LA CAJA DE MUSICA LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO ============================================================================ LCDM: #887 julio 2009 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM ---------------------------------------------------------------------------- * entrevista a Eduardo Garcia Saluena (SENOGUL) * Varias noticias * HELDON - "Stand By" * LCDM: ALGARAVIA Breve e Interminavel * Dos nuevas canciones de Radiohead * el 2do. de UPSILON ACRUX * el 1ro. de THINKING PLAGUE * Mew - No More Stories are Told Today... (2009) * Rockcore website que toca mucho prog ---------------------------------------------------------------------------- Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola Asunto: entrevista a Eduardo Garcia Saluena (SENOGUL) ENTREVISTA A EDUARDO GARC CDA SALUEÑA, TECLISTA DE SENOGUL SENOGUL es una de las bandas más creativas y sorprendentes que han surgido en el espectro rockero progresivo durante los últimos años. En 2007, después de editar un par de demos, SENOGUL debutó con un excelente disco titulado al igual que la banda, y que supuso una impresionante muestra de eclecticismo progresivo. Ahora en 2009, demostrando tener una visión musical tan amplia como concienzuda, SENOGUL nos vuelve a impresionar con su segunda obra fonográfica "Concierto de Evocación Sonora para Conjunto Instrumental", un catálogo de exploraciones musicales que implica un notable giro de tuerca respecto a lo que la banda nos había estado ofreciendo anteriormente. Para hablarnos de esto y otras cosas tenemos ahora, en una entrevista exclusiva para La Caja de Música, al teclista de SENOGUL, Eduardo García Salueña. César: Antes que nada, te doy las gracias por brindar tu atención a LCDM. Empecemos. Ahora que Senogul tiene editado un nuevo disco desde hace unos meses, echa una mirada atrás hacia el disco debut de 2007 y cuéntanos cómo lo valoras desde tu renovada sensibilidad artística actual. Eduardo: El placer es mío, César. Realmente, como parte del engranaje tengo muy presente la continuidad evolutiva que existe en nuestro discurso. Es cierto que hace dos años no teníamos la misma experiencia ni tanta música asumida como en la actualidad, pero todo lo veo fruto de su tiempo, teniendo en cuenta además que en cada momento buscamos siempre dialogar entre todos los miembros con todas los recursos que están a nuestro alcance y profundizar en los resultados para darle un barniz colectivo. Hay muchos aspectos de nuestro primer disco que aún hoy permanecen vigentes en nuestro lenguaje. En el lado más sensible, me siento muy orgulloso de haber formado parte en todo el proceso de creación e interpretación de nuestro álbum debut y escucharlo siempre me resulta muy especial y personal. César: ?Cómo le ha ido a Senogul con las actuaciones en vivo en los últimos dos años? ?Con cuáles otros grupos habéis establecido amistad? ?Qué anécdotas simpáticas nos puedes contar respecto a los grupos con los cuales habéis compartido cartel? Eduardo: Nos resulta bastante difícil hacer que Senogul se mueva fuera de España, aunque lo estamos intentando por todos los medios. Aquí ha tenido buena acogida en las pocas ocasiones en las que hemos salido del territorio asturiano (Valladolid, Madrid o Santander). Con las actuaciones hemos crecido mucho como grupo y nos lo hemos tomado, además, como un proceso de re-creación al intentar ofrecer una nueva visión de nuestra música con respecto al fonograma. Jugamos mucho con la improvisación y hay mucha más energía. Tenemos muy buena amistad con muchos grupos nacionales de nuestro perfil aunque inevitablemente se ha incrementado con aquellas con las que hemos compartido escenario, caso de Neverness, Insigne, y sobre todo Kotebel, con quienes nos unen varios lazos personales. Anécdotas simpáticas... recuerdo que nos sorprendió mucho un concierto con Insigne en el que a mitad de su show incitaron a que el público jugase a las sillas !!Y Pedro quedó subcampeón!! Fue muy divertido. César: Un juego de sillas, vaya, ?quién dijo que la música compleja y lo lúdico no son comatibles?Senogul también se preocupa por otras esferas del arte y la creatividad; por ejemplo, en junio, el grupo participó en la exposición de fotografía estereoscópica "El viaje en tres dimensiones". ?Qué significación tiene para Senogul el formar parte de este tipo de eventos? Eduardo: Para nosotros es muy importante. Yo siempre he definido a Senogul como un colectivo muy inquieto culturalmente. No sólo componemos e interpretamos, sino que de alguna manera formamos parte de un contexto cultural de una forma muy activa. En este caso, ver cómo nuestra música puede encajar en un proyecto audiovisual con fotografías estereoscópicas de medios de transporte, algo "a priori" ajeno a nuestras fuentes de inspiración originales, resulta algo totalmente constructivo para nosotros (ya que utilizamos extractos de nuestros dos discos para el montaje final). La universalidad de la música se manifiesta, sobre todo, cuando existen mentes abiertas. Y está claro que para nosotros, eso es muy importante. César: Ahora vayamos al nuevo disco "Concierto de Evocación Sonora para Conjunto Instrumental": comienzo felicitando a toda la banda y su amplia gama de colaboradores por haber gestado una obra musical tan colorida y sugerente. En el librito se menciona tres tipos de evocación: sensible, mundana y contemplativa. ?Cómo se usó esta tipología a la hora de componer y arreglar el repertorio del disco? Eduardo: Celebro que valores esta obra, César. Esta división tripartita no deja de ser una metáfora de la clásica trilogía emoción - instinto - inteligencia como factores que determinan nuestra personalidad y nuestros actos. Cuando hablamos de evocación nos referimos tanto a la recreación como a la recepción sonora. Hay muchos fragmentos condicionados por parámetros más relacionados con lo sensible, como "En permanente estado de vigilia"; otros hacen alusión a tradiciones mundanas, a través de nuestros personales sincretismos religiosos y estilísticos; finalmente, la evocación contemplativa es la más compleja de apreciar, y también la más personal. Un buen ejemplo podría ser la pieza "Lughnassad", donde se aprecia un último recorrido por otros espacios sonoros evocados en otros momentos de la obra, con otros tonos. César: También se expone la dinámica dual sostenida por el sonido y silencio como algo que guió el proceso de grabación del disco. ?Qué nos puedes explicar al respecto? Eduardo: En este disco no sólo es importante aquello que suena sino también lo que se percibe pero está callado; de ahí la evocación y esa relación con lo inmaterial. Un ejemplo de este silencio se encuentra en la re-interpretación de "Itamaracá", donde todo el grupo calla ante el acordeón. Esa intermitencia instrumental está constante en todo el disco. Al final de "Lughnassad", el piano pasa a cubrir todo el espectro sonoro obviando las densidades del sintetizador y su último acorde se apaga de forma natural, apreciándose así el proceso sonido-silencio en su totalidad, como en "A day in the life" de los Beatles. Al inicio de "En permanente estado de vigilia" hay un diálogo entre la expresividad del silencio (el que separa los gongs iniciales) y la vacuedad del sonido pleno (con la utilización, seguidamente, de un clúster que incluye los 12 sonidos de la escala occidental y que acaba configurando un fondo ambiental sobre el que se desarrolla la melodía). Por supuesto, la influencia de pensadores como John Cage fue decisiva. César: Siguiendo con el librito, allí se afirma que el segundo disco es "el resultado de casi dos años de trabajo, fruto de la evolución de Senogul y del colectivo Hábitat". Comenzando con lo primero, ?eso de la evolución de Senogul quiere decir que entre los discos primero y segundo hay un cierto tipo de continuidad y no realmente una ruptura? Eduardo: Yo no lo veo como una ruptura, porque conscientemente nunca se planteó. Me gusta la máxima de "Lo único que permanece es el cambio", ya que lo único que siento es que vamos tomando caminos y utilizando diferentes estrategias cada vez para expresarnos mejor. También tenemos la mentalidad de aprender en todo momento, por lo que todo eso se refleja en nuestra actitud. Además, hubo fragmentos del CESCI que se llegaron incluso a grabar antes de nuestro primer disco, por lo que las retroalimentaciones están presentes desde el principio. Baste ver pasajes de "Dr. Gull II", "Microcosmos Blues" o "Tango Mango", para encontrar elementos desarrollados en nuestro siguiente disco. Igualmente, en "Las almas inmóviles" o "De Nooijer" se perciben ecos de nuestros primeros días. César: Pasando ahora a lo segundo, ?qué nos puedes informar sobre el colectivo Hábitat, su propósito, sus actividades=85? Eduardo: Hábitat fue una agrupación interdisciplinar en la que estuvimos involucrados Pablo, Pedro y yo junto a más músicos, como Guzmán ArgŸello, Laura Pire, David Menéndez, Vanesa Moreno o Borja Ferrer. Interactuaban danza, sonido, imagen e improvisación en pos de la recreación de diferentes hábitats. Era una agrupación muy abierta e inclasificable en la que convivieron algunas secciones embrionarias del CESCI con versiones de Miles Davis (época "In a silent way") o Milton Nascimento y piezas de nueva creación. Fue fundamental para nuestro desarrollo creativo y muy decisivo para la maleabilidad artística plasmada en nuestro nuevo disco. César: Realmente hay un énfasis claro en sonoridades étnicas y ambientales en "Concierto de Evocación Sonora", especialmente en lo que se refiere a la miríada de instrumentos de percusión que toca Pablo Canalís. ?Fue él un director musical o algo así para el grupo durante la creación del disco? Eduardo: Es muy complicado hablar de directores musicales, ya que depende mucho de cada movimiento. Con esta obra, Pablo amplió su lenguaje musical con el estudio de diferentes tradiciones musicales y su interés por otros timbres, lo que enriqueció en gran parte el Concierto y nuestro propio discurso, pasando así a ser un bastión fundamental. César: Repasemos ahora algunas piezas específicas de "Concierto de Evocación Sonora". "En Permanente Estado de Vigilia" tiene un rasgo ensoñador basado en ambientes etéreos y un tanto minimalistas - ?cuál fue su idea inspiradora? Eduardo: Hay mucho espacio para la libre interpretación en movimientos como, precisamente, "En permanente estado de vigilia". Sí ha habido motivaciones concretas, como por ejemplo, la pesadilla torturadora de la tercera sección que incluye gemidos, crujidos de huesos y sonidos que te sitúan en un escenario concreto (pasos en escaleras, timbre de bicicleta...). Para su confección nos fijamos mucho en músicos como Airto Moreira, Hermeto Pascoal o el Miles Davis de "Feio". En las secciones anteriores teníamos en mente ambientes espaciales y melancólicos, incluyendo una lluvia tras la ventana (con efectos de percusión corporal). La música de Lyle Mays, Lito Vitale, Angelo Badalamenti o Tangerine Dream revolotea por encima. César: "Mae Floresta" es todo un viaje musical, repleto de atmósferas étnicas por doquier: ?cuál es su concepto? Eduardo: "Mae Floresta" fue el segundo movimiento concebido (el primero fue "Lughnassad", dando lugar a varios motivos que se repiten en la obra) y es una especie de suite multiseccional central en la estructura del Concierto. Hay un trasfondo implícito muy relacionado con la "Madre Naturaleza", lo que se refleja con el uso colorista de la percusión (con alusión a cantos animales) y elementos naturales (agua o viento). También hay referencias a paisajes sonoros africanos, sudamericanos y orientales. Por otro lado, "Las almas inmóviles" es una composición previa incluso a la grabación de nuestro primer álbum que aquí se filtra como cántico de los sabios de las montañas. Una pieza introspectiva que encuentra ecos de Pink Floyd, Magma o el Ralph Towner de "Silence of a candle". Podríamos resumir que "Mae Floresta" pretende ser una oda a la naturaleza. César: "Terra-Terreiro" da espacio preferencial a cánticos en varios pasajes, como si fuese todo un ritual: ?qué tipo de celebración se tenía en mente para este tema? Eduardo: Otra de las piedras angulares del disco. Efectivamente, "Terra-terreiro" refleja un lugar de culto donde tienen cabida todo tipo de expresiones vocales: cantos aborígenes australianos, cánticos antifonales afro-cubanos, poesía fonética, zeŸhl o beat-box. Más referentes interesantes que pueden tener cierta cercanía podrían ser Nightnoise, Santana, Mongo Santamaría, Magma, Flatus Vocis Trio o Paul Winter. Ya ves que en esta obra es fundamental el uso de la voz como un engranaje más de nuestro particular "conjunto instrumental". César: Hasta ahora, he mencionado varios elementos musicales que me han llamado particularmente la atención de "Concierto de Evocación Sonora", pero déjame decirte que la sección eléctrica de "Swaranjali (Sangama Mantra)" puede muy bien ser mi pasaje favorito de todo el disco - su mezcla de energía contenida y textura me deja flipado cada vez que escucho el tema. Me imagino que componerlo tuvo sus dificultades: ?acierto? Eduardo: Su grabación fue toda una epopeya. Yo tenía muy clara la direccionalidad y el ambiente que teníamos que conseguir: una especie de delirio psicodélico que partiera de la calmada base proporcionada por el sitar y la tampura y que volviera al mismo punto. Había que empezar esa sección ya desde muy arriba en intensidad. Hicimos varias tomas de guitarra, batería, saxos, sintetizador... hasta aparecen grallas catalanas. El resto fue cuestión de elaborar el collage y mezclarlo con mucho cuidado, para que fuesen apareciendo y desapareciendo eventos de forma fluida. A mí también me gusta mucho esa parte, y le da mucha versatilidad al Concierto. César. ?Hay otros aspectos específicos del repertorio del disco que quisieras comentar o explicar? Eduardo: Habría muchas cosas que comentar, pero tampoco es cuestión de eternizarse. Mejor que cada uno descubra poco a poco ese mundo sugerente que le proponemos. Particularmente, uno de mis momentos favoritos es el final de "Siete lunas", con el sonido superpuesto de varios cuencos tibetanos que desembocan en el acorde de Re Mayor que da inicio a "De Nooijer". César: ?Ya estáis trabajando en nuevas composiciones? ?Quedaron piezas pendientes de los discos anteriores para que el grupo pueda utilizar en próximas grabaciones? Eduardo: Sí, ahora mismo es un momento creativo importante. Hemos estado involucrados en el proyecto "Orfeo: a ba-rock opera", un arreglo de la ópera Orfeo de Claudio Monteverdi realizado por el clavecinista italiano Massimiliano Toni y al que, junto a la instrumentación convecional, se le han incorporado arreglos de rock progresivo muy bien integrados, los cuales interpretamos nosotros. Es muy curioso e interesante ver a un grupo de rock realizando recitativos bajo la dirección de un maestro clásico. La obra la hemos estrenado ya en el XII Festival de Música Antigua de Gijón y está en proyecto poder llevarla de gira y editarla en disco. Por otro lado, ya tenemos grabadas tres piezas de lo que será nuestro nuevo álbum, y estamos componiendo otras nuevas. Va a ser también muy heterogéneo. Una de las piezas, "Pijamas", la hemos empezado a concebir con la grabación del primer disco aunque no es un descarte. Te puedo decir que esa pieza es lo más "RIO-Canterbury" que hemos hecho nunca. Creo que el nuevo disco va a ser una bomba, combinando todo lo aprendido en ambos discos y algunas de nuestras nuevas inquietudes. Además, habrá colaboraciones de lujo con importantes músicos dentro del contexto progresivo. César: ?Alguno de los componentes de Senogul tiene otros proyectos musicales aparte de la banda misma? Eduardo: Realmente todos. Te lo resumo . Los que nos dedicamos más al mundo musical/musicológico somos Eva y yo. Ambos participamos como músicos tanto de estudio como de directo acompañando a diversas formaciones de muy variados estilos, como Pauline en la Playa, Fran Gayo, Edwin Moses, Chus Pedro o Xabel Vegas & Las Uvas de la Ira. También compartimos un trío de jazz junto al saxofonista Juan Antonio Martínez; Pablo tiene un proyecto instrumental junto a Alejandro Martínez Ares (el acordeonista que graba con nosotros) llamado Melange, donde plantean su particular visión sobre repertorios de lo más variopinto. En su primer álbum, a punto de ser editado, hemos participado casi todos los miembros de Senogul (entre otros); Pedro tiene un trío de improvisación libre con el flautista/saxofonista Guzmán ArgŸello y el pianista Larry Derdyen llamado "Colmena", además de ser miembro del combo eléctrico Cuac! en el que también colaboro yo y cuyo álbum debut verá la luz en unos meses (y hay muchos detalles progresivos). Por último, Israel colabora activamente con Israel Fernández Villajos en el proyecto grupal Sinapsis que contará, en su inminente primer trabajo, con varios colaboradores procedentes de otras agrupaciones progresivas nacionales. Además, tanto él como Eva y yo solemos participar en una big band llamada Gigia Sax Band !!Ya ves que no nos aburrimos!! Para nosotros, cultivar estas facetas es muy importante ya que también se refleja en nuestro trabajo con Senogul. César: Sé que, además de dedicarte a esto del rock progresivo y experimental, también tienes un vasto conocimiento del género. Pasaré a preguntarte cuáles son, en tu opinión, las características más saltantes de algunos músicos progresivos que nos han dejado en los últimos años. Comencemos con Pete Bardens, el teclista histórico de Camel. Eduardo: Gracias por tus palabras. Peter Bardens siempre me ha resultado muy elegante a la par que sobrio. Sabe muy bien qué decir con su instrumento y lo hace con gran limpieza. Su perspectiva era esencial en el sonido característico de Camel. Aún me emociona escuchar la delicadeza del órgano de "Mystic Queen". Me gusta su preocupación por los aspectos más tímbricos del instrumento. César: Pasemos ahora a Richard Wright, el teclista de Pink Floyd. Eduardo: Palabras mayores, y uno de mis teclistas fetiche junto a Tony Banks, Dave Stewart o Joe Zawinul. Todos estos teclistas tenían una visión armónica muy acentuada. En el caso de Rick Wright su composición de texturas fue inigualable, al igual que sus aportaciones con el VCS3. Otro pilar fundamental que supo sumar en el colectivo creativo de Pink Floyd. César: Joe Zawinul, otro genio que ha pasado al más allá. Sírvete explayarte un poco en él ahora. Siempre me ha gustado mucho papel de Zawinul en la banda de Miles Davis. "In a silent way" tiene ciertos aires impresionistas que me parecen muy interesantes y novedosos, muy acorde con la búsqueda llevada a cabo por Miles. En Weather Report pudo dar rienda suelta a muchísima creatividad, con pasajes muy intrincados, mucha preocupación por el carácter armónico (estoy pensando, por ejemplo, en la progresión inicial de "Havona") o su original paleta tímbrica. Estas aptitudes me resultan, en muchos casos, más interesantes a valorar en los instrumentistas que la rapidez en su fraseo o su capacidad técnica César: Lars Hollmer, teclista de Samla Mammas Manna. Eduardo: Aún recuerdo la primera vez que escuché Maltid. Fue un gran descubrimiento, llamándome mucho la atención esa mezcla de folk tan alegre con un rock tan matemático. Me parece un músico de un enorme talento y creatividad, a la par que muy versátil (lo que ha demostrado con su sólida trayectoria). Y dotado de una impresionante carga de sentido del humor, algo que se respira en sus ejecuciones. César: Florian Fricke, el gurú de Popol Vuh. Eduardo: Popol Vuh es una de mis muchas asignaturas pendientes, por lo que no te puedo contar mucho sobre él. Indagar en un universo tan amplio como el del kraut-rock alemán me parece algo apasionante. Algunos combos como Annexus Quam, Faust o Can me atraen muchísimo. César: Ya que mencionas a Can, vayamos a los músicos no teclistas comenzando con Michael Karoli, el guitarrista de dicho grupo. Eduardo: un guitarrista muy adelantado e inquieto, alejado de los cánones de su momento y buscador de otras sonoridades con respecto a las comúnmente asociadas a su instrumento. Además, creo que es un referente para muchos músicos contemporáneos y no necesariamente ligados al ámbito progresivo setentero. Discos como Tago Mago o Future days los sigo disfrutando como el primer día. César: Pierre Moerlen, baterista histórico de Gong (y de paso, mi favorito entre todos los bateristas de la línea Canterbury). Eduardo: Pensar en Pierre Moerlen, además de llevarme a varios de los mundos de Gong, siempre me hace recordar una de las épocas doradas de Mike Oldfield. Muchísimo gusto y estilo tanto con el vibráfono como tras los parches, aunque para mi gusto no supera a mi favorito en esta línea (y también, por desgracia, desaparecido hace poco): Pip Pyle. César: Pues fíjate, no coincido contigo en esta última comparación, pero ciertamente Pip Pyle fue otro monstruo canterburiano de la batería. Explícame por qué es tu favorito. Hatfield & The North y National Health me parecen dos de las mejores agrupaciones en esta línea, y la labor en ellas de Pyle es muy intensa. Me resulta versátil, hábil y con muy buen gusto, sin alardes, y con mucha personalidad musical. También me llama mucho la atención su espléndido papel en Camembert Electrique de Gong. Tengo mucha curiosidad por escuchar su legado con Equip' Out!, algo que nunca he hecho pero que espero remediar pronto. César: Otro mago supremo del Canterbury que no podemos dejar en el tintero: el bajista Hugh Hopper, recientemente fallecido. Eduardo: Otro de esos músicos que tenía un lenguaje muy personal. Third, más que un disco, es una experiencia de creación colectiva casi a la manera de Miles. Uno de mis registros predilectos es el álbum Freedom is frightening junto a la banda East Wind liderada por Stomu Yamash'ta. Una perla en la que podemos ver el inconfundible sello de Hopper. César: En fin, ?tienes algo más que añadir? ?Tal vez la respuesta a alguna pregunta que hubieses querido que se formulara en esta entrevista? Eduardo: Pues nada más, simplemente agradecerte tu tiempo y tu interés. Es un placer hablar contigo y compartir estas experiencias. Un abrazo. Bueno, esto ha sido todo por ahora. Me despido de Eduardo volviendo a agradecerle que nos dedicara parte de su tiempo, y por supuesto, deseando al grupo SENOGUL toda la suerte del mundo en sus próximos proyectos y actividades. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola Asunto: Varias noticias HOLA CAJEROS, LES SALUDA C C9SAR MENDOZA. En Argentina se va a celebrar pronto un festival progresivo de dos días denominado ProgreRock 2009. El evento ya tiene su blog en Myspace - http://www.myspace.com/progrerock . El festival en cuestión tendrá lugar en Rosario los días 29 y 30 de agosto del presente; la dirección exacta es la Sala Teatro Laverne (Sarmiento y Mendoza, Rosario, Santa Fe 2000). Ambas sesiones comenzarán a las 21.00 A priori, el atractivo principal de evento es a presencia de Pablo "El Enterrador", legendario grupo progresivo que es un verdadero emblema de la ciudad en relación con el género. Pero además, hay bandas emergentes dentro de lo progresivo y lo experimental dentro de ámbito rosarino que este festival servirá como una vitrina adecuada para que todos los asistentes se pongan al día sobre nuevas ideas y creaciones: los demás grupos son Láquesis, La Gota, Skatos, La Barca y Dánae. El cronograma es como sigue.- 29 de agosto - La Gota // Dánae // Pablo "El Enterrador" 30 de agosto - Láquesis // La Barca // Skatos A continuación, transcribo los enlaces Myspace de los grupos partícipes para que nos vayamos familiarizando con sus respectivas propuestas.- PABLO "EL ENTERRADOR": http://www.myspace.com/pabloelenterrador DÁNAE: http://www.myspace.com/danaerock LA GOTA: http://www.myspace.com/lagotarock SKATOS: http://www.myspace.com/skatosprog LÁQUESIS: http://www.myspace.com/laquesisrockprogresivo ______________________________ Avantgarde Festival en Alemania, 28 - 30 de agosto No paran estos festivales progresivos, y por mí muy bien que sea así, especialmente si tienen un cartel tan impresionante como el del Avantgarde Festival que tendrá lugar en la ciudad alemana de Schiphorst, entre los días 28 y 30 del presente agosto. El programa es intenso, diverso y un tanto sofisticado, pero basta con entender que hay una sección Main Stage donde los cronogramas de las actuaciones están bien definidas, y otra sección Annexe donde las bandas tienen carta blanca para actuar a la hora que sea y, eventualmente, contar con los colaboradores que sean. Transcribo las listas de actuaciones en el MAIN STAGE.- -- Viernes, 28 de agosto 16:00 Conferencia de prensa para periodistas y representantes de selos discográficos 18:00 Assif Tsahar (Israel) 19:00 Philippe Petit (Francia) y James Johnston (Reino Unido) 20:00 Peter Blegvad (EE.UU.) con John Greaves (Reino Unido) y Chris Cutler (Reino Unido) 21:00 Dagmar Krause (Alemania) 22:00 Gutspie Earshot (Alemania ) 23:00 "Kraut fŸr Ewig ": Jutta Weinhold (Alemania), Geraldine Swayne (Irlanda), Eberhart Kranemann (Alemania), Werner Diermaier ( Austria), jhp (Francia), Uwe Bastiansen (Alemania) 00:00 DJ-set Philippe Petit -- Sábado, 29 de agosto 14:00 Triologue (Alemania) 15:00 Onde (Bélgica) 16:00 Rocket No.9 (EE.UU. / Alemania) 17:00 Daniel Sarid y Ariel Armoni (Israel) 18:00 Debate: "Artistas y Público: ?cuáles son las reglas?", un foro abierto entre los músicos y el auditorio 20:00 ::OT:: (Alemania) 21:00 S/T (Alemania) 22:30 Nathalie Forget (Francia) 23:30 Nurse With Wound (Reino Unido y EE.UU.) -- Domingo, 30 de agosto 14:00 Geoff Leigh (Reino Unido) y Yumi Hara (Japón) 15:00 Station 17 (Alemania) 16:00 Weltausstellung (Alemania) 17:00 Priscilla (Alemania) 18:00 Nu & Apa Neagra (Rusia) 19:00 Post Abortion Stress (EE.UU. / Reino Unido) 20:00 Faust meets Heart Chor (Alemani,a Francia, Austria, Irlanda, Reino Unido) Se trata de una vorágine vanguardista irrefrenable, donde conviven campeones del RIO, krautrock, ruidismo, electrónica, free-form, etc. Más información en http://www.avantgardefestival.de/ y http://www.krautrockseite.de/ewig/ ------------------------------ SAENA en vivo, 29 de agosto Aquí transcribo información sobre el próximo evento musical a cargo de la banda mexicana SAENA, justamente en México D.F. " Lugar: UNIVERSIDAD DE LA COMUNICACIÓN (en el D.F.) Zacatecas 120 Col. Roma Fecha: 29 de Agosto de 2009 Hora: 20:00 ENTRADA LIBRE " ------------------------------ Cronograma del Crescendo 2009 Con la presente transcribo el cartel definitivo que conformará la lista de actuaciones para la edición 2009 de Crescendo Festival, evento multi-grupal progresivo que todos los años se realiza en la localidad francesa de Saint-palace sur Mer. Esta lista de grupos partícipes en el Crescendo 2009 viene con sus respectivos enlaces de Myspace para que los mel{ómanos vayan disfrutando de sus diversas propuestas musicales.- Jueves, 20 de agosto 17h00 AISLES (Chile): http://ww.myspace.com/aislesproject 19h00 SUNCHILD (Ucrania): http://www.myspace.com/sunchildrock 21h30 IL BACIO DELLA MEDUSA (Italia): http://www.myspace.com/ilbaciodellamedusa Viernes, 21 de agosto 17h00 Simon L'Esperance Band (Canadá): http://www.myspace.com/simonlesperance 19h00 MORGLBL (Francia): http://www.myspace.com/morglbl 21h30 ELECTRIC SWAN (Italia): http://www.myspace.com/electricswan Sábado, 22 de agosto 17h00 AFTER (Polonia): http://www.myspace.com/afterpl 19h00 BARAKA (Japón): http://www.myspace.com/barakarock 21h30 DJAM KARET (EE.UU.): http://www.myspace.com/djamkaret Como se ve, el plato final va de la mano de un grupo tan veterano como es el ensamble estadounidense Djam Karet. Por su parte, Simo L'Esperance regresa por su cuenta después de haber participado como miembro de Karcius el año precedente. La presencia sudamericana se garantiza con la banda chilena Aisles, abridora del primer día. Más información en los enlaces http://www.festival-crescendo.com/fr/ y http://www.myspace.com/festivalcrescendo ------------------------------ Ya se viene el nuevo disco de DOCTOR NERVE !Ya se viene el nuevo disco de DOCTOR NERVE! Este estupendo ensamble estadounidense de rock progresivo radicalmente experimental, dirigido por el guitarrista Nick Didkovsky, sacará a la venta su disco "The Monekt Farm" este 26 de agosto. Mientras tanto, se puede ya adquirir en iTtunes bajándolo. "The Monkey Farm" es un disco conceptual basado en la narrativa de Charles Cecil O"Meara. La formación del grupo actualmente es - Greg Anderson (bajo), Leo Ciesa (batería), Nick Didkovsky (guitarra, dirección), Yves Duboin (saxo soprano), Rob Henke (trompeta), Michael Lytle (clarinete bajo) y Kathleen Supove (laptop). Más información en el enlace http://www.punosmusic.com/monkeyfarm/index.html Punos Music es el sello fundado por Nick Didkovsky para editar discos de sus varios proyectos. Aquí me despido hasta una nueva ocasión. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola Asunto: HELDON - "Stand By" HELDON: "Stand By" (1979) Temas 1. Stand By 97 14:04 2. Une Drole de Journee 97 3:59 3. Bolero 97 21:44 Integrantes - Richard Pinhas: guitarra, sintetizadores Moog y Polymoog, vocoder, efectos electrónicos - Patrick Gauthier: sintetizadores Mini-Moog y Polymoog, piano, otros teclados - Francois Auger: batería, percusión (Kolossal Percussive) - Didier Batard: bajo Colaboradores - Klaus Blasquiz (voces), Didier Badez (secuenciador) Séptima obra fonográfica de Heldon, "Stand By" elabora una profundización en la estrategia sonora encarnada en "Interface", logrando exitosamente completar un esquema sonoro con mayor cohesión, comparativamente. Teniendo dos temas extensos dentro de un repertorio de tres, resulta obvio que Richard Pinhas y sus secuaces tienen la directa pretensión de nutrir su oferta cibernética dentro del rockl experimental con expansiones y ribetes épicos. Cabe mencionar a un colaborador de lujo como Klaus Blasquiz (insigne miembro del mundo magmiano, así como de Weidorje), quien luce parte de su peculiar estilo vocal en el segundo tema del disco, compuesto por otro colega magmiano (también leal colaborador de Pinhas), Patrick Gauthier. "Stand By" es un frenético ejercicio de aguerrida psicodelia rockera cuya duración de casi BC de hora le permite elaborar expansiones poderosas para los diversos riffs que se van sucediendo a la base de una instrumentación tremendamente sólida. La dupla rítmica se comporta como todos los dioses mandan a la hora de cimentar el tránsito a través de las diversas secciones, mientras que el brutal bajo eléctrico va ornamentando el viaje musical. El rol de lo sintetizadores es más ambiental que otra cosa, no ocupando un rol notorio como en otras piezas del disco, pero sí logran infiltrar sus adornos cósmicos en medio de los muy avezados fraseos que Pïnhas enarbola sobre el camino. Esta pieza es tremendamente crimsoniana (sin valerse de recursos clónicos), con claros ribetes a lo "Red", añadiendo esa sequedad muscular propia de la faceta más heavy del krautrock y, tal vez, también algunas cadencias pulsátiles a lo zeuhl. En uno de los pasajes creo reconocer el anticipo de algún motivo que un par de años más tarde habrá de reaparecer en el disco solista de Pinhas "L"Ethique". La pieza culmina con un motivo lánguido que apela a sutilezas tétricas, curiosamente emparentadas con el estándar de Black Sabbath. "Une Drole de Journee" es un peculiar viaje musical donde confluyen la electrónica de raigambre germánica, el jazz-rock y la faceta más candorosa del zeuhl. A pesar de que dura poco menos de 4 minutos, porta una majestosa complejidad estructural muy a tono con lo que comúnmente se concibe como lo "auténticamente" progresivo=85 pero, ojalá hubiera durado un poco más. La segunda mitad del disco está ocupada por el ambiciosos tema "Bolero", todo un emblema del giro cibernético que Heldon siempre ha propuesto proveer al rock experimental desde su particular postura. Ahora sí que los sintetizadores se afianzan en una posición frontal dentro del esquema instrumental que Pinhas y sus compinches crean, desarrollan y refuerzan. El pasaje introductorio es bastante solemne, combinando percusiones marciales con calculados golpes tenebrosos (a lo zeuhl) y destacados factores sintetizados (más o menos a lo Tangerine Dream). La expansión de largo plazo que sigue a continuación se articula siguiendo prioritariamente el molde de TD ("Rubycon", "Ricochet") y Schulze ("Mirage"). Más adelante, el frenesí rítmico baja un poco para pasar a compases un poco más fusionescos, pero ciertamente lo cibernético y lo modernista siguen imperando en la arquitectura sónica. También sale a colación la guitarra de Pinhas, enraizada al frente con una exhibición de texturas neuróticas, retorcidas sin excesiva distorsión a fin de armonizarse con razonable naturalidad con los fondos diseñados por los sintetizadores. Esta tónica espacial se expandirá de forma consistente hasta el final, donde el grupo logra elaborar un medido ejercicio de calma gradual. Con este disco, Heldon cerró una fructífera obra de vanguardia progresiva: "Stand By" exhibe una muestra esencial de la ideología progresiva de Richard Pinhas, y no son muchos los que sinceramente recomiendan que ésta sea la vía de entrada para el neófito. Para todos los melómanos progresivos de insaciable sed experimental... !incondicionalmente recomendado! César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola Asunto: LCDM: ALGARAVIA Breve e Interminavel ALGARAVIA: "Breve e Interminável" (1996) Temas 1. Crimsoniana (5:10) 2. Lamento (11:20) 3. Variacoes Sobre Tema Nenhum (9:00) 4. Cellula Mater (9:07) 5. Crisalida (5:25) 6. Mosaico (6:20) 7. Quimera (9:47) 8. Bebop Blues (8:40) 9. Iluminancia (10:30) Integrantes - Fred Herbaud: guitarra, teclados, voz - Sidney Jaires: guitarras eléctrica y acústica - Jean-Jacques Herbaud: bajo - Albert Pimenta: batería - Vladimir Ricardo: percusión Algaravia es un nombre que debe estar bien presente en las mentes de aquellos coleccionistas progresivos interesados en los aportes al género que se han venido cocinando en América Latina desde la década de los 90s en adelante: este grupo brasileño ha logrado cuajar una efectiva cruza entre el rock-fusión, el jazz y una modalidad "domesticada" de psicodelia crimsoniana en el repertorio que conforma su disco debut "Breve e Interminável". A pesar de que el aire fusionesco es en cierta medida dominante en el sonido global que crea y maneja Algaravia, es la presencia de las dobles guitarras la que se hace notar más que la de la dupla de batería y percusión, y aún así, este grupo nunca apela a lo pesado, ni siquiera coquetea con ello. Este detalle, según me parece, ilustra a la perfección la mucha atención que pone el grupo en elaborar un bloque sonoro basado en armazones de sonido consistentemente mesuradas, sin renegar de su interés por explayarse en aires optimistas y cálidos. La pieza de entrada tiene un título tan inequívoco como "Crimsoniana": tiene ese juego de guitarras duales tan propio del Crimson 80ero, pero básicamente sirve como adecuada vía de entrada hacia su peculiar propuesta progresiva empapada en perfumes fusionescos, coincidente con bandas como Mar de Robles o Gurth, con un poco de Difícil Equilibrio. "Lamento" y "Variacoes Sobre Tema Nenhum", que juntos completan un espacio de poco más de 20 minutos, aprovechan sus respectivos campos de expansión para desarrollar más concienzudamente los cimas inherentes a los motivos que entran en juego. Lucimientos especiales se da la guitarra solista, siendo así que para el primero de estos temas el tenor es plenamente rockero, mientras que para el segundo, el asunto está más enfilado hacia el jazz-fusión de leves toques funky. "Cellula Mater", por su parte, combina ambos factores en aras de hilar un esquema musical un tanto más sofisticado, y, de paso, se manda con una proyección de 9 minutos. "Crisalida" pasa a otro tipo de ambiente, cálido y nostálgico, fusión brasileña alimentada con algunos guitarreos a lo Akkerman, con una atmósfera apaciblemente grisácea que se muestra conmovedora. "Mosaico" comienza de manera tenue, engarzándose muy bien con el tema precedente, pero una vez que se exhibe el cuerpo central de la pieza, volvemos al territorio ya conocido del progresivo fusionesco con medida actitud aguerrida. Otra vez se me viene a la mente el paralelo con los chilenos de Mar de Robles. "Quimera" tiene una primera sección relajante y calmada, con un espíritu romántico convenientemente atenuado por ligeras paráfrasis del "Fracture" de KC; luego, pasamos a una segunda sección más extrovertida, bien instalada en las aristas más rockeras de la banda. "Bebop Blues" tiene una introducción muy a tono con lo que sucede en el respectivo desarrollo musical - un compás be-bop marcado por un guitarreo bluesero. De todas maneras, el cuerpo central va hacia un lado diferente, el más recurrente sendero de la fusión progresiva de tintes crimsonianos: debido al balance de rock psicodélico refinado y jazz de vieja escuela, esta pieza se emparienta cercanamente con "Cellula Mater". El cuadro de "Breve e Interminável" completa su espectro con "Iluminancia", pieza que en sus primeros minutos refleja una ambientación más etérea que las que han sido más recurrentes en el repertorio precedente. Luego, la cosa se pone un poco más intensa, pero sin abandonar ese espíritu contemplativo, llegando a hacerse bastante emotivo: la coda del pasaje elaborado por esa tenue guitarra clásica completa el aire romántico que ha penetrado a toda la canción. Con 1 BC hora de duración, "Breve e Interminável" no es precisamente un disco muy breve, pero sí es proveedor de un interminable placer melómano a partir de su manera tan peculiar de reciclar los estándares sonoros que tan patentemente influencian a Algaravia. C9sta es una banda brasileña a la cual los coleccionistas progresivos deberían, en mi opinión, prestar atención. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Jorge Padilla L Asunto: Dos nuevas canciones de Radiohead Radiohead lanza dos nuevas canciones desde su Página Oficial (http://www.radiohead.com/deadairspace/) He aquí dos de sus más recientes mensajes: Lunes, 17 de Agosto Estas Son Mis Retorcidas Palabras Aquí está una nueva canción, llamada 'These Are My Twisted Words'. Hemos estado grabando durante algún tiempo, y esta fue una de las primeras que terminamos. Estamos muy orgullosos de ella. Tenemos otro material en diferentes etapas de terminación, pero esta esuna que hemos estado ensayando, la cual es muy probable que tocaremos enlos conciertos de verano. Esperamos que te guste. Descargar el audio de aquí: http://www.waste.uk.com/Store/waste-radiohead-twisted+words.html o de aquí: http://www.mininova.org/get/2846416 Jonny -------------------------- Miércoles, 5 de Agosto Harry Patch (In Memory Of) "Soy el único que sobrevivió los otros murieron donde cayeron fue una emboscada salieron por todos lados dale a cada uno de tus líderes un arma y luego deja que ellos sean los que combatan he visto diablos salir del suelo he visto el infierno sobre esta tierra la próxima será química pero ellos nunca aprenderán" Recientemente el último veterano inglés de la 1a. guerra mundial HarryPatch murió a la edad de 111 años. Hace unos años escuché una entrevista muy emotiva con él en el programa Today de Radio4. El modo en que hablóde la guerra me afectó profundamente. Se convirtió en la inspiración para una canción que da la casualidadgrabamos unas semanas antes de su muerte. Se hizo en vivo en una abadía. Las cuerdas fueron arregladas por Jonny. Tengo esperanza en que la canción haga justicia a su memoria como el último sobreviviente. Sería muy fácil para nuestra generación olvidar el verdadero horror de la guerra, de no haber personas como Harry para recordarnos. Espero que no olvidemos. Como el mismo Harry dijo: "Sin importar los uniformes que vistamos, todos somos víctimas". Esta mañana el programa Today tocó la canción por primera vez y ahoraestá disponible para su descarga desde nuestro sitio web. http://download.waste.uk.com/ Lo recaudado por esta canción irá a un fondo de ayuda de la Legión Británica. Por la paz y el entendimiento Thom Saludos! JPL ---------------------------------------------------------------------------- Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola Asunto: el 2do. de UPSILON ACRUX UPSILON ACRUX: "The Last Pirates of Upsilon" (1999) Temas 1. Numbquon (2:19) 2. 45 Seconds (0:48) 3. Descension (12:32) 4. Swabin' the Deck (3:20) 5. Random Denouncement (5:19) 6. Modulation 4 (6:01) 7. Evening No Star (4:16) 8. Attention, Applause, Silence (1:07) 9. Dark Rainbow (11:11) 10. Metal Tweek (Desert Hesh/The Days Of Meth) (2:12) 11. 2-Pin Connection (7:13) 12. Tortuga (5:11) 13. Nails Wine Dio (8:43) Integrantes - Paul Lai: guitarras, sintetizador Moog, metales - Cameron Presley: guitarras, sintetizador Moog, metales - Jesse Klecker: batería, percusión Colaboradores - Devin Samo (bajo), Bobb Bruno (bajo), The Mike Flowers Pops (corneta con sordina) Segundo disco de Upsilon Acrux, banda que por lo visto tenía un amplio repertorio para empezar (o estaba en una increíble vena creativa... o ambos), pues "The Last Pirates of Upsilon" a solo meses de disco debut "In the Acrux of the Upsilon King", y eso que estamos hablando de dos discos que superan la barrera de los 70 minutos. A medida que el grupo va afianzando sus eclécticas maneras de modernizar lo progresivo dentro de su propuesta musical, también se va encontrando con algunas inconsancias en su formación: me refiero específicamente al rol del bajista, que no cuenta con un sitial fijo en este momento de la carrera de Upsilon Acrux. Un factor fácilmente palpable a escuchar este disco es que UA está más decidido a llevar su espíritu experimental hacia límites más ambiciosos, especialmente en lo que se refiere a explorar sonoridades caóticas: esto conlleva la exigencia de desarrollar esuqmeas sonoros aún más agresivos que los que efectivamente se expusieron en el disco debut. "Numbquon" abre con cuatro golpes traviesos antes de explayarse en una sección radiantemente esquizofrénica donde el dadaísmo y la neurosis se destilan a raudales: mucho poder progresivo en menos de 2 BD minutos de duración. Después de los 45 segundos de frenético "zappanismo" que conforman "45 Seconds" (un título genial, vamos), llega algo más alucinado aún, "Descension". Su tremendamente caótico prólogo se hace digerible debido a que está engarzado con la pieza precedente; luego, mientras podemos empezar a notar cierta estructura en los arreglos de metales, el baterista se compromete en un entusiasta solo que reitera los aires zappianos que e grupo se está tomando muy a pecho. Después sigue un pastiche desafiante donde se suceden un solo cósmico de bajo y otro pasaje aleatorio marcado por el solo de batería. Luego, la ilación transita por una suerte de satirización del free-jazz, una deconstrucción catártica y otro más influido por los jams lisérgicos del krautrock - todos estos pasajes mencionados dan espacio preferente a los aportes del saxo y a trompeta. De todas maneras, se ve venir que el caos furioso ha de imponerse en la coda, y en efecto, eso es lo que sucede. No esperemos algo más estructurado en la apertura de "Swabin' the Deck", pero poco a poco la dupla rítmica va instalando un enclave que crea un adecuado contrapelo a los inescrutables efectos de guitarra y sintetizador. La ambientación tan grisáceamente retorcida que se ha venido gestando en lo que va del disco se resuelve con las extrovertidas travesuras progresivas de "Random Denouncement", plasmadas con pletóricas dosis de energía y habilidad. "Modulation 4" apunta a la muy distinta esfera del ruidismo de base industrial, en base a un motivo cacofónico y minimalista elaborado con efectos de ingeniería que cortan y articulan riffs de guitarra y efectos de sintetizador. "Evening No Star" comienza apostando por un giro radical hacia atmósferas lánguidas a lo post-rock, antes de que entre por asalto una nueva exhibición de caos tormentoso, el mismo que completa de manera inesperada el espíritu nocturno de la pieza en cuestión hasta la breve coda. "Attention, Applause, Silence" es un ágil ejercicio de math-rock que aporta un aura de gracilidad por un pequeño rato, antes de que "Dark Rainbow" llegue para explayarse en atmósferas cósmicas abiertamente misteriosas, expuestas sobre un sólido crescendo minimalista al estilo post-rock (pensando en GYBE! mezclado con Tortoise) - 11 minutos de gloriosa densidad. Después de esta pieza tan abiertamente etérea, "Metal Tweek (Desert Hesh/The Days Of Meth)" retoma el colorido travieso que había marcado temas breves precedente, completando convenientemente el cuadro expresivo plasmado en la secuencia de estos tres temas. "2-Pin Connection" restablece la faceta industrial de la banda, registrando una robusta utilización de sucesivas atmósferas mecanizadas que mucho tienen que ver con la esencia del krautrock, y por qué no, también con la filuda psicodelia propia del estándar más bizarro del noise-rock. "Tortuga" es un jam frontal y directo, muy en la onda de Sonic Youth en su faceta más "pretenciosa", mientras que "Nails Wine Dio" se retrotrae hacia estrategias caóticas de forma libre, anticipando que el oyente podría olvidar cuán relevante había sido este esquema de trabajo en previas secciones del disco. Hay momentos de este tema en los cuales el grupo se solaza en manifestar su potencial de agresividad sónica en sus retorcidas cacofonías. De este modo concluye nuestra experiencia con "The Last Pirates of Upsilon", disco que revela magníficamente las intenciones de Upsilon Acrux de expandir su osada propuesta progresiva para nuestros tiempos. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: César_Inca_Mendoza_Loyola Asunto: el 1ro. de THINKING PLAGUE THINKING PLAGUE: "... A Thinking Plague" (1984) Temas 1. I Do Not Live 97 5:04 2. Possessed 97 8:19 3. How to Clean Squid 97 5:02 4. A Light Is On and Name the World 97 1:32 5. The Taste that Lingers On 97 2:12 6. Four Men In the Rain 97 2:33 7. Thorns of Blue and Red / The War 97 15:28 Integrantes - Sharon Bradford: voz, ruidos, sintetizador Casio, efectos - Bob Drake: bajo, batería, percusión, voz, guitarra, balalaika con arco, piano, órgano, ruidos - Harry Fleishman: piano, órgano, voz - Mark Fuller: batería - Mike Johnson: guitarras, sintetizadores, piano, tubos de metal, voz, ruidos Colaborador: Mark Bradford (voz, ruidos) Con un casi homónimo disco debut, el ensamble estadounidense Thinking Plague dio unos importantes primeros pasos en la vertiente vanguardista del plurivalente género progresivo. Siendo así que hoy por hoy, Thinking Plague es todavía un activo punto de referencia inapelabe desde la consistente escena que ha venido desarrollando y replanteando las herencias del R.I.O. y del chamber-rock desde inicios de los 70s, resulta sumamente interesante percatarse del despierto sentido de la aventura con el que el grupo creaba su repertorio desde "... A Thinking Plague". Grabado un tanto artesanalmente y careciendo todavía de un enfoque artístico 100% definido, Thinking Plague tiene suficientes dosis de imaginación y solvencia técnica como para hacer buen uso de sus influencias (Henry Cow, Art Bears, Art Zoyd, Zappa, la academia vanguardista, algo de krautrock a lo Faust, básicamente) y generar una propuesta musical artísticamente efectiva en medio de una escena comercial dominada por el new wave, el tecno-pop y el rock duro. "I Do Not Live" da inicio al disco sin mayor compasión: voces e instrumentos empiezan al unísono su complejo viaje sonoro que ofrece ambientes finamente contrastados donde el jolgorio zappiano y los climas oscuros a lo Art Zoyd se hermanan en una ilación sugerente, robusta a través de su patente estructura vanguardista. "Possessed", la segunda pieza, puede muy bien definirse como el primer clásico de TP: en un espacio de poco menos de 8 BD minutos, TP se explaya en sus influencias de Henry Cow (c/ Dagmar) y se anima a elaborar un sólido tema semi-épico donde impera el uso refinadamente elegante de las extravagantes estratagemas melódicas y armónicas que tienen lugar. Por su parte, "How to Clean Squid" es un animal de otra fauna: se trata de una animada travesía por las aguas del krautrock electrónico en conjunción con ornamentos noise y alusiones tecno. Se puede describir como una hipotética partitura perdida de Art Bears descubierta por un ensamble de músicos de Neu! y This Heat tras haber pasado cuatro horas escuchando música de Can. El canto y las recitaciones de Sharon Bradford (la letra parece sacada de un recetario) incorporan un cierto vigor pop que hacen juego con el irresistiblemente bailable ritmo robótico. "A Light Is On and Name the World" es un breve interludio caótico y desestructurado, esencialmente post-moderno, el cual anticipa la dadaísta gracia de "The Taste that Lingers On", pieza juguetona que casi suena como una canción de juegos infantiles en un mundo imaginario zappiano. "Four Men In the Rain" es un ejercicio de distorsiones improvisadas y abiertamente atonales, ejecutado por lo que parece ser un cuarteto de cuerdas. Parece funcionar principalmente como preludio a "Thorns of Blue and Red / The War", tema que ocupa los últimos 15 minutos y pico del disco. Este tema no está en la misma onda de fina majestuosidad que "Possessed", sino que más bien se apoya en una arquitectura más sutil, comenzando con aires cálidos (predominando un poco la guitarra acústica), para luego virar hacia un reposado pasaje concreto, y de ahí impulsarse hacia un motivo más propiamente estructurado. Este último encaja muy bien dentro del juego de atmósferas densas que el grupo desarrollará concienzudamente en sus dos siguientes obras fonográficas. A fin de cuentas, el balance de esta experiencia melómana con "... A Thinking Plague" resulta positivo a pesar de que Thinking Plague todavía se revela como una banda en camino de instaurar su propia voz musical. Tal como se señaló al comienzo de esta reseña, el genio de TP ya está aflorando de manera innegable, y eso hace que su disco debut resulte muy bueno en sí mismo. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Ferran Lizana i Abat" Asunto: Mew - No More Stories are Told Today... (2009) MEW : "NO MORE STORIES, ARE TOLD TODAY, I"M SORRY, THEY WASHED AWAY, NO MORE STORIES, THE WORLD IS GREY, I"M TIRED LET"S WASH AWAY" (2009) Discográfica: Sony BMG Temas: 1. New Terrain. 3:14 2. Introducing Palace Players. 4:46 3. Beach. 2:46 4. Repeater Beater. 2:33 5. Silas the Magic Car. 4:06 6. Cartoons and Macramé Wounds. 7:21 7. A Dream. 1:47 8. Hawaii. 5:01 9. Vaccine. 5:08 10. Tricks of the Trade. 4:28 11. Sometimes Life Isn"t Easy. 5:21 12. Reprise. 5:32 Músicos: - Jonas Bjerre (vocals, guitar, keyboards) - Bo Madsen (guitar, keyboards, bass) - Silas Graae (drums) Cuatro años han necesitado estos daneses, para materializar un sucesor de aquel maravilloso "And the Glass Handed Kites". Tras un poético y kilométrico título, se esconde este nuevo trabajo que difícil lo tenía tras las excelencias de su precursor, hecho que, me temo, ha acabado pasando factura. Mew no han cambiado, si bien en las piezas iniciales, "New Terrain" e "Introducing Palace Players" juegan con ritmos y armonías de manifiesta dificultad, ciertamente inéditos en ellos. En el resto del álbum siguen practicando un pop sofisticado con tintes progresivos, digamos, a medio camino entre Dredg y los Sigur Rós más poppies, con reminiscencias del dream pop de Cocteau Twins, que tiene en el trabajo melódico su máximo baluarte. Piezas efectivas y bellas como "Repeater Beater", "Silas the Magic Car" cuyo trabajo melódico me recuerda a Prefab Sprout o "Tricks of the Trade", no pueden evitar palidecer al lado de las esplendorosas "Why are you Looking Grave", "Special" o "The Zookeeper"s Boy", de su largo precedente. Tampoco los temas más abiertamente sinfónicos "Cartoons and Macrame Wounds" o "Reprise", pueden competir con aquellas exquisitas "White Lips Kissed" y "Louise Louisa". Está lejos de ser "And the Glass Handed Kites" o "Frengers" y por ello el resultado final es un poco decepcionante. Pese a todo, el talento, aunque un tanto adormecido, sigue estando ahí y todavía podemos calificar este "No More Stories..." como un buen álbum. Valoración: 6/10 Ferran Lizana (rockomic@gmail.com) Agosto 2009 ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Ferran Lizana i Abat" Asunto: Rockcore website que toca mucho prog Hola a todos. Os informo sobre esta website roquera, Rockcore, en cuyo contenido tocan progresivo i estilos afines en un porcentaje muy elevado. Ahí se van publicando también mis críticas, en las que se pueden dejar comentarios a pie de crítica, quien lo desee. También se publican muchas notícias casi a diario. Esta es la dirección. http://www.rockcore.com/ Saludos a todos. ----------------------------------------------------------------------------