/-------------------\ | XXX | \__ | XXX X | __/ \__ | XXX X | __/ \__ | X X | __/ | X X | --------- | X X | --------- __ | X .-.X | __ __/ | X /XXXX | \__ __/ | .-.X XXXX/ | \__ / | /XXXX `""´ | \ | XXXX/ | | `""´ | \-------------------/ LA CAJA DE MUSICA LA LISTA HISPANO PARLANTE DE CORREO ELECTRONICO DE ROCK SINFONICO+PROGRESIVO ============================================================================ LCDM: #746 octubre 2006 http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM ---------------------------------------------------------------------------- * The Watch - conciertos y futuro DVD * próximos_conciertos_de_LA_DESOOORDEN * RUINS "Stonehenge" * CD Metal Works actualizado * R-U Kaiser en vivo - 7 de noviembre * Sensitive To Light: "Almost Human" (2006) * Entrevista a Enric HERRERA - MAQUINA! * gira del BarclayJames Harvest de John Lees * Programas en el Canal_TVE_50_años * OCTOPUS en vivo, 11 de noviembre * vuestra opinion respecto... GENESIS en el 2007 * Pink Floyd - "A saucerful of secrets" (1968) * FLOR DE LOTO en la prensa peruana * el 2do. de TRYO * Magma * La_declaración_progresiva ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: The Watch - conciertos y futuro DVD HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. En la última parte de la gira de promoción del "Vacuum", el grupo italiano THE WATCH incluirá un par de actuaciones abriendo para FISH en su show "Return to Childhood" y otras dos actuaciones en festivales. El último concierto, que tendrá lugar en Francia y en el que ocuparán el cartel, será registrado en DVD. Para más información, visitar el enlace www.thewatchmusic.net. 8 nov: La Locomotive - París, Francia (abriendo para Fish) 10 nov: Festival Spirit of 66 - Verviers, Bélgica 11 nov: Festival Prockfest - Bunde, Alemania 13 nov: Weststadthalle - Essen, Alemania (abirendo para Fish) 9 dic: Salle Polyvalente de Porchefontaine - Versalles, Francia Aquí me despido hasta una nueva ocasión. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: próximos_conciertos_de_LA_DESOOORDEN HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. Con la presente transcribo el anuncio de los próximos conciertos de la banda chilena LA DESOOORDEN. -Domingo 5 de Noviembre, 17 hrs. Plaza de Armas, Entrada Liberada PUERTO MONTT -Sábado 11 de Noviembre, 20 hrs. Aula Magna UACH, Entrada $1.000 (Libros Chiloé) VALDIVIA -Miércoles 29 de Noviembre, 20 hrs. Aula Magna Univ. Católica, Entrada Liberada TEMUCO El concierto de Puerto Montt se enmarca en los recitales organizados por el Consejo Regional de Cultura “Chile+Cultura” y que se están desarrollando en todo el país. Por su parte los conciertos de Valdivia y Puerto Montt son organizados por LA DESOOORDEN y tendrán una gran producción (escenografía, iluminación y proyección). Además se contará con la presencia del trompetista Henry Veliz, el violinista Benjamín Ruz y un coro formado por estudiantes de la Universidad Austral de Chile. El repertorio incluirá tanto versiones de temas de los 3 discos editados por la banda ("Monstruo de 7 cabezas", "Ensayo", "La Isla de los Muertos") como canciones del próximo disco, llamado "Ciudad de Papel". ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: RUINS "Stonehenge" RUINS “Stonehenge” (1990) Temas 1. Big Head 2. Iron Lady 3. Cathechism 4. Kibbutz 5. Fallout 6. Plexus 7. October 8. Hexagon 9. Anaclasis 10. Holebones 11. Hail 12. Stonehenge 13. Thebes 14. Fragment 15. B.U.G. 16. Ripples 17. Masacari 18. Divided 19. Octopuus 20. Dadaism 21. Infect Integrantes - Tatsuya Yoshida: batería, canto - Kazuyoshi Kimoto: bajo, violín, canto Segundo disco de la segunda formación del inverosímil power dúo zheul japonés Ruins. Con “Stonehenge”, Yoshida y su entonces nuevo bajista compinche Kimoto refuerzan su extravagante línea rockera experimental, la cual ya les había creado una aureola de culto en la escena underground de su país desde la segunda mitad de los 80s. Hoy por hoy, Ruins es considerado como uno de los íconos incuestionables de la vertiente vanguardista del movimiento progresivo japonés, y eso conlleva una radical distinción entre los conocedores empáticos y los enemistados con su peculiar línea musical. De hecho, el estilo de la banda puede definirse someramente como un constante ejercicio de extravagante complejidad que, simultáneamente, se ostenta y se burla de sí misma. Elaborar una terca confluencia entre el lado más travieso del zheul, el lado más burlón de Zappa, la psicodelia crimsoniana, el vértigo del thrash metal y el punk, y en fin, el afán deconstructivo de formas musicales postmodernas ya es de por sí abstruso, y Ruins no se conforma con esto, sino que una vez que tiene este amasijo sonoro en sus manos lo reelabora llevándolo a niveles hiperbólicos, en los cuales se confunden la rebeldía y la mofa. La oferta de Ruins no es sólo un desafío estético, es una burla hecha música de la que el oyente es objeto y de la que puede ser también cómplice en caso de hacerse empático con lo que está escuchando. Ruins se estaba anticipando a la ‘onda Primus’ y lo hacía con sobredosis triple. Los meandros chillones de las vocalizaciones y los tortuosos quiebres instrumentales firmemente ejecutados por la minúscula instrumentación emanan una energía y convicción que se traducen en pura potencia. Es una pena, en todo caso, que la ingeniería de sonido no esté tan refinada como en discos posteriores a fin de que se pueda apreciar mejor los matices que se esconden detrás de toda la bravata técnica. También es verdad que en esta fase de su carrera, Ruins permanece concentrado principalmente en explorar los aspectos más explícitamente ásperos que son inherentes a su opción musical. ‘Big Head’ y ‘Cathechism’ son dos de los ejemplos más asequibles de la primera mitad del álbum, al menos en comparación con esos ‘caprichos patológicos’ que son ‘Kibbutz’ y ‘Plexus’. ‘October’ refleja una cierta cadencia majestuosa dentro de los innegociables parámetros estilísticos de Ruins, y ante todo, exhibe una arquitectura bien elaborada dentro de su lógica delirante. Casi todas las piezas oscilan entre los 2 ½ y 3 ½ minutos de duración, pero claro está, los apabullantes efluvios que la comunión demente de bajo y batería vierten sobre la atmósfera se sienten más largos dada su naturaleza opresiva. ‘Hail’ pone énfasis en vocalizaciones entre grotescas e infantiles sobre un motivo simple, mientras que la pieza homónima que le sigue utiliza la vocalización de una manera más teatral (bueno, es lo usual) y sobre una secuencia más enredada de motivos. ‘Ripples’ se vale de un compás blues-rock para aportar un poco de frescura simplona al asunto: el violín es usado de manera normal, por lo que se crea un poco de candidez en la instrumentación. ‘Thebes’, ‘B.U.G.’ (ambas durando más de 6 minutos) y el tema de cierre ‘Infect’ (durando casi 6 minutos) son los temas más largos del disco. El primero exhibe un ceremonioso juego de desahogos vocales a lo Samla Mammas Manna con esquizofrenia severa sobre una instrumentación sombría y marcial (en parte, semejante a lo que sucederá después en ‘Octopuus’). El segundo porta un ingenioso juego de contrastes y minimalismos, hilando una potencia sutilmente sombría con el uso fluido de repeticiones. El último apuesta por la faceta más abiertamente sórdida del grupo - atención a esas perversas explosiones de violín. Recomiendo particularmente a los curiosos que comiencen a paso lento con los discos de Ruins desde 1993 en adelante, que es una etapa en la cual afianzan una estilización patentemente cuidada de su esencia musical, pero lejos estoy de desestimar este disco. Dicho sea de paso, ser un fan del RIO y el zheul no garantiza para nada el disfrute de este material ni de Ruins, en general – hace falta que se dé espontánea e inexplicablemente una empatía. De los discos de Ruins que conozco hasta la fecha, “Stonehenge” es uno de los más traviesos, pero su crudeza puede resultar chocante (incluso para el convertido) en las primeras escuchas: puesto en perspectiva, “Stonehenge” es el testimonio de la maduración en proceso de un grupo realmente importante dentro de la historia reciente del rock ultra-experimental. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: CD Metal Works actualizado HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. El e-zine CD Metal Works se ha actualizado recientemente, a fines del pasado mes de octubre, para ser más exactos. Las nuevas reseñas son las siguientes: 26/10/2006 :: SCAR SYMMETRY :: Pitch Black Progress :: 2006 :: SCOTT MOSHER :: Deep Horizon :: 2006 :: CANVAS SOLARIS :: Penumbra Diffuse :: 2006 :: OCTOPUS :: Bonsai :: 2006 Visita recomedada a www.cdmetalworks.com.ar Aquí me despido hasta una nueva ocasión. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: R-U Kaiser en vivo - 7 de noviembre HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. Con la presente transcribo el anuncio de un próximo evento musical progresivo en Chile, exactamente el concierto de la banda R-U Kaiser a realizarse el día 7 de noviembre.- " La banda R-U Kaiser, proveniente de Antofagasta y que se ha arraigado en Santiago para ofrecernos su música, se presentará el próximo martes 7 de Noviembre en el Teatro AIEP. R-U Kaiser se define como una banda de Rock Sinfónico, Progresivo, con colores cósmicos y matices celestiales, compuesto por: Pilar Núñez (Voz), Bárbara Wilson (Voz), Morus (Teclados), Pablo Lizana (Guitarra & Bajo), Óscar Arias (Batería). Coordenadas: Martes 7 de Noviembre 21:00 hrs. Teatro AIEP Miguel Claro 177, Providencia - Santiago, Chile Valor: $1000 Entrada General $500 Estudiantes. " ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Juan Mellado" Asunto: Sensitive To Light: "Almost Human" (2006) Sensitive To Light: "Almost Human" (2006) Discografica: Cyclopse Records Temas: 1. Pinocchio i. Dreams Are Coming True Tonight :’53 2. Pinocchio ii. Birth 11:59 3. Something Happened In The Garden Of Eden 10:20 4. Carpe Diem 6;04 5. Kyrie (Gepetto’s death) 5:18 6. Snow 6:11 7. Travels 3:28 8. Father (The Truth) 8:15 9. Memories 2:13 Bonus Track : 10. Why ? 7:49 Musicos: - Vynce Leff: Guitars, vocals, keyboards, wind synths - Jenny Lewis: vocals - Claude Thill: Bass, vocals, keyboards -Jean-Philippe Dupont: Keyboards, vocals - Georgio Salvini: Drums Invitado: - Cyril Queneau - Saxophone; Seb Doncker - Snare drum SENSITIVE TO LIGHT es una banda francesa liderada por Vynce LEFT del grupo SAENS, practican un rock sinfónico clásico, melódico, intenso. nada complejo, con tildes modernos y épicos, además con la particularidad de tener una cantante femenina Jenny LEWIS, que dispone de una excelente voz cristalina y angelical. ALMOST HUMAN esta inspirado en la historia de Pinocho de Carlo Collodi, destacan los pasajes melódicos e instrumentales, con algún "deje" muy diluido a metal progresivo, especialmente en las intervenciones de los solos de guitarras. Hay también la intervención en algunos fragmentos del saxo, lo cual amplia los matices y enriquece la composición. El tema que destacaría es el segundo PINOCHO II BIRTH, donde el grupo deja claro cual es su apuesta musical, bellas melodías con pasajes nada complicados que traen a la mente a grupos como MAGENTA, CLEPSYDRA, KAYAK, FLAMBOROUGH HEAD o inclusive los propios SAENS, la voz angelical y acertada en mi opinión de Jenny LEWIS, los solos de guitarra de Vynce LEFT que pueden recordar en ocasiones a Mike Oldfield y un meritorio solo melódico de teclados, no obstante nos encontramos nada mas ni nada menos que con tres teclistas en el grupo. SOMETHING HAPPENED IN THE GARDEN OF EDEN es un tema épico con muchos trazos de la música de SAENS. En CARPE DIEM y SNOW el grupo nos muestra su faceta mas intimista capitaneada por la voz dulce de Jenny LEWIS con la presencia ocasional de la voz de Vynce LEFT. KYRIE (GEPETTO'S DEATH) es un tema misterioso y de tono agridulce, con la presencia del piano cola y los sonidos de órganos de iglesia. TRAVELS me recuerda a los diálogos y estructura de la música de KAYAK, Jenny LEWIS y Vynce LEFT mano a mano, reforzado con la presencia del saxo del invitado Cyril Queneau, que ya ha intervenido en el anterior tema SNOW. El tema con mas feeling llega con FATHER (THE TRUTH) para dar paso al final de esta obra conceptual con el acústico de guitarra MEMORIES. El disco contiene un bonus track WHY? de cerca de 8' algo cansino acabando en otro acústico. En definitiva SENSITIVE TO LIGHT nos trae un trabajo de rock clásico sinfónico, con sencillas composiciones, en alguna ocasión acercándose al Metal progresivo pero sin adentrarse demasiado en el y también al Folk, todo aderezado con la estupenda voz femenina de Jenny Lewis y los arreglos de guitarra y teclados de su líder Vynce LEFT. Por ponerle alguna pega (apreciación personal) diría que hay pocos cambios rítmicos y los temas están demasiado alargados, por lo que da la sensación de que las ideas se repiten en demasía. Puntuacion: 6.5/10 Salu2 sinfomelodicos'progresivos © Juan progjuan@hotmail.com ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Juan Mellado" Asunto: Entrevista a Enric HERRERA - MAQUINA! Entrevista a Enric HERRERA - MAQUINA!, noviembre 2006 Hola "Música Progresiva es una etiqueta que alguien se sacó de la manga. La necesidad de clasificar las cosas hace que aparezcan estos términos, casi siempre totalmente ajenos a los artistas.” Enric Herrera - sep'06 La leyenda del Croissant !!! Así los anunciaban en el Festival de Canet Rock en 1975 y es que la portada de Croissant, creada por Jordi Batiste, fue su imagen estandarte. Imaginaos una época dominada por la canción ligera, por la censura y por verse mal lo que procedía del extranjero... una época donde llevar el pelo largo, ir sin afeitar, con pantalones con campana enorme a juego con los cuellos de las camisas, estaba mal visto por la sociedad española a finales de los 60's. Pues con este arquetipo se presentaron un buen día Jordi Batiste y nuestro protagonista Enric HERRERA a la recién inauguradas discográfica "Els 4 vents" de Barcelona ante Angel Fabregas para decirle "queremos trabajar como empleados a cambio de grabar lo que queramos, sin intervenciones..." así nació una de las bandas mas emblemáticas del Underground y de la música progresiva de nuestro país. MAQUINA! Els 4 vents se gasto la friolera de 1 millón de pesetas de las antiguas para lanzar a MAQUINA!, 10.000 copias vendidas de su primer single para posteriormente con la edición de su primer álbum "Why! vender 3.000 copias. WHY ! es un álbum de Acid Rock Psicodelico Post Hippie caracterizado este por llevar al blues a terrenos de la lisergia y de la cultura del LSD, mas tarde la MAQUINA! de ENRIC HERRERA y Josep Maria Paris dirigieron sus miras musicales a un estilo diferente "Chicago / Blood, Sweat & Tears". Han pasado 36 años y por aquellas casualidades que ofrece internet, ENRIC se puso en contacto con Raul "Sedeort" y de esta forma nació la idea de esta entrevista !!! ENTREVISTA A ENRIC HERRERA - Teclista de MAQUINA! - SEPTIEMBRE 2006 Realizada por Raul "Sedeort" y un servidor. - ?Recuerdas como nació y como funcionaba "Els 4 vents"? Enric Herrera: “Vagamente, me acuerdo de Angel Fábregas, de Jordi Vendrell, y otros de los que no recuerdo los nombres. En cuanto al funcionamiento no sabría que decir, gente joven con ganas de hacer cosas, comprometidos... no sé” - Sabes porque no llegó a cuajar las idas y venidas a grabar a "Els 4 vents" de los grupos andaluzes, Smash, Gualberto, Nuevos Tiempos y Green Piano. Enric Herrera:: “Yo creía que Smash sí que había grabado para Els 4 Vents” - Se dice que en "Els 4 vents" aun quedan grabaciones para editar 3 ó 4 discos, además temas inéditos de Smash, el LP nunca editado de Gualberto, 7 u 8 temas de Música Dispersa, etc... ?Crees que algún día podremos disfrutar de todo esto? Enric Herrera: “Por lo que yo sé, los masters fueron pasando de mano en mano. Algunos masters de Máquina han aparecido ahora recientemente y se han editado temas que no habían sido publicados antes. Algunos los tiene Pick-up, ahora otros los tienen Wah Wah Records Supersonic Sounds (http://www.wah-wahsupersonic.com/). Creo que Joana, la mujer de Fábregas, vendió los masters de todo al morir Angel ya que quedó en una situación algo frágil, económicamente hablando.” - Música Progresiva. ?Como la definirías? Enric Herrera: “Es una etiqueta que alguien se sacó de la manga. La necesidad de clasificar las cosas hace que aparezcan estos términos, casi siempre totalmente ajenos a los artistas.” - ?En tus inicios, qué músicos te influenciaron en los teclados? Enric Herrera: “Hablamos de hace mucho tiempo, es posible que confunda influencias anteriores con otras posteriores. A mi me gustaban los grupos típicos: Los Shadows, Los Beatles, Los Kinks, Spencer David Group, Los Cream, Soft Machine, Brian Auger, John Mayal, etc, seguro que me dejo algunos. Ya no tengo mi colección de discos en vinilo que me serviría de referencia. En una mudanza decidí que no podía seguir cargando con 1500 + LP's, dado el caso. Además de que ya no tenía un plato para reproducirlos.” - Antes de Máquina colaboraste con gente como Jaume SISA, Els Sapastres, o en el mítico EP “Miniatura”. ?Fue así? ?Cómo fueron estas colaboraciones? Enric Herrera: “Yo trabajaba en diversos grupos en aquella época. Saltaba de uno a otro. Con uno de ellos estuvimos más de un año de gira en Europa y Túnez. Al terminar la gira el grupo se disuelve. Cosa habitual. Y al volver a Barcelona, me encontré con "El grup de folk" en apogeo y dada mi amistad con Sisa empecé a colaborar con los diferentes interpretes y grupos que lo formaban.” - Cuéntanos cómo se formó Máquina!. El porqué de la elección de ese nombre. Por cierto, ?el acento cómo es? Enric Herrera: “Máquina nació un poco artificialmente. Un grupo de músicos, que colaborábamos en casi todas las grabaciones de Els 4 Vents decidimos grabar un disco a nuestro gusto. Si no recuerdo mal, primero grabamos y después empezamos a actuar. Si lo escribes en catalán el acento es abierto Màquina.” - ?Intentabáis imitar la música de fuera por el hecho de demostrar que no érais tan diferentes a ellos? Enric Herrera: “La verdad es que, al igual que pasa con las etiquetas, nosotros no intentábamos nada. Solamente tratábamos de hacer lo que nos gustaba y lo mejor posible, dentro de nuestras posibilidades técnicas del momento.” - ?Qué dirección musical querías que Maquina! llevara en sus inicios? Se dice que Jordi Batiste le gustaba más el tipo escenográfico - show para caldear al ambiente-, mientras tu querías una Maquina! más musical ?que hay de cierto en esto? Enric Herrera: “Es cierto. Pero creo que precisamente la unión de estas dos tendencias es lo que dio forma al "estilo" de Máquina” - En aquellos inicios fulgurantes de Maquina, ?teníais la sensación de estar haciendo algo grande y diferente? ?Realmente os sentíais superiores por el hecho de ser diferentes e ir contracorriente? Enric Herrera: “Personalmente, no. Yo creo que íbamos flotando sobre una corriente que no controlábamos. Y cuando tienes poco más de 20 años es agradable dejarte llevar y adular.” ?Qué filosofía de vida o ideología mostrabáis frente a la sociedad de entonces, que tanto os criticaba por ser unos tipos raros, llevar melena o ropas diferentes a los demás? ?Pasábais de todo, íbais contra las reglas establecidas, hippies ...? Enric Herrera: “Como antes, sólo puedo responder por mí mismo. Ir contra las reglas es una constante en una determinada época de la vida de las personas. El que detrás de este inconformismo haya una ideología social, política, etc, ya es otra cosa. Yo creo que no la tenía. O, como mucho, la tenía muy velada y confusa.” - ?Con qué modelo de teclados tocabas en Máquina? ?Que equipo de música utilizábais (amplificadores, columnas, luces, potencia etc)? ?Teniais muchos problemas de sonido en los conciertos? Enric Herrera: “El órgano que usaba era un Hammond con un Leslie. Algunos amplificadores eran Fender y Marshall (no se si estas marcas están escritas correctamente). La verdad es que de luces y del resto de amplificación no me ocupaba en absoluto.” - Se dice que Luis Genil de The Storm y tú eráis los mejores tocando el Hammond en España. Llegastéis a coincidir en alguna ocasión. ?Qué piensas de él? Enric Herrera: “Pues no, que recuerde. La verdad es que no puedo decir nada sobre él. No tengo recuerdos de sus interpretaciones.” - El otro gran grupo vanguardista de aquella época eran los sevillanos SMASH. Opina de ellos y cuéntanos algo de vuestra relación en aquella época. Enric Herrera: “Sí, recuerdo Smash y sé que me gustaba lo que hacían. Pero ahora mismo no recuerdo ninguna anécdota o situación digna de mención.” -Se dice que Máquina! no era grupo de temas cortos, tipo single. Sino un grupo de directo, donde podíais introducir largas improvisaciones, en interacción contínua con el público y con la escenografía “made in Batiste". ?Descríbenos cómo se desarrollaban vuestros conciertos? Enric Herrera: “Máquinas, hubo muchas y muy distintas. Supongo que te refieres a la primera, con Jordi, Tapi y Luigi, y después con Jose María París. Lo de las largas improvisaciones, pues sí al inicio. Después al "profesionalizarnos" seguimos improvisando pero de forma más estructurada.” - ?Por qué cambiastéis a Jackie por Tapioles en la batería? Enric Herrera: “Desavenencias.” - ?Qué significa la berenjena de vuestro segundo single? Enric Herrera: “Lo dejamos a la interpretación imaginativa de cada espectador.” - ?Qué significa el Croissant en la portada de Why? Enric Herrera: “Un estímulo para la interpretación imaginativa del espectador.” - En Why hay varios momentos que me recuerdan a "In-A-Gadda-Da-Vida" de Iron Butterfly y en otros al "Get Ready" de Rare Earth. ?Que piensas de esto? Enric Herrera: “Es posible. ?Es primero "In-A-Gadda-Da-Vida" que "Why"?.” - En aquellas sesiones para el LP Why?, quedaron suficientes registros como para editar 2 LPs más (uno se hubiera llamado “Sinfonia” y otro basado en temas de blues con toques de bossa-nova). El objetivo era cubrir el periodo del servicio militar de Jordi, Enric y Luigi, publicando sucesivamente este material grabado. ?Realmente ese era el objetivo? Enric Herrera: “Pues no sé el objetivo. Creo que todo era menos pre-programado. Creo que, como he dicho antes, el esbozo de Sinfonia y otros bocetos han, finalmente, aparecido en estos discos que han salido recientemente.” -Ante la inminente partida de Jordi y tuya a la mili, entró el veterano Josep Ma Paris como guitarrista. Una de las opciones era adaptar a Luigi al órgano y buscar un bajo. Recurrís a Albert Batiste de Música Dispersa y a Jordi Clúa de Dos + Un, pero ambos rechazan para no dejar colgados a sus grupos. ?Fue así como se intentaron hacer las cosas? (Finalmente, Luigi cogió el bajo y el micro cuando se fue Jordi. Y los teclados quedaron desiertos, cuando te fuiste tú.) Enric Herrera: “Primera noticia. Lo de Luigi al órgano es sicodélico. No creo que hubiera tocado un teclado nunca. Realmente, lo más natural fue lo de pasar Luigi al bajo, ya que según creo recordar, yo me incorporé a la mili como seis meses más tarde que Jordi.” - Después de la partida de Jordi en Mayo de 1970, las diferencias musicales entre tú y el resto del grupo fueron acrecentándose. París estaba tomando cada vez mayor control musical sobre el grupo, cambiando el rumbo musical. ?Fue así? ?En qué consistían estos cambios? ?Esa fue la razón principal de que abandonaras el grupo, incluso antes de tener que irte a la mili? Enric Herrera: “Pues yo no tengo esta percepción. Esta época está confusa en mi mente. No recuerdo la razón de las desavenencias, que debieron existir realmente, ya que yo cree una nueva Máquina prescindiendo de todos ellos.” - A mediados de 1970, formaste parte de un grupo "fantasma" llamado Estratagema, que con "Els 4 vents" llegó a grabar un single. En su hoja promocional interior decía estar compuesto por miembros de Máquina y Dos + Un. Por otro lado, también se dice que Albert Batiste (de Música Dispersa) y Gillem París (de Agua de Regaliz) participaron. ?Qué músicos realmente colaboraron en este disco? ?Con qué finalidad de formó este grupo? Enric Herrera: “Este grupo sólo existió para la grabación de estos temas. Es posible que participaran. De hecho todos estos músicos siempre colaborábamos entre nosotros. Ahora es difícil recordar si en este caso sí o no estaban ahí. Sí recuerdo que estaba Ia Clua y Manel Josep de 2+1.” - En verano de 1970, Oriol Regás os coge como manager. ?Por qué? ?Cómo vivistéis bajo su influencia? ?Qué papel quedó para Angel Fàbregas? Enric Herrera: “Veo que sabéis más vosotros que yo. Sí. Recuerdo que Oriol paso a ser el manager. No creo que hubiera problemas con Ángel. Eran cosas distintas. Yo tengo la percepción de que cuando aparece el "Why" ya estamos con Oriol. Recuerdo haberlo presentado en Bocaccio, con Dalí… Es todo vago en mi mente.” - A partir de Agosto de 1970, Máquina! se quedó sin sus dos miembros fundadores, Jordi Batiste y tú. Paris, Cabanach y Tapi siguieron como trío, manteniéndo la buena acogida y crítica en sus actuaciones. ?Qué piensas de aquella Máquina? ?Fábregas los seguía tutelando? Enric Herrera: “Ya he dicho que tengo un poco de lio cronológico. Sí que creo que hubo un periodo así, como dices. Pero creo recordar también que entro Álvaro Is como teclista. No pienso nada, nunca la pude oir. No sé lo de Fábregas.” - A principios de 1971, decidiste formar otra Máquina, prescindiendo de París y Tapi. ?Por qué? Incluso durante algunas semanas hubó dos Máquinas funcionando, la tuya y la de Paris y Tapi. La disolución de la Máquina de Paris, en Febrero de 1971, ?tuvo que ver por posibles derechos reclamados por Fábregas en cuanto a la utilización de nombre del grupo? (legalmente pertenecía a los cofundadores, Jordi y tú) Enric Herrera: “Creo que sí. Los derechos eran nuestros. Y decidí cambiar del todo el rumbo. De hecho, el cambio fue de todos los miembros ya que integré el trío Crac (Baleriola, Benavent, Font) en Máquina.” - Ofreciste a Jordi entrar en tu nuevo proyecto. ?Por que su aportación en el disco en directo es mínima? Enric Herrera: “Pues no entraba. Era un tema de objetivos musicales distintos.” - ?A qué crees que fue debida la poca repercusión de la segunda etapa de Máquina? ?Por qué te decantaste por ese estilo “Chicago / Blood, Sweat & Tears”, tan diferente a los orígenes de Máquina? Enric Herrera: “No sé. Simplemente se produce una evolución musical que nos lleva hacia estos estilos.” - En 1982, Angel Fábregas publica un miniLP con tres temas en directo de esta segunda etapa. “Funciona ...” se llamaba. La vocalista es una mujer (Arta?). ?Sabes más de este disco? Enric Herrera: “No tenía ni idea. Me interesaría mucho poder oírlo. ?Sabéis como conseguirlo?. Sí, me acuerdo de Arta. Era canadiense, tocaba la flauta y era muy guapa.” - Finalmente pudiste grabar en condiciones unas actuaciones en directo, como siempre habías deseado. Fueron las que aparecieron en el doble disco en directo. Se dice que éste fue el primer doble en directo en España. ?Esos conciertos fueron programados exclusivamente con la finalidad de ser grabados? ?Cómo fue el trabajo de la grabación y mezcla de este album? Enric Herrera: “Lo de buenas condiciones, es un eufemismo, ?no?. Sí, se programaron porque ya habíamos tomado la decisión de disolver el grupo. Así que, como despedida, invitamos a Jordi para que interpretara algunos temas.” - La desaparición definitiva de Máquina vino antes, incluso, de la publicación de 2LP en directo. ?cuáles fueron las causas de esta desaparición? Enric Herrera: “Básica y exclusivamente económica.” - En cuanto a las apariciones televisivas, en Febrero del 70. “Especial Pop”, de Valerio Lazarov. Presentando el 2º single “Earth's daughter”, en Verano del 70. “Luces en la noche” “Ritmo 70” “Fórmula Todo” ”Estudio Abierto” y en 1982, en “Qué noche la de aquel año” de Miguel Rios, os reunís para grabar un par de temas. ?Cómo fue vuestro paso por estos programas de televisón? Enric Herrera: Tengo un especial recuerdo de una grabación en directo en Miramar (estudios de TVE en Barcelona en aquella época) para un programa en el que también grababa Tete Montoliu. Siempre he tenido la percepción de que estas grabaciones podían haber servido para un disco. No sé ni la fecha ni el nombre del programa.” "Recuerdo alguna cosa en el programa de Iñigo, que nos obligaron a algo, pero no se si lo recuedo realmente o es que he oido comentarios y los he acabado asimilando". - Emi Odeon te fichó en 1972 como solista, pero no llegaste a grabar nada. ?que sucedió? Enric Herrera: "Sí, se quería crear un Elton John español. Se hizo un single con unos temas míos, todo sonaba de maravilla (a mí me lo parecía). Y llegó la hora de cantar, y… ahÌ se acabó. Realmente canto muy mal.” - Porque causa no llegaste a debutar con Musica Urbana en la primavera del 76? Enric Herrera: “Incompatibilidades musicales.” - El 31 de Enero del 2004 en la Sala "As de Copes" de Granollers regreso después de 32 años inactivo, una Maquina! de la mano de Jordi Batiste y Lluis cabanach pero sin ti, con Toni Saigi "Chupi" a los teclados, con muchas ganas, querían hacer un punto y seguido, demostrar que es la buena música, pero parece que en esta época de vida fácil ya no interesa ir contra corriente y poco a poco se ha ido desvaneciendo "la trempera" inicial. ?Porque no has participado en este retorno? Enric Herrera: “Creo que ahora no tiene sentido hacer esa música.” - Últimamente, varios miembros de Smash se han reunido en varias ocasiones para tocar en conciertos.?Descartas cualquier participación tuya en alguna otra reunión de Máquina? Enric Herrera: “Nunca digas de esta agua no beberé. Aunque ahora hago música sólo por el placer de hacerla y mis gustos musicales están en otra onda.” Enric © by Raul Sedeort y Juan Mellado ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: gira del BarclayJames Harvest de John Lees HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. Con la presente anuncio que la facción de Barclay James Harvest liderada por John Lees (y con un terrateniente de lujo como es Wolly Wostenhome) está de gira en su Gran Bretaña natal desde fines de octubre, con final en grecia. La parte final de esta gira incluye algunas breves apariciones personales en Italia con un formato acústico a cargo de Lees, Wostenholme y el teclista invitado Mike Bramwell. A continuación sigue la lista de presentaciones .- 30 de octubre MILTON KEYNES The Stables Theatre 31 de octubre MILTON KEYNES The Stables Theatre 1 de noviembre NEWCASTLE Journal Tyne Theatre 2 de noviembre EDIMBURGO Queens Hall 3 de noviembre MANCHESTER Academy 4 de noviembre LEEDS City Varieties Theatre 5 de noviembre LONDRES Shepherds Bush Empire 7 de noviembre FALMOUTH Princess Pavilion 8 de noviembre BRISTOL Academy 9 de noviembre NORWICH UEA 10 de noviembre WORTHING Assembly Hall 11 de noviembre COLCHESTER Arts Centre 12 de noviembre WOLVERHAMPTON Wulfrun Hall 25 de noviembre ATENAS Fuzz Live (antes llamado Club 22) 26 de noviembre SALÓNICA Mylos Las apariciones del trío acústico serán: 28 de noviembre ROMA, librería de MEL bookstore (aparición personal y show a las 18:00) 29 de noviembre ANTELLA (FLORENCIA), teatro Coumnale (con Emma Tricca a las 21:00) 30 de noviembre Conicerto de Roberto Fioravanti (con Emma Tricca a las 21:00) 2 de diciembre LIVORNO, Teatro Goldoni (Ceremonia de Premiación Piero Ciampi) Más detalles en el link http://www.barclayjamesharvest.com/ Aquí me despido hasta una nueva ocasión. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "jn_mellado" Asunto: Programas en el Canal_TVE_50_años En la programación de Canal50años de Televisión Española se van a programar los siguintes conciertos/reportajes: Sábado 11 de noviembre a las 23h.59' ICEBERG en el programa Tribuna de la Cultura. 00:05 TRIBUNA DE LA CULTURA LA OTRA MÚSICA PRODUCCIÓN: IGNACIO SÁENZ PIÑEIRO INVITADO/S: RAMÓN TRECET, RAFAEL ABITBOL, MIGUEL RÍOS, LUIS FORNES Programa dedicado al análisis de la llamada música ligera, con actuaciones de Pablo Guerrero, Miguel Ríos, Suburbano, Los Sirex, Iceberg, Los Brincos y La teta Atómica. Coloquio. Sábado, 25 de noviembre 23:35 POPGRAMA TRIANA (1977) PRESENTACIÓN: CARLOS TENA Programa grabado en Sevilla y dedicado al grupo sevillano Triana, en el que interpretan varios temas musicales y realizan una entrevista. Sabado 23 de Diciembre 23:30 MÚSICA PARA LA NOSTALGIA AHORA... TRIANA REALIZACIÓN: MERCEDES VILARET INTÉRPRETE/S: TRIANA ASESOR: LUIS CROUS Programa musical con la actuación y entrevistas al grupo Triana. ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: OCTOPUS en vivo, 11 de noviembre HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. La banda instrumental chilena OCTOPUS sigue promocionando su reciente trabajo discográfico "Bonsai". Su próximo concierto será el sábado 11 de noviembre. Hora - 08:30 PM Local - SALA MASTER Dirección - MIGUEL CLARO 509, SANTIAGO ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Juan Mellado" Asunto: vuestra opinion respecto... GENESIS en el 2007 Hola Este martes pasado 7 de noviembre se realizo en un hotel londinense una conferencia de prensa para anunciar oficialmente que Genesis (Tony Banks, Phil Collins y Mike Rutherford) VUELVEN en el año 2007. Nos gustaria saber vuestra opinión respecto a esta reunión de GENESIS. Que creeis que podemos esperar, musicalmente hablado? Comercial o Progresivo el nuevo disco de Genesis? ?Que pensais de la ausencia de Peter Gabriel y Steve Hackett?. Opinad porfavor !!! Salu2 Juan ---------------------------------------------------------------------------- Autor: RWR1YXJkbyBHYXJj7WEgU2FsdWXxYQ Asunto: Pink Floyd - "A saucerful of secrets" (1968) Pink Floyd : "A saucerful of secrets" (1968) 01. Let there be more light (05:38) 02. Remember a day (04:33) 03. Set the controls for the heart of the sun (05:27) 04. Corporal clegg (04:12) 05. A saucerful of secrets (11:59) 06. See-saw (04:36) 07. Jugband blues (03:00) - ROGER WATERS: Bass, vocals (1, 3, 4, 5) - DAVID GILMOUR: Guitar, backing vocals (5) - RICHARD WRIGHT: Piano, Hammond Organ, Mellotron, vocals (2, 5, 6) - NICK MASON: Drums, percussion - SYD BARRETT: Guitar, vocals (7) Hablar de una agrupación como Pink Floyd, tan importante en el devenir de la música popular de la segunda mitad del siglo XX en general y en los estilos más "progresivos" (en el sentido más literal del término) en particular, sin dejarse llevar por la pasión es una tarea bastante difícil, aunque no imposible. Pink Floyd es un nombre que ha estado ligado siempre a los ámbitos más innovadores dentro del trinomio música (o sonido)-literatura (o textos y sus simbolismos)-tecnología (en todas sus apreciaciones) en función de una categoría que se podía denominar como "conceptual". En cuanto al discurso musical de los Floyd, sería posible decir que han sabido muy bien captar, a su favor, los recursos estéticos que propiciaban los diferentes momentos creativos que se dieron a partir de finales de los 60's: desde la psicodelia, el space-rock y el espíritu de la vanguardia académica (como la Música Concreta) presentes en sus primeros trabajos, hasta el cultivo de un rock progresivo-sinfónico con influencias de la "música negra" y el musical americano durante la década de los 70's. "A saucerful of secrets" marca un cauto y lógico paso adelante en la búsqueda por la experimentación y por la construcción de un discurso artístico sólido y coherente, tras la muy personal tarjeta de presentación que había constituido, el año anterior, "The piper at the gates of dawn" (uno de los iconos del universo musical psicodélico). Su debut discográfico venía marcado por la muy acentuada mente creativa de Syd Barret, quien junto al resto del grupo supo plasmar imágenes oníricas y surrealistas en aventuras sonoras con cuidados arreglos instrumentales (en conjunción con obras como "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" de The Beatles, 1967), combinadas con extensas piezas-jam de mayor experimentación e improvisación (como "Interestellar overdrive"). En "A saucerful of secrets" se produce la marcha de Barrett (quien deja su constancia en "Jugband blues", que inevitablemente suena a despedida) y la entrada de David Gilmour, presencia que poco a poco irá empastando con el resto hasta hacerse muy patente en el ámbito compositivo del grupo. Por todo ello, "A saucerful of secrets" bien podría considerarse como un trabajo de transición en donde, por una parte se pueden escuchar aún reminiscencias de su primer trabajo, con ecos "beatlescos" y el influjo, aún en el ambiente, de Syd, y por otra se está asistiendo a un tímido alejamiento y profundización en otros derroteros más experimentales (que acabarán desembocando en "Ummagumma", uno de sus trabajos más diversos, imprevisibles e incomprendidos). El álbum se habla con LET THERE BE MORE LIGHT, pieza de Waters que se inicia con un potente riff de guitarra sobre el que el Hammond se deja llevar con gran dinamismo, tras lo cual comienza la estructura principal de la canción, con pinceladas épicas (tanto en las voces como en su guitarra final) y algo de presencia Barrettiana (guiño en las letras a "Lucy in the sky with diamonds"); REMEMBER A DAY, composición de Wright, tiene unas ciertas connotaciones melancólicas, acentuadas por el piano y la voz de Wright. Guiño también al código morse de "Astronomy domine", del primer disco de Pink Floyd; SET THE CONTROLS FOR THE HEART OF THE SUN, compuesta por Waters, supone una incursión en un envolvente rock oscuro y atmosférico con acentos orientales. Es una pieza muy progresiva, en su concepción más literal, a partir de diferentes crescendos expresivos. Aquí se muestra un paso adelante en la depuración de sus piezas experimentales de carácter más repetitivo (como la posterior "Careful with that axe, Eugene"); CORPORAL CLEGG, también de Waters, es una de las piezas en donde se muestra más claramente esa transición entre el estilo del primer disco y los avances hacia otros terrenos musicales, simbolizados, de alguna manera, con la alternancia de las dos partes de la canción. A destacar el trabajo coral, las bases de órgano de Wright (parece que es una muestra de lo que está por venir) y esos interludios festivos instrumentales de carácter lúdico. A SAUCERFUL OF SECRETS se erige como uno de los temas principales del álbum, trabajado en conjunto por el grupo, y siendo el más experimental, en conjunto, de la obra, sentando de alguna manera las bases de su siguiente proyecto "Ummagumma" (realizado tras la grabación de la BSO de "More", película de Barbet Schroeder). En sus casi 12 minutos hay tiempo para todo tipo de emociones, desde las inquietantes atmósferas iniciales, hasta el violento caos sustentado por un ritmo baterístico de concepción casi tribal, pasando por unas penetrantes progresiones de órgano Hammond que crecen hasta configurar una línea melódica a la que pronto se añaden unas voces celestiales que le dan un carácter más épico. Posiblemente sea el momento más recordado del álbum y uno de sus primeros acercamientos a un rock con pretensiones sinfónicas (esta línea, además, se volverá a utilizar ligeramente modificada al final de "Cirrus minor", en la ya aludida BSO de "More", ese mismo año). Por cierto, en la versión en directo que se encuentra en "Ummagumma" presenta un carácter más directo alcanzando un gran clímax expresivo al final, con todo el grupo en plena apoteosis. SEE-SAW es una pieza cargada de una cierta ensoñación, cortesía de Wright, que se ve envuelta en cierta cubierta psicodélica presentando además una cierta ambición tímbrica en la instrumentación (cargada de teclados que otorgan mucha riqueza textural, un tratamiento percusivo bastante versátil y, una vez más, unos muy cuidados arreglos corales). Por último, JUGBAND BLUES supone la despedida de Syd Barrett, un amable epílogo que, aunque rompe algo el tono general del álbum (habría encajado mejor en su álbum anterior), no desentona en absoluto y deja un buen sabor de boca, con final experimental incluido en donde se superpone una banda de metales tocando junto a las atmósferas más ruidistas del grupo (más guiños a The Beatles y al Sgt. Pepper's). En conclusión, este "A saucerful of secrets" es un trabajo que demuestra que, aunque la personalidad de Pink Floyd se había afianzado bastante fuerte con la presencia de Syd Barrett en su primer álbum, las inquietudes del resto del grupo y del recién incorporado Gilmour seguirían floreciendo, dejando ver otras interesantes líneas de trabajo y anunciando futuros tránsitos musicales que estaban por llegar, un "nuevo ladrillo" en su "muro" particular. !Un saludo para tod@s! Eduardo García Salueña www.senogul.tk www.myspace.com/senogul ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: FLOR DE LOTO en la prensa peruana HOLA CAJEROS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA. Con la presente transcribo una nota periodística publicada en la versión online del diario limeño “El Comercio”, referente al periplo del grupo FLOR DE LOTO por los escenarios brasileños.- “ EN RUTA A RIO DE JANEIRO Los nacionales de Flor de Loto han sido invitados a participar en un prestigioso encuentro musical los días 10 y 11 de noviembre. También se presentarán bandas de Brasil, Chile y Argentina. En un tiempo relativamente breve, Flor de Loto ha logrado objetivos que los pueden situar ya entre los grupos más importantes de rock progresivo peruano. Con solo un disco en el mercado, de título epónimo, se ha situado en un casillero que bien puede ser la posta de los legendarios Frágil. Todo un desafío, si tomamos en cuenta que los mandatos actuales del rock desestiman las incursiones demasiado elaboradas en beneficio del rock garajero y de las recetas electrónicas. Pero ese panorama parece no importar a los miembros de Flor de Loto; ellos se lanzaron al ruedo con la premisa de abordar la música desde una perspectiva experimental, flexible e ilimitada. El esfuerzo les valió primero la atención del sello chileno Mylodon Records, por el que editaron su disco de debut; luego, la invitación al Río Art Rock Festival, que se llevará a cabo el 10 y 11 de noviembre en Río de Janeiro, Brasil. Flor de Loto representará al Perú en este encuentro de bandas progresivas y de rock sinfónico. Además, se contará con la presencia de los ensambles Exsimio (Chile), Amagrama (Argentina) y Spin (Brasil). El festival se desarrollará en el Espaço Cultural AMF Unimed, gracias a las gestiones de la disquera Rock Symphony. LA AGENDA Los cuatro grupos participantes se dividirán en dos por cada día; así, el viernes 10 de noviembre los chilenos de Exsimio abrirán el festival y nuestros compatriotas de Flor de Loto se encargarán de ponerle el broche final a la jornada. El sábado 11 harán lo propio las bandas Spin y Amagrama. Pero eso no queda ahí, previamente al festival, Flor de Loto tendrá la oportunidad de tocar en el Teatro Municipal de la ciudad de Macae (también en Río de Janeiro). La cita está fijada para el 8 de noviembre. Este viaje a Brasil será importante para que Flor de Loto muestre su música más allá de nuestras fronteras, una música que encuentra fuertes referencias de Jethro Tull, tanto por la recurrencia a la flauta traversa como por las fusiones con el jazz y el rock duro. No obstante, las valijas de Flor de Loto mantienen elementos distintivos de nuestra propia cultura, como las mezclas con los sonidos andinos. ” ---------------------------------------------------------------------------- Autor: Asunto: el 2do. de TRYO TRYO: “Crudo” (1998) Temas 1. Fuenteovejuna 2. Viento de Otoño 3. Vitral 4. Nueva Época 5. Fanfarria 6. Homenaje 7. Transcurso 8. Nocturno [ i. Romance ii. Arcano iii. Nocturno] 9. Nguillatun 10. Mantra 11. Danza Integrantes - Ismael Cortez: guitarras - Francisco Cortez: bajo, cello - Félix Carbone: batería, percusión Con éste, su segundo disco, la banda chilena Tryo empezó a mostrara todas las cartas de su propuesta progresiva: esto es, empezó a dar un campo más amplio a su faceta acústica, a la par que reforzaba su faceta eléctrica en búsqueda de afianzar su potencia y fiereza inteligentemente administradas. Los primeros seis temas de “Crudo” provienen de un concierto realizado en Viña del Mar en marzo de 1997, sujetándose a su formato básico de power trio. El resto del álbum sirve para que el grupo explore las sutilezas y cadencias propias de la interacción entre la guitarra acústica, el cello y percusiones varias (principalmente, el vibráfono) desde una óptica vanguardista. Dado que la distribución de estas dos facetas está marcada en una dualidad, se siente que el grupo aún prefiere trabajar a fondo ambos lados de su visión musical por su lado antes de integrarlas de manera más fluida, cosa que tendrá lugar de manera exitosa en sus dos siguientes trabajos de estudio. En fin, quedémonos en este disco específico. ‘Fuenteovejuna’, una de las piezas más notables de su disco debut, abre la sección en concierto. El grupo ofrece su patentado nervio en el cual confluyen el crimsonismo, el rock pesado y los matices de raigambre jazz-rock. ‘Viento de Otoño’ muestra una ambientación más centrada en lo jazzero, con unos juegos de acordes de guitarra que proporcionan un núcleo evocativo muy afín al paisaje mental aludido en el título: el solo de guitarra se muestra lo suficientemente contenido como para no romper con el equilibrio establecido por los tres instrumentos. ‘Vitral’ y ‘Nueva Época’ son patentemente más musculares, aunque con la suficiente dosis de sofisticación como para no caer en clichés clásicos el rock duro, apelando a ornamentos rítmicos complejos y tensos. En lo personal encuentro una pena que ‘Vitral’ no se extienda más allá de los 3 minutos y cuarto, pues su punche bien pudo dar para un desarrollo más exhaustivo – al menos desde mi humilde perspectiva de melómano. ‘Fanfarria’ ya apunta hacia el lado más notablemente explosivo del grupo, pura efusividad electrizante articulado sobre cambios de ritmo que le dan al despliegue de fuerza un dinamismo peculiar, el mismo que alcanza picos de furia en los pasajes más trepidantes. ‘Homenaje’ cierra la sección en vivo con aires zeppelinianos: un tema con gancho un tanto sencillo, el cual Tryo explota con buen gusto. El solo de bajo saca a la luz el esqueleto jazzero del tema, el cual había permanecido escondido de manera muy sutil bajo los poderosos riffs de guitarra. Con ‘Transcurso’, que no es sino un minuto de ruidos de aves y grillos en el bosque, se abren las puertas del pasadizo que nos conduce a la facción acústica del disco. ‘Nocturno’ es una pieza en tres secciones en el que el ensamble explora ambientes melancólicos apelando a sutilezas refinadas en las cuales el cello y la guitarra acústica se complementan consistentemente en un enlace coloreado por efectos percusivos tan delicados como relevantes. Tenemos aquí un tapiz de tonalidades grisáceas transformada en sonido: las partes de vibráfono articuladas en torno a los arpegios de guitarra parecen flotar cuales leves hojas otoñales que no terminan de caer al suelo. ‘Nguillatun’ ofrece un paisaje más misterioso y sombrío, como emanando desde un rincón mítico de la realidad: parece mentira cuánta fuerza expresiva puede surgir de la combinación de medidos acordes de guitarra, surrealistas flujos de cello y ornamentos de tambores. Las cosas se expanden más en algunos pasajes de la segunda mitad de esta pieza, creando una suerte de clímax intermedio. ‘Mantra’ nos devuelve a la melancolía de ‘Nocturno’, aunque se nota que hay un aumento de intensidad, una noción que se confirma a partir del cuarto minuto, cuando emerge transitoriamente una marchosa sección de base étnica tropical. ‘Danza’ ocupa el último minuto del disco, con un motivo extraído de ‘Fuenteovejuna’. En fin, “Crudo” es el manifiesto del inicio de la madurez estilística de Tryo, y como tal debe ser visto como un documento valioso sobre el significado que, hoy por hoy, tiene la obra de este grupo dentro de la vanguardia progresiva contemporánea. César Mendoza ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Jorge Padilla L" Asunto: Magma Si todo mundo pudiera ver este video, a todo mundo le gustaría: Jade chante Magma http://www.youtube.com/watch?v 52vhtwuGjOA Saludos! ---------------------------------------------------------------------------- Autor: "Jorge Padilla L" Asunto: La_declaración_progresiva "En los 70's el rock progresivo era, más que nada, una categoría en sí misma. Nadie se molestaba en tratar de etiquetar a Yes, Genesis, ELP o a Gentle Giant como géneros distintos. Sólo eran Rock Progresivo. Hoy en día, está subdividido en Synth, electronic, electronica, metal sinfónico, heavy metal, prog, goth groove, neo-handbag, garage, trash...!! No sé en qué categoría piensa la gente que encaja mi música en esto, pero por lo general yo la llamo una especie de híbrido de Rock Progresivo y de lo que se acostumbraba llamar Rock Sinfónico." -Nick Magnus, 2004. Saludos! ----------------------------------------------------------------------------