LA CAJA DE MUSICA LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO ============================================================================ LCDM: #987 abril 2012 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM ---------------------------------------------------------------------------- * el disco de RANJHUS * MOVUS - "Maxa Firekeeper" (2010) * CATHEXIS - "Cathexis" (1982) * PULSONICA - "Tribaloide" (2011) * Música Para Cuando Aparece Un Monstruo" (2011) * LOS INI - "Matespacial" (2007) * el próximo disco de VDGG.. !!totalmente instrumental!! * CuÃ!ndo nos cambiaron la frecuencia de 432Hz a 440Hz y por qué? * nuevo proyecto con Chino Moreno (DEFTONES) y tres ex-ISIS * LIZARD sacará pronto su nuevo álbum de estudio ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: el disco de RANJHUS RANJHUS: "Ranjhus" (2010) Temas 1. Candombe Viejo (5:55) 2. Obra En Construcción (2:40) 3. Incierto (4:14) 4. Ranjhus (2:38) 5. Seis Nueve (4:50) 6. Reggae (4:57) 7. Canelones (5:08) 8. Sr. Hyde (4:02) 9. Dinámica Cuántica (3:25) 10. Rumbo (2:45) 11. Citromundo (3:49) 12. Cara De Bossa (4:01) Integrantes - Juan Juárez: guitarras - Aldo Valenzuela: bajo - Faustino Gallardo: batería Colaborador - Titi Rivarola (bombo legŸero en 9) Procedente de la localidad argentina de Córdoba, Ranjhus es un power-trío dedicado a forjar un sonido jazz-rockero progresivo de claras afinidades fusionescas y cadencias étnicas, empapado a su vez con ornamentos y arreglos de inspiración progresiva. El grupo sabe sacarle el jugo a su conciso formato de guitarra-bajo-batería a la hora de concretizar sus bien armadas composiciones. Semejanzas con sus coterráneos de Tórax hay en cuanto al uso filudo de las potencialidades más extrovertidas del lenguaje jazz-rockero-fusionesco, pero Ranjhus exhibe una sonoridad más áspera en comparación con la actitud más explícitamente estilizada de Tórax; más bien, en cuanto a este detalle en particular, hallamos coincidencias más patentes con las líneas de trabajo desarrolladas por los mexicanos de Delta Red y los chilenos de Fumigun. El disco homónimo publicado en 2010 fue grabado entre noviembre de 2009 y marzo del susodicho año bajo la guía productora de Titi Rivarola (el líder de Tórax, precisamente): "Ranjhus" fue presentado oficialmente en mayo de 2010 en el Paseo del Buen Pastor, a sala llena, un evento que también quedó registrado en un DVD. Pero no es éste el único documento audiovisual que el trío tiene en su haber, sino que también hay otro DVD filmado en el Teatro San Martín en 2007, auspiciado por el Gobierno de Córdoba, la Secretaría de Cultura y el Teatro San Martín. De por sí, el grupo tiene varios años de actividad, participando en un proyecto musical llamado "Flores De Lirio" bajo la dirección de la cantante y flautista Mariana Lesta, tocando en varios centro culturales de Córdoba e incorporando varias veces otros medios de expresión artística en sus espectáculos. Este disco debut supone, a la luz de estos datos, una especie de culminación de un rico y esforzado periodo de crecimiento y maduración de la voz personal de Ranjhus dentro del gran contexto de la vanguardia jazz-rockera de su país. Vayamos a continuación al repertorio mismo del disco. "Candombe Viejo" da inicio al disco con un ritmo latino fiel al título de la pieza, manejado con una actitud que implementa ocasionales incursiones de rock duro con un enfoque apropiadamente domesticado para la ocasión. En la segunda mitad, el grupo explora sonoridades de tenor psicodélico, logrando así mantener la vitalidad esencial de la pieza con una frescura bien sostenida. La dupla de "Obra En Construcción" e "Incierto" completa cabalmente la estupenda primera impresión del disco: el primero de estos temas ahonda grácilmente en la faceta extrovertida del grupo, desarrollando un sólido ejercicio de jazz-rock con un breve solo de batería incluido, mientras que el segundo se enraíza en ambientes más contenidos, en los cuales el factor jazzero se hibridiza con recursos sónicos experimentales emparentados con el diverso estándar del space-rock. Cuando llega la pieza que se titula al igual que la banda y el disco, el grupo se explaya en expresiones de celebratorio optimismo, y para ello refuerza su aspecto rockero con una energética vibración no ajena a la sofisticación propia de los lenguajes del jazz moderno y el rock progresivo: es una pena que solo dure poco más de 2 minutos y medio, pues su gancho resulta tremendamente llamativo. "Seis Nueve" se mueve en un terreno muy diferente, uno de introversión y serenidad: esta circunstancia obliga a la banda a explorar los rincones más grisáceos de su espectro sonoro, y en eso ayuda mucho la estrategia sutil que implementa la dupla rítmica a la hora de fundamentar y llenar el esquema sobre el que se entretejen los crepusculares desarrollos armónicos de la guitarra. Tras este momento de recogimiento espiritual emerge "Reggae", que es=85 bueno, un reggae: más exactamente, es una traducción en lenguaje jazz-rockero del estándar del dub-reggae, algo que le sale muy bien a los músicos de Ranjhus debido a su buen oficio para crear magia psicodélica, algo muy conveniente para esta ocasión concreta. "Canelones" se resguarda en la vitalidad de su esquema Latin-jazz para girar hacia ambientes más coloridas, aunque los delineamientos y retazos predominantes de la guitarra siguen generando una luminosidad controlada. Solamente en el minuto final es que la guitarra se suelta más abiertamente para hilar la expresividad de su electricidad latente. "Sr. Hyde" es en muchos aspectos un heredero de "Incierto", pero con un filo más agudo en los momentos de despliegue psicodélico, mientras que "Dinámica Cuántica" se enraíza en una encrucijada entre "Obra En Construcción" y "Canelones", incluyendo un momento cálido donde ingresa el bombo legŸero de Titi Rivarola como ítem adicional. A estas alturas del partido, el oyente ya está bastante consciente de la personalidad del trío, por lo que el aporte de esta serie de cuatro temas consiste principalmente en reforzar la consistencia interna del repertorio. "Citromundo" es un tema donde Ranjhus se resuelve a reavivar sus fuego más alegre, su hoguera musical más juguetona: con su fluida combinación de rock, funky y fusión, la pieza despliega un brillo impactante. Finalmente, "Cara De Bossa" cierra el álbum en estricta lealtad con su título, utilizando un compás de bossa nova como base nuclear del dinamismo crucial desarrollado por el dúo rítmico. Y lo hace recibiendo el impacto de la muy vigorosa pieza precedente, lo cual repercute en la dosis de frenesí con la cual la banda se dispone a explorar los matices y cadencias de este ritmo particular. Así termina un disco que exuda expresividad y colorido a raudales a través de un esquema sonoro que nunca llega a hacer completa ostentación de su propio vitalismo: lo desarrolla con tacto, inteligencia y lucidez, intuyendo por dónde se dan los espacios sucesivos de expansión y constricción. Tal vez esto último sea lo que mejor defina la propuesta que nos ofrece Ranjhus - y realmente es una banda que recomendamos abiertamente descubrir de parte de los melómanos fanáticos del jazz-rock y otras formas de música contemporánea. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: MOVUS - "Maxa Firekeeper" (2010) MOVUS: "Maxa Firekeeper" (2010) Temas 1. Al Filo Del Origen (3:21) 2. Asgard (4:14) 3. Daath (4:14) 4. Locked-Up Full Of Freedom (4:26) 5. Midgard III (3:32) 6. Twisted, Coiled (6:03) 7. Espiral De Vida (3:04) 8. Cabos E Fractais (5:26) 9. Van (Tatei Neixa) (3:20) 10. Leviatán (6:09) Integrantes - Juan Juárez: voz, piano, guitarras, percusiones, sintetizador - Pablo Crespo: guitarras, piano, arreglos - José Luis Domínguez: bajo, sintetizador - Russel Ruvalcaba: batería, percusiones - Esteban Testolini: guitarras, voz, percusiones, sintetizador Colaboradores - Magik Magik (cuerdas en 5, 7, 8 y 10), James Lehner (pandero en 6), Jimmy LaValle (bajo, guitarra, percusiones, sintetizador), Diego Martínez (samplers), Orco (samplers) Formado en 2004 en la localidad mexicana de Guadalajara bajo la iniciativa de los tres guitarrista Raúl Andréu, Esteban Testolini y Pablo Crespo más la dupla rítmica de José Luis Domínguez y Russel Ruvalcaba, Movus se concibe como un proyecto musical influenciado por los paradigmas del post-rock y otras diversas modalidades de rock experimental contemporáneo focalizado en atmósferas evocativas y emotividades contemplativas. Tras varios años de sostener una interesante experiencia en el negocio musical, que los llevó a compartir escenario con grupos como Explosions In The Sky y Mum (entre otros) y a grabar un homónimo disco debut en 2007, Movus concretizó en 2010 su segunda obra fonográfica "Maxa Firekeeper", a la que el grupo define en su blog de Myspace como "su disco más entrañable y sólido hasta la fecha". Justamente es éste el disco que pasamos seguidamente a reseñar. "Al Filo Del Origen" da inicio al disco con una ceremoniosidad limpia y refinadamente sutil en el manejo de los aspectos más complejos del esquema rítmico en curso, mientras que el espíritu de auto-constricción permanente pulcramente intacto. No importa si se siente que este tema de apertura concluye demasiado pronto, pues acto seguido, la dupla de "Asgard" y "Daath" se encarga de explotar la dinámica introspectiva iniciada por aquél para llevarla hacia dimensiones más majestuosas: la envolvente magia etérea de "Asgard" y la vibración intimista de "Daath" irradian un magnetismo sonoro que atrapan al alma en una espiral de descenso hacia sus más calladas inquietudes y dudas. "Midgard III" hace lo propio mientras añade arreglos de cuerda al esquema sonoro grupal, el cual sigue enraizado en el pathos propio de la espiritualidad lánguida. Antes de este tema, "Locked-Up Full Of Freedom" permite a la banda explotar de forma muy moderada algunos refrescantes recursos de muscularidad rockera dentro de su esencialmente introspectiva propuesta estética, la cual sigue desarrollándose en este tema con estricta fidelidad a sus propios cánones. De este modo, sienta un impulso precedente para el sexto tema, "Twisted, Coiled", el cual está signado por una confluencia entre la languidez otoñal abundantemente predominante en los esquema sonora de la banda y ese extra de muscularidad iniciado sucintamente por "Locked-Up Full Of Freedom". Con el predominio de las guitarras acústicas y el rol significativo del ensamble de cuerdas en "Espiral De Vida", la banda vira hacia los aspectos más explícitamente líricos de su esencia sonora, logrando así concretizar un hermoso preludio al despliegue de vibraciones flotantes en "Cabos E Fractais", pieza que recibe en buena medida el legado de "Twisted, Coiled" aunque con una luminosidad menos tentadora. Los últimos nueve minutos y medio del álbum están sucesivamente ocupados por "Van (Tatei Neixa)" y "Leviatán". El primero de estos temas se engarza con "Cabos E Fractais" para renovar crucialmente la línea de trabajo de la banda a partir de una extroversión llamativa, que no exagerada. El prólogo de esta pieza está elaborado a partir de la armazón de percusiones tribales, los espartanos acordes de una guitarra y las etéreas texturas de la otra: de este modo, el grupo impulsa la manifestación de un colorido no muy habitual en él. Por su parte, "Leviatán" focaliza su esquema sonoro en la magnificación de la motivación reflexiva que sirve de guía creativa para la banda: así, el disco termina con un aura de expresividad determinante para crear el impacto de un último destello decisivo antes del apagón definitivo. La influencia de Mogwai es fácil de notar aquí, aunque queda claro que Movus se siente cómodo remodelando dicha influencia bajo una dinámica especialmente estilizada. Nuestro balance general de "Maxa Firekeeper" es positivo, especialmente en lo que se refiere a su manera de revelar las atmósferas más íntimas de la dimensión contemplativa del espíritu humano: Movus lo hace con solvencia e ingenio, razón de sobra para que quienes aún no los conocen les presten atención a partir de ahora. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: CATHEXIS - "Cathexis" (1982) CATHEXIS: "Cathexis" (1982) Temas 1. Spiderbite (4:23) 2. The Argument (9:58) 3. Obsidian Night (5:09) 4. Attitude Problem (4:12) 5. Stigmata (8:31) 6. Rusty's Song (4:06) Integrantes - Rusty Anderson: bajos con y sin trastes, bajo Wally Truchard Custom con martillos, grito alto - Roger Brown: batería, percusión, rueda, grito tenor - Chip Carter: guitarras eléctrica, acústica y de 12 cuerdas, canto, claves, grito soprano - Jim Kuster: pianos acústico y eléctrico, sintetizadores, efectos electrónicos, grito bajo Bastante escondido, o mejor dicho, bastante perdido dentro de los de por sí muy ignorados recovecos de las vanguardias progresiva y fusionesca que aún llograbana sobrevivir en la escena estadounidense de fines de los 70s, Cathexis, con su homónimo disco de 1982, resulta un ítem muy curioso y revelador para los más ávidos coleccionistas de rock progresivo y jazz-rock. Oscilando entre el swing de la tradición del jazz-fusion y la agilidad melódica del jazz-rock progresivo, Cathexis gestó en sesiones de grabación realizadas a lo largo de los meses de agosto y setiembre de 1981 una pequeña joyita musical alevosamente extemporánea, dueña de tanta ingenuidad como hidalguía. Vayamos al disco en cuestión para entrar en detalles. Durando poco menos de 4 BD minutos, "Spiderbite" abre el álbum con una ambientación colorida, provista de cromatismos optimistas y tonalidades cálidas. Se nota mucho el impacto del Weather Report post-"Heavy Weather", pero aún se impone la nostalgia plena por la tradición más vital del jazz-fusion estadounidense. Y esos fraseos de la guitarra en el momento más climáticos de la pieza=85 su vigor le añade una prestancia especial al motivo melódico central. Luego sigue "The Argument", tema que dura casi 10 minutos. El aura de ceremoniosidad se impone en su evidencia, especialmente cuando tras la larga introducción de piano se revela un primer motivo de talante suavemente melancólico. El ulterior desarrollo del esquema compositivo aligera las cosas hasta un nivel de genuina extroversión, pero la espiritualidad nuclear de la pieza sigue siendo firmemente ceremoniosa. El destaque del piano viene matizado con algunos efectos solos de sintetizador y guitarra acústica que emergen para realzar ciertos pasajes de los momentos más alegres. Esta vez, el referente más notorio es el Return To Forever clásico. La primera mitad del álbum se completa con "Obsidian Night", un tema cantado que da campo al grupo para proyectar su mirada artística a través del Oceáno Atlántico y aproximarse al estándar de Caravan-con-Camel: lo que suena es, en efecto, una semi-balada sinfónica pulcramente arropada de matices jazzeros. "Attitude Problem", a pesar de ostentar un título relativo a desajustes psicológicos y desadaptaciones sociales, resulta en realidad un muy grácil ejercicio de jazz-progresivo donde el candor del Camel de la etapa 77-78 se conjuga con el vigor sofisticado de una Pat Metheny Band, con algunos retazos de parentesco con Holding Pattern. Es una pena que esta pieza solo dure 4 minutos y segundos, pues nos parece que su gancho daba para un desarrollo temático más extenso sin llegar al punto de quemar la idea. "Stigmata" es el tema que sigue a continuación, el segundo que incluye canto. Aunque parece tener una estructura semi-baladística afín a la empleada en "Obsidian Night", en realidad "Stigmata" ostenta una personalidad más ambiciosa. Su más extenso desarrollo temático, su manejo tan pulcramente cuidadoso del meticulosamente compuesto cuerpo central, el uso majestuoso de variantes jazzeras en los vuelos instrumentales y la utilización de ciertos trucos académicos en las partes rockeras hacen que la pieza se sienta más cercana a una cruza entre Happy The Man y Gilgamesh que a la tradición estadounidense que fue tan significativa para los dos primeros temas. Los últimos cuatro minutos del álbum están ocupados por "Rusty"s Song", tema que sí reivindica la tradición fusionesca a placer, especialmente en lo que se refiere a la aplicación de un swing funky para capitalizar los imponentes aires de extroversión (con un grandioso solo de bajo que sale a colación para este fin). Quienes amen la estilización melódica esencial del rock prog-sinfónico y quienes gusten de las vertientes jazzeadas de la tradición progresiva sabrán valorar este granito de arena que Cathexis aportó al rock artístico de su país a inicios de los 80s. Si se da la ocasión de acceder a este material, !a no dudarlo cuando surja la tentación de adquirirlo! César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: PULSONICA - "Tribaloide" (2011) PULSÓNICA: "Tribaloide" (2011) Temas 1. Metrópolis 1926 (3:37) 2. Tribaloide (4:42) 3. Maratón (3:26) 4. Caminando Descalzo (3:53) 5. Pangea - Partes 1, 2 y 3 (9:43) 6. Supernova (3:31) 7. Lapsus (0:53) 8. Sabor A Mil (3:39) 9. Alien Pop (3:51) 10. Tibwa Eléctrica (1:50) Integrantes - Jorge González: set de batería, timbales y xilófono - Carolina Cohen: set de congas y accesorios percusivos - Marcelo Tubio: guitarras y programaciones Colaboradores - Patricio Resico (bajo en 1, 2, 4 y 8), Fabián Tejada (didgeridoo en 2 y steel drum en 4), Sergio Gutiérrez (piano en 8) Pulsónica es el nombre de un ensamble argentino asentado en Buenos Aires, fundado en 2006 por el veterano y creativo baterista/percusionista Jorge González: su currículum incluye membresías pasadas en el Ensamble de Percusión Orquesta Amarilla, así como en las bandas de soporte de Celeste Carballo y Moris. La ideología sónica de Pulsónica se basa en una enérgica confluencia de rock progresivo, psicodelia de línea heavy y fusión de predominancia afro-latina. La presencia de Carolina Cohen en el vital refuerzo del esquema rítmico de la banda ayuda crucialmente a la hora de realzar las complejas cadencias y pautas rítmicas que entran a tallar en las composiciones de la banda. Pero no vale subestimar el rol del único no percusionista del trío, el guitarrista Marcelo Tubio - su energía y versatilidad lo convierten en el pilar para llenar poderosa y convincentemente la arquitectura musical del grupo. El debut fonográfico de la banda tuvo lugar en 2008 con la edición de "Movimiento Perpetuo", y tres años más tarde, se publicó el segundo disco "Tribaloide". Este último es el que pasamos a reseñar a continuación. Los primeros 3 BD minutos del álbum están ocupados por "Metrópolis 1926", pieza que exhibe su extroversión a flor de piel a través de su ilación de rudos pasajes agresivos y otros más sofisticados de claro tenor fusionesco. Luego de este primer golpe de impacto sigue la pieza homónima, la cual gira hacia ambientaciones un poco más misteriosas, aunque la sólida presencia de la guitarra en los riffs y fraseos permite que la pieza exhiba su electrizante potencia inherente al empuje creado por el inteligentemente recargado ensamble rítmico. Con la dupla de "Maratón" y "Caminando Descalzo", el trío afianza sólidamente su posicionamiento musical ante nuestros oídos atentos: el primero de estos temas pone énfasis en la dimensión filudamente rockera de la banda (rozando en varios momentos el estándar del jazz-rock pesado moderno), mientras que el segundo se desliza suavemente sobre cálidas arenas de fusión latina, permitiendo que la percusión sobresalga en un rol protagónico en el realce del swing, pero sin hacer su presencia abrumadora. El quinto tema es el más ambicioso del repertorio: se titula "Pangea" y dura 9 BE minutos en una ilación de tres partes. Los primeros tres minutos se focalizan en atmósferas minimalistas que se extienden cuales sábanas sonoras oníricas, creando así un trasfondo ideal para el vibrante solo de guitarra que se impone mágicamente; luego, tras una elegante serie de arpegios de guitarra, se arma un motivo sutil donde la marcada cadencia rítmica de la supla González-Cohen manifiesta la dinámica electrizante del cosmos. Para los últimos dos minutos y pico, el ensamble desarrolla un ejercicio de implosión sónica tan contundente como mágica, exultante de vibraciones climáticas. Una vez que el grupo ha explorado las potencialidades más épicas de su propuesta musical en "Pangea", "Supernova" retoma su faceta más aguerrida a partir de una retoma de la bizarra electricidad de "Maratón"; a modo de epílogo, "Lapsus" brinda una breve exhibición de llamaradas percusivas donde cada golpe suena a una evocación a las energías más vitales de la Madre Tierra. "Sabor A Mil" recurre a ritmos tropicales para elaborar su armazón en base a una arquitectónica sonora tan vibrante como elegante, al modo de un ítem de orfebrería vivazmente coloreado: ya a estas alturas del partido estamos más que familiarizados con la esencia de Pulsónica, centrada en darle una fuerza apabullante en beneficio de la remodelación de varias posibilidades ofrecidas por la tradición fusionesca. "Alien Pop" se enfila por los senderos del space-rock en clave progresiva: la banda ostenta una agilidad muy juguetona a fin de que el innegable gancho del cual goza la pieza en cuestión despliegue abiertamente su propio magnetismo sin perderse en enredos innecesarios. La frescura de esta pieza encuentra su adecuada contraparte en la ruda tensión de "Tibwa Eléctrica", el epílogo del álbum que comienza como una orgía percusiva y termina como un ejercicio de neurosis cuasi-Crimsoniana sembrado sobre un pasto de raíces Osibisa. Como balance general, tenemos en "Tribaloide" 40 minutos de continuos ejemplos de música jazz-progresiva intensa y vigorosa creada con abundantes dosis de ingenio. Pulsónica es uno de varios nombres que mantienen los ideales del rock progresivo y la avanzada fusionesca en un sitial muy alto dentro de la vanguardia argentina de los últimos años. !Vale la pena investigar en su trayectoria!... y también esperar que sigan generando más discos en el futuro=85 César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: Música Para Cuando Aparece Un Monstruo" (2011) LA MUJER BARBUDA: "Música Para Cuando Aparece Un Monstruo" (2011) Temas 1. La Venganza Del Plomero Liquido (0:24) 2. Hipopótamo Amarillo (2:41) 3. Técnico Superior En Plásticos Y Elastómeros (5:17) 4. La Rana (7:23) 5. El Plomero Liquido Ataca De Nuevo (0:24) 6. Enano De Jardín (5:57) 7. Cóccix (6:02 ) 8. Montaña Que Revienta (7:43) 9. El Plomero Líquido Existe (0:49) 10. Pixel (5:27) 11. Axel, El Axolote (3:18) 12. Hombre Gangoso (5:39) Integrantes - Franco Fontanarrosa: bajo - Sergio Álvarez: guitarra - Martín Pantyrer: saxos y clarinetes - Lulo Isod: batería y objetos La Mujer Barbuda es un cuarteto dueño de una inspirada sonoridad experimental y poderosa cuya riqueza interna se sostiene en una magnífica confluencia de jazz-rock, psicodelia, avant-prog, estrategias de formas libres y rock-in-opposition. La figura líder de este ensamble es el bajista y compositor Franco Fontanarrosa, pero para nada sus intervenciones se convierten en la columna vertebral o el fundamento del sonido grupal: por el contrario, este cuarteto funciona como una unidad cabalmente integral donde las energías particulares de cada componente arman diálogos sónicos llenos de espíritu aventurero e impulso bizarro en cada pieza. En esta reseña repasaremos su primer disco titulado "Música Para Cuando Aparece Un Monstruo", grabado, mezclado y masterizado a lo largo de los tres primeros meses de 2008. El inicio del disco es con el breve preludio "La Venganza Del Plomero Líquido", una escalada de juguetes percusivos que levanta una tarima para la exhibición del fabuloso tema "Hipopótamo Amarillo", el cual despliega un ambiente de furiosa neurosis arropado bajo ritmos y riffs extrovertidamente coloridos, además de insertar un breve interludio caótico por ahí. Con "Técnico Superior En Plásticos Y Elastómeros", la banda sigue explorando estas ambientaciones de neurosis celebratoria y los lleva una más contundente expansión expresiva. La guitarra de Álvarez se luce de forma particularmente notable, estableciendo nexos entre la fiereza Hendrixiana y el vigor iconoclasta de un Fred Frith. Cuando llega el turno de "La Rana", el grupo se relaja un poco para disponerse a explorar cadencias de corte fusionesco. El rol ocasionalmente destacado del clarinete y los sonidos de percusiones concretas que enriquecen la base rítmica capitalizan la gestación de una estructura sónica grácil, lo cual permite que en alguna ocasión pueda el bajo lucirse en un primer plano sin hacer mucho aspaviento. "El Plomero Líquido Ataca De Nuevo" es otra breve pieza, esta vez armada con el ensamble grupal en pleno que se dedica a reelaborar la cadencia mecanicista del primer mini-tema, pero su función consiste esencialmente en prepararnos para la experiencia de "Enano De Jardín", pieza donde la banda elabora motivos y matices explotando las aristas más intrincadas de su misión musical; la rica variedad de atmósferas y esquemas rítmicos y la pulcramente hilada progresión temática la convierten en un cénit indiscutible del álbum. "Coccix" recibe el impulso de la peculiar magia del tema precedente con un grupo motivado a seguir jugando con los límites de sus propias ambiciones estéticas: el empleo de trucos de free-jazz y la inmersión en misteriosas interacciones deconstructivas refuerzan el sentido de aventura. De este modo, el grupo expone confluencias con las directrices de otras bandas especializadas en el jazz-rock contemporáneo como Gutbucket y Led Bib. Con sus 7 minutos y pico de duración, "Montaña Que Revienta" se proyecta hacia una de las estrategias más filudas del álbum. En parte, recibe el impulso de "Técnico Superior En Plásticos Y Elastómeros" y "Coccix", con lo cual el ensamble tiene la ocasión de explorar de nuevo las dimensiones más agresivas de su arquitectura vibrante musical. "Montaña Que Revienta" es una pieza imponente, dueña de una fuerza de carácter inapelable y un swing magnético: se trata, sin duda, de otro cénit decisivo del álbum. "El Plomero Líquido Insiste" es un nuevo ejercicio grupal de minúsculas cadencias mecanizadas, y como es natural, su función es la de abrir la puerta al siguiente tema, "Pixel". Éste nos devuelve a la dimensión más relajada del cuarteto, bien asentada en matices y cadencias jazzeras: el saxo ocupa un relevante lugar central a la hora de manejar y reciclar las potencialidades expresivas del cuerpo central de la pieza. Esta misma predominancia de lo jazzero se reitera acto seguido en "Axel, El Axolote", pero se nota aquí que el espíritu experimental está más despierto. Los últimos 5 BD minutos del álbum están ocupados por "Hombre Gangoso", tema que condensa solventemente la dinámica del jazz vanguardista, la prestancia progresiva y las aristas psicodélicas que han venido ocupando lugares predominantes a lo largo del repertorio. "Música Para Cuando Aparece Un Monstruo" es un disco muy dinámico y atrevido, una muestra del deseo de aventura en la exploración de las dimensiones más inquietas del ego musical de nuestros tiempos. La óptica artística de La Mujer Barbuda es una de las garantías más sólidas de que todavía cabe esperar muchas cosas grandiosas de la vanguardia argentina contemporánea respecto a los aportes al ideal progresivo del rock. ?Qué mayor prueba de esta garantía que hacer un disco aún mejor como lo es "Lagartos Terribles" unos años más tarde? Pero eso es motivo de otra reseña: terminamos ésta reiterando que La Mujer Barbuda es un nombre muy a tener en cuenta de parte de los amantes del rock experimental fabricado en cualquier parte del mundo. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: LOS INI - "Matespacial" (2007) LOS INI: "Matespacial" (2007) Temas 1. El Enchufe Me Mira Chinito (9:43) 2. Cuidado Con Pisarle La Cola Al Cometa (3:31) 3. Incienso Cierta (0:59) 4. Matespacial (6:33) 5. Mu (4:03) 6. Incienso Cierta (0:46) 7. A Dos Cuadras (4:23) 8. Ey! Cuidado Con Pisarle La Cola Al Cometa (4:28) 9. Incienso Cierta (0:56) 10. La Importancia Del Rabanito (7:12) 11. Peripecia En El Mundo De Las Piedritas (8:56) 12. En El Silencio Ajeno (4:16) 13. ?Nues La Nuez? (1:20) Integrantes - Mariano Bertolini: trompeta de bolsillo y composición - Lucio Balduini: guitarra y efectos - Augusto Urbini: batería y accesorios Colaborador - Alberto Ibarguren (sintetizadores en 5, 8 y 11) Un proyecto de música vanguardista con fuertes raigambres en las tradiciones del avant-jazz, el R.I.O. y las esferas abiertas de experimentación atmosférica con inspiración en la musique concrete, Los Ini tuvo una existencia muy corta e ignorada dentro de los círculos vanguardistas argentinos donde se movió=85 !pero vaya si no hizo música interesante! Con las composiciones del trompetista Mariano Bertolini y con las energías conjugadas de éste y las del baterista Augusto Urbini y del guitarrista Lucio Balduini, Los Ini gestó una sonoridad inquietante, muchísimas veces inescrutable en su vibración solipsista, explícitamente desafiante frente a los criterios más "cómodos" de musicalidad. El resultado concreto de todo esto para la difusión fonográfica es su único disco "Matespacial", que data del año 2007. La estructura sónica de la banda está diseñada para crecer sin expandirse en coloridos autocomplacientes sino para retorcerse en su propio misterio, haciendo empleo sucesivamente de recursos de tensión, densidad, deconstrucción y sutileza según cómo van fluyendo las ideas a partir de diálogos donde la atención a los detalles y la permanente posibilidad de quiebre exigen que los músicos pongan de sí el 100%, no, el 200% de su lucidez. Vayamos al repertorio del disco en sí para explicar los detalles de esta tremenda aventura musical. "El Enchufe Me Mira Chinito" pone en marcha la maquinaria de Los Ini con una batería que abre espacios a través de un empleo orgánico de cadencias free-form, inquietante pero sin pizca alguna de estridencias. Sobre la frontera del segundo minuto, el ensamble integral se agrupa en torno a un ejercicio bien asentado de free-jazz donde la trompeta lleva inicialmente la voz cantante, dejando posteriormente que la guitarra pase a un posicionamiento frontal. El grupo sabe mantener un perfil sutil mientras se enrolla en el motivo central de la ocasión. "Cuidado Con Pisarle La Cola Al Cometa" porta un carácter más directamente constructivo, complaciéndose en una caótica focalización en cimas y trucos dadaístas, especialmente en el uso ostensible de objetos y efectos con la finalidad de explorar osadas profundidades abstractas. El primero de los interludios titulados "Incienso Cierta" ofrece un lirismo sereno antes de que la pieza homónima ahonde en la dinámica del free-jazz con in vigor más pronunciado que en el tema de entrada: "Matespacial" conforma un primer clímax del álbum, y a modo de oportuno contraste, el bellísimo tema "Mu" vira hacia parajes más introspectivos bajo el ropaje de sus sonoridades cortantemente sobrias y lánguidamente crepusculares. Con la ceremoniosidad sutilmente tétrica del segundo "Incienso Cierta" y la vitalidad sigilosamente saltarina de "A Dos Cuadras", Los Ini continúan explorando los espacios de diversidad sónica que se plantea dentro de sus impecablemente coherentes parámetros donde las interacciones entre los músicos exigen un tratamiento muy cuidado de los elementos sónicos aportados por cada fuente individual. "Ey! Cuidado Con Pisarle La Cola Al Cometa" establece una confluencia entre proyecciones abstractas y juegos de síncopas propias del jazz vanguardista, mientras que "La Importancia Del Rabanito" nos brinda interesantes alusiones al academicismo posmoderno que años atrás encontramos en Nucleus y los proyectos de Keith Tippett: encontramos en este tema un nuevo clímax decisivo del disco (que no el último) en buena parte debido a la alternancia entre las sonoridades cósmicas de la trompeta y el nervio brumoso de la guitarra en los espacios de lucimiento que se reparten mientras atraviesan la bizarra dinámica elaborada desde la batería de Urbini. En medio de las dos piezas mencionadas anteriormente, el tercer "Incienso Cierta" ofrece un puente entre los dos temas antes mencionando a punta de retomar el espíritu ceremonioso que caracterizaba al segundo "Incienso Cierta". Con "Peripecia En El Mundo De Las Piedritas", el trío explora atmósferas de corte R.I.O. (como Massacre o Henry Cow) y avant-jazz-rock (como Tortoise o Fire!), alimentado con vibraciones de inspiración industrial. La sección final lleva a una especie de celebración épica del aura misteriosa que había imperado a lo largo de la pieza: definitivamente, este tema encarna un tercer clímax del álbum. "En El Silencio Ajeno" nos transporta hacia una distante languidez, cautivadora en su etérea sutileza, misteriosa y relajante a la vez, como genuinamente celebrando el silencio; justo cuando la huella de la última nota no se ha borrado de la mente del oyente, emerge una breve manifestación de extroversión con "?Nues La Nuez?", un epílogo intrusivo bastante simpático que redondea a la perfección el espíritu imprevisible que Los Ini insuflan sin descanso a su visión musical. Los Ini llegaron, vieron, hicieron cosas, y no es seguro que vencieran en el sentido más habitual de la palabra, pero este disco "Matespacial" es, a fin de cuentas, un triunfo del ingenio humano en el arte de hacer ruido dentro de un mundo que continuamente cuestiona sus fundamentos. La secuencia de estos 13 viajes musicales emprendido por este trío refleja, en buena medida, la intensidad patente y los temores latentes de nuestro entorno moderno. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: el próximo disco de VDGG.. !!totalmente instrumental!! HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. Parece que el grupo VAN DER GRAAF GENERATOR o para el rock'n'roll ni tampoco demasiado viejo para sorprendernos. Tal como aparece en el enlace www.portalesquizofrenia.com/van-der-graaf-generator-nuevo-disco-alt/2012/04/ ... " Mejor noticia imposible. No hace ni un año de la aparición de su último disco, 'A Grounding In Numbers', y el trío ya está anunciando su regreso al mercado con el álbum de estudio e instrumental 'ALT', el cual llegará en junio a través del sello Esoteric Antenna. Se nota que desde que se reunieron en 2005 con el disco 'Present' y luego lanzaron 'Trisector' cogieron el ritmo de trabajo de Peter Hammill, verdadero y único líder del grupo. O mejor dicho, se nota que Hammill prefiere ahora volcarse en su antigua banda y aparca de momento la característica hiperactividad discográfica que tenía en solitario (casi iba a disco por año, año y medio). Sólo hace un año que aparecía en el mercado 'A Grounding In Numbers' y ahora su sello, Esoteric, anuncia la llegada de un nuevo trabajo de estudio de Van Der Graaf Generator, el cual llegará en junio de este 2012 y se llamará 'ALT'. No sabemos mucho más al respecto: ni portada ni canciones que tendrá el mismo, aunque serán 13 y todas ellas instrumentales. Hugh Banton y Guy Evans acompañan de nuevo a Hammill en esta nueva aventura, quien presenta así el trabajo: "Este disco 'ALT' no es un disco más de Van Der Graaf Generator (...) Las improvisaciones instrumentales y experimentales son la clave; la mayor parte de la música de 'ALT' fue realizada sin buscarlo, o quizás sólo mientras estaba funcionando el hemisferio izquierdo de nuestro cerebro (...) El álbum es una mezcla de improvisaciones grabadas como pruebas de sonido y también es estudio, y se le puede considerar más como un disco de creaciones sonoras que de música concreta". También comenta el multiinstrumentista y compositor que "las 13 piezas ofrecen un paso fascinante por un mundo sonoro alternativo de Van der Graaf Generator (...) Quizás la comparación más cercana sería la del segundo CD del disco 'Present', pero incluso esa comparación entre ambas grabaciones es arriesgado". Esoteric vende el disco como una cara desconocida de la banda que llegará en edición estándar de CD y también en formato de vinilo. " ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Carlos Maria Sanchez Pedreira Asunto: CuÃ!ndo nos cambiaron la frecuencia de 432Hz a 440Hz y por qué? A continuación transcribo una informacion interesante: Un ministro de propaganda nazi llamado Joseph Goebbels creó un decreto universal en 1939 por el cuál se instaba a todo el mundo a afinar el LA musical a 440 Hertzios, en lugar de a 432 Hz, frecuencia a la que se afinaba toda la música hasta el momento. Desde 1939 hasta hoy en día se ha entonado a esa frecuencia. Esto provoca en la gente pensar y sentir de una manera determinada y se la mantiene sumida en un desorden interno. En 1953 el decreto de Goebels fue aprobado por parte de la Organización Internacional de Normalización (ISO). Esto ocurrió a pesar de los esfuerzos de un gran número de músicos franceses que apoyados por el Conservatorio de París, organizaron un referéndum para preservar el LA afinado a 432 Hz.El LA afinado a 432hz ha estado oculto al mundo por ser el punto de balance sónico de la naturaleza. "432 Hz vibra en los principios de la media de oro PHI y unifica las propiedades de la luz, tiempo, espacio, materia, gravedad y el magnetismo con la biología, el código del ADN y la conciencia. La afinación natural a 432 Hz tiene efectos profundos en la consciencia y también en el nivel celular de nuestro cuerpo. "Por la re-sintonización de instrumentos musicales y el uso de la afinación de concierto a 432 hertzios en vez de 440 hertzios, tus átomos y el ADN empiezan a resonar en armonía con la espiral de PHI de la Naturaleza." (Brian T. Collins)Toda la música que escuchamos en este momento, genera una frecuencia inarmónica con el planeta y con el organismo humano. Una nota hace 12 armónicos, porque pone en resonancia las 12 notas de la escala musical (con medios tonos y sostenidos). Las notas hacen 12 armónicos, cuando se toca una nota afinada a un LA afinado a 432 Hz. Cuando uno toca en un LA afinado a 440 Hz, sólo se hacen 8 armónicos. La música afinada a 440 Hz es música muy pobre. La frecuencia del planeta Tierra es de 8 Hz. Las ondas alfa, la frecuencia del cerebro en estado de relajación profunda, son ondas a 8Hz. Afinar a 440, hace que la base no sea 8, sino 8"25, lo cual significa que los armónicos que generan no son armónicos con el planeta.El Ser Humano funciona en un rango de frecuencia que va de 16 a 32 Hertzios, lo que equivale en la escala musical, del do al do, o sea, una octava. Afinar a 440 Hz tampoco es armónico con la frecuencia del Ser Humano porque la base es 16,5.La primera alteración física que podemos notar cuándo llevamos un rato escuchando música, es cansancio, fatiga, ganas de no hacer nada, y esto sucede porque los armónicos de la música no encajan con la frecuencia vibratoria del ser humano. La frecuencia en la que nos mete la música afinada a 440 Hz nos hace sentir inseguridad, miedo, angustia y desorden internoDurante muchos años ha interesado que la Humanidad esté sumida en la oscuridad.Si la música no está en armonía con el planeta, no está en armonía con el Ser humano y cómo consecuencia se producen alteraciones en ambos.Para evitar que esto continúe sucediendo, deberíamos afinar la música a 432 Hz. Y podemos hacerlo pasando toda nuestra música al ordenador, y utilizar un programa que permita bajar la frecuencia. Las interpretaciones sonarán un poco más lentas, pero es casi imperceptible. Hay programas de ordenador que sirven para manejar, editar y grabar música. Por ejemplo el de Mac, Garage Band. Esta música después se debe pasar a DVD en lugar de en CD, porque los CD"s no tienen capacidad de manejar 12 armónicos, sólo manejan 8 armónicos, y no serviría de nada porque estaríamos recortando 4 armónicos. La música grabada en CD es cortante, dura, fría, en cambio grabada en DVD es más cálida porque permite grabar con los 12 armónicos. Gracias, y hasta pronto Carlos Sánchez Pedreira ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: nuevo proyecto con Chino Moreno (DEFTONES) y tres ex-ISIS HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. Chino Moreno, frontman del grupo DEFTONES y líder de proyectos colaterales como CROSSES (junto con Shaun Lopez, guitarrista del grupo FAR) y TEAM SLEEP, está formando un nuevo proyecto musical llamado PALMS, en asociación con tres ex-miembros de ISIS: Aaron Harris, Clifford Meyer y Jeff Caxide. PALMS tiene planeado publicar un álbum en el transcruso de este año. Harris informa que PALMS comenzó "hace un poco más de un año atrás a partir del deseo permanente de continuar haciendo música después de que se separó ISIS." De hecho, "Chino se nos unió al poco tiempo y nuestro sonidó empezó a cobrar forma a partir de ahí. Realmente nos hemos esforzado mucho en pos de éste, nuestro primer disco, y estamos muy emocionados porque la gente lo va a escuchar pronto. Es muy bueno estar detrás de una batería nuevamente siendo parte de esta alineación." Por su parte, Moreno también ha expresado su entusiasmo: "Como fan de ISIS, siempre he disfrutado los ambientes que estos tipos transmiten con su sonido. Estoy muy emocionado de combinar mi sentido de la creatividad con el de ellos, y de divertirme al hacerlo." Aquí me despido hasta una nueva ocasión. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: LIZARD sacará pronto su nuevo álbum de estudio HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. La banda polaca LIZARD, muchos años después de su últimos disco "Spam", vuelve al ruedo fonográfico con su nuevo álbum "Master and M". Aún no se ha anunciado la fecha precisa del lanzamiento del disco, pero se anuncia su futura existencia en la página web de la banda: http://lizard-band.com/news.html Se supone que es un disco conceptual inspirado en un libro sobre una antigua historia. Aquí me despido hasta una nueva ocasión. ----------------------------------------------------------------------------