se hace mas atractivo analiticamente de lo que
parece en un principio. Ademas, el regreso final de la seccion
A puede entederse como un retorno distante a las primeras dos secciones A,
de modo que el solo de organo actua como regreso a la primera;
y los versos vocales, como regreso a la segunda. El analisis metrico
explicado antes tiende a apoyar esta interpretacion de la seccion A fina! !
l: los versos instrumentales corresponden metricamente a la primera seccion
A; y los versos vocales, a la segunda."
Sigue: "Esta divison en dos grandes partes de 'Close to the Edge' es
similar a la de otras piezas de este album y de 'Fragile'. 'Hearth of the
Sunrise' inicia con una rica introduccion instrumental, y esta regresa y es
desarrollada con nuevo material. 'And you an I' incluye un retorno
a la introduccion de guitarra, y este actua claramente como division en un
esquema general de dos partes. A pesar de estas similitudes en el
diseno estructural, ninguna obra anterior de Yes alcanza la escala y
complejidad de "Close to the Edge", y en este sentido, el trabajo
representa un nuevo punto de llegada en terminos de un diseno en la forma
-un punto hacia el cual (...) parecian estar apuntando los trab! !
ajos anteriores."
Que diantre de viejos, no?
Despues de consideraciones como las anteriores cobra sentido pleno un
comentario de Jon Anderson (en 1973) que Covach cita en la
introduccion del articulo, y que ayuda a profundizar en el concepto de RP:
"Somos musicos de rock que toman prestadas ideas de los clasicos
- a veces emulamos la forma estructural, asi como [otros] grupos de rock
ulan el jazz, el soul, y el rhythm and blues en su musica...
atamos de crear musica que en la actualidad esta a nuestro alrededor en
a forma orquestal."
6. LA PERSPECTIVA LITERARIA
Veamos solo una parte. A juicio de Covach, la estructura de "Close to the
Edge" guarda relacion con ciertos temas basicos en la novela de
Hesse, que narra la vida de Brahmin Siddartha de los 18 a los 60 anios, y en
donde resaltan dos topicos: el contraste entre el mundo espiritual
y el material, y la idea de que la unidad de todas las cosas es
experimentada en un reino eterno. La novela se divide en tres partes en las
cuales Siddartha experimenta la vida del asceta, la del mundo material y
sensual y el iluminamiento por el rio, que, segun Covach, "actua
como símbolo de eternidad a lo largo de la novela, y es la imagen central
alrededor del cual se desarrolla la historia." Afirma de inmediat! !
o que no debemos entender la pieza de Yes como una reproduccion de la novela
o algun personaje. Ahora cito largamente al maestro:
"Jon Anderson ha negado siempre cualquier responsabilidad de que sus letras
narren siempre una historia o impliquen alguna perspectiva
filosofica. Mas bien (...) la pieza profundiza en la dialectica de lo
fisico-material versus lo espiritual-intelectual, y (...) ademas captura un
aspecto de eternidad que es basico en la novela. Empecemos por considerar el
contraste entre las secciones de verso y puente. Cada verso esta
en un tono La dorio; la melodia del canto queda a cargo de la voz [pues a
veces la parte llamada 'canto' de una pieza es instrumental], y como
se dijo antes, hay una cierta tension ritmica y metrica. Las secciones de
puente, en contraste, estan en tonos mayores (aunque en dif! ! erente
tono cada vez) y con una melodia [canto] mucho mas convencional en la voz;
no hay una inusual tension ritmica y la progresion armonica
sugiere un eficaz empleo de la forma tradicional en el canto. Podemos,
entonces, considerar que el [los] verso[s], en cierta forma, evoca[n] un
reino material caotico y quiza primitivo. La letra de estas secciones tiende
a reforzar esta interpretacion; considerese, por ejemplo, la
siguiente cita del verso de la seccion A:
Una hechicera reseca pudo llamarte desde los abismos de tu desgracia
y redisponer tu higado para la verdadera gracia mental
y alcanzar todo con musica que vino velozmente de muy lejos
luego prueba el fruto del hombre, perdida inscrita, apremiado por el tiempo
Estas imagenes tienden a centrarse en la perdida del ser entre la confusion
de la existencia material, contrastando 'los abismos de tu
desgracia' con la perspectiva de alcanzar 'la verdadera gracia mental'.
Quiza, como en la novela, la 'musica que vino rapidamente de muy
lejos' es el sagrado Om, pronunciado por el mismo rio.
En contraste, la letra del puente tiende a involucrarse mas con imagenes de
una vision mas elevada y simple:
Superando todas los momentos en que debi preocuparme
dejando muy atras todos los cambios
relajamos la tension solo para averiguar el nombre del maestro
Luego el coro sigue:
Hasta el final, tras el recodo,
cerca de la orilla, junto al rio,
las estaciones te rebasaran,
asciendo, desciendo;
ahora que todo esta concluido, ahora que encuentras, ahora que eres el todo
En el puente la tension del material caotico queda 'muy atras' y la
iluminacion se alcanza 'al averiguar el nombre del maestro'. En el coro
aprendemos que todo esto ocurre 'cerca de la orilla, junto al rio', y que en
esta vision eterna 'las estaciones te rebasaran'. La recurrente linea
'asciendo, desciendo' podria referirse a las alturas y abismos de la
experiencia humana; ciertamente, en la novela de Hesse, Siddartha
experimenta ambos en todo su dolor y gloria."
Y hasta aqui.
Quisiera emular aquella larga polemica acrecentada (no generada) por el
tristemente celebre "incomunicado". Creo que una de las mejores
conclusiones que se obtuvieron de aquella fue sintetizada en un mensaje que
decia, mas o menos, que si deseamos hablar de las cualidades de
una obra o artista, no podiamos emplear argumentos como "porque es
bellisimo", sino que detallaramos sus meritos objetivamente. Coincido
con ello y con esa idea elabore esta propuesta.
Solo deseo reiterar que la historia no es una cosa dada, ni para bien ni
para mal. Nosotros la hacemos. Bach o Mozart no sobreviven ni
porque en su tiempo fueran famosos ni reconocidos (que no lo fueron) ni
porque merecieran la eternidad (que sí la merecen), sino porque
hubo quienes trabajaron para que no fueran olvidados. En este mundo uno no
obtiene lo que merece, sino aquello por lo que se lucha. Covach
cierra su trabajo afirmando que el estudio del repertorio progresivo esta en
sus inicios y que aun falta mucho trabajo para dar a Jethro Tull,
Genesis, ELP, King Crimson o Gentle Giant el lugar que, muchos afirman,
merecen como compositores de gran merito. Yo no tengo los
conocimientos de! ! Covach y no puedo tomarle la palabra, pero la difusion
es casi tan importante como la creación y en ello puedo
participar.
Me despido.
Hector Mario Gomora Morales
Aguascalientes, Mexico
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Close to the Edge - Parte I
[Este es un texto publicado originalmente en ingles. Espero que sea de
interes para los cajeros.]
"Nunca volvera a suceder. ...Fue el clima, fue Londres, fueron los Advision
Studios, fue la atmosfera, fue el conocimiento colectivo de que nos
estabamos embarcando en algo relativamente nuevo. ...Y creo que esa es una
de las cosas que hace a Close to the Edge tan actual como es."
--Jon Anderson, 1992, como esta documentado en Yesstories: Yes in Their Own
Words (1996) de Tim Morse.
Close to the Edge
Atlantic 1972
Calificacion: *****
Mejor cancion: "Close to the Edge"
Producido por Yes y Eddie Offord
Portada y logo de Roger Dean
Ingeniero: Eddie Offord
Cintas por Mike Dunne
Personal:
- Jon Anderson: vocales
- Steve Howe: guitarras, vocales
- Chris Squire: bajo, vocales
- Rick Wakeman: teclados
- Bill Bruford: percusion
Canciones:
a. The Solid Time of Change
b. Total Mass Retain
c. I Get Up I Get Down
d. Seasons of Man
a. Cord of Life
b. Eclipse
c. The Preacher the Teacher
d. Apocalypse
. . . . . . . . . . . . . . . .
Por donde empiezas cuando quieres hablar del album que cambio tu vida?
Si, este fue el primero que lo hizo -- el unico que me convencio de ser un
seguidor de Yes y que me convertiria en el frustrado musico que soy ahora.
Llegue a bordo como fan de Yes con el album 90125, cuando aun era un
pre-adolescente fanatico del Top 40, y a partir de ahi me dedique a buscar
su catalogo anterior, apareciendo en mi el otro lado, no solo el del fan de
Yes sino el de todos los tipos de musica progresiva/experimental. Este album
abrio mi mundo hacia una serie infinita de interesantes avenidas de
exploracion sonica. Durante el proceso, estos musicos se convirtieron en mis
idolos, y 17 anyos despues de que por primera vez descubriera este album,
nunca ha aparecido nada igual, ni de cerca, que reproduzca la impresion, la
inspiracion y la emocion que me hizo sentir. Bueno, los mismos Yes se
acercaron con Relayer, pero Close to the Edge sigue siendo mi "llave a la
ascension"!
No puedo imaginar lo que debe haber sido ser un seguidor de Yes en aquellos
dias, cuando aparecieron estos albumes. Despues de que Fragile impacto a la
gente, debe haber sido imposible pensar que Yes mejoraria y se expandiria
aun mas alla. La prueba de que lo lograron aun esta aqui. Asombroso! Pero
creo que con este paso en su evolucion musical, probablemente comenzaron ya
sea a desconectar a la gente o a extasiarlos. Durante algun tiempo Fragile
fue un acto de equilibrio magico entre el exito comercial y la expresion
artistica, Close to the Edge viro totalmente a favor de esto ultimo, al
parecer despreocupandose de si la musica seria un gran exito en la radio y
en cambio permitiendo que el supremo arte reinara. En otras palabras,
Fragile fue accesible, pese a sus tendencias artisticas, mientras que Close
to the Edge entro al reino de lo puramente artistico... y esoterico. Ya sea
que lo "captes", y te guste, o no.
Y es asi que aqui nace tanto el "clasico" logo de Yes, cortesia de Roger
Dean, como la oblicua epopeya Yessiana. Precisamente -- si pensaste que las
canciones se estaban volviendo largas en Fragile, este album incluyo solo
tres canciones en total. Cuando tu album trae en total solo tres canciones,
sera mejor que esperes que las canciones que propusiste sean increiblemente
fuertes.
Nada de que preocuparse, por supuesto -- valen muy bien lo que cuestan.
Tenemos una pieza de rock de nueve minutos con guitarra/armonia
vocal/Mellotron en 15/4 (o son dos barras de 4/4 y una de 7/4?) con palabras
que se usan puramente como sonidos; tenemos una "mini-sonata" de cuatro
partes, de 10 minutos (en palabras de Wakeman) que es en parte una
enigmatica cancion de amor, en parte una balada pastoral, y en parte una
ensordecedora majestad apocaliptica; y tenemos la pieza de 19 minutos,
titulo del disco, que te lleva, como promete la letra, "all the way, as
apart from any reality that you've ever seen and known." Nada mal para una
banda que, justo tres anyos antes, estaba tocando jazz ligero y cantaban
sobre la dulzura. La unica otra banda de la que puedo pensar que realizo un
salto de tal magnitud en un periodo de tiempo tan corto son los Beatles. Lo
cual es mas apropiado, pues siempre he sentido que Yes heredo el legado que
los Beatles iniciaron, pero esa es otra disertacion para otro momento.
Empezemos al reves. "Siberian Khatru" es el paralelo mas cercano aqui a
"Roundabout" (incluso repite de este el uso de algunas vocales "da-da,
da-da" ininteligibles hacia el final) y probablemente sea el mas accesible
de los tres cortes -- relativamente hablando, por supuesto. Conmueve,
indudablemente, y fue la perfecta abridora en varios de los conciertos de la
gira de Yes; surgiendo de la prodiga pasion del final de la "Suite del
Pajaro de Fuego" de Stravinsky, la cual los muchachos todavia utilizan como
su grandiosa introduccion. Pero esta cancion emociona de la extranya manera
en que solo Yes puede emocionar -- la rara metrica, los cambios de tempo y
de humor, una citara electrica, e incluso un solo de clavicordio
impecablemente tejidos en un tapiz rebosante de color, increiblemente vasto
en ideas pero asombrosamente firme y concentrado al mismo tiempo. Como lo
hicieron? No tengo ni idea. Solo pura genialidad musical, tal vez. Yo solo
se que funciona. Y funciona muy bien.
La cancion que abre el lado dos es "And You And I," una de las piezas
musicales mas llenas de pasion que esta banda haya creado nunca. Lo primero
que escuchamos es una sola nota en la guitarra acustica, seguida por Steve
Howe diciendo a alguien "OK". Esta es una contestacion a alguien en el
estudio por parte de Howe de que la cinta estaba corriendo, si te esfuerzas
por escuchar, 'con audifonos', puedes oir una voz apenas audible bajo la
musica que dice, "Now we're rolling". La musica en este mismo punto es
tranquila, consistente en un acorde apenas audible del Hammond, mientras
Howe sin forma definida rasguea su guitarra de 12 cuerdas por encima de
todo, como si estuviera haciendo precalentamiento. Luego lanza el primer
tema de la suite, haciendo recordar el solo preliminar de guitarra acustica
de "Roundabout". Chris Squire continua con un fino pero seguro patron de
bajo de una sola nota, que servira como ancla para el pasaje de apertura de
la cancion. Despues del sonido de lo que parece ser un par de cimbalos
dactilares(1), Howe nos lanza dentro del ritmo --discordante, despreocupado
de 3/4 (o, tal vez, un lento 6/8) --al que se le une pronto una linea
silbante del sintetizador de Rick Wakeman. Por ultimo, entra Jon Anderson,
sonando claro y fresco mientras sus enigmaticas lineas planean alegremente y
sin esfuerzo por encima de la espaciosa musica. Desde versos como "All
complete in the sight of seeds of life with you," se tiene la impresion
vagamente de que esta es en cierto sentido una cancion de amor --una oda en
un lenguaje donde nosotros, los escuchas, estamos invitados a asignarle el
mejor sentido.
Realmente, sin embargo, no importa lo que se canta, porque simplemente es
magnifico. Y solo mejora cuanto entramos a una seccion trepidante de punteo
y contrapunteo vocal, con Anderson que simultaneamente canta dos lineas
melodicas sin relacion, una electronicamente distorsionada en la distancia,
otra clara y fuerte en primer plano. Por ultimo, la parte 1 termina con
Anderson cantando ahora con el mismo en una vuelta: "And you and I climb
over the sea to the valley/And you and I reach out for reasons to call." De
hecho, ese "call" es mas como "cohhh-AAAAAAALLLLL," la tension apoyada sobre
esa unica nota clara el mayor tiempo posible, mientras que las fibras del
Mellotron lentamente aumentan por debajo...
...Hasta que todo cede con un dramatico estrepito del cimbalo en un universo
de belleza y majestad expansivas, impulsado por poderosos acordes de
ensueño del Mellotron; una melodia de Moog majestuosa; las lineas de la
guitarra de acero irrumpiendo delicadamente hacia arriba y hacia abajo; y el
bajo con la bateria contenidos pero enfaticos . Bill Bruford nunca habia
hecho uso de una propuesta asi de economica en su bateria con mayor efecto
que aqui --con la posible excepcion de recibir el credito como co-autor por
tener la cordura de permanecer absolutamente tranquilo en el "Trio" de King
Crimson unos anyos despues, pero esa es otra banda y otra historia. Aqui, el
enfatiza solo cuando es necesario para atraer la corriente de la marea
ascendente de vuelta otra vez. Y Anderson, bendito sea --nunca nadie ha
cantado con tal distincion y fuerza sobre nada en particular. Esto es
absolutamente hermoso --uno de los momentos mas sublimes de la majestuosidad
trascendente de Yes.
Pero todas las cosas buenas tienen que terminar, y pronto desaparecemos de
este mundo magico y enseguida volvemos al tema de guitarra acustica del
principio. Ah, vamos a repetir la parte 1, solo que con un ritmo todavia mas
vigoroso esta vez, y si vamos a volver al comienzo, eso debe significar que
tambien vamos a remontarnos hasta...
...Si, la musica que tan poderosamente nos conmovio hace apenas unos
minutos. Anderson esta vez vuelve sobre sus pasos y deja que los dioses
hagan su declaracion cosmica con toda su gloria instrumental, terminando con
Wakeman que deja caer sus dedos sobre el teclado del piano con un ultimo
ademan enfatico. Y, una vez que hemos recuperado el aliento, somos halagados
oportunamente con un final claro y etereo, con esta cancion de extranyos
contrastes y vivos colores. "And you and I climb crossing the shapes of the
morning", Anderson canta por encima de la discordante guitarra de 12 cuerdas
y de una linea distante de la guitarra de acero; "And you and I reach over
the sun for the river/And you and I climb clearer towards the movement/And
you and I called over valleys of endless seas". Bello en su sin sentido. Y
sobre esas ultimas palabras, la guitarra de acero hace una ultima ascension
y lleva la cancion hacia un final tranquilo sin pretensiones --aqui tienes
que doblar el volumen una vez mas para escuchar esta solitaria tonada final;
y pase de ser de un dudoso e inconcluso suspenso a una posdata murmurada de
resolucion. Un toque elegante --ligero, incluso humoristico a su manera. Y
te deja emocionalmente satisfecho y agotado.
Ah, y como si esto no fuera suficiente, esta ademas el lado uno --la joya
refulgente en la corona de Yes.
Ahora, como ya hemos visto, este album en general muestra a Anderson
aportando letras mas enigmaticas que nunca. Esta claro que algunas de estas
letras no tienen ningun otro significado mas que el de los sonidos que
producen, mas notablemente en "Siberian Khatru." Tan solo vease el titulo de
la misma. Que demontres es khatru, si no un sonido que puedes hacer cuando
estornudas? Hubo alguna vez una historia ridicula rondando por ahi de que
era la palabra Yemeni para "as you wish," pero en realidad significa lo que
tu quieras que signifique. Eso es en cierto modo la unica razon de todo.
Anderson ha pintado un gran lienzo abstracto de sonido, y quiere que te
sientas libre de atribuirle tu propio significado a lo que escuchas. O
ignorarlas como palabras y tomarlas solo como otro sonido, como otro
instrumento en la banda. Ese es el genio de lo mejor de las letras de
Anderson -- que pueden tomarse a muchos niveles, o en ninguno en absoluto.
Aqui, deja que el escucha decida.
Sobre "Close to the Edge", la cancion, las letras estan envueltas en el
mismo misterio y ambigüedad -- un poco mas concreto que lo que escuchamos en
"Siberian Khatru," pero no por mucho. Anderson ha dicho que la cancion trata
de la auto-realizacion y fue inspirada por el libro Siddhartha, la novela de
Hermann Hess sobre la busqueda de la iluminacion por un joven cuyo viaje por
la vida corre paralelamente muy cerca a la de Buda. Pero con toda
honestidad, estas letras podrian tratarse de cualquier cosa. O nada. Y, una
vez mas, eso es lo que las hace tan fascinantes.
Asi que examinemos esta revolucionaria pieza de musica, usando las pistas
que Anderson nos ha dado para tratar de develar sus misterios y ofrecer por
lo menos una interpretacion de todo el asunto -- la vision lirica y musical.
Se nos toma por sorpresa justo desde el principio, cuando los primeros
sonidos que escuchamos no son aquellos de los instrumentos musicales en
absoluto, sino mas bien la musica de la naturaleza -- un rio borboteando, y
aves que gorjean cerca y a lo lejos. Hasta aqui, podemos hacer desde luego
una conexion con Siddhartha, con el rio y con todas sus imagenes asociadas
que son centrales para la historia -- es donde tiene lugar para Siddhartha
su propia auto-realizacion, despues de todo.
Pero gradualmente somos transportados a alguna otra parte: El centelleante
ruido blanco de un sintetizador suavemente se mezcla con el murmullo del
rio, y luego sobrepasa los sonidos de la naturaleza y los oculta bajo un
apuntalamiento electronico tenso y sostenido. Algo esta por suceder. Y
entonces --whuush!-- somos lanzados dentro de un escenario de caos musical
casi amorfo, donde Howe lleva la batuta (interpretando) un solo atonal
atipico, sin melodia. Por debajo de el estan Bruford, nerviosamente
agitandose en sus platillos y dandole a su tambor un ocasional, pero
enfatico golpe seco, y Squire, quien forja su camino desde las profundidades
sobre una larga progresion cromatica, dramaticamente nota por nota. Cuando
llega a la nota final, Bruford pisa todo el acelerador y Wakeman se une al
energico combate, sus dedos vuelan de nota en nota a traves de su
sintetizador, en una rapida forma ritmica, mientras la frenetica
demostracion de Howe continua.
A los dos minutos, tenemos un breve respiro cuando la musica se detiene y
Anderson entra con un corto pero energico "aaaah!" a capela. Y luego,
rompimiento -- de vuelta a lo maniaco. Anderson regresa unos segundos, pero
de nuevo solo fugazmente, y el asalto continua. De alguna manera en esta
melee Squire va de regreso al comienzo de su excursion cromatica inicial, y
cuando de nuevo alcanza la cima, Bruford detiene los acontecimientos con un
arrebato de golpes en su tambor -- el equivalente musical a un auto
frenando. Ahora entra una figura al unisono, y las vocales sin palabras de
Anderson nos llevan al otro lado del puente hacia algo nuevo. Muy nuevo, y
muy inesperado, de la locura surge un pasaje de belleza sublime, con una
linea melodica majestuosa de Howe flotando sin esfuerzo sobre un fondo
despacioso y mucho mas ligero proveniente de la seccion ritmica y de los
acordes del organo Hammond de Wakeman. Cuando este pasaje llega a su breve
final, un largo acorde del Hammond nos conduce desde esta extensa
introduccion a la propia cancion en si.
Ahora, relacionando el tema de Siddhartha con la introduccion, podriamos
tomar la frenetica entrada como una interpretacion musical de la confusion,
penas y rigores de la vida misma, mientras vagamos en el miedo y la
incertidumbre, buscando el significado de la vida y preguntandonos que hay
en el "otro lado", por asi decirlo. La filosofia Budista contempla que la
vida se caracteriza por la insatisfaccion y el sufrimiento, y muchos (si no
la mayoria) de los Budistas creen que la vida esta condenada a repetirse en
un ciclo sin fin de nacimientos y muertes (aqui representada, quiza, por las
excursiones cromaticas de Squire -- del nacimiento a la muerte, y despues a
empezar todo de nuevo) hasta que podamos alcanzar un plano de
auto-realizacion iluminada que pondra fin al ciclo y que nos conducira al
Nirvana. Y tal vez la gloria de la iluminacion es el hermoso pasaje que
concluye la introduccion de la cancion.
Eso, o los musicos simplemente escribieron una apoteosica introduccion
repleta de gran cantidad de excelentes giros animicos y cambios de ritmo.
Como quieras tomarlo, ya estamos en el meollo de la cancion, llevados por
Howe desmenuzando, ni mas ni menos que, una citara electrica! Si, ha
agregado otra arma a su increible artilleria de instrumentos de cuerdas.
--la guitarra 'steel' hizo su debut en "And You And I"-- y su creatividad en
esta no es menos impresionante que la que le hemos escuchado en las
guitarras mas tradicionales que toco en los dos primeros albumes con Yes. Al
fondo estan Squire, tocando una nota a una octava de distancia en un patron
de seis --bajo, bajo, alto, bajo, alto, alto --junto con Bruford sincopado y
excentrico como el acostumbra, y Wakeman agregando sutiles notas de
acentuacion en el organo.
Y finalmente, a los cuatro minutos, llegan las letras, en parte cantadas
como rap, en parte canto mistico, en parte siga-la-bolita-saltarina(2). Haz
con ellas lo que quieras: "A seasoned witch could call you from the depths
of your disgrace/And rearrange your liver to the solid mental grace/And
achieve it all with music that came quickly from afar/Then taste the fruits
of man recorded losing all against the hour."
Eh? No te preocupes; yo tambien solo puedo suponer un significado. Mi
suposicion, basada en los antecedentes de la cancion y el contexto mas
importante, ademas de los recelos propios de Anderson sobre la religion
organizada y su fe en la universalidad de la verdadera espiritualidad, es
que Anderson esta tratando de decirnos que existen otros caminos a la
auto-conciencia y la redencion ademas de la que estamos condicionados a
pensar en el mundo occidental -- es decir, la iglesia catolica. ?Que mejor
manera de senyalar eso que emplear una imagen de brujas, que historicamente
han sentido el peso de tanta intolerancia "cristiana" y odio a traves de
los siglos? Viendo las palabras de Anderson de esta manera, se puede
interpretar que son usadas casi por su valor de impacto emocional, por lo
menos en el sentido Zen de activar un instante de iluminacion dentro de
nosotros. De la misma manera en que George Gurdjieff presenta al diablo como
un personaje compasivo para introducir inolvidablemente su punto (de vista)
a traves de Beelzebub's Tales to His Grandson, Anderson presenta a un
enemigo, visto asi desde hace mucho tiempo y que es una amenaza para el
Cristianismo --la bruja-- como un potencial redentor, y asi sacudir a sus
monoteistas escuchas occidentales para que vean que pueden existir de hecho
otras avenidas hacia las verdades que solo la suya propia (a lo cual tantos
se rehusan considerar) y que el sendero que con frecuencia siguen --el del
juicio y la condena en lugar de el del amor y la compasion-- posiblemente
nunca pueda conducir a la armonia espiritual interior, mucho menos a una
armoniosa actitud hacia los otros. Anderson entonces se ofrece a mostrarles
otro camino, o al menos promete mostrar que existe mas que solo un estrecho
camino.
En el siguiente movimiento de la cancion, nos enfrentamos con unas lineas
que hacen una alusion todavia mas directa al Cristianismo: "My eyes
convinced eclipsed with the younger moon attained with love/It changed as
almost strained amidst clear manna from above/I crucified my hate and held
the word within my hand/There's you, the time, the logic, or the reasons we
don't understand." El "it" en el segundo verso es al parecer la luna --una
imagen Wiccana(3) comun-- la cual es vista en relacion al mana del cielo, lo
que a su vez es una referencia evidente al Antiguo Testamento. Y luego no
hay duda de que Jesus entra a cuadro cuando se nos confronta con la imagen
de la crucifixion, la cual vuelve mas tarde a la cancion. Anderson incluso
sostiene "la palabra" dentro de su mano. En este contexto, pareceria que se
esta refiriendo a la Biblia, y si este es en realidad el caso, lo que
tenemos es la imagen de Anderson sosteniendo la Biblia amorosamente, sin
"golpear" a nadie con ella, y utilizandola para "crucificar" su odio en
lugar de justificarlo o exacerbarlo. De esta manera nos recuerda a todos,
incluyendo a los cristianos, que el Cristianismo, 'si se utiliza
correctamente' puede ser tan satisfactorio y redimir como cualquier otra
senda espiritual, pero que tambien debemos ver mas alla de los limites de la
etiqueta "Cristianismo" (y "Judaismo", y "Budismo", y asi sucesivamente)
hacia una verdad universal superior que las religiones nos pueden ayudar a
alcanzar, mientras la religion no se convierta en un fin en si misma. Asi
que, en lugar de juzgar al Cristianismo de ser inherentemente malo, como
podriamos haber pensado que estaba haciendo al principio, Anderson puede ser
que nos este recordando simplemente que si llevamos una verdadera vida
semejante a la de Cristo, de amor, perdon, bondad y compasion, entonces no
solo somos verdaderos cristianos (de la clase que Dios reconoceria) sino que
tambien estamos en camino a convertirnos en iluminados con la paz interior
de una forma que trascienda las limitantes etiquetas religiosas. De nuevo,
yuxtaponiendo las imagenes cristianas y (presumiblemente) imagenes
wiccanas, sugiere que existe mas de un camino a la iluminacion, que ninguno
es superior a otro, y que incluso pueden ser utilizados en tandem, puesto
que todos tienen el mismo destino de cualquier manera, si es practicado
amorosamente y por consiguiente no denigrado. Estos puntos hacen eco de los
temas de Siddhartha, en que el protagonista incluso tiene que alejarse del
Buda mismo, al darse cuenta de que debe seguir su propia musa individual
hacia la iluminacion en lugar de encerrarse el mismo en las limitaciones de
un unico camino.
Ahora, la ultima linea de este pasaje parece llevarnos de regreso a la
eterna busqueda de la humanidad --hay una lucha interior entre "you" (asumo
que este es Jesus o "Dios", o quiza es hasta una referencia directa a
nosotros, los escuchas), el "tiempo" (tiempo, tal vez, sea una de tantas de
las ilusiones del hombre), la "logica" (la cual trata de llevarnos hacia lo
racional y lejos de lo espiritual) y "las razones que no entendemos" (que es
para lo que la religion en cierto modo esta, en primer lugar -- tratar de
explicar lo inexplicable).
Mientras tanto, entrelazado en medio de todo esto esta la sensacion de que
nuestro narrador piensa de hecho que ha encontardo la verdad. Volviendo a la
parte uno escuchamos: "Getting over all the time I had to worry/Leaving all
the changes far from far behind/We relieve the tension only to find out the
master's name." Pero dada la posicion de las revelaciones en la cancion,
parece evidente que en un momento esta seguro de si mismo, y al siguiente
vuelve a sumergirse en la desconfianza, igual que Siddhartha lo estuvo en su
busqueda espiritual. Al punto que parecemos fluir dentro de versos que en
seguida se contradicen: Primero: "All in all the journey takes you all the
way/As apart from any reality that you've ever seen and known." Aqui da la
impresion de que la jornada ha concluido y que estamos en un lugar lejos de
esta realidad, la ilusoria (al menos en la filosofia budista) realidad de la
vida. Pero entonces, justo tras de esto, escuchamos: "Guessing problems only
to deceive the mention/Passing paths that climb halfway into the void/As we
cross from side to side we hear the total mass retain." Algo nos ha devuelto
al otro lado, a la "realidad" de este mundo, y nuestras viejas dudas vuelven
a encenderse otra vez.
Bueno, todo parece haberse resuelto en la obsesionante parte media de esta
cancion, subtitulada "I Get Up, I Get Down." Una tranquila linea de
bajo/guitarra al unisono, en contrapunto con el organo de Wakeman, lleva la
musica de los primeros 8 1/2 minutos a hacer un alto, mientras entramos a un
mundo mistico de fluyentes y menguantes mareas y el sonido aleatorio de las
gotas de agua --un momento de rubrica Yes de ambiente maravilloso. Howe
añade unos cuantos adornos, pero este principalmente es un escaparate de
Wakeman, su fina aspersion de Moogs y Mellotrones cayendo en cascada sobre
nosotros con una sensacion de calma y tranquilidad interior. Luego, a la
distancia llega una lenta linea de teclado de 1/4 de nota, estableciendo un
lento compas sobre el cual Howe y Squire cantan al unisono. Anderson se les
une brevemente, dando inicio a una maravillosa serie de contra-melodias que
encuentran al solista entrando y saliendo del primer plano con el duo.
"In her white lace/You could clearly see the lady sadly looking/Saying that
she'd take the blame/For the crucifixion of her own domain," Howe y Squire
cantan dando inicio a esta parte. Anderson despues agrega que "two hundred
women watch one woman cry too late." Algo se ha roto, algo ha fallado,
dejando atras tal vez una sensacion de culpa y un sentimiento de que lo que
ha resultado mal nunca podra ser enmendado. Anderson continua: "The eyes of
honesty can achieve/How many millions do we deceive each day?" Bueno, ahora
tenemos a 'millones' cada dia siendo llevados lejos de la verdad, ademas de
hacerlos sentirse culpables y sin esperanza. Sientete libre de sacar tus
propias conclusiones sobre la iglesia cristiana y su habitual insistencia en
la culpa y el miedo en lugar del amor y la compasion. Anderson parece estar
sugiriendo que, en su afan por mantener los bancos (del templo) llenos, la
iglesia prefiriera hacerlo asi, por medio de la intimidacion degradante (i.
e., la amenaza de la condenacion eterna), de este modo dañando las psiques
de los creyentes, sin ayudar nunca a resolver sus mas grandes dudas,
permitiendo que esa duda cause escozor y ulceracion, embrollando el camino
hacia la verdadera liberacion espiritual.
Y ahora Anderson accede a esta experiencia en primera persona: "In charge of
who is there in charge of me/Do I look on blindly and say I see the way?/The
truth is written all along the page/How old will I be before I come of age
for you?" Alguien esta tratando de hacernos aceptar su version de la verdad
sobre una fe ciega incondicional, cuando la verdad esta ahi tiene que
estarlo desde el principio, mas alla de los confines del dogma. Pero la
determinacion de esta persona es hacernos ver la verdad a 'su' y solo a su
manera, mientras nuestra frustracion va en aumento en nuestra propia
busqueda de respuestas, preguntandonos cuando nos sera revelada la "verdad"
que se nos prometio. "I get up, I get down", Anderson repite con creciente
intensidad, resumiendo la naturaleza oscilante de la busqueda que nuestro
narrador ha estado experimentando a estas alturas --cree que tiene las
respuestas, y entonces se desalienta o se descarria, y se pierde y tiene que
comenzar a buscar todo otra vez.
Pero ahora, hay una epifania que este por suceder.
Musicalmente, este es un hito victorioso. Cuando escuche por primera vez el
'organo de pipas' de Wakeman sonando al final de la reveladora proclamacion
de Anderson, no podia creerlo --que un punyado de musicos pudieran iniciar
esta cancion con una agresividad frenetica y caotica, para luego sin mas
envolverla y desenvolverla entre diferentes ambientes, compases, ritmos,
melodias, y contramelodias, desglosado todo en una bella atmosfera, y luego
alcanzar el climax con esto. Esta es la cuspide sin parangon de la musica de
Yes, el encapsulamiento de todo lo que han acumulado --belleza mezclada con
poder, un instrumento de musica clasica colocado justo en medio de una
cancion de rock. Formidable!. Al escuchar esto, supe que Yes seria mi banda
favorita hasta el dia en que yo muera.
Y sin mas, el estruendoso organo se detiene, y retoma las finas notas de 1/4
que se escuchan al principo, con Anderson cantando de nuevo su revelacion,
esta vez en un tono mas seguro. El organo de iglesia regresa para reinar una
vez mas, pero esta exposicion de majestuosidad esta vez concluye con un
acorde disonante. Lo que sucede despues no es dificil de descifrar, con o
sin la ayuda de las letras de la interpretacion de las cosas de Anderson. Y
en todo caso, todas coinciden. El poderoso instrumento es aplastado, por una
masa siempre creciente de lineas de Moog asi de poderosas que se van
acumulando una sobre otra, eventualmente sepultando los sonidos del organo.
Lo que se sepulta junto con ellos es... a 'la iglesia'. Y los Moogs de
Wakeman senyalan el comienzo de una nueva iglesia --una "iglesia del
corazon", tal vez, como los Flower Kings cantarian varios anyos mas tarde.
Esta es una iglesia, finalmente comprendemos, que puede encontrarse 'dentro'
de uno mismo, sin el clero, o incluso sin hechiceras o budas al respecto,
que tratan de ensenyarnos el camino pero que a final de cuentas nos
confunden y desvian de nuestro sendero.
Ahora que, Anderson esta lejos de ser anti-"Dios" aqui. De hecho, esta
adoptando el concepto de Dios plenamente --no el Dios judeo-cristiano
antropomorfico que juzga, sino el amorfo, universal, la fuente de amor
incluyente que yace en el corazon de la busqueda espiritual. Lo que esta
rechazando es la 'religion', y la gente dentro de esas religiones que el ve
que nos divide y nos impide encontrar la Verdad. Wakeman celebra esta
revelacion con un apasionado solo de organo Hammond, apoyado por la banda
--este es el sonido de la nueva iglesia: la senda que nos conduce
directamente a Dios. Anderson exploraria aun mas este concepto en el
siguiente album de la banda, el bien-intencionado pero decepcionante 'Tales
from Topographic Oceans'.
Pero por ahora, el ata cabos sueltos en la parte 4, "Seasons of Man," donde
somos "called to witness cycles only of the past." El ciclo de nacer y morir
--del sufrimiento-- ha sido roto. Y algunas lineas del principio de la
cancion, cuando 'queriamos' creer en su sentimiento pero todavia eran
confusas y vacilantes, vuelven para hacer una sinopsis: "Now that it's all
over and done/Called to the seed, right to the sun/Now that you find, now
that you're whole/Seasons will pass you by/I get up, I get down." Las
estaciones y los ciclos de esta vida continuaran para otros, pero nosotros
hemos aprendido como superarlos, ahora que estamos completos --ahora que
vemos el Camino. La auto-realizacion de Siddhartha, y la de Buda y Jesus y
Mahoma, se han hecho realidad en nosotros, y para que no quede duda, la
cancion termina de la manera en que comenzo --con un regreso a la ribera y a
las aves trinando, donde Siddhartha fue iluminado. De hecho, esta es la
cinta del comienzo tocada al reves, de manera que empezamos con la
intensidad del inicio y lentamente se va disolviendo en la tranquilidad de
la naturaleza, y luego en la nada, el gran vacio, el Nirvana.
O al menos asi es como yo veo la cancion.
En realidad, Anderson probablemente fue el unico integrante de la banda en
entender verdaderamente la composicion lirica de esta cancion, mientras que
todos los demas probablemente se avocaron a la musica --lo cual esta bien,
considerando cuan revolucionario fue el producto final a un nivel musical
solamente. En terminos de estructura y vision lirica, Yes rompio barreras y
piso profundamente en un territorio donde las bandas de rock nunca se
suponia que irian. Y los fans lo adoraron, por añadidura. Incluso algunos
de los criticos parecieron receptivos a el al principio, a pesar de que la
mayoria de ellos probablemente no lo entendieron del todo. Lo creas o no,
hasta Rolling Stone, quien ahora se burla odiando todo lo que sea
remotamente como Yes, le regalo una pagina completa y una critica positiva a
Close to the Edge. Vaya, como han cambiado los tiempos. Pero en 1972, este
album encajo perfectamente en la escena musical de la epoca.
Pero este album hizo mas que solo encajar en la escena; ayudo a definirla en
ese instante del tiempo. Yes nunca disfrutaria de nuevo este nivel de
popularidad o de influencia. Pero eran "progresivos"? Por la definicion de
la palabra en aquella epoca, supongo que si. Pues las bandas anteriores a
1972 estuvieron haciendo un intento conciente por lograr ser progresivos, y
aquellas posteriores a 1972 estuvieron esforzandose por tratar de reproducir
la inimitable formula Yes; la musica de Yes llego hasta este punto a traves
de una evolucion natural que comenzo desde el primerisimo album. Hasta la
musica, incluida Close to the Edge --segun los mismos integrantes-- era
puramente organica, no pensada para hacer que las canciones salieran largas
o que sonaran de cierta manera. Cuando "Close to the Edge", la cancion,
estaba siendo grabada, Bruford, por ejemplo, ha declarado que nadie sabia
como embonarian las partes juntas, como acabarian, o cuanto durarian. Todo
lo que hicieron ellos fue solo seguir proponiendo ideas, y despues
dependeria de Eddie Offord editar las cintas grabadas y empalmarlas juntas
hasta que tomara forma de cancion.
De hecho, lo que los fans escuchan en estos primeros cinco albumes fue solo
la manera en que surgio la musica despues de que las ideas de cada uno
fueron introducidas y pasadas por el "rayador de queso" llamado Yes, como
Howe alguna vez lo expresara apropiadamente. Los integrantes de la banda a
menudo han hablado de este periodo como un momento en el cual Yes era una
democracia musical --las ideas de todos se adoptaban y de alguna manera
surtian efecto en el producto terminado, de modo que virtualmente todos
tenian igual voz, lo cual ayuda a explicar la duracion de las canciones y la
variedad en las estructuras de las mismas. No se trataba de la tipica banda
de rock con el cantante y el guitarrista al frente, el bajista y el
baterista al fondo, y los teclados para dar color, todos tocando tres
minutos y se acabo. Desde luego, Yes 'nunca' fue una banda tipica en
aquellos dias; ellos no solo ignoraron las reglas sino que las rompieron con
confianza y alegria.
Sin embargo, hasta en este momento de exito, hubo un problema: Despues de
este album, no quedaba ningun lugar adonde ir para Yes. Habian logrado lo
que se habian propuesto hacer, y era inevitable que despues de su momento de
coronacion, todo lo que podian hacer era volver con variaciones sobre el
mismo tema --o ramificarse o extenderse en una direccion totalmente nueva.
Bruford en particular sintio que no habia nada mas que pudiera aprender de
este grupo de musicos y que no habia mas ideas originales con las que el
pudiera contribuir en este contexto. Asi que, en la plenitud de la
popularidad global de Yes, cuando finalmente se hubieron convertido en
superestrellas, Bruford cimbro a todos y se fue.
Su reemplazo fue Alan White, quien tenia un golpeo de rock 'n' roll mas
formal que Bruford pero aun asi poseia las habilidades adecuadas --ademas de
algunas notables credenciales: Habia tocado con dos de los Beatles --George
Harrison, en All Things Must Pass; y John Lennon, para ambos como musico de
gira y en el legendario album Imagine. (Ese es el White que escuchas en
"Imagine" y en "Instant Karma," la misma cancion que Yes tomo como
referencia en "Your Move.") Y demostro ser rapido en el estudio tambien
--tuvo tres dias para aprenderse todo el repertorio de Yes antes de
embarcarse en una gira de soporte para Close to the Edge! Tras algunos
tropiezos al principio, White le encontro el modo, y se quedo desde
entonces, convirtiendose en el integrante con la segunda permanencia
ininterrumpida mas prolongada en la banda, justo atras de Squire.
Es un pequenyo milagro que Tales from Topographic Oceans no lo haya hecho
correr asustado.
Version original en ingles publicada en:
www.geocities.com/SunsetStrip/Concert/8459/yeshome.html
Notas:
(1) finger cymbals.- Tambien llamados zils. Estan hechos de laton. Es un par
de cimbalos o platillos que se tocan dando golpecitos a los dos platillos
juntos entre el pulgar y el dedo. Este instrumento forma parte de la linea
de instrumentos de 'sonido primario' o de 'tonos primarios' (FirstNote).
Los instrumentos de 'sonido primario' son instrumentos REALES, diseñados
para introducir a los niños a la musica. Estos platillos miden
aproximadamente 5 cm de diametro.
(www.musicgiftspot.com/4900002.htm)
(2) follow-the-bouncing-ball.- La bolita que marca el ritmo y que se
desplaza saltando sobre las letras del texto de la cancion en algunos videos
musicales, y sobre todo en el karaoke (supongo).
(3).- Wicca - Religion neo-pagana, fundada a mediados del s. XX en Gran
Bretanya. Wicca es una via espiritual que reconoce el elemento femenino y
masculino de lo divino. Considera que la naturaleza es sagrada y que debe
ser protegida. Se le conoce tambien como la "religion de la diosa".
(Traduccion del ingles: Jorge Padilla L)
Mexico/Abril 2003.
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